Începuturile Art Nouveau
Apogeul Art Nouveau - literalmente "Arte Nou" - poate fi atribuit două influențe distincte: prima a fost introducerea, în jurul anului 1880, a mișcării britanice Arts and Crafts, care, la fel ca Art Nouveau, a fost o reacție împotriva designului dezordonat și a compozițiilor de artă decorativă din epoca victoriană.
A doua influență a fost moda curentă a artei japoneze, în special a gravurilor pe lemn, care a cucerit mulți artiști europeni în decadelor 1880 și 1890, inclusiv artiști precum Gustav Klimt, Emile Gallé și James Abbott McNeill Whistler. Gravurile japoneze pe blocuri de lemn, în special, conțineau forme florale și bulbiforme, și curbe de "fierăstrau", toate elemente cheie ale a ceea ce urma să devină Art Nouveau.
Art Nouveau japonez - Valul lui Katsushika Hokusai
Este greu de identificat primele lucrări de artă care au lansat oficial Art Nouveau. Unii susțin că liniile imprimate și fluide și fundalurile florale găsite în picturile lui Vincent van Gogh și Paul Gauguin reprezintă nașterea Art Nouveau, sau poate chiar litografiile decorative ale lui Henri de Toulouse-Lautrec, cum ar fi Moulin Rouge: La Goulue (1891).
Cu toate acestea, majoritatea punctează către originea artelor decorative și, în special, către coperta unei cărți a arhitectului și designerului englez Arthur Heygate Mackmurdo pentru volumul din 1883 Wren's City Churches.
Mackmurdo, Arthur: atribuit ca prima reprezentare a Art Nouveau
Designul cărții arată tulpini serpentinoase de flori care emană dintr-un bloc plat aflat în partea de jos a paginii, amintind clar de gravurile în lemn de stil japonez.
Expoziții Art Nouveau
Art Nouveau a fost adesea mai evident în expozițiile internaționale în timpul apogeului său. Noul stil a beneficiat de scena centrală în cinci târguri deosebite: Expozițiile Universale din 1889 și 1900 în Paris; Expoziția Tervueren din 1897 din Bruxelles, unde Art Nouveau a fost folosit pe scară largă pentru a arăta posibilitățile meșteșugului cu lemn exotic din Congo Belgian; Expoziția Internațională de Arte Decorative Moderne din Torino din 1902; și Expoziția Internațională de l'Est de la France din 1909 în Nantes.
În fiecare dintre aceste târguri, stilul a fost dominant în ceea ce privește artele decorative și arhitectura expusă, și în Torino în 1902, Art Nouveau a fost într-adevăr stilul ales de practic toți designerii și toate națiunile reprezentate, excluzând orice alt stil.
Poster Expoziția Internațională a Arte Decorativ Modern
El Art Nou
veau: o mișcare artistică cu mii de nume
Siegfried Bing, un comerciant german și cunoscător al artei japoneze care locuia în Paris, a deschis un magazin numit L'Art Nouveau în decembrie 1895, care a devenit unul dintre principalii furnizori ai stilului în mobilă și arte decorative. În scurt timp, numele magazinului a devenit sinonim cu stilul în Franța, Marea Britanie și Statele Unite. Cu toate acestea, popularitatea mare a Art Nouveau în Europa de vest și centrală a însemnat că avea mai multe titluri diferite. În țările vorbitoare de germană, de obicei a fost numit Jugendstil (stil tineresc), luat de la o revistă din München numită Jugend care l-a popularizat. Între timp, în Viena, casa lui Gustav Klimt, Otto Wagner, Josef Hoffmann și ceilalți fondatori ai Secesiunii Vieneze, era cunoscut ca Sezessionsstil (stil de secesiune).
De asemenea, era cunoscut ca Modernismo în spaniolă, Modernism în catalan și Stile Floreale (stil floral) sau Stile Liberty în Italia, acesta din urmă datorită magazinului de țesături al lui Arthur Liberty din Londra, care a contribuit la popularizarea stilului. În Franța, era denumit în mod obișnuit Style Moderne și ocazional Style Guimard în onoarea celui mai faimos practicant de acolo, arhitectul Hector Guimard, în timp ce în Olanda era adesea numit Nieuwe Kunst (Artă Nouă).
