I en tid dominert av hastigheten til digitalt bilde, kan maleri virke som et anachronistisk medium, ute av stand til å konkurrere med umiddelbarheten til fotografi, video eller sosiale medier. Imidlertid har visse malerier i løpet av de siste tiårene vist akkurat det motsatte. Noen malerier ble ikke bare sett: de ble diskutert, stilt spørsmål ved, forsvart, auksjonert, bevart eller til og med ødelagt for verdens øyne. De ble kulturelle symboler, vendepunkter, visuelle dokumenter fra sin tid.
Verkene samlet i denne gjennomgangen deler ikke en stil eller en felles intensjon. Det som forener dem er deres evne til å overskride rammen av lerretet og plassere seg i sentrum av reelle debatter: politisk makt, kollektiv hukommelse, kroppens representasjon, kunstmarkedet, identitet og nyere historie. Hver av disse maleriene ble observert med oppmerksomhet fordi noe stod på spill i dem, enten det var en radikal gest, en institusjonell endring eller en ny måte å se det som tidligere virket usynlig.
Denne katalogen foreslår ikke en definitiv kanon eller en lukket hierarki. Den foreslår snarere et oppmerksomt blikk på ti bilder som, av konkrete og verifiserbare grunner, har preget den visuelle kulturen de siste tiårene og bekreftet at maleri, langt fra å være utmattet, fortsatt er et aktivt rom for mening, spenning og hukommelse.
1. Love Is in the Bin — Banksy (2018)
Få malerier —eller maleriske handlinger— har vært så mye observert i sanntid som Love Is in the Bin . Verket ble bokstavelig talt født foran publikum da, etter å ha blitt tildelt på en auksjon hos Sotheby’s, en skjult mekanisme i rammen begynte å delvis male lerretet. Gesten var verken tilfeldig eller etterfølgende: den ble offisielt anerkjent som en del av verket og autentisert av kunstneren selv. Visuelt forsterker det fragmenterte bildet den flyktige og kritiske karakteren av den opprinnelige scenen med jenta med ballongen, og gjør ødeleggelsen til mening. Maleriet sluttet å være bare et bilde og ble et historisk kunstverk i samtidskunsten.
Transformert til en performance konseptuell, stiller verket spørsmål ved kommersialiseringen av kunst og varighet, og gjør ødeleggelsesakten til et nytt milepæl for skapelse.
2. Portrett av Barack Obama — Kehinde Wiley (2018)
Det offisielle portrettet av Barack Obama brøt med århundrer av presidentikonografiske konvensjoner. Wiley plasserer den tidligere presidenten i en frontal komposisjon, omgitt av tett vegetasjon som refererer til konkrete episoder fra hans biografi. Bakgrunnen er ikke dekorativ: den invaderer rommet, omgir figuren og utfordrer den klassiske hierarkiet mellom portrettert og miljø. Verket ble presentert av National Portrait Gallery og ble raskt et kulturelt symbol, ikke bare på grunn av sin stil, men også på grunn av den historiske fakta av å være det første presidentportrettet laget av en afroamerikansk kunstner.
Verket undergraver maktens konvensjoner, ved å bruke kunstnerens hyperrealistiske stil for å humanisere lederen og reflektere over raseidentitet og historisk arv.
3. The Visitor — Marlene Dumas (1995)
I The Visitor, presenterer Marlene Dumas en menneskelig figur behandlet med en økonomi av midler som intensiverer dens følelsesmessige belastning. Bildet ser ut til å være suspendert mellom tilstedeværelse og forsvinning, med en kropp som ikke helt bekrefter seg selv. Maleriet svarer til Dumas' vanlige praksis med å arbeide ut fra fotografier, men resultatet er dypt malerisk: materialet oppløses, konturene blir ustabile, og identiteten står åpen. Verket er en del av en anerkjent bane for sin konstante utforskning av kroppen, sårbarheten og blikket.
Verket utforsker spenningen mellom det private og det offentlige, ved å bruke ansiktenes tvetydighet for å stille spørsmål ved hvordan vi oppfatter kropp og identitet i samtidskunst.
4. Suddenly Last Summer — Cecily Brown (1999)
Dette maleriet tilhører et nøkkeløyeblikk i gjenoppblomstringen av uttrykksfull figurativ kunst på slutten av 1900-tallet. Ved første øyekast virker scenen abstrakt, men langvarig observasjon avslører kroppslige fragmenter, gester og fysiske spenninger. Brown arbeider bevisst i det grenselandet mellom abstraksjon og figurasjon, hvor kroppen fremstår som en ustabil malerisk konstruksjon. Verket var grunnleggende for å plassere kunstneren innenfor en bredere debatt om begjær, malerisk tradisjon og fornyelse av oljemaleriets språk.
Inspirert av tradisjonen til "gamle mestere" men utført med en moderne hast, utfordrer maleriet betrakteren til å finne sammenhengende former i et blendende fargekaos.
