As 10 pinturas mais famosas de Jesus

A figura de Jesus é uma das mais icônicas da história.

A arte em torno da imagem de Jesus Cristo foi idealizada tanto por artistas amadores quanto por grandes mestres.

Como é possível mostrar na tela uma figura totalmente humana e totalmente divina? Esse tipo de ousadia artística é algo até ousado de se tentar.

Artistas que pintaram na tradição cristã têm feito exatamente isso por dois milênios.

As 10 pinturas mais famosas de Jesus

Esta é uma olhada nas 10 pinturas mais famosas de Jesus ao longo da história, classificadas pelos especialistas da Kuadros.

#1 A Última Ceia - Leonardo Da Vinci

A pintura mais famosa de Jesus Cristo é, sem dúvida , A Última Ceia de Leonardo Da Vinci .

A obra recria o último encontro pascal entre Jesus e seus apóstolos, a partir da história descrita no Evangelho de João, capítulo 13. O artista imaginou, e conseguiu expressar, o desejo que assombra a mente dos apóstolos de saber quem é traindo seu Mestre.

Pintado no final do século XV como mural nas paredes do refeitório do Convento de Santa Maria delle Grazie em Milão.

As pinturas a fresco são geralmente criadas pela aplicação de pigmento sobre intonaco, uma fina camada de reboco de cal úmida.

Essa é normalmente a melhor técnica a ser usada, pois permite que o frio cuide da respiração natural ou da transpiração que uma parede faz à medida que a umidade sobe para a superfície.

No entanto, em A Última Ceia, da Vinci optou por usar tinta a óleo, pois esse material seca muito mais devagar, permitindo que ele trabalhe na imagem de maneira muito mais lenta e detalhada.

Leonardo sabia que a umidade natural que permeia a maioria dos edifícios com paredes de pedra teria que ser selada se ele usasse tintas a óleo, ou a umidade acabaria arruinando seu trabalho.

O artista então adicionou uma camada dupla de gesso, massa de vidraceiro e piche para combater a deterioração causada pela umidade.

Apesar disso, a obra de arte teve que ser restaurada muitas vezes em sua longa história.

Até hoje, muito pouco da camada superior inicial da tinta a óleo permanece como resultado de danos deliberados e ambientais.

#2 A Transfiguração - Rafael

A Transfiguração de Rafael é a obra final do grande artista renascentista Rafael, encomendada pelo cardeal Giulio de Medici, da dinastia bancária Medici.

A obra de arte foi originalmente planejada para ser pendurada como o retábulo central da Catedral de Narbonne, na França, e agora está pendurada na Pinacoteca do Vaticano, na Cidade do Vaticano.

Após a morte de Rafael, a pintura nunca foi enviada para a França e o Cardeal a pendurou no altar-mor da igreja do Beato Amadeus de San Pietro in Montorio, Roma, em 1523.

No entanto, em 1797, a pintura foi levada pelas tropas francesas como parte da campanha italiana de Napoleão e posteriormente pendurada no Louvre.

A pintura pode ser vista como refletindo uma dicotomia no nível mais simples: a força redentora de Cristo, simbolizada pela pureza e simetria da metade superior da pintura. Isso contrasta com as deficiências do Homem, simbolizadas na metade inferior por cenas sombrias e caóticas.

A Transfiguração está relacionada com histórias sucessivas no Evangelho de Mateus. A parte superior da pintura retrata Cristo elevado diante de nuvens ondulantes e iluminadas, e em ambos os lados dele estão os profetas Elias e Moisés. Na parte inferior da pintura, os apóstolos são retratados tentando, sem sucesso, livrar o menino possuído de demônios. A parte superior mostra o Cristo transfigurado, que parece fazer um milagre, curando a criança e libertando-a do mal.

As dimensões de A Transfiguração são colossais, 410 x 279 cm. Raphael preferia pintar sobre tela, mas essa pintura foi feita usando tintas a óleo sobre madeira como mídia escolhida. Rafael realmente mostrou indícios avançados de maneirismo e técnicas do período barroco nesta pintura.

