często jest więcej w obrazie, niż może się wydawać, a wiele najsłynniejszych dzieł sztuki na świecie skrywa ukryte sekrety pod powierzchnią. Możesz badać swój ulubiony obraz raz za razem i nadal odkrywać nowy, tajemniczy symbol lub ukryte szczegóły. Niektórzy z najsłynniejszych artystów na świecie intencjonalnie pozostawiają ukryte wiadomości w swoich obrazach, a niektóre z nich wzbudziły nawet popularne teorie spiskowe, czy to po to, aby podważyć autorytet, czy wyzwać publiczność, czy ujawnić coś o sobie. Setki lat później, dzięki postępom technologicznym, wiele z tych ukrytych wiadomości jest odkrywanych po raz pierwszy. Kuadros chciał odkryć te tajemnice dla Ciebie. Oto znane obrazy, które uznaliśmy za najbardziej enigmatyczne.
Nr 1 Ostatnia Wieczerza - Leonardo da Vinci
Znana reprezentacja Jezusa i jego uczniów na Ostatniej Wieczerzy autorstwa Leonardo da Vinci znalazła się w centrum niektórych popularnych teorii w ostatnich latach, jak opisano w powieści z 2003 roku „Kod Leonarda da Vinci” autorstwa Dana Browna oraz w filmowej adaptacji tej książki z 2006 roku z Tomem Hanksem w roli głównej. Brown zasugerował, że uczeń po prawej stronie Jezusa to tak naprawdę Maria Magdalena przebrana za Jana Apostoła. Sugeruje również, że kształt „V” tworzący się między Jezusem a „Janem” reprezentuje kobiecą macicę, co implikuje, że Jezus i Maria Magdalena mieli razem dziecko. Historycy sztuki jednak pozostają sceptyczni. Ostatnia Wieczerza da Vinci jest ważna ze względu na swoją ekspresyjną kompozycję i wykorzystanie perspektywy, co wówczas było innowacją. Da Vinci ustawił postacie i ściany malowanej izby w linii z linami, które promieniują z gwoździa w ścianie, gdzie namalowano oryginał, nad jadalnią w klasztorze w Mediolanie. Wiele osób sugeruje, że wygląd Jana jest kobiecy po prostu dlatego, że tak został przedstawiony. Ekspert Mario Taddei powiedział Artnet.com: „Leonardo musiał kopiować ostatnie wieczerze przed nim, a Jan wygląda jak kobieta”. Ale znacznie bardziej przekonująca ukryta wiadomość została odkryta przez włoskiego informatyka Giovanni Marię Palę. Twierdzi, że da Vinci ukrył nuty muzyczne w „Ostatniej Wieczerzy”, które, gdy czyta się je od lewej do prawej, odpowiadają hymnowi trwającemu 40 sekund, który brzmi jak requiem.
Gdy opat klasztoru narzekał, że malowidło zajmuje zbyt dużo czasu, powiedziano, że wściekły artysta zagroził, że użyje twarzy opata jako modelu dla zdrajcy Judasza. Na końcu da Vinci odwiedził więzienia w Mediolanie, aby znaleźć idealną wredną twarz dla Judasza, który siedzi piąty od lewej. Profesjonalni historycy sztuki mówią, że nie ma dowodów na teorie spiskowe dotyczące Ostatniej Wieczerzy przedstawione w „Kodzie Leonarda da Vinci” i innych książkach, które poruszają ten temat; i odrzucają identyfikację postaci po lewej stronie Jezusa jako jego zwolennicy Marii Magdaleny, a nie apostoła Jana.
Kup reprodukcję Ostatniej Wieczerzy w sklepie internetowym Kuadros
Nr 2 Stworzenie Adama - Michał Anioł
„Stworzenie Adama” jest prawdopodobnie najsłynniejszym z dziewięciu biblijnych paneli, które Michał Anioł namalował na suficie Kaplicy Sykstyńskiej. Ale czy wiedziałeś, że scena zawiera ludzki mózg? Ukryta wiadomość znajduje się w tkaninie, gdzie podobno można dostrzec kształt mózgu. Podobno artysta wprowadził go do swojego fresku, ponieważ w tamtym czasie autopsje były zakazane przez Kościół. Okazuje się, że Michał Anioł był ekspertem w zakresie anatomii ludzkiej. W wieku 17 lat miał dość upiorną pracę, podczas gdy sekcjonował ciała z cmentarza przy kościele. Dlatego niektórzy uważają, że chciałby pokazać tę pasję do anatomii w jednym ze swoich największych osiągnięć, na suficie Kaplicy Sykstyńskiej. Zgodnie z opinią ekspertów neuroanatomii Iana Suka i Rafaela Tamargo, malarz umieścił pewne starannie ukryte ilustracje różnych części ciała na suficie Kaplicy Sykstyńskiej. A jeśli spojrzysz na płótno otaczające Boga w „Stworzeniu Adama”, odkryjesz, że tworzy on anatomię ludzkiego mózgu. Suk i Tamargo sądzą, że Michał Anioł chciał, aby mózg reprezentował ideę, że Bóg obdarza Adama nie tylko życiem, ale także ludzką wiedzą.
