10 najbardziej znanych obrazów Jezusa

Postać Jezusa jest jednym z najbardziej kultowych w historii. 

Sztuka wokół obrazu Jezusa Chrystusa została wyidealizowana zarówno przez amatorskich artystów, jak i wielkich nauczycieli.

Jak można pokazać na płótnie postać, która jest zarówno omleśniona ludzka, jak i całkowicie boska? Ten rodzaj artystycznej śmiałości jest nawet odważny do wypróbowania.

Artyści, którzy namalowali w tradycji chrześcijańskiej, zrobili dokładnie to przez dwa tysiąclecia.

10 najbardziej znanych obrazów Jezusa

Jest to spojrzenie na 10 najsłynniejszych obrazów Jezusa w całej historii, zgodnie z klasyfikacją ekspertów Kuadrosa.

# 1 Ostatnia Wieczerza - Leonardo da Vinci

Najbardziej znany obraz Jezusa Chrystusa jest niewątpliwie Ostatnia kolacja Leonardo da Vinci.

Praca odtwarza ostatnie spotkanie wielkanocne między Jezusem i jego apostołami, z historii opisanej w Ewangelii Jana, rozdział 13. Wyobraża sobie artysta i udało mu się wyrazić pragnienie, które są wokół umysłów apostołów wiedzy, kto jest zdradza swojego nauczyciela.

Namalowany pod koniec XV wieku jako mural na ścianach referencji klasztoru Santa Maria Delle Grazie w Mediolanie.

Obrazy fresków są zwykle tworzone przez nałożenie pigmentu na Intonaco, cienką warstwę mokrego spokojnego tynku.

Jest to zwykle najlepsza technika do użycia, ponieważ pozwala freskowi zajmować się naturalnym oddychaniem lub poceniem się, co powoduje, że ściana przesuwa się w kierunku powierzchni.

Jednak podczas ostatniego obiadu Da Vinci postanawia użyć farby olejnej, ponieważ ten materiał wysycha znacznie wolniej, co pozwoliło mu pracować na obraz w znacznie wolniejszy i szczegółowy sposób.

Leonardo wiedział, że naturalna wilgotność, która przeniknie przez większość budynków kamiennych ścian, musiałaby zostać uszczelniona, gdyby użył obrazów olejnych, w przeciwnym razie wilgoć zrujnowałaby jego pracę.

Następnie artysta dodał podwójną warstwę gipsu, kit i łamania, aby walczyć z pogorszeniem wilgoci.

Mimo to dzieło sztuki musiało być wielokrotnie przywracane w swojej długiej historii.

Dziś istnieje bardzo niewiele początkowej górnej warstwy farby olejnej w wyniku środowiska, a także umyślnych szkód.

#2 Przekształcenie - Rafael

Rafael Transfiguration Jest to ostatnia praca wielkiego renesansowego artysty Rafaela, który został zamówiony przez kardynała Giulio de Medici z dynastii Medici Banqueros.

Pierwotnie dzieło sztuki zostało pomyślane do powieszenia jako centralny ołtarz katedry Narbonne we Francji, a teraz wisi na Watykanu Pinakoteca w mieście Watykanu.

Po śmierci Rafaela obraz nigdy nie został wysłany do Francji, a kardynał zawiesił go na głównym ołtarzu błogosławionego kościoła Amadeo w San Pietro w Montorio w Rzymie w 1523 roku.

Jednak w 1797 r. Obraz został zabrany przez wojska francuskie w ramach włoskiej kampanii Napoleona, a następnie wiszącego w Luwrze.

Można uznać, że obraz odzwierciedla dychotomię na najprostszym poziomie: odkupieńczą siłę Chrystusa, symbolizowaną czystością i symetrią górnej części obrazu. Kontrastuje to z niedoborami człowieka, symbolizowanymi w dolnej połowie ponurymi i chaotycznymi scenami.