As poses estilizadas e contorcidas das figuras da metade inferior indicam maneirismo. A tensão dramática dentro dessas figuras e o uso liberal de luz e escuridão, ou contrastes de claro-escuro, representam o período barroco de movimento exagerado para produzir drama, tensão, exuberância ou iluminação. A Transfiguração realmente estava à frente de seu tempo, assim como a morte de Raphael, que veio muito cedo.

Esta obra seria a última pintura de Rafael, que nela trabalharia até sua morte em abril de 1520.

A limpeza da pintura de 1972 a 1976 mostrou que apenas algumas das figuras inferiores esquerdas foram concluídas por assistentes, enquanto a maior parte da pintura foi feita pelo próprio artista.

#3 O Juízo Final - Michelangelo

O Juízo Final de Michelangelo está localizado na parede atrás do altar da Capela Sistina. Sua representação da Segunda Vinda de Cristo em "O Juízo Final" gerou controvérsia imediata da Igreja Católica da Contra-Reforma.

Michelangelo pintaria o fim dos tempos, o começo da eternidade, quando o mortal se torna imortal, quando os eleitos se juntam a Cristo em seu reino celestial e os condenados são lançados nos tormentos sem fim do inferno.

Nenhum artista na Itália do século XVI estava melhor posicionado para essa tarefa do que Michelangelo, cuja obra final selou sua reputação como o maior mestre da figura humana, especialmente do nu masculino. O Papa Paulo III estava bem ciente disso quando acusou Michelangelo de repintar a parede do altar da capela com o Juízo Final. Com foco na ressurreição do corpo, esse foi o tema perfeito para Michelangelo.

A poderosa composição centra-se na figura dominante de Cristo, captada no momento anterior à pronúncia do veredicto do Juízo Final.

Seu gesto calmo e imperioso parece atrair a atenção e acalmar a agitação ao redor. A imagem inicia um movimento rotativo amplo e lento em que todas as figuras estão envolvidas. Excluem-se as duas lunetas superiores com grupos de anjos que transportam os símbolos da Paixão em fuga (à esquerda a Cruz, os cravos e a coroa de espinhos; à direita a coluna da flagelação, a escada e a lança com a esponja embebida em vinagre).

No centro da seção inferior estão os anjos do Apocalipse que estão acordando os mortos com o som de longas trombetas. À esquerda, os ressuscitados recuperam seus corpos enquanto sobem rumo ao céu (Ressurreição da carne), à ​​direita, anjos e demônios lutam para que os condenados caiam no inferno. Finalmente, ao fundo, Caronte com seus remos, juntamente com seus demônios, faz os condenados saírem de seu barco para conduzi-los perante o juiz infernal Minos, cujo corpo está envolto nos anéis da serpente.

A referência nesta parte ao Inferno da Divina Comédia de Dante Alighieri é clara. Além de elogios, o Juízo Final também provocou reação entre os contemporâneos. Por exemplo, o Mestre de Cerimônias Biagio da Cesena disse que "foi muito desonesto em um lugar tão honrado ter pintado tantas figuras nuas tão desonestamente mostrando sua vergonha e que não era uma obra para a Capela de um Papa, mas para fogões e tabernas "(G. Vasari, Le Vite). As controvérsias, que se prolongaram por anos, levaram em 1564 à decisão da Congregação do Concílio de Trento de ter acobertado algumas figuras do Juízo consideradas "obscenas".

A tarefa de pintar as cortinas do telhado, as chamadas "braghe" (calças), foi confiada a Daniele da Volterra, desde então conhecido como "braghettone". Os "braghe" de Daniele foram apenas os primeiros a serem feitos. Na verdade, vários outros foram adicionados nos séculos seguintes.

#4 Cristo carregando a cruz - El Greco

Durante sua longa carreira na Espanha, El Greco fez inúmeras pinturas de Cristo carregando a cruz. Cristo carregando a cruz é uma imagem da humanidade perfeita. A obra se destaca pelas pinceladas características com que o pintor usa a cor para moldar os volumes e distorce os corpos para refletir o anseio espiritual do personagem.