Pewien lekarz twierdzi, że Michał Anioł był bardzo obeznany z mózgiem ludzkim i wykorzystał swoją wiedzę na temat neuroanatomii, by symbolicznie przedstawić mózg w swoim „Stworzeniu Adama”. Inne interpretacje idą jeszcze dalej, ten obraz działa wbrew ideologii religijnej i przekazuje przesłanie, że wszystko pochodzi od człowieka, a nie odwrotnie. Jakież to herezja w rzeczy samej. Tak słynne dzieło sztuki, a mimo to odkrywamy ukryte sekrety wieki po jego stworzeniu.
Kup reprodukcję Stworzenia Adama w sklepie internetowym Kuadros
Nr 3 Mona Lisa - Leonardo da Vinci
Nie ma co ukrywać, Mona Lisa, najsłynniejszy obraz wśród słynnych obrazów, najbardziej odwiedzane dzieło w Luwrze. Ta enigmatyczna dama ma w sobie więcej do odkrycia, niż tylko ten infamcyjny półuśmiech. Po pierwsze, spekuluje się, że jest w ciąży, biorąc pod uwagę sposób, w jaki obejmuje brzuch ramionami oraz welon wokół ramion, które kobiety w ciąży zwykły nosić podczas renesansu włoskiego. Ale najnowsze odkrycia dotyczą jej oczu. W 2011 roku włoski badacz Silvano Vinceti twierdził, że znalazł mikroskopijne litery i liczby namalowane na nich. Powiedział Associated Press, że „L” nad jej prawym okiem prawdopodobnie reprezentuje imię artysty. Ale znaczenie litery „S”, którą widzi w jej lewym oku, oraz liczby „72” pod łukiem w tle nie jest tak jasne. Vinceti uważa, że „S” może odnosić się do kobiety z dynastii Sforza, która rządziła Mediolanem, co oznacza, że kobieta na obrazie może nie być Lisą Gherardini, jak od dawna się uważa. Co do „72”, Vinceti argumentuje, że może to być związane z znaczeniem liczb zarówno w chrześcijaństwie, jak i judaizmie. Na przykład „7” odnosi się do stworzenia świata, a liczba „2” może odnosić się do dualności mężczyzn i kobiet.
Co jeszcze bardziej zaskakujące, w 2015 roku francuski naukowiec korzystający z technologii refleksyjnej twierdził, że odkrył inny portret kobiety pod obrazem, który dzisiaj widzimy. Konsensus jest taki, że był to „pierwszy szkic” da Vinci, i że namalował go, aby stworzyć swoje arcydzieło.
Kup reprodukcję Mona Lisy w sklepie internetowym Kuadros
Nr 4 Kawiarnia na tarasie w nocy - Vincent van Gogh
Ten kolorowy obraz przedstawiający widoki na świeżym powietrzu to malownicze dzieło, wizja zrelaksowanego widza, który cieszy się urokami swojego otoczenia bez żadnych moralnych zmartwień. Przypomina stan ducha van Gogha, kiedy napisał, że „noc jest bardziej żywa i ma więcej kolorów niż dzień”. Na pierwszy rzut oka olejny obraz Vincenta van Gogha z 1888 roku wydaje się być po prostu tym, co opisuje tytuł: malownicza kawiarnia na kolorowej francuskiej ulicy. Jednak w 2015 roku ekspert od van Gogha, Jared Baxter, zaproponował teorię, że obraz właściwie jest wersją artysty Ostatniej Wieczerzy. Szczegółowe badanie przedstawia postać centralną z długimi włosami otoczoną przez 12 osobników, z których jeden wydaje się łamać w cieniu jak Judasz. Jest też to, co wydaje się być małymi ukrytymi krzyżykami w całym obrazie, w tym jeden nad postacią centralną podobną do Jezusa.