Este important de menționat că numeroșii săi detractori i-au dat și diverse nume disprețuitoare: Style Nouille (stilul tăiței) în Franța, Paling Stijl (stilul anguilei) în Belgia și Bandwurmstil (stilul tenia) în Germania, toate nume care făceau referire jucăușă la tendința Art Nouveau de a folosi linii sinuoase și fluide.
Art Nouveau: concepte, stiluri și tendințe
Ubicația Art Nouveau la sfârșitul secolului al XIX-lea trebuie explicată parțial prin utilizarea pe care o fac mulți artiști de forme populare și ușor de reprodus, întâlnite în artele grafice. În Germania, artiștii de Jugendstil precum Peter Behrens și Hermann Obrist și-au imprimat lucrările pe coperți de cărți și cataloage de expoziții, anunțuri de reviste și afișe.
Dar această tendință nu s-a limitat în niciun fel la Germania. Ilustratorul englez Aubrey Beardsley, poate figura cea mai controversată a Art Nouveau datorită combinației dintre erotic și macabru, a creat o serie de afișe în cariera sa scurtă care foloseau linii grațioase și ritmice. Printurile foarte decorative ale lui Beardsley, cum ar fi The Peacock Skirt (1894), erau atât decadente, cât și simple, și reprezintă legătura cea mai directă pe care o putem identifica între Art Nouveau și japonism / gravuri Ukiyo-e.
Fusta de paun a lui Aubrey Beardsley - Art Nouveau
În Franța, afișele și producția grafică a lui Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre Bonnard, Victor Prouvé, Théophile Steinlen și câțiva alții au popularizat stilul de viață luxos și decadent al belle époque, aproximativ perioada dintre 1890-1914, asociat de obicei cu sordidul district de cabaret Montmartre din nordul Parisului.
Lucrările lor grafice au folosit tehnici cromolitografice noi pentru a promova totul, de la noi tehnologii precum telefoane și lumini electrice până la baruri, restaurante, cluburi de noapte și chiar artiști individuali, evocând energia și vitalitatea vieții moderne. Procesul a dus rapid la elevarea afișului de la o reclamă pedestră la artă ridicată.
Arhitectura modernistă a Art Nouveau
Pe lângă artele grafice și vizuale, orice discuție serioasă despre Art Nouveau trebuie să ia în considerare arhitectura și influența sa semnificativă asupra culturii europene. În centre urbane precum Paris, Bruxelles, Glasgow, Torino, Barcelona, Antwerp și Viena, precum și în orașe mai mici precum Nancy și Darmstadt, împreună cu locuri din Europa de Est precum Riga, Praga și Budapesta, arhitectura Art Nouveau a predominat în mare măsură, atât ca dimensiune, cât și ca aspect, și este încă vizibilă astăzi în structuri atât de variate precum case mici de tip duplex până la mari clădiri instituționale și comerciale. În special în arhitectură, Art Nouveau s-a manifestat într-o varietate largă de limbaje.
Numeroase clădiri includ o utilizare prodigioasă a teracotei și a plăcilor colorate. Ceramistul francez Alexandre Bigot, de exemplu, a devenit celebru în mare parte datorită producției de ornamente din teracotă pentru fațadele și coșurile de fum ale reședințelor și clădirilor de apartamente din Paris. Alte structuri Art Nouveau, în special în Franța și Belgia, în care Hector Guimard și Victor Horta au fost practicanți importanți, arată posibilitățile tehnologice cu structuri din fier unite de panouri de sticlă.
Casa Batlló – Barcelona - Art Nouveau
În multe zone din Europa, arhitectura rezidențială Art Nouveau s-a caracterizat prin utilizarea pietrei locale, cum ar fi calcarul galben sau o estetică rurală rockoasă cu curs aleatoriu și cu îmbinări din lemn. În multe cazuri s-a utilizat o piele sculpturală de stucco alb, în special în clădiri Art Nouveau utilizate pentru expoziții, precum pavilioanele Expoziției Universale de la Paris din 1900 și clădirea Secesiunii din Viena. Chiar și în Statele Unite, formele vegetale care decorează zgârie-nori de Louis Sullivan, cum ar fi clădirea Wainwright și Bursa de Valori din Chicago, sunt adesea considerate printre cele mai bune exemple ale amploarei arhitecturale a Art Nouveau.