Transfiguracja jest związana z kolejnymi historiami Ewangelii Matthew. Górna część obrazu reprezentuje podwyższone Chrystusa przed pofałdowanymi i oświetlonymi chmurami, a obie strony są prorokami Eliasza i Mojżeszem. W dolnej części obrazu apostołowie są reprezentowani, próbując bez powodzenia, jeździć na dziecku posiadającym demony. Górna część pokazuje przemienionego Chrystusa, który wydaje się robić cud, uzdrawiając dziecko i uwalniając go od zła.

Wymiary transfiguracji są kolosalne, 410 x 279 cm. Rafael wolał malować na płótnie, ale ten obraz został wykonany z obrazów olejnych na drewnie jako wybranych mediów. Rafael faktycznie wykazywał zaawansowane wskazania i techniki okresu barokowego na tym obrazie.

Stylizowane i wykrzywione pozie średnich postaci wskazują manieryzm. Dramatyczne napięcie w tych postaciach oraz liberalne użycie światła i ciemności lub kontrasty Chiaroscuro reprezentują barokowy okres przesadnego ruchu w celu wytwarzania dramatu, napięcia, entuzjazmu lub oświetlenia. W rzeczywistości przemienienie było awansowane do jego czasów, a także śmierci Rafaela, który przyszedł za wcześnie.

Ta praca byłaby ostatnim obrazem Rafaela, który pracowałby nad nią aż do jej śmierci w kwietniu 1520 r.

Czyszczenie obrazu w latach 1972–1976 wykazało, że tylko niektóre z lewych dolnych postaci zostały ukończone przez uczestników, podczas gdy większość obrazu pochodziła od samego artysty.

#3 Ostateczny wyrok - Miguel Ángel

Ostateczny wyrok Miguela Ángela Jest na ścianie za ołtarzem w kaplicy Sykstine. Jego reprezentacja drugiego przyjścia Chrystusa w „Ostatnim wyroku” wywołała natychmiastowe kontrowersje przez Kościół katolicki w realizacji.

Miguel Angel musiał namalować koniec czasu, początek wieczności, kiedy śmiertelnik staje się nieśmiertelny, kiedy wybrani dołączają do Chrystusa w ich niebiańskim królestwie, a ci, którzy skazani zostają wrzuceni w niekończące się męki piekła. 

Żaden artysta w XVI wieku Włochy nie był lepszy do tego zadania niż Miguel Ángel, którego ostatnia praca przypieczętowała jego reputację jako największego nauczyciela ludzkiej postaci, zwłaszcza męskiej nago. Papież Paweł III był tego bardzo świadomy, gdy oskarżył Miguela Ángela o ponowne malowanie muru ołtarza kaplicy z ostatecznym wyrokiem. Koncentrując się na zmartwychwstaniu ciała, był to idealny temat dla Miguela Ángela.

Potężna kompozycja, koncentruje się na dominującej postaci Chrystusa, uchwyconej w czasie przed tym, który wyraźnie wymienił werdykt ostatecznego wyroku.

Jego cichy i imperatywny gest wydaje się przyciągać uwagę i uspokaja okoliczne pobudzenie. Na obrazie rozpoczyna się szeroki powolny ruch obrotowy, w którym wszystkie liczby interweniują. Dwa górne okna są wykluczone z grupami aniołów niosących w locie symbole pasji (po lewej stronie krzyża, paznokcie i korony cierni; ukierunkowane w occie).

Na środku dolnej części znajdują się anioły apokalipsy, które budzą umarłe dźwiękiem długich trąb. Po lewej stronie zmartwychwstanie odzyskują swoje ciała, gdy wznoszą się na niebo (zmartwychwstanie ciała), po prawych aniołach i demonach walczą o to, aby skazani na piekło upadły. Wreszcie, w głębi wiosła, wraz z demonami, sprawia, że ​​skazany opuszcza ich łódź, aby jeździć przed piekielnym sędzią Minosem, którego ciało jest owinięte w spirale węża.

