Najlepsze 10 obrazów Jezusa

Postać Jezusa jest jedną z najbardziej ikonicznych w historii.

Sztuka wokół wizerunku Jezusa Chrystusa była idealizowana zarówno przez artystów amatorów, jak i wielkich mistrzów.

Jak można pokazać na płótnie postać, która jest jednocześnie całkowicie ludzka i całkowicie boska? Tego rodzaju artystyczna odwaga jest czymś wręcz śmiałym, by ją podjąć.

Artyści, którzy malowali w tradycji chrześcijańskiej, robili dokładnie to przez dwa tysiąclecia.

10 Najsłynniejszych Obrazów Jezusa

Oto przegląd 10 najsłynniejszych obrazów Jezusa w historii, według klasyfikacji przeprowadzonej przez ekspertów z Kuadros.

#1 Ostatnia Wieczerza - Leonardo da Vinci

Najbardziej znanym obrazem Jezusa Chrystusa jest bez wątpienia Ostatnia Wieczerza Leonarda da Vinci.

Dzieło to odtwarza ostatnie spotkanie wielkanocne między Jezusem a jego apostołami, na podstawie relacji opisanej w Ewangelii św. Jana, rozdział 13. Artysta wyobraził sobie, i udało mu się wyrazić, pragnienie, które krążyło w umysłach apostołów, by wiedzieć, kto zdradza ich Mistrza.

Namaluje pod koniec XV wieku jako mural na ścianach jadalni w Klasztorze Santa Maria delle Grazie w Mediolanie.

Freski zazwyczaj tworzy się, stosując pigment na intonaco, cienką warstwę wilgotnego tynku wapiennego.

To zazwyczaj najlepsza technika do stosowania, ponieważ pozwala freskowi dostosować się do naturalnego oddychania lub pocenia się ściany, gdy wilgoć przemieszcza się do powierzchni.

Jednakże w Ostatniej Wieczerzy, da Vinci decyduje się użyć farby olejnej, ponieważ ten materiał schnie o wiele wolniej, co pozwalało mu pracować nad obrazem w znacznie bardziej powolny i szczegółowy sposób.

Leonardo wiedział, że naturalna wilgoć przenikająca przez większość budynków ze ścianami kamiennymi musiała być zabezpieczona, jeśli chciał używać farb olejnych, lub wilgoć zniszczyłaby jego pracę.

Następnie artysta dodał podwójną warstwę tynku, masy i smoły, aby zwalczyć degradację spowodowaną wilgocią.

Mimo to, to dzieło sztuki musiało być restaurowane wiele razy podczas swojej długiej historii.

Obecnie pozostało bardzo mało z początkowej górnej warstwy farby olejnej w wyniku uszkodzeń środowiskowych, a także celowych.

#2 Przemienienie - Rafael

Przemienienie Rafaela to ostatnie dzieło wielkiego artysty renesansowego Rafaela, które zostało zlecone przez kardynała Giulio de Medici z dynastii bankierów Medici.

Oryginalnie dzieło sztuki było zaplanowane do powieszenia jako ołtarz główny w Katedrze w Narbonie we Francji, a teraz wisi w Pinakotece Watykańskiej w Watykanie.

Po śmierci Rafaela obraz nigdy nie został wysłany do Francji, a kardynał powiesił go w ołtarzu głównym kościoła błogosławionego Amadeusza w San Pietro in Montorio w Rzymie w 1523 roku.

Jednak w 1797 roku obraz został zabrany przez wojska francuskie jako część kampanii włoskiej Napoleona, a następnie powieszony w Luwrze.

Można uważać, że obraz odzwierciedla najprostsza dychotomię: odkupieńczą moc Chrystusa, symbolizowaną przez czystość i symetrię górnej połowy obrazu. To kontrastuje z niedoskonałościami człowieka, symbolizowanymi w dolnej połowie przez mroczne i chaotyczne sceny.