5. Hüter der Nacht — Neo Rauch (1997)
I Hüter der Nacht kombinerer Neo Rauch menneskelige figurer, industriell arkitektur og en tvetydig narrativ atmosfære. Maleriet tilbyr ikke en lineær lesning; snarere fremkaller det fragmenter av kollektiv hukommelse knyttet til Tyskland etter gjenforeningen. Stilen til Rauch, assosiert med den nye skolen i Leipzig, kjennetegnes av sameksistensen av referanser til sosialistisk realisme og en drømmende fantasi. Dette verket var en del av prosessen hvor tysk maleri igjen inntok en sentral plass i den internasjonale debatten.
Det er et mesterlig eksempel på Leipzig-skolen, hvor tysk historie og fantasi veves sammen på en uforståelig måte.
6. September — Gerhard Richter (2005)
Richter tok for seg angrepene 11. september med ekstrem tilbakeholdenhet. September er et lite maleri, bevisst uskarpt, basert på et gjenkjennelig men distansert fotografisk bilde. Usynligheten fjerner ikke hendelsen; den forvandler den til et skjør, nesten ubegripelig bilde. Verket ble kjøpt av MoMA og blir ofte sitert som et eksempel på hvordan maleri kan konfrontere en traumatisk historisk hendelse uten å ty til spektakulær eller direkte illustrasjon.
Bildet av tvillingtårnene fremstår nesten utslettet, filtrert gjennom lag av grå og blå maling, og utgjør en refleksjon over umuligheten av å representere absolutt tragedie og den feilbare naturen til visuell hukommelse.
7. Benefits Supervisor Sleeping — Lucian Freud (1995)
Dette monumentale portrettet viser en naken kropp uten idealisering. Freud observerer anatomien med en nesten klinisk, men dypt menneskelig oppmerksomhet. Maleriet oppnådde en eksepsjonell berømmelse da det ble auksjonert i 2008 for en rekordhøy sum for en levende kunstner på den tiden. Utover markedet har verket blitt et referansepunkt for sin direkte representasjon av den samtidige kroppen og for sitt frontale avvisning av enhver oppfatning av konvensjonell skjønnhet.
Maleriet avviser idealiseringen, og feirer i stedet den monumentale fysiske tilstedeværelsen og den sårbare intimiteten til subjektet.
8. Verk om jordskjelvet i Sichuan — Ai Weiwei (2009)
Selv om Ai Weiwei er mest kjent for sitt konseptuelle arbeid, er hans maleriske og grafiske verk relatert til jordskjelvet i Sichuan en del av en visuell forskning basert på virkelige data og vitnesbyrd. Disse stykkene søker ikke en ornamentell estetikk; de fungerer som visuelle registreringer av en dokumentert tragedie. Utstilt internasjonalt, integreres de i en kunstnerisk praksis der bildet blir en form for minne og anklage.
Ved å bruke stålstenger hentet fra de kollapsede skolene, forvandler Weiwei rusk til minimalistisk kunst med en dyp etisk byrde, hedrer ofrene og kritiserer korrupsjon og statlig forsømmelse.
9. Hvit kano — Peter Doig (1996)
Hvit kano presenterer en tilsynelatende rolig nattscene, men fylt med tvetydighet. Vannrefleksjonen, det kunstige lyset og den isolerte figuren skaper en følelse av tidsmessig suspensjon. Doig arbeider med landskapet som et psykologisk rom mer enn beskrivende. Verket fikk stor offentlig synlighet etter salget på auksjon i 2007, og anses som et av de mest representative bildene av samtidsfigurativ maleri.
Ved å representere en ensom kano på en nattsjø, er dette verket en studie av atmosfære og minne. Doig bruker tette teksturer og refleksjonseffekter for å skape en følelse av uvirkelighet. Maleriet ligger på grensen mellom figurativ og abstrakt, og fremkaller en spent ro og en filmatisk nostalgi.
10. Past Times — Kerry James Marshall (1997)
I Past Times reinterpreterer Kerry James Marshall typiske fritidsscener fra den vestlige maletradisjonen, men med svarte figurer fremstilt med en bevisst fargeintensitet. Komposisjonen er kompleks, fylt med kulturelle og visuelle referanser. Verket har blitt grundig analysert i museale og akademiske sammenhenger for sitt bidrag til en kritisk nytolkning av kunsthistorien og for sin bekreftelse av den svarte tilstedeværelsen innenfor det maleriske kanon.
Dette monumentale verket omskriver kunsthistorien ved å sette svarte figurer inn i pastoral fritidsscener, tradisjonelt forbeholdt den hvite aristokratiet. Med en mesterlig bruk av kromatisk svart og en komposisjon som henviser til Den store stilen, krever Marshall et rom for verdighet, rikdom og normalitet for den afroamerikanske opplevelsen.
KUADROS ©, et berømt maleri på veggen din.
Håndmalte reproduksjoner av oljemalerier, med kvaliteten til profesjonelle kunstnere og det karakteristiske merket til KUADROS ©.
Kunstreproduksjonstjeneste med tilfredshetsgaranti. Hvis du ikke er helt fornøyd med kopien av maleriet ditt, får du 100% av pengene tilbake.