Odniesienie w tej części do piekła boskiego komedii Dante Alighieri jest jasne. Oprócz pochwał, ostateczny wyrok spowodował również gwałtowne reakcje współczesnych. Na przykład mistrz ceremonii Biagio da Cesena powiedział, że „było to najbardziej nieuczciwe w tak uczciwym miejscu, aby pomalować tak wiele nagich postaci, że ich wstyd pokazuje tak nieuczciwe i że nie była to dzieło kaplicy papieża, ale dla pieców i tawern ”(G. Vasari, Vite). Kontrowersje, które trwały przez lata, podjęły w 1564 r. Decyzję zboru Rady Trent, aby objęła niektóre z liczb procesu, które uznano za „obsceniczne”.

Zadanie malowania zasłon dachu, „Braghe” (spodnie), zostało powierzone Daniele da Volterra, od tego czasu znana jako „Braghettone”. „Braghe” Daniele był tylko pierwszym, który został stworzony. W rzeczywistości w nadchodzących wiekach dodano kilka kolejnych.

#4 Chrystus ładujący krzyż - El Greco

Podczas swojej długiej kariery w Hiszpanii Greco wykonał liczne obrazy Chrystusa niosącego krzyż. Chrystus ładujący krzyż To obraz doskonałej ludzkości. Praca wyróżnia się charakterystyką udaru, z którymi malarz używa koloru do modelowania objętości i zniekształca ciała, aby odzwierciedlić duchowe pragnienie postaci.

Greco maluje oczy Chrystusa dramatycznymi i przesadnymi łzami. Jego oczy są kluczowym elementem malarstwa, ponieważ wyrażają wiele emocji.

Istnieje delikatny kontrast między jego solidnymi ramionami a kobiecym pięknem jego rąk. Jednak na jego twarzy nie ma oznak bólu. Tak jak ich pasywne ręce nie wyrażają udręki ani wysiłku, aby nosić krzyż.

Greco przekształcił obraz Chrystusa przytłoczony i obolały od ciężkiego krzyża do tego, który jest spokojny i gotowy zmierzyć się z Jego przeznaczeniem. Spokój Chrystusa przed Jego ofiarą zachęca widza do przyjęcia własnego przeznaczenia w momentach strachu i wątpliwości. 

#5 ukrzyżowane Chrystus - Diego Velázquez

Ten intensywnie potężny obraz Jezusa na krzyżu został namalowany w okresie twórczym, który nastąpił po pierwszej stymulującej podróży Velázqueza do Włoch. W przeciwieństwie do jego innych męskich aktów, które pojawiły się w obrazach takich jak Apollo w formie Vulcano i tunika Józefa, jego Chrystus na krzyżu jest martwym lub umierającym ciałem. Nie towarzyszy im inne elementy narracyjne, z wyjątkiem samego krzyża. Jednak artystom udaje się zapewnić dzieło wielkiej godności i spokoju.

Uważa się, że praca była komisją zakrystii klasztoru San Plácido, surowej pozycji Ukrzyżowany Chrystus Przedstawia cztery paznokcie, stopy razem i najwyraźniej wspierane przez małą drewnianą półkę, która pozwala ramionom tworzyć subtelną krzywą zamiast trójkąta. Głowa jest ukoronowana aureolą, a twarz spoczywa na klatce piersiowej, pozwalając nam się dostrzec. Jego proste i proste włosy wisi po prawej stronie jego twarzy, jego tylna ścieżka jest rysowana przez krew, która kapie rana po prawej stronie.

Obraz jest niezwykle autobiograficzny w tym sensie, że ilustruje wszystkie główne wpływy na obrazie Velázqueza. Na początek pamiętaj o tonie oddania i ikonografii farb pochłoniętych we wczesnych latach w Sewilli pod Francisco Pacheco, aktywnym członkiem hiszpańskiej inkwizycji.