Arcul rămas de la Bursa de Valori din Chicago - Art Nouveau
Mobilierul în stil Art Nouveau și designul de interior
La fel cum renașterile stilistice victoriene și Mișcarea Artelor și Meserii, Art Nouveau a fost strâns asociat cu decorarea interioară, cel puțin la fel de pronunțat ca în fațadele exterioare. La fel ca acestealte stiluri din secolul al XIX-lea, interioarele Art Nouveau au căutat de asemenea să creeze un mediu armonios și coerent care să nu lase nicio suprafață intactă. Designul de mobilă a ocupat un loc central în acest sens, în special în producția de lemn sculptat care prezenta contururi ascuțite și neregulate, adesea realizate manual, dar uneori fabricate cu ajutorul mașinilor. Producătorii de mobilă au creat piese pentru toate utilizările imaginabile: paturi, fotolii, mese și scaune de dining, dulapuri, bufete și candelabre. Curbele sinuoase ale designurilor erau adesea inspirate de fibra naturală a lemnului și erau adesea montate permanent ca panouri de perete și îmbinări.
În Franța, principalii designeri de Art Nouveau au inclus pe Louis Majorelle, Emile Gallé și Eugène Vallin, toți având sediul în Nancy, și Tony Selmersheim, Édouard Colonna și Eugène Gaillard, care au lucrat în Paris, ultimii doi specific pentru magazinul lui Siegfried Bing numit L'Art Nouveau, dând astfel întregului mișcări numele său cel mai comun.
Mobilier din design - Louis Majorelle Art Nouveau
În Belgia, linia de stil și contururile mai unghiulare și rezervate pot fi văzute în designurile lui Gustave Serrurier-Bovy și Henry van de Velde, care admirau lucrările artiștilor englezi din Arts & Crafts. Italienii Alberto Bugatti și Augustino Lauro au fost foarte cunoscuți pentru incursiunile lor în stil acolo. Mulți dintre acești designeri se mișcau liber între medii, ceea ce îi făcea adesea greu de categorisit: Majorelle, de exemplu, și-a fabricat propriile designuri de mobilă din lemn și a deschis o turnătorie,
Alberto Bugatti Muebles Art Nouveau
Pictura Art Nouveau și artele înalte
Puteți să afirmați că puține stiluri sunt reprezentate în aproape toate formele de medii vizuale și materiale atât de complet ca Art Nouveau. În plus față de cei care au lucrat în principal în grafica, arhitectură și design, Art Nouveau are unii reprezentanți notabili în pictură, precum secesionistul vienez Gustav Klimt, cunoscut pentru Hope II și The Kiss (ambele din 1907-08), și Victor Prouvé în Franța.
Speranța II de Klimt - Art Nouveau
Dar pictorii Art Nouveau erau puțini și depărtați între ei: Klimt nu a avut practic studenți sau urmași (Egon Schiele a mers în direcția expresionismului), iar Prouvé este, de asemenea, cunoscut ca sculptor și designer de mobilă. În schimb, se poate spune că Art Nouveau a fost responsabil, mai mult decât orice alt stil din istorie, pentru reducerea prăpastiei dintre artele decorative sau aplicate la obiecte utilitare și artele frumoase sau pur ornamentale ale picturii, sculpturii și arhitecturii, arte care tradițional au fost considerate mai importante, expresii mai pure ale talentului și abilităților artistice, fiind discutabil dacă această prăpastie a fost complet închisă.