Religijne aluzje nie byłyby zbyt dalekie dla van Gogha. Zanim poświęcił uwagę malarstwu, sławny holenderski artysta pragnął „głosić ewangelię wszędzie”, a jego ojciec, Theodorus van Gogh, był pastorem kościoła reformowanego. W momencie, gdy pracował nad Kawiarnia na tarasie w nocy, van Gogh napisał do swojego brata, Theo van Gogha, wyjaśniając, że ma „ogromną potrzebę, muszę powiedzieć to słowo, religii”, odnosząc się bezpośrednio do obrazu.
Van Gogh nigdy nie podpisał „Kawiarnia na tarasie w nocy”. Mimo to wymienił konkretnie ten obraz w trzech listach, dlatego historycy sztuki są pewni, że go namalował.
Kup reprodukcję Kawiarnia na tarasie w nocy w sklepie internetowym Kuadros
Nr 5 Portret Arnolfiniego - Jan van Eyck
Obraz jest zawieszony w Narodowej Galerii w Londynie i prawdopodobnie przedstawia Giovanni di Nicolao Arnolfini i jego żonę Costanzę Trentę. Tożsamość pary ograniczyła się do kilku możliwości, ale tylko oni żyli w Brugii na tyle długo, aby dobrze poznać malarza. Pierwsza wskazówka dotycząca obrazu to otoczenie, w dość bogatym domu, pełnym pięknych przedmiotów i odzieży. Symbole na obrazie są niemożliwe do przeoczenia, chociaż nie mają jednego znaczenia. Znaczenie obrazu również nie jest do końca jasne. Na przestrzeni wieków interpretowano go jako portret pary nowożeńców, z symbolami wyjętymi z wydarzenia weselnego, począwszy od oczywistego symbolu płodności w pozycji ciężarnej ciała Constanzy, która, jak pokazano, była jedynie kaprysem mody. W rzeczywistości para ostatecznie nie miała dzieci. Innymi symbolami płodności są czerwona łóżko i dywan. Położone na drewnianej podłodze buty miały również znaczenie jako prezenty ślubne dla panny młodej od pana młodego. Pomarańcze symbolizują płodność i miłość, lojalność pieska. Ale jeśli przyjrzysz się dokładniej zwierciadłu w centrum pokoju, zauważysz, że są tam dwie postacie wchodzące do pokoju. Powszechnie uważa się, że jedna z nich ma być samym van Eyckiem. Zauważysz także, że na ścianie над lustrem znajduje się wspaniała łacińska inskrypcja, która tłumaczone jako „Jan van Eyck tu był. 1434”.
Jednak najważniejszą częścią obrazu, która nie jest pokazana, jest rozbieżność w latach. Obraz, jak wspomniano wcześniej, datowany jest na 1434 rok, podczas gdy Costanza Trenta zmarła w 1433 roku. Obraz mógł również mieć inne znaczenie niż to, które zostało ukończone. Jak pokazuje rentgen, Jan van Eyck wniósł wiele zmian, a to, czy były związane z takim wydarzeniem, pozostaje kwestią sporną.
Kup reprodukcję Portretu Arnolfiniego w sklepie internetowym Kuadros
Nr 6 Ambasadorzy - Hans Holbein Młodszy
Dużo wcześniej niż okulary 3D czy szukanie jajek wielkanocnych stały się popularne, malarze renesansowi sprawili, że ich publiczność zaczęła patrzeć na dzieła z nowych kątów, bawiąc się perspektywą. Jednym z najsłynniejszych przykładów tej techniki jest podwójny portret Hansa Holbeina Młodszego, Ambasadorzy, który ma tak bogatą historię, jak wiele tajemnic ukrytych w jego pociągnięciach pędzla.
Interpretacja obrazu jako alegorii politycznego i religijnego zamieszania kłótliwej Anglii Henryka VIII, w którą uwikłani zostali nieszczęsni ambasadorzy, była powszechnie akceptowana przez ponad sto lat.
Obraz daje dość imponującą iluzję u podstawy. Jeśli spojrzysz na zniekształcony obraz na dolnej części obrazu od prawej do lewej, wydaje się być anamorfowym czaszką. Akademicy wierzą, że ma to być przypomnienie, że śmierć jest zawsze tuż za rogiem.
W lewym górnym rogu, za bujną zieloną zasłoną, znajdziesz Jezusa w ikonicznej pozie. Niektórzy historycy sztuki uważają, że ten boski cameo jest związane z czaszką memento mori i nawiązuje do miejsca poza śmiertelnością. Jest to symbol mający sugerować, że jest coś więcej niż śmierć, a więc życie wieczne przez Chrystusa. Inni uważają, że ukryty ikonę reprezentuje podział kościoła, który Henryk VIII nakładał na swoich rodaków.