Przemienienie odnosi się do kolejnych historii z Ewangelii Mateusza. Górna część obrazu przedstawia Chrystusa uniesionego przed falującymi i oświetlonymi chmurami, a po obu jego stronach znajdują się prorocy Eliasz i Mojżesz. W dolnej części obrazu przedstawieni są apostołowie, którzy bezskutecznie próbują uwolnić opętanego chłopca od demonów. Górna część pokazuje Przemienionego Chrystusa, który wydaje się czynić cud, uzdrawiając chłopca i uwalniając go od zła.

Wymiary Przemienienia są kolosalne, 410 x 279 cm. Rafael preferował malować na płótnie, ale ten obraz powstał w technice olejnej na drewnie jako wybranych medium. Rafael faktycznie pokazuje zaawansowane oznaki manieryzmu i technik epoki baroku w tym obrazie.

Stylizowane i skręcone pozy dolnych półfigur wskazują na manierystyczne cechy. Dramaturgia w tych postaciach, a także liberalne wykorzystanie światła i ciemności, czy kontrasty chiaroscuro, reprezentują epokę baroku z jej przesadzonym ruchem mającym na celu wywołanie dramatu, napięcia, wspaniałości lub oświetlenia. W rzeczywistości Przemienienie wyprzedzało swoje czasy, podobnie jak śmierć Rafaela, która przyszła za wcześnie.

To dzieło miało być ostatnim obrazem Rafaela, który pracował nad nim aż do swojej śmierci w kwietniu 1520 roku.

Konserwacja obrazu od 1972 do 1976 roku wykazała, że tylko niektóre z dolnych lewych figur zostały ukończone przez asystentów, podczas gdy większość obrazu to dzieło samego artysty.

#3 Sąd Ostateczny - Michał Anioł

Sąd Ostateczny Michała Anioła znajduje się na ścianie za ołtarzem w Kaplicy Sykstyńskiej. Jego przedstawienie Drugiego Przyjścia Chrystusa w "Sądzie Ostatecznym" wzbudziło natychmiastową kontrowersję ze strony kościoła katolickiego czasów kontrreformacji.

Michał Anioł miał namalować koniec czasów, początek wieczności, kiedy to, co śmiertelne, staje się nieśmiertelne, kiedy wybrani łączą się z Chrystusem w Jego królestwie niebieskim, a potępieni są wrzucani w niezliczone męki piekła.

Żaden artysta w XVI-wiecznej Italii nie był lepiej przygotowany do tego zadania niż Michał Anioł, którego ostatnie dzieło przypieczętowało jego reputację jako najwyższego mistrza figury ludzkiej, zwłaszcza nagiego mężczyzny. Papież Paweł III doskonale zdawał sobie z tego sprawę, kiedy oskarżył Michała Anioła o ponowne malowanie ściany ołtarza kaplicy Sąd Ostateczny. Oparta na zmartwychwstaniu ciała, to był doskonały temat dla Michała Anioła.

Potężna kompozycja skupia się na dominującej postaci Chrystusa, uchwyconej w momencie przed ogłoszeniem wyroku Sądu Ostatecznego.

Jego spokojny i władczy gest wydaje się przyciągać uwagę i uspokajać otaczający chaos. Na obrazie rozpoczyna się szeroki, powolny ruch obrotowy, w który zaangażowane są wszystkie postacie. Wyłączone są dwie górne lunety z grupami aniołów niosących w locie symbole Pasji (po lewej Krzyż, gwoździe i korona cierniowa; po prawej kolumna biczowania, schody i włócznia ze stygmatem nasączonym octem).

W centrum dolnej sekcji znajdują się anioły Apokalipsy, które budzą umarłych dźwiękiem długich trąb. Po lewej stronie zmartwychwstali odzyskują swoje ciała, wznosząc się do nieba (Zmartwychwstanie ciała), po prawej anioły i demony walczą, by zaciągnąć potępionych do piekła. Ostatecznie w tle Charon z wiosłami, wraz z demonami, zmusza potępionych do wysiadania z łodzi, aby poprowadzić ich przed sędziego piekielnego Minosa, którego ciało jest owinięte w spirale węża.