Desen de Victor Prouvé Art Nouveau
Bijuteriile și sticla Art Nouveau
Reputația de lux a Art Nouveau a fost de asemenea evidentă prin exploatarea sa de către unii dintre cei mai cunoscuți artiști ai sticlei din istorie. Emile Gallé, frații Daum, Tiffany și Jacques Gruber au găsit primi renume, cel puțin parțial, prin sticla lor Art Nouveau și aplicațiile sale în multe forme utilitare. Semnăturile lui Gallé și Daum și-au stabilit reputația în designurile de vaze și artă din sticlă, fiind pionieri în tehnici noi în piese gravate cu acid ale căror suprafețe curbe sinuoase și bine formate păreau să curgă între nuanțe translucide fără efort.
Frații Daum și Tiffany au exploatat, de asemenea, posibilitățile artistice ale sticlei în scopuri utilitare, cum ar fi ecranele de lampă și ustensilele de birou. Atât Tiffany cât și Jacques Gruber, care se formaseră în Nancy cu frații Daum în bijuterie, precum și René Lalique, Louis Comfort Tiffany și Marcel Wolfers, au creat unele dintre cele mai prețioase piese de la începutul secolului, producând totul, de la cercei la coliere, brățări și broșe, asigurând astfel că Art Nouveau va fi întotdeauna asociat cu luxul de sfârșit de secol, în ciuda speranței că ubicuitatea sa ar putea să o facă în mod universal accesibilă.
Identitatea corporativă în Art Nouveau
Art Nouveau a sărit la faimă exact în timp ce retailul s-a extins pentru a atrage un public cu adevărat masiv. A ocupat un loc proeminent în multe dintre principalele magazine de mari dimensiuni din oraș, stabilite la sfârșitul secolului XIX, inclusiv La Samaritaine în Paris, Wertheim's în Berlin și Magasins Reunis în Nancy.
În plus, a fost comercializat agresiv de unele dintre cele mai celebre puncte de vânzare de design ale timpului, începând cu magazinul L'Art Nouveau al lui Siegfried Bing din Paris, care a rămas un bastion al difuzării stilului până la închiderea sa în 1905, la scurt timp după moartea lui Bing. A lui nu era departe de a fi singurul magazin din oraș care se specializa în interioare și mobilă Art Nouveau.
Între timp, Liberty & Co. era principalul distribuitor al obiectelor stilului în Marea Britanie și Italia, unde, ca rezultat, numele Liberty a devenit aproape sinonim cu stilul.
Liberty & Co - Art Nouveau
Mulți designeri Art Nouveau au devenit celebri lucrând exclusiv pentru acești retaileri înainte de a se îndrepta în alte direcții. Arhitectul Peter Behrens, de exemplu, a proiectat practic totul, de la ceainice la coperți de cărți, afișe publicitare, interioare de pavilioane de expoziții, ustensile și mobilă, și a devenit în cele din urmă primul designer industrial atunci când, în 1907, a fost responsabil pentru tot lucrul de design pentru AEG, General Electric din Germania.
Influența Art Nouveau în cultură: ce a venit după
Dacă Art Nouveau a luat cu asalt Europa în ultimii cinci ani ai secolului al XIX-lea, artiștii, designerii și arhitecții l-au abandonat la fel de repede în prima decadă a secolului XX.
Deși mulți dintre practicanții săi făcuseră din doctrina "forma trebuie să urmeze funcția" centrul ethos-ului lor, unii designeri tindeau să fie luxuroși în utilizarea decorului, iar stilul a început să fie criticat pentru că era prea elaborat. Într-un anumit sens, pe măsură ce stilul a ajuns la maturitate, a început să revină la aceleași obiceiuri pe care le-a disprețuit, iar un număr tot mai mare de opozanți au început să susțină că, în loc să renoveze designul, pur și simplu a schimbat vechiul cu noul superficial. Chiar și utilizând noi metode de producție în masă, meșteșugul intensiv implicat în mare parte din designul Art Nouveau a împiedicat ca acesta să devină într-adevăr accesibil pentru o audiență masivă, așa cum se așteptau inițial exponentii săi. În unele cazuri, cum ar fi în Darmstadt, legile internaționale laxative de drepturi de autor au împiedicat, de asemenea, artiștii să beneficieze financiar de designurile lor.