Postać po lewej stronie Ambasadorzy to Jean de Dinteville, francuski ambasador w Anglii. W momencie tego podwójnego portretu miał prawie 30 lat. Jego przyjaciel i towarzysz dyplomatyczny Georges de Selve, na zdjęciu po prawej, miał wtedy tylko 25 lat i już kilka razy pełnił funkcję francuskiego ambasadora w Republice Weneckiej.
Obraz olejny na dębie został stworzony, aby powiesić w korytarzach domu Dinteville’a. Jednak Narodowa Galeria wystawia oszałamiający obraz Holbeina od 1890 roku. Przez ponad 125 lat była to jedna z najbardziej cenionych wystaw w londyńskim muzeum.
Kup reprodukcję Ambasadorów w sklepie internetowym Kuadros
Nr 7 Narodziny Wenus - Sandro Botticelli
Nagie ciało w słynnym obrazie Botticellego było dość innowacyjne pod koniec XV wieku. Ale to nie koniec odwagi artysty. Niektórzy historycy sztuki uważają, że muszla, na której Wenus płynie po falach oceanu, tak naprawdę ma symbolizować żeńskie genitalia i w ten sposób nawiązywać do płodności, tworząc scenę narodzin, która odzwierciedla oceaniczne źródła Wenus, jednocześnie łącząc je symbolicznie z narodzinami ludzkimi.
Wenus, bogini miłości, stoi skromnie w muszli, porywana na brzeg przez Zephyra, boga zachodniego wiatru. Tam jedna z Horae, bogiń pór roku, czeka z płaszczem, by przyodziać nowonarodzoną boginię. Czwarta postać, którą niesie Zephyr, ma być Aurą (nimfy wiatru) lub Chloris, nimfą związaną z wiosną i kwiatami, które płyną przez obraz.
Inspiracja chrześcijańska dominowała w sztuce średniowiecznej, dlatego rzadko przedstawiano nagie ciała. Jednak wyłonienie się humanizmu doprowadziło do odnowionego zainteresowania mitami starożytnego Rzymu, a wraz z tym do odrodzenia nagich postaci.
W tym okresie wczesnego renesansu modne było malowanie na drewnianych panelach. Ale popularność płótna rosła, szczególnie w wilgotnych rejonach, gdzie drewno miało tendencję do odkształcania się. Ponieważ płótno było tańsze niż drewno, jego postrzegany status był nieco niższy, w związku z tym było zarezerwowane dla dzieł, które nie były przeznaczone do wielkich wystaw publicznych. Obraz wyróżnia się jako pierwszy obraz na płótnie w Toskanii.
Narodziny Wenus miały wisieć w pomieszczeniu. Nagie ciało tego dzieła nabiera bardziej zmysłowego tonu, gdy wiesz, że miało wisieć nad małżeńskim łóżkiem. To miejsce i jego odważna reprezentacja przyczyniły się do tego, że Narodziny Wenus były ukryte przed oczami publiczności przez około 50 lat. Obraz ma towarzyszącą mu kompozycję. Choć został ukończony cztery lata przed swoją siostrą, Primavera może być postrzegany jako rodzaj kontynuacji Narodzin Wenus. Podczas gdy drugi pokazuje przybycie Wenus do świata u progu kwitnienia, pierwszy pokazuje świat w rozkwicie wokół teraz ubrane matki. Mówi się, że para obrazów miała na celu z komunikowania, jak „miłość triumfuje nad brutalnością”.
Botticelli poprosił, aby zostać pochowanym u stóp swojej Wenus. Nie obrazu, co prawda. Chciał kłaść się wiecznie obok swojego ziemskiego inspiracji, Simonetty Cattaneo di Vespucci. Nazywana najpiękniejszą kobietą Florencji, jak również najpiękniejszą kobietą renesansu, Simonetta była muzą, która zainspirowała wiele dzieł Botticellego, w tym Narodziny Wenus i Primavera. Kiedy umarła w 1510 roku, Botticelli został pochowany w pobliżu tej szlachetnej zamężnej kobiety, o której mówi się, że skrywał nieodwzajemnioną miłość.