Po drugie, odzwierciedla jego zdolność do malowania postaci nabytych w Hiszpanii z badania artystów hiszpańskiego renesansu i we Włoszech sztuki klasycznej starożytności, sztuki wysokiego renesansu w Rzymie i Wenecji oraz Caravaggio Praca w Rzymie i Neapolu. 

Wpływ klasycyzmu w pracy jest pokazany w ogólnym spodziewaniu ciała i jego wyidealizowanej pozycji. Wpływ karawaggizmu staje się widoczny w dramatycznej ciemności, która koncentruje całe blade ciało Chrystusa.

Prawdą jest, że obraz nie ma charakterystycznego dramatu malarskiego obrazu, który jest widoczny w dziełach religijnych, takich jak ukrzyżowanie św. Piotra lub Zejście krzyżowe. Zamiast tego ma monumentalną jakość rzeźbiarską, która ją podnosi, zgodnie z duchowością tematu. Kompozycja jest absolutnie prosta, ale z żywym kontrastem między białym ciałem a ciemnym tłem, a na piersi jest naturalizm w sposobie, w jaki głowa Chrystusa opada na jego klatkę piersiową. Splątane włosy są malowane z łatwością, jaką Velázquez widział i podziwiał z pierwszej ręki w przykładach malarstwa weneckiego.

Velázquez zdobył reputację jednego z najlepszych portretów w Hiszpanii, stając się oficjalnym malarzem Felipe IV (panującym w latach 1621–1640), a ostatecznie w największym przedstawicielu hiszpańskiego obrazu okresu barokowego. Jednak pomimo faktu, że sztuka religijna była szczególnie ważna w Hiszpanii, kraju, którego monarchia rządząca była dumna z bycia jednym z głównych sponsorów sztuki katolickiej realizacji, Velázquez namalował stosunkowo niewiele znaczących obrazów religijnych.

Zamiast tego artysta namalował otaczający go świat, specjalizując się w sztuce portretu, malowaniu płci (wciąż życie) i innym malowaniu historii. Jak na ironię, biorąc pod uwagę brak jego dzieł religijnych, był bardziej pod wpływem włoskiego geniuszu Caravaggio, który wyróżnia się głównie jego sztuką biblijną, wykonaną w agresywnie realistycznym stylu. Velázquez był również pod wpływem idei włoskiego odrodzenia uzyskanego od jego sewilskiego nauczyciela Francisco Pacheco.

 

#6 Chrystus ładujący krzyż - tycjanowski 

Do 1508 lub 1509 r. Tiziano namalował olej znany jako Chrystus ładujący krzyż. Prawdziwe pochodzenie malarstwa są nieco tajemnicze, a nawet kilku historyków sztuki czasami przypisało to innym włoskim malarzowi, Giorgione. Obaj malarze należali do gildii artystycznej powiązanej ze szkołą i kościołem, obaj działali w tym samym czasie i miejscu, i jest prawdopodobne, że praca została wyraźnie namalowana dla instytucji. Kolejną tajemnicą o malarstwie olejnym jest to, że powiedziano, że ma cudowne umiejętności uzdrawiania, na których napisano w wielu narracjach historycznych. Pielgrzymi modlili się w kościele na bocznym ołtarzu, w którym farba została zawieszona i zgłosiła, że ​​uzdrowili dolegliwości.

Ogólny nastrój pracy jest ponury i ciemny. Najjaśniejsze kolory to odcienie ciała, a paleta jest zdominowana przez kilka brązowych tonów. Na prawie czarnym tle Chrystus pojawia się z semiperfilu niosącego krzyż na ramieniu. Patrząc w lewo, gniewny kata ściska linę wokół szyi, a kolejna postać za katarem obejrze scenę. Kompozycja ma w tym czasie innowacyjny styl, bliski pogląd, który unikał perspektywy i głębokości intymności i szczegółów. Charakterystycznie dla Tiziano malarstwo jest pełne akcji, a odpoczynek wydaje się odległy dla reprezentowanych postaci.