Odwołanie w tej części do Piekła Boskiej Komedii Dantego Alighieri jest jasne. Oprócz pochwał, Sąd Ostateczny wzbudził także gwałtowne reakcje wśród współczesnych. Na przykład, Mistrz Ceremonii Biagio da Cesena powiedział, że "było to najohydniejsze w tak czcigodnym miejscu, by namalować tak wiele nagich postaci, które w tak nieprzyzwoity sposób pokazują swoje wstydy, i że nie była to praca dla Kaplicy Papieskiej, lecz dla pieców i tawern" (G. Vasari, Le Vite). Kontrowersje, które trwały przez lata, doprowadziły w 1564 roku do decyzji Kongregacji Soboru Trydenckiego o zakryciu niektórych figur Sądu, które uznano za "obscene".

Zadanie namalowania zasłon zasłaniających, zwanych "braghe" (spodnie), powierzono Daniele da Volterra, który odtąd znany jest jako "braghettone". "Braghe" Daniele były tylko pierwszymi, które zostały stworzone. W rzeczywistości w nadchodzących wiekach dodano jeszcze kilka.

#4 Chrystus Niosący Krzyż - El Greco

Podczas swojego długiego pobytu w Hiszpanii, El Greco stworzył liczne obrazy Chrystusa niosącego krzyż. Chrystus Niosący Krzyż to obraz doskonałej humanizacji. Dzieło wyróżnia się charakterystycznymi pociągnięciami pędzla, dzięki którym artysta wykorzystuje kolor do modelowania objętości i zniekształca ciało, aby odzwierciedlić duchowe pragnienie postaci.

El Greco maluje oczy Chrystusa z dramatycznymi i przesadzonymi łzami. Jego oczy są kluczowym elementem obrazu, ponieważ wyrażają ogrom emocji.

Istnieje delikatny kontrast między jego robustnymi ramionami a kobiecym pięknem jego rąk. Jednak na jego twarzy nie ma oznak bólu. Jego pasywne ręce również nie wyrażają rozpaczy ani wysiłku w niesieniu krzyża.

El Greco przekształcił wizerunek Chrystusa przygnębionego i cierpiącego z powodu ciężkiego krzyża w postać spokojną i gotową na stawienie czoła swojemu losowi. Spokój Chrystusa wobec jego ofiary zaprasza widza do zaakceptowania własnego losu w chwilach strachu i wątpliwości.

#5 Chrystus Ukrzyżowany - Diego Velázquez

Ten intensywnie silny obraz Jezusa na krzyżu został namalowany w okresie twórczym, który nastąpił po pierwszej inspirującej podróży Velázqueza do Włoch. W odróżnieniu od jego innych nagich mężczyzn, które pojawiły się w obrazach takich jak Apollo w Kuźni Wulkana i Tunice Józefa, jego Chrystus na Krzyżu to martwe lub umierające ciało, które nie jest osłonięte żadnymi innymi elementami narracyjnymi, poza samym krzyżem. Niemniej jednak artyście udało się nadać dziełu wielką godność i spokój.

Uważa się, że dzieło było zleceniem do zakrystii Klasztoru San Plácido, a postawa surowego Chrystusa Ukrzyżowanego przedstawia cztery gwoździe, stopy razem i wydają się być podtrzymywane przez małą drewnianą półkę, co pozwala na subtelną krzywiznę ramion, zamiast tworzyć trójkąt. Głowa jest ukoronowana aureolą, podczas gdy twarz opiera się na klatce piersiowej, odsłaniając rysy. Jego proste i gładkie włosy opadają na prawą stronę jego twarzy, a jego droga pozostaje wytyczona przez krew, która spływa z rany na jego prawej stronie.

Obraz jest niezwykle autobiograficzny w tym sensie, że ilustruje wszystkie główne wpływy w malarstwie Velázqueza. Po pierwsze, przypomina o dewocyjnym tonie i ikonografii obrazów, które przyswoił podczas swoich pierwszych lat w Sewilli pod okiem Francisco Pacheco, aktywnego członka hiszpańskiej Inkwizycji.