El Greco pinta os olhos de Cristo com lágrimas dramáticas e exageradas. Seus olhos são o elemento chave da pintura, pois expressam muita emoção.

Há um delicado contraste entre seus ombros robustos e a beleza feminina de suas mãos. No entanto, não há sinais de dor em seu rosto. Assim como suas mãos passivas não expressam angústia ou esforço para carregar a cruz.

El Greco transformou a imagem de Cristo sobrecarregado e dolorido da cruz pesada para aquele que está calmo e pronto para enfrentar seu destino. A serenidade de Cristo antes de seu sacrifício convida o espectador a aceitar seu próprio destino em momentos de medo e dúvida.

#5 Cristo Crucificado - Diego Velázquez

Esta imagem intensamente poderosa de Jesus na cruz foi pintada durante o período criativo que se seguiu à primeira viagem emocionante de Velázquez à Itália. Ao contrário de seus outros nus masculinos que apareceram em pinturas como Apolo na Forja de Vulcano e a Túnica de José, seu Cristo na Cruz é um corpo morto ou moribundo. que não é acompanhado por outros elementos narrativos, exceto pela própria cruz. No entanto, o artista consegue dotar a obra de grande dignidade e serenidade.

Acredita-se que tenha sido encomendada para a sacristia do Convento de San Plácido, a postura austera do Cristo Crucificado apresenta quatro pregos, os pés juntos e aparentemente apoiados por uma pequena prateleira de madeira, permitindo que os braços formem uma curva sutil, em vez de um triângulo . A cabeça é coroada por uma auréola, enquanto o rosto repousa sobre o peito, permitindo vislumbrar os seus traços. Seu cabelo liso e liso cai sobre o lado direito de seu rosto, o caminho de trás traçado pelo sangue que pinga da ferida em seu lado direito.

A imagem é extraordinariamente autobiográfica na medida em que ilustra todas as principais influências na pintura de Velázquez. Para começar, ele lembra o tom devocional e a iconografia das pinturas absorvidas durante seus primeiros anos em Sevilha sob Francisco Pacheco, membro ativo da Inquisição espanhola.

Em segundo lugar, reflete sua habilidade na pintura de figuras adquirida na Espanha a partir do estudo dos artistas renascentistas espanhóis e, na Itália, da arte da antiguidade clássica, da arte do Alto Renascimento em Roma e Veneza e das obras de Caravaggio em Roma e Nápoles.

A influência do classicismo na obra manifesta-se na calma geral do corpo e na sua postura idealizada. A influência do caravaggismo é evidente no tenebrismo dramático que concentra toda a atenção no corpo pálido de Cristo.

É verdade que a imagem não tem o drama característico da pintura barroca, que se vê em obras religiosas como a Crucificação de São Pedro ou a Descida da Cruz . Em vez disso, tem uma qualidade escultural monumental que a eleva, de acordo com a espiritualidade do sujeito. A composição é extremamente simples, mas com contraste vívido entre o corpo branco e o fundo escuro, e há naturalismo na forma como a cabeça de Cristo cai sobre o peito. O cabelo emaranhado é pintado com a facilidade que Velázquez viu e admirou em primeira mão em exemplos de pintura veneziana.

Velázquez ganhou fama como um dos melhores retratistas da Espanha, tornando-se o pintor oficial de Filipe IV (reinou de 1621-1640) e, finalmente, o maior representante da pintura espanhola do período barroco. No entanto, apesar do fato de que a arte religiosa era especialmente importante na Espanha, um país cuja monarquia governante se orgulhava de ser um grande patrono da arte católica da Contra-Reforma, Velázquez pintou comparativamente poucas pinturas religiosas notáveis.