#7 Salvator Mundi - Leonardo da Vinci

Ten słynny obraz, choć nadal jest bardzo atrakcyjny, nie jest już uważany za dzieło Leonarda da Vinci i stracił swoje miejsce między naszą listą 100 najsłynniejszych obrazów w historii.

Początkowo uważano, że Leonardo da Vinci pomalował Salvator Mundi dla króla Ludwika XII z Francji i jego małżonka, Ana de Britain. Eksperci zakwestionują dziś przypisanie włoskiego obrazu nauczyciela, chociaż został sprzedany na aukcji w listopadzie 2017 r. Za 450 312 500 USD, co stanowi rekordową cenę za dzieło sztuki.

Salvator Mundi był częścią listy znane obrazy, ale opuścił swoje miejsce na innym obrazie, głosowane przez społeczeństwo i naszych artystów.

#8 Emaus Disciples - Caravaggio

 

Ta praca mistrza Caravaggio jest również znana jako pielgrzymka naszego Pana na Emaus lub po prostu obiad Emaus. Obraz pokazuje moment, w którym dwaj apostołowie, którzy mu towarzyszą, zdają sobie sprawę, że kto z nimi rozmawiał przez cały dzień, był jego ukochanym nauczycielem.

Namalowane w apogee sławy artysty, Emaus Uczniowie Jest to jeden z najbardziej imponujących obrazów religijnych w historii sztuki. Na tym obrazie Caravaggio doskonale oddaje dramatyczny punkt kulminacyjny, drugi exaks, w którym uczniowie nagle rozumieją, kto był przed nimi od samego początku. Jego działania i naturalna reakcja przenoszą jego dramatyczne zdumienie: jeden ma zamiar skakać z krzesła, podczas gdy drugi rozciąga ręce z gestem niedowierzania. Surowe oświetlenie podkreśla intensywność całej sceny.

W pracy Caravaggio pokazuje uczniom jako zwykłych robotników, z brodatymi twarzami, pomarszczonymi i poszarpanymi ubraniami, w przeciwieństwie do młodego Chrystusa bez brody, która wydaje się pochodzić z innego świata.

W różnych punktach ukryte są tajemnice. Na przykład w pracy artysta ukrył jajko wielkanocne. Wydaje się, że cień rzutowany przez koszyk owocowy na stole przedstawia rybę, która może być aluzją do wielkiego cudu.

W tym arcydziele jest więcej skarbów. Czasami wada wcale nie jest wadą, ale ciosem geniuszu. Weźmy na przykład tkaninę wiklinowego kosza, który kołysze się na krawędzi stołu na środku farby.

Chociaż niezliczone oczy zachwyciły się tajemniczym dramatem, który rozwija się w tej karczmie, znaczenie niemal niezauważalnej niedoskonałości minęło jak dotąd niezauważone przez wieki.

Luźna gałązka, która wyróżnia się z warkocza tkankowego, przekształca słynne płótno Caravaggio w odważny akt, duchowe wyzwanie dla obserwatora.

Aby docenić wszystkie konsekwencje tego małego szczegółu, warto pamiętać o konturach ogólnego środowiska, które przywołał Caravaggio w jego pracy.

Tematem kolacji Emaus jest coś, co zainspirowało wielkich nauczycieli w historii, od Rembrandta po Velásquez. Kluczowy moment jest opowiadany w Ewangelii Łukasza w Nowym Testamencie. Istnieje historia intymnego jedzenia Chrystusa z dwoma uczniami, Lucasem i Cleofásem, którzy ignorują prawdę towarzysza. W malowaniu chleb został już podzielony i błogosławiony, a nadszedł czas, zgodnie z historią ewangelii, Chrystus „otwiera” oczy swoich wyznawców i znikają „z jego wzroku”.