Po drugie, odzwierciedla jego umiejętności w malowaniu postaci, nabyte w Hiszpanii poprzez studiowanie artystów renesansu hiszpańskiego, a w Włoszech z antyczniej sztuki klasycznej, sztuki Wysokiego Renesansu w Rzymie i Wenecji oraz dzieł Caravaggia w Rzymie i Neapolu.

Wpływ klasycyzmu w dziele przejawia się w ogólnym spokoju ciała i jego idealizowanej postawie. Wpływ caravaggizmu ujawnia się w dramatycznym tenebryzmie, który koncentruje całą uwagę na bladym ciele Chrystusa.

To prawda, że obraz nie ma charakterystycznego dramatyzmu malarstwa barokowego, który można dostrzec w dziełach religijnych, takich jak Ukrzyżowanie Świętego Piotra czy Zejście z Krzyża. Zamiast tego, ma monumentalną rzeźbiarską jakość, która go wynosi, zgodnie ze duchowością tematu. Kompozycja jest absolutnie prosta, ale z żywym kontrastem między białym ciałem a ciemnym tłem, a naturalizm przejawia się w sposobie, w jaki głowa Chrystusa opada na jego pierś. Splątane włosy zostały namalowane z swobodą, którą Velázquez widział i podziwiał z bliska w przykładach weneckiego malarstwa.

Velázquez zdobył reputację jednego z najlepszych portrecistów w Hiszpanii, stając się oficjalnym malarzem Filipa IV (który panował od 1621 do 1640 roku) i ostatecznie największym przedstawicielem malarstwa hiszpańskiego epoki baroku. Jednak mimo faktu, że sztuka religijna była szczególnie ważna w Hiszpanii, kraju, w którym panująca monarchia szczyciła się byciem jednym z głównych mecenasów sztuki katolickiej kontrreformacji, Velázquez namalował stosunkowo mało znaczących obrazów religijnych.

Zamiast tego artysta malował świat, który widział wokół siebie, specjalizując się w sztuce portretowej, pewnej część malarstwa gatunkowego (martwe natury) oraz kilku obrazach historycznych. Ironią jest to, że mimo braku jego dzieł religijnych, był bardziej wpływany przez włoski geniusz Caravaggia, który wyróżniał się szczególnie swoim biblijnym malarstwem, realizowanym w agresywnie realistycznym stylu. Velázquez był również silnie wpływany przez idee włoskiego renesansu, które otrzymał od swojego sevillanina mistrza Francisco Pacheco.

 

#6 Chrystus Niosący Krzyż - Tycjan 

Około 1508 lub 1509 roku Tycjan namalował olej, który jest znany jako Chrystus Niosący Krzyż. Prawdziwe pochodzenie obrazu jest trochę tajemnicze, a nawet kilku historyków sztuki przypisywało go czasem innemu włoskiemu malarzowi, Giorgione. Obaj malarze należeli do cechu artystów związanych z szkołą i kościołem, działali w tym samym czasie i miejscu, i prawdopodobnie dzieło zostało namalowane specjalnie dla tej instytucji. Inną tajemnicą tego obrazu olejnego jest to, że mówiono, że ma cudowne umiejętności uzdrawiające, o których napisano w wielu opowieściach historycznych. Pielgrzymi modlili się w kościele przy bocznym ołtarzu, gdzie wieszano obraz i zgłaszali, że zostali uzdrowieni z dolegliwości.

Ogólny nastrój dzieła jest ponury i ciemny. Najjaśniejsze kolory to stonowane odcienie ciała, a paleta dominowana jest przez różne odcienie brązu. Na tle prawie czarnym, Chrystus pojawia się w półprofilu niosąc krzyż na ramieniu. Podczas gdy patrzy w lewo, zdenerwowany kat zaciska linę wokół jego szyi, a inna postać nieco za katem patrzy w głąb sceny. Kompozycja ma styl, który był innowacyjny w tamtym czasie, bliskie ujęcie, które uniknęło perspektywy i głębokości na rzecz intymności i detalu. Typowo dla Tycjana, obraz jest pełen akcji, a odpoczynek wydaje się daleki dla przedstawionych postaci.