Em vez disso, o artista pintou o mundo que viu ao seu redor, especializando-se na arte do retrato, algumas pinturas de gênero (natureza morta) e pinturas históricas ocasionais. Ironicamente, dada a escassez de suas obras religiosas, ele foi mais influenciado pelo gênio italiano Caravaggio, que se destaca sobretudo por sua arte bíblica, executada em um estilo agressivamente realista. Velázquez também foi fortemente influenciado pelas ideias renascentistas italianas colhidas de seu professor sevilhano Francisco Pacheco.

 

#6 Cristo carregando a cruz - Ticiano

Por volta do ano de 1508 ou 1509, Ticiano pintou uma pintura a óleo conhecida como Cristo carregando a cruz . As origens reais da pintura são um tanto misteriosas, e vários historiadores da arte até atribuíram às vezes a outro pintor italiano, Giorgione. Ambos os pintores pertenciam a um grêmio de artistas ligados à escola e à igreja, ambos atuavam na mesma época e local, sendo provável que a obra tenha sido pintada expressamente para a instituição. Outro mistério sobre a tinta a óleo é que se dizia que ela tinha habilidades milagrosas de cura, sobre as quais foram escritas em muitas narrativas históricas. Os peregrinos rezavam na igreja em um altar lateral onde a pintura estava pendurada e relatavam que haviam sido curados de doenças.

O clima geral da peça é sombrio e sombrio. As cores mais brilhantes são tons de pele suaves e a paleta é dominada por vários tons de marrom. Sobre um fundo quase preto, Cristo aparece em semiperfil carregando a cruz no ombro. Quando ele olha para a esquerda, um carrasco de aparência zangada aperta um laço em seu pescoço, e outra figura ligeiramente atrás do carrasco espia por trás da cena. A composição segue um estilo inovador na época, um close-up que evita a perspectiva e a profundidade em favor da intimidade e do detalhe. Caracteristicamente para Ticiano, a pintura é cheia de ação e o repouso parece distante para os personagens retratados.

#7 Salvator Mundi - Leonardo Da Vinci

Esta famosa pintura, embora ainda muito atraente, não é mais considerada uma obra de Leonardo da Vinci e perdeu seu lugar na nossa lista das 100 pinturas mais famosas da história.

Acredita-se que Leonardo da Vinci tenha pintado Salvator Mundi para o rei Luís XII da França e sua consorte, Ana da Bretanha. Especialistas hoje questionam a atribuição da pintura ao mestre italiano, apesar de ter sido vendida em leilão em novembro de 2017 por US$ 450.312.500, um preço recorde para uma obra de arte.

Salvator Mundi já fez parte da nossa lista de pinturas famosas , mas ganhou espaço para outra pintura votada pelo público e por nossos artistas.

#8 Os Discípulos de Emaús - Caravaggio

 

Esta obra do mestre Caravaggio também é conhecida como A Peregrinação de Nosso Senhor a Emaús ou simplesmente A Ceia de Emaús. A pintura mostra o momento em que os dois apóstolos que o acompanham percebem que aquele que falou com eles o dia todo foi seu amado professor.

Pintado no auge da fama do artista, Os Discípulos de Emaús é uma das pinturas religiosas mais impressionantes da história da arte. Nesta pintura, Caravaggio captura de forma brilhante o clímax dramático do momento, o exato momento em que os discípulos percebem de repente quem esteve na frente deles o tempo todo. Suas ações e reações naturais transmitem seu espanto dramático: um está prestes a pular da cadeira enquanto o outro abre os braços em um gesto de descrença. A iluminação dura ressalta a intensidade de toda a cena.

Na obra, Caravaggio retrata os discípulos como trabalhadores comuns, com rostos barbudos, enrugados e roupas esfarrapadas, em contraste com o imberbe jovem Cristo, que parece ter vindo de um mundo diferente.

Existem alguns segredos escondidos em vários pontos. Na obra, a artista escondeu um ovo de Páscoa, por exemplo. A sombra projetada pela cesta de frutas sobre a mesa também parece retratar um peixe, o que pode ser uma alusão ao grande milagre.

E há mais tesouros escondidos nesta obra-prima. Às vezes, uma falha não é uma falha, mas sim um golpe de gênio. Tomemos, por exemplo, a trama da cesta de vime que balança na borda da mesa no centro da pintura.