Arcydzieło oddaje mistyczny próg między cieniami a światłem, drugą magią przed Chrystusem, owiniętym przez sylwetkę nieznajomego za nim, znika ze świata. W tym niezmierzonym momencie między Objawieniem a Zniknięciem Caravaggio Hila jego fabuła, mistrz spotkania między dwoma światami.

Kiedy prawdą jest ojcowski wujek Chrystusa, Cleofás, powstaje z jego przewodniczącego więźnia paniki i zdziwienia się do objawienia: jego łokcie są dynamicznie podniesione przez rękawy jego płaszcza.

Po drugiej stronie wiklinowego owocowania, po prawej, Lucas otwiera wysokie ramiona, jako domaganie się nieprawdopodobności skanu, przyciągając tę ​​samą postawę na krzyżu w chwili jego bolesnej śmierci. Tymczasem karczmarz jest nieprzepuszczalny, obserwując bez zrozumienia, słuchając słów, które Chrystus wypowiedział się z oszołomionymi uczniami, nie jest w stanie uchwycić znaczenia transcendentalnego momentu dla ludzkości.

Uczniowie Emaus zajmują stanowisko nr. 82 na liście znane obrazy 

#9 Pantocrador Chrystus

Pantocrador Chrystus Jest to pomalowany drewniany panel z siódmego wieku Santa Catalina położony na Synaj w Egipcie. Obraz ten jest uważany za jedną z najstarszych bizantyjskich ikon religijnych i jest najstarszym znanym dziełem stylu pantokalii.

Malowany panel ma wysokość 84 cm o szerokości 45,5 cm i głębokości 1,2 cm. Uważa się, że farba była pierwotnie większa, ale została wycięta na górze, a boki w pewnym momencie, z nieznanych powodów, w celu uzyskania obecnych wymiarów. Praca pokazuje Chrystus ubrany w fioletową szatę.- Kolor powszechnie wybierany do reprezentowania statusu imperialnego i członków rodziny królewskiej. Ten wybór koloru tuniki jest symbolem twojego statusu i znaczenia. Chrystus jest reprezentowany przez podniesienie lewej ręki jako znak błogosławieństwa, a z prawej strony ma książkę.

Możemy założyć, że ta książka jest prawdopodobnie ewangelią, ponieważ jest ozdobiona klejnotami w kształcie krzyżowej. Obraz jest celowo asymetryczny, aby symbolizować podwójną naturę Chrystusa. Lewa strona Chrystusa jest symbolem jego ludzkiej natury, z jej cechami reprezentowanymi jako znacznie bardziej miękki i bardziej światła. Podczas gdy prawa strona Chrystusa symbolizuje Jego boskość swoim poważnym spojrzeniem i intensywnymi cechami. Same oczy mają inny kształt i rozmiar, a włosy po lewej stronie są gromadzone za ramię.

Jedną z najważniejszych chrześcijańskich ikon jest Kantocker Chrystus. Ten obraz przedstawia Jezusa jako suwerennego władcy świata. Pantocker Chrystus był jednym z najstarszych obrazów Jezusa i pojawia się w najważniejszych miejscach kościołów skalnych.

Słowo Pantocker oznacza „Wszechmogący”. W greckiej wersji Starego Testamentu (LXX) słowo Kantocker jest tłumaczeniem „Władcy armii” i „Wszechmogącego Boga”. W książce Apocalypse Pantocrador pojawia się dziewięć razy jako tytuł, który podkreśla suwerenność i moc Boga.

Ikona Chrystusa Pantocrador podkreśla wszechmoc Jezusa, Jego moc do robienia czegokolwiek. Jezus jest „władcą wszystkiego”, który trzyma wszystko. Symbolika Chrystusa Pantocradora (wyjaśniona poniżej) jest inspirowana rzymskimi obrazami imperialnymi, aby wyświetlić swoją suwerenną władzę. Pierwsi chrześcijanie używali symboli kulturowych, aby ogłosić suwerenną moc zmartwychwstałego Chrystusa.