#7 Salvator Mundi - Leonardo da Vinci

Ten słynny obraz, chociaż wciąż jest bardzo atrakcyjny, nie jest już uznawany za dzieło Leonarda da Vinci i utracił swoje miejsce w naszej liście 100 najsłynniejszych obrazów w historii.

Oryginalnie uważano, że Leonardo da Vinci namalował Salvator Mundi dla króla Ludwika XII Francji i jego małżonki, Anny Bretanijskiej.  Dziś eksperci kwestionują przypisanie obrazu temu włoskiemu mistrzowi, mimo że sprzedano go na aukcji w listopadzie 2017 roku za 450 312 500 dolarów, co jest rekordową ceną za dzieło sztuki.

Salvator Mundi kiedyś były częścią naszej listy słynnych obrazów, ale stracił swoje miejsce na rzecz innego obrazu wybranego przez publiczność i naszych artystów.

#8 Uczniowie z Emaus - Caravaggio

 

To dzieło mistrza Caravaggia znane jest również jako Pielgrzymka Naszego Pana do Emaus lub po prostu Kolacja w Emaus. Obraz ukazuje moment, w którym dwaj apostołowie, którzy go towarzyszą, zdają sobie sprawę, że tym, kto cały dzień z nimi rozmawiał, był ich ukochany mistrz.

Namaluje szczytu sławy artysty, Uczniowie z Emaus to jeden z najbardziej imponujących obrazów religijnych w historii sztuki. Na tym obrazie Caravaggio świetnie uchwycił dramatyczny szczyt momentu, sekundę, gdy uczniowie nagle rozumieją, kto stał przed nimi od samego początku. Ich działania i naturalna reakcja przekazują ich dramatyczne zdumienie: jeden zamierza wyskoczyć z krzesła, podczas gdy drugi rozwija ramiona w geście niedowierzania. Surowe oświetlenie podkreśla intensywność całej sceny.

W dziele Caravaggio przedstawia uczniów jako zwykłych robotników, z brodatymi, pomarszczonymi twarzami i łachmanami, w przeciwieństwie do młodego Chrystusa bez brody, który wydaje się przybył z innego świata.

Istnieje kilka ukrytych sekretów w różnych punktach. W dziele artysta ukrył na przykład wielkanocne jajko. Cień rzucany przez koszyk owoców na stole wydaje się również przedstawiać rybę, która może być aluzją do wielkiego cudu.

A to nie jedyne skarby ukryte w tym arcydziele. Czasami wada nie jest wadą, ale aktem geniuszu. Weźmy na przykład tkaninę kosza wiklinowego, która huśta się na krawędzi stołu w centralnej części obrazu.

Chociaż niezliczone oczy zachwycały się tajemniczym dramatem rozgrywającym się w mrocznej izbie, znaczenie niemal niedostrzegalnej niedoskonałości umknęło przez wieki.

Luźna gałązka, wystająca z plecionki, przekształca słynne płótno Caravaggia w odważny akt, duchowe wyzwanie dla obserwatora.

Aby docenić wszystkie implikacje tego małego szczegółu, warto przypomnieć sobie ogólne kontury środowiska, które Caravaggio przywoływał w swoim dziele.

Temat Kolacji w Emaus był czymś, co inspirowało wielkich mistrzów historii, od Rembrandta po Velázqueza. Kluczowy moment jest opisany w Ewangelii Łukasza w Nowym Testamencie. Opisuje on intymną kolację Chrystusa z dwoma uczniami, Łukaszem i Kleofasem, którzy nieświadomi są prawdziwej tożsamości swojego towarzysza. W obrazie chleb został już połowicznie złamany i pobłogosławiony, a nastał moment, według relacji Ewangelii, aby Chrystus "otworzył" oczy swoich uczniów i zniknął "z ich oczu".