Embora inúmeros olhos tenham se maravilhado com o misterioso drama que se desenrola no interior sombrio daquela pousada, o significado de uma imperfeição quase imperceptível até agora passou despercebido ao longo dos séculos.

Um galho solto, projetando-se da trança do tecido, transforma a célebre tela de Caravaggio em um ato de ousadia, um desafio espiritual para o observador.

Para apreciar todas as implicações desse pequeno detalhe, vale lembrar os contornos do clima geral que Caravaggio evocava em sua obra.

O tema da Ceia de Emaús é algo que inspirou grandes mestres da história, de Rembrandt a Velásquez. O momento chave é narrado no Evangelho de Lucas no Novo Testamento. Ali é contada a história da refeição íntima de Cristo com os dois discípulos, Lucas e Cleofás, que ignoram a verdadeira identidade do companheiro. Na pintura, o pão já foi partido e abençoado, e chegou a hora, segundo o relato evangélico, de Cristo "abrir" os olhos de seus seguidores e desaparecer "da vista deles".

A obra-prima captura um limiar místico entre as sombras e a luz, o segundo mágico antes de Cristo, envolto na silhueta de um estranho atrás dele, desaparecer do mundo. Nesse instante imensurável entre a revelação e o desaparecimento, Caravaggio tece sua trama, o encontro magistral entre dois mundos.

À medida que a verdade é revelada, o tio paterno de Cristo, Cléopas, se levanta de sua cadeira em pânico e espanto com a revelação: seus cotovelos sobem dinamicamente pelas mangas de seu casaco.

Do outro lado da fruteira de vime, à direita, Lucas abre bem os braços, como se reclamasse a improbabilidade da cena, desenhando a mesma postura na cruz no momento de sua dolorosa morte. Enquanto isso, o estalajadeiro permanece imperturbável, olhando inexpressivamente enquanto ouve as palavras que Cristo disse a seus discípulos atordoados, incapaz de compreender o significado de um momento importante para a humanidade.

Os Discípulos de Emaús é classificado no. 82 na lista de pinturas famosas 

#9 O Cristo Pantocrator

O Cristo Pantocrator é um painel de madeira pintado datado do século VI do Mosteiro de Santa Catarina localizado no Sinai, Egito. Esta pintura é considerada um dos mais antigos ícones religiosos bizantinos e é a mais antiga obra conhecida no estilo Pantokrator.

O painel pintado tem 84 cm de altura, 45,5 cm de largura e 1,2 cm de profundidade. Acredita-se que a pintura tenha sido originalmente maior, mas foi cortada na parte superior e nas laterais em algum ponto, por razões desconhecidas, para produzir as dimensões atuais. Na obra, Cristo é mostrado vestido com um manto roxo. - uma cor comumente escolhida para representar aqueles de status imperial e realeza. Essa escolha de cor para seu manto é um símbolo de seu status e importância. Cristo é representado levantando a mão esquerda em sinal de bênção e segurando um livro com a direita.

Podemos supor que este livro é provavelmente um Evangelho porque é adornado com joias em forma de cruz. A pintura é deliberadamente assimétrica para simbolizar a natureza dual de Cristo. O lado esquerdo de Cristo é um símbolo de sua natureza humana com suas características retratadas como muito mais suaves e leves. Enquanto o lado direito de Cristo simboliza sua divindade com seu olhar severo e feições intensas. Os próprios olhos são diferentes em forma e tamanho, assim como o cabelo do lado esquerdo que está preso atrás do ombro.

Um dos ícones cristãos mais importantes é o Cristo Pantocrator. Esta imagem retrata Jesus como o governante soberano do mundo. O Cristo Pantokrator foi uma das imagens mais antigas de Jesus e aparece nos lugares mais proeminentes nas igrejas das cavernas.

A palavra Pantokrator significa "Todo-Poderoso". Na versão grega do Antigo Testamento (LXX), a palavra pantocrator é a tradução de "Senhor dos Exércitos" e "Deus Todo-Poderoso". No livro do Apocalipse, pantocrator aparece nove vezes como um título que enfatiza a soberania e o poder de Deus.