Ponadto położenie pantokradora Chrystusa w Apsy (frontowa ściana sanktuarium) ma również znaczenie teologiczne. Kościoły bizantyjskie miały model rzymskiej bazyliki, komnaty króla, aby świętować sąd. Apsy była stanowisko władzy, w której urzędnik rządzący siedział. Pozycja Jezusa w Apsy deklaruje, że jest on przede wszystkim legalnym władcą i suwerennym sędzią. 

Chrześcijanie zaczęli wizualnie reprezentować Jezusa pod koniec 300 roku, gdy nie było już zagrożenia prześladowaniami. Te pierwsze obrazy przedstawiają Jezusa jako stoicką postać siedzącą na tronie z zwojeniem. W latach 600. Chrystus Pantocrador powstał jako uproszczenie tego wczesnego obrazu. Aspekt pantokradora Chrystusa ledwo zmienił się w ciągu ostatnich 1500 lat.

Większość pierwszych obrazów Jezusa została zniszczona podczas kontrowersji ikonoklast.

#10 Chrystus San Juan de la Cruz

Z daleka najpopularniejszym ze wszystkich dzieł religijnych Dalí jest niewątpliwie jego „Chrystus San Juan de la Cruz”, którego postać dominuje w Zatoce Port Lligat. Obraz został zainspirowany rysunkiem, zachowanym w klasztorze wcielenia Ávili w Hiszpanii i wykonany przez samego San Juan de la Cruz po tym, jak widział tę wizję Chrystusa podczas ekstazy. Ludzie obok statku pochodzą ze zdjęcia Le Naina i rysunku Diego Velázqueza do poddania się Bredy.

U podnóża swoich studiów dla Chrystusa Dalí napisał: „Po pierwsze, w 1951 r. Miałem kosmiczny sen, w którym widziałem ten kolor i że we śnie reprezentowało jądro atomu. Metafizyczny sens: rozważałem „Jedność wszechświata” dla Chrystusa! Krąg, który podsumował estetycznie wszystkie moje poprzednie eksperymenty i zapisał mojego Chrystusa do tego trójkąta. ”

Prace te zostały uznane przez ważnego krytyka sztuki, gdy po raz pierwszy wystawiono w Londynie. 

Obraz był jednym z najbardziej kontrowersyjnych zakupów doktorem Dr Toma Honeymana, ówczesnego dyrektora muzeów w Glasgow. Powszechnie uznaje się, że dr Honeyman podjął bardzo przebiegłą decyzję, proponując ówczesnej korporacji Glasgow, że miasto kupiło obraz.

Honeyman nie tylko dostał obraz mniej niż cena katalogu, ale także kupił prawa autorskie do Salvador Dalí, zapewniając w ten sposób długoterminowe dziedzictwo zakupu.

Jednak początkowo obraz nie został dobrze przyjęty przez wszystkich, a uczniowie Glasgow School of Art argumentowali, że pieniądze mogły zostać wykorzystane na zakup dzieł szkockich artystów lub Glasgow.

Po wystawieniu w Kelvingrove w 1952 r. Dalí przyciągnął masowych gości.

Obraz z kolekcji Muzeum Glasgow nie został zwolniony z dramatu, ponieważ został dwukrotnie uszkodzony, najbardziej znany, gdy płótno zostało poważnie rozdarte przez gościa, który dzierżył ostry kamień. Konserwatyści z Kelvingrove byli w stanie naprawić farbę do tego stopnia, że ​​szkody są ledwo widoczne.

Ponad 60 lat po oryginalnym zakupie trwałej atrakcyjności obrazu nie wykazuje oznak spadku i jest obecnie jedną z najpopularniejszych wystaw Muzeum.

Kuadros ©, słynna farba na twojej ścianie.