Arcydzieło uchwyca mistyczny próg między cieniami a światłem, magiczną sekundę, zanim Chrystus, owinięty przez zarys nieznajomego za nim, znika z tego świata. W tej niezmiernej chwili między objawieniem a zniknięciem, Caravaggio tka swoją opowieść, mistrzowskie spotkanie między dwoma światami.

Gdy prawda się ujawnia, wujek Chrystusa, Kleofas, wstaje z krzesła, ogarnięty paniką i zdumieniem przed objawieniem: jego łokcie dynamicznie unoszą się przez rękawy jego płaszcza.

Po drugiej stronie wiklinowego koszyka, po prawej, Łukasz rozwija ramiona szeroko, jakby domagając się niewiarygodności sytuacji, rysując tę samą postawę na krzyżu w chwili jego bolesnej śmierci. Tymczasem gospodarz pozostaje niewzruszony, obserwując bez zrozumienia, słuchając słów, które Chrystus mówił do swoich zdumionych uczniów, nie mogąc pojąć znaczenia momentu, który ma być przełomowy dla ludzkości.

Uczniowie z Emaus zajmują 82 miejsce w liście słynnych obrazów 

#9 Chrystus Pantokrator

Chrystus Pantokrator to namalowane na panelu drewnianym dzieło z VI wieku z Klasztoru Świętej Katarzyny na Synaju w Egipcie. To malowidło uważane jest za jeden z najstarszych bizantyjskich ikon religijnych i jest najstarszym znanym dziełem stylu pantokrator.

Namalowany panel ma wysokość 84 cm, szerokość 45,5 cm i głębokość 1,2 cm. Wierzy się, że obraz pierwotnie był większy, ale w pewnym momencie został ścięty u góry i po bokach z nieznanych powodów, aby uzyskać obecne wymiary. W dziele ukazany jest Chrystus ubrany w purpurową tunikę.- kolor powszechnie wybierany do reprezentacji osób o statusie cesarskim i królewskim. Wybór koloru dla jego tuniki jest symbolem jego statusu i znaczenia. Chrystus ukazany jest z uniesioną lewą ręką jako znak błogosławieństwa, a w prawej trzyma księgę.

Możemy założyć, że ta księga to prawdopodobnie Ewangelia, ponieważ jest ozdobiona klejnotami w kształcie krzyża. Malowidło jest celowo asymetryczne, aby symbolizować podwójną naturę Chrystusa. Lewa strona Chrystusa symbolizuje jego ludzką naturę, z jego rysami przedstawionymi jako znacznie łagodniejszymi i jaśniejszymi. Podczas gdy prawa strona Chrystusa symbolizuje jego boskość z surowym wzrokiem i intensywnymi rysami. Oczy same w sobie różnią się kształtem i rozmiarem, a także włosy po lewej stronie są zebrane za jego ramieniem.

Jednym z najważniejszych chrześcijańskich ikon jest Chrystus Pantokrator. Obraz ten przedstawia Jezusa jako suwerennego władcę świata. Chrystus Pantokrator był jednym z najstarszych wizerunków Jezusa i pojawia się w najbardziej wyróżniających się miejscach w kościołach wykutych w skałach.

Termin Pantokrator oznacza "Wszechmocny". W wersji greckiej Starego Testamentu (LXX) słowo pantokrator to tłumaczenie "Pana zastępów" oraz "Boga Wszechmogącego". W Księdze Objawienia, pantokrator pojawia się dziewięć razy jako tytuł, który akcentuje suwerenność i moc Boga.

Ikona Chrystus Pantokrator podkreśla wszechmoc Jezusa, Jego moc do dokonywania wszelkich rzeczy. Jezus jest "Władcą Wszystkiego", który trzyma wszystko. Symbolizm Chrystusa Pantokratora (wyjaśniony poniżej) inspirowany jest romańską sztuką imperialną, aby ukazać Jego suwerenną moc. Pierwsi chrześcijanie używali symboli kulturowych, aby ogłosić suwerenną moc zmartwychwstałego Chrystusa.