O ícone do Cristo Pantocrator enfatiza a onipotência de Jesus, seu poder de fazer qualquer coisa. Jesus é o “Regente de Todos” que sustenta todas as coisas. O simbolismo de Cristo Pantokrator (explicado abaixo) é inspirado nas imagens imperiais romanas para projetar seu poder soberano. Os primeiros cristãos usavam símbolos culturais para proclamar o poder soberano do Cristo ressurreto.

Além disso, a colocação de Cristo Pantokrator na abside (a parede do santuário frontal) também tem significado teológico. As igrejas bizantinas foram modeladas após a basílica romana, a câmara do rei para manter a corte. A abside era a posição de autoridade onde o oficial governante se sentava. A posição de Jesus na abside declara que ele é o governante legítimo e o juiz soberano de todos.

Os cristãos começaram a representar Jesus visualmente no final dos anos 300, uma vez que a ameaça de perseguição não existia mais. Essas primeiras imagens apresentam Jesus como uma figura estóica sentada em um trono com um pergaminho. Nos anos 600, Cristo Pantokrator surgiu como uma simplificação dessa imagem primitiva. A aparência de Cristo Pantokrator quase não mudou nos últimos 1.500 anos.

A maioria das primeiras imagens de Jesus foram destruídas durante a controvérsia iconoclasta.

#10 Cristo de São João da Cruz

De longe, a mais popular de todas as obras religiosas de Dalí é, sem dúvida, o seu "Cristo de São João da Cruz", cuja figura domina a baía de Port Lligat. A pintura foi inspirada num desenho, guardado no Convento da Encarnação em Ávila, Espanha, e feito pelo próprio São João da Cruz depois de ter tido esta visão de Cristo durante um êxtase. As pessoas ao lado do barco são derivadas de uma pintura de Le Nain e um desenho de Diego Velázquez para A rendição de Breda.

No fundo de seus estudos para o Cristo, Dalí escreveu: “Antes de tudo, em 1951, tive um sonho cósmico no qual vi esta imagem colorida e que em meu sonho representava o núcleo do átomo. um significado metafísico : considerei Cristo na 'unidade mesma do universo' Em segundo lugar, graças às instruções do padre Bruno, carmelita, vi o Cristo desenhado por São João da Cruz, elaborei geometricamente um triângulo e um círculo, que resumiu esteticamente todas as minhas experiências anteriores, e inscrevi meu Cristo neste triângulo".

Esta obra foi considerada banal por um importante crítico de arte quando foi exibida pela primeira vez em Londres.

A pintura foi uma das compras mais polêmicas feitas pelo Dr. Tom Honeyman, então diretor dos Museus de Glasgow. Agora é amplamente reconhecido que o Dr. Honeyman tomou uma decisão muito astuta ao propor à então Glasgow Corporation que a cidade comprasse a pintura.

Honeyman não apenas adquiriu a pintura por menos do preço de tabela, mas também comprou os direitos autorais da obra de Salvador Dalí, garantindo assim um legado de longo prazo da compra.

Inicialmente, porém, a pintura não foi bem recebida por todos, com alunos da Escola de Arte de Glasgow argumentando que o dinheiro poderia ter sido usado para comprar obras de artistas escoceses ou de Glasgow.

Depois de ser exibido em Kelvingrove em 1952, o Dalí atraiu visitantes em massa.

A pintura da coleção dos Museus de Glasgow não deixou de ter drama, tendo sido danificada duas vezes, a mais famosa quando a tela foi gravemente rasgada por um visitante empunhando uma pedra afiada. Os conservadores de Kelvingrove conseguiram reparar a pintura a ponto de o dano agora ser quase invisível.

Mais de 60 anos após sua compra original, o apelo duradouro da pintura não mostra sinais de declínio e agora é uma das exposições mais populares do museu.

KUADROS © , uma pintura famosa em sua parede.