Asocierea Art Nouveau cu expozițiile a contribuit de asemenea, în curând, la ruina sa. În primul rând, majoritatea clădirilor de expoziție erau structuri temporare care au fost demolate imediat după încheierea evenimentului. Dar, ceea ce este mai important, expozițiile în sine, deși au fost organizate cu pretextul de a promova educația, înțelegerea internațională și pacea, au tendința de a alimenta rivalitatea și competiția între națiuni din cauza naturii inherent comparabile a expunerii. Multe țări, inclusiv Franța și Belgia, au considerat Art Nouveau ca potențiali candidați pentru titlul de "stil național", în fața acuzațiilor de origini străine sau nuanțe politice subversive ale Art Nouveau, de exemplu, în Franța, a fost asociat în diverse moduri cu designeri belgieni și comercianți germani, și uneori era stilul utilizat în clădirile socialiste, revenind astfel opinia publică împotriva sa. Cu câteva excepții notabile în care a beneficiat de un cerc dedicat de sponsori locali dedicați, în 1910 Art Nouveau dispăruse aproape complet din peisajul designului european.
De la Wiener Werkstätte la Art Deco
Moartea Art Nouveau a început în Germania și Austria, unde designeri precum Peter Behrens, Josef Hoffmann și Koloman Moser au început să adopte o estetică mai sobri și mai sever geometrice încă din 1903. În acel an, mulți designerii asociați anterior cu Secesiunea Vieneză au înființat colectivul cunoscut sub numele de Wiener Werkstätte, ale căror preferințe pentru formele netede, colțoase și rectilinii aminteau de o estetică mai precisă, inspirată industrial, care a omis orice referință deschisă la natură.
Această cosificare a calităților de design create de mașină a fost subliniată în 1907 prin două evenimente cheie: numirea lui Behrens ca șef al designului corporativ la AEG, de la clădiri până la produse și publicitate, făcându-l primul designer industrial din lume; și înființarea Werkbund-ului german, alianța formală între industriali și designeri care încerca din ce în ce mai mult să definească un sistem de tipuri de produse bazat pe standardizare. Combinat cu un nou respect pentru clasicism, și inspirat în parte de Expoziția Universală de la Chicago din 1893 și cu binecuvântarea oficială a mișcării City Beautiful din Statele Unite, această estetică inspirată de mașini s-a dezvoltat ulterior în stilul cunoscut acum sub numele de Art Deco.
Caracterul său pur comercial s-a exprimat cel mai succint în Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes din Paris în 1925, evenimentul care, în anii 1960, avea să-i ofere numele de Art Deco. Combinat cu un nou respect pentru clasicism, inspirat în parte de Expoziția Universală de la Chicago din 1893 și cu binecuvântarea oficială a mișcării City Beautiful din Statele Unite, această estetică inspirată de mașini s-a dezvoltat ulterior după Primul Război Mondial, în stilul pe care acum îl numim tardiv Art Deco.
Influențe postmoderne ale Art Nouveau
În ciuda vieții sale scurte, Art Nouveau a fost influent în decadelor 1960 și 1970 pentru designerii care doreau să se elibereze de estetica restrictivă, austeră, impersonală și din ce în ce mai minimalistă care domina artele grafice. Calitățile liniare de flux liber și necontrolate ale Art Nouveau au devenit o inspirație pentru artiști precum Peter Max, ale cărui evocații ale unei experiențe alternative psihodelice și de vis evocă lumea estetică imaginativă, efemeră și de flux liber de la începutul secolului.
Art Nouveau a fost recunoscut încă de la început ca un pas important în dezvoltarea modernismului atât în artă, cât și în arhitectură, astăzi fiind înțeles mai puțin ca un pod de tranziție între perioade artistice și mai mult ca o expresie a stilului, spiritului și gândirii intelectuale dintr-un anumit cadru temporal, centrat în jurul răsăritului de secol, în 1900. În căutarea de a stabili o estetică cu adevărat modernă, Art Nouveau a devenit limbajul vizual definitoriu al unui moment efemer al timpului.
KUADROS ©, un tablou faimos pe peretele tău.