Kup reprodukcję Narodzin Wenus w sklepie internetowym Kuadros
Nr 8 Autoportret - Rembrandt
Rembrandt namalował, narysował i wydrukował tyle autoportretów w swoim życiu, że zmiany w jego wyglądzie zapraszają nas do oceny jego nastroju, porównując jeden obraz z drugim. Tego rodzaju biograficzna interpretacja jest wspierana przez sposób, w jaki artysta stawia czoła widzowi bezpośrednio. Rembrandt namalował ten autoportret w 1659 roku, po tym, jak doświadczył porażki finansowej pomimo wielu lat sukcesu. Jego przestronny dom na Sint-Anthonisbreestraat i inne dobra zostały sprzedane na licytacji w roku poprzedzającym, aby zaspokoić jego wierzycieli. W tym późnym dziele, zapadnięte oczy, które wwiercają się w oczy widza, wydają się wyrażać wewnętrzną siłę i godność. Jednak interpretowanie obrazów na podstawie biografii artysty jest niebezpieczne, szczególnie w przypadku artysty, którego życie zostało idealizowane na taką miarę jak Rembrandt. Światło, które tak efektywnie oświetla głowę, podkreśla również lewe ramię Rembrandta i, w mniejszym stopniu, jego szerokie, wykonywane ręce.
W 2001 roku brytyjski artysta David Hockney i amerykański fizyk Charles Falco ogłosili, że znaleźli dowody na to, że Rembrandt i inni Starzy Mistrzowie w dużej mierze polegali na użyciu soczewek i wypukłych luster do tworzenia swoich prawdziwych scen i portretów. A w sierpniu 2016 roku, dwóch badaczy w Wielkiej Brytanii, artysta Francis O'Neil i fizyk Sofia Palazzo Corner, opublikowało badanie w Journal of Optics, które wyjaśnia, jak Rembrandt mógł używać kombinacji wypukłych luster i soczewek do tworzenia swoich słynnych autoportretów. Badacze zauważają wiele szczegółów w autoportretach Rembrandta, które wspierają ich teorię, w tym mocne światło w centrum portretów i względną ciemność na brzegach, co również widać w odblaskach pokazanych przez wypukłe lustra.
Artyści nieustannie używają nowych pigmentów i olejów, aby uzyskać bardziej żywe, jasne i interesujące kolory. Rembrandt van Rijn nie był wyjątkiem. Stary holenderski mistrz miał technikę, kreatywność i staranność do swojej dyspozycji. Miał także chemię. Nowa analiza jego dzieł ukazuje, że używał rzadkiego składnika w niektórych swoich obrazach: minerału węglanu ołowiu zwanego plumbonakrytem, Pb5 (CO3) 3O (OH). Znajomość składu palety artysty pomoże konserwatorom odkryć, jak najlepiej zachować jego dzieła sztuki na przestrzeni lat.
Kup reprodukcję Autoportretu Rembrandta w sklepie internetowym Kuadros
Nr 9 Bachus - Caravaggio
Obraz Bachusa Caravaggia zawiera wszystkie przyjemności związane z mitologicznym libertynem, które bulgoczą poniżej jego powierzchni. To uczucie burzy pod spokojem czyni go tak potężnym dziełem sztuki. Bachus, bóg wina, zazwyczaj jest przedstawiany jako pijany; Bachus Caravaggia jest spokojny i niezależny. Często ukazywany jest na triumfalnym wozie ciągniętym przez tygrysy, lamparty lub kozy; w wersji Caravaggia procesja bakkiczna ma lub już się odbyła. A może ten Bachus ma całkiem inne plany.
Po raz pierwszy coś ukrytego w tym dziele odkryto w 1922 roku, kiedy konserwator sztuki czyścił płótno tego dzieła z 1595 roku. Gdy przez wieki nagromadzony brud znikał, stał się widoczny ukryty portret. W szklanej dzbanku w lewym dolnym rogu, mały Caravaggio siedzi w małym odblasku światła na powierzchni wina.
Dziś, prawie stulecie później, badacze to potwierdzają. Nie wydaje się być zbyt ukryty, ale dzięki nowoczesnej technologii zwanej reflektografią, eksperci w 2009 roku mogli odkryć, że postać mężczyzny jest rzeczywiście ukryta w dzbanku wina w lewym dolnym rogu. A może to sam Caravaggio. „Caravaggio namalował postać stojącą, z wyciągniętą ręką w kierunku płótna na sztaludze. Wygląda na to, że to portret samego siebie, gdy malował” – powiedziała ekspertka Mina Gregori gazecie The Telegraph.
Kup reprodukcję Bachusa w sklepie internetowym Kuadros
KUADROS ©, słynny obraz na Twojej ścianie.