Co więcej, umiejscowienie Chrystusa Pantokratora w absydzie (ściana frontowa sanktuarium) ma również znaczenie teologiczne. Bizantyjskie kościoły miały model rzymskiej bazyliki, sali króla do celebrowania dworu. Absyd była miejscem autorytetu, gdzie zasiadał rządzący urzędnik. Pozycja Jezusa w absydzie deklaruje, że jest On prawowitym władcą i sędzią suwerennym nad wszystkim. 

Chrześcijanie zaczęli wizualnie reprezentować Jezusa pod koniec lat 300, kiedy już nie było zagrożenia prześladowaniami. Te wczesne obrazy ukazują Jezusa jako stoicką postać siedzącą na tronie z zwitkiem. W latach 600, Chrystus Pantokrator pojawił się jako uproszczenie tego wczesnego wizerunku. Aspekt Chrystusa Pantokratora niewiele się zmienił przez ostatnie 1500 lat.

Większość wczesnych obrazów Jezusa została zniszczona podczas kontrowersji ikonoklastycznej.

#10 Chrystus w Świętego Jana Krzyża

Z daleka, najpopularniejsze z wszystkich dzieł religijnych Dalego jest z pewnością jego "Chrystus w Świętego Jana Krzyża", której postać dominuje nad zatoką Port Lligat. Obraz został zainspirowany rysunkiem, przechowywanym w Klasztorze Wcielenia w Ávila, Hiszpania, wykonanym przez samego Świętego Jana Krzyża po tym, jak ujrzał wizję Chrystusa podczas ekstazy. Osoby obok statku pochodzą z obrazu Le Nain i rysunku Diego Velázqueza do Rendycji Bredy.

U stóp swoich studiów nad Chrystusem, Dalí napisał: "Po pierwsze, w 1951 roku miałem kosmiczny sen, w którym zobaczyłem ten obraz w kolorze i że w moim śnie reprezentował rdzeń atomu. Ten rdzeń zyskał później metafizyczne znaczenie: uważałem w 'samej jedności wszechświata' za Chrystusa! Po drugie, dzięki instrukcjom ojca Bruno, karmelity, zobaczyłem Chrystusa narysowanego przez Świętego Jana Krzyża, geometrycznie opracowałem trójkąt i okrąg, które estetycznie podsumowały wszystkie moje wcześniejsze eksperymenty, i wpisałem mojego Chrystusa w ten trójkąt".

To dzieło zostało uznane za banalne przez ważnego krytyka sztuki, gdy po raz pierwszy wystawiono je w Londynie.

Obraz był jednym z najbardziej kontrowersyjnych zakupów dokonanych przez dr. Toma Honeymana, ówczesnego dyrektora Muzeów w Glasgow. Obecnie powszechnie uznaje się, że dr Honeyman podjął bardzo sprytną decyzję proponując ówczesnej korporacji Glasgow zakup obrazu.

Honeyman nie tylko zdobył obraz za mniej niż cenę katalogową, ale także kupił prawa autorskie do dzieła od Salvadora Dalego, zapewniając w ten sposób długotrwałą spuściznę zakupu.

Jednak początkowo obraz nie został przyjęty przez wszystkich, a studenci Glasgow School of Art argumentowali, że pieniądze mogły zostać wykorzystane do zakupu dzieł szkockich artystów lub artystów z Glasgow.

Po wystawie w Kelvingrove w 1952 roku, Dalí przyciągnął masowo odwiedzających.

Obraz w kolekcji Muzeów w Glasgow nie był wolny od dramatów, ponieważ był uszkodzony dwukrotnie, najbardziej znane, gdy płótno zostało poważnie rozerwane przez odwiedzającego dzierżącego ostry kamień. Konserwatorzy Kelvingrove zdołali naprawić obraz do tego stopnia, że uszkodzenie jest teraz ledwie widoczne.

Ponad 60 lat po jego pierwotnym zakupu, trwała atrakcyjność obrazu nie wykazuje oznak zmniejszenia i obecnie jest jednym z najpopularniejszych eksponatów muzeum.

KUADROS ©, słynny obraz na twojej ścianie.