De 10 mest berømte abstrakte maleriene

I Uten tittel - Første Abstrakte Akvarell finner vi et godt sprut av farge, som man finner i de fleste av maleriene hans, men bruken av akvareller i stedet for oljemaling gir en merkbart annen finish som gjør dette kunstverket interessant og ganske unikt i produksjonen hans fra 1910. Verket ser nært ut til å ha blitt fullført raskt, noe som er typisk for denne formen for kunst da male tørker veldig raskt. Han jobber også uttrykksfullt, uten å bekymre seg mye for presisjon, men fokuserer mer på fargevalget og å fylle lerretet med forskjellige former og linjer. Det var virkelig abstrakt, og dette var noe som ble mer og mer fremtredende ettersom han avanserte i karrieren, da han trakk seg mer og mer fra virkeligheten med de formene han brukte.

Kandinsky spesialiserte seg på oljemaling, men jobbet med akvareller av og til. Han må ha funnet dette mediet lett å jobbe med og noe som også passet godt til raske studiestykker, hvor han søkte å forstå designen for et fremtidig verk. Han brukte også litografier, tresnitt og ståltrykk i andre perioder, spesielt i de tidlige stadiene av karrieren da han var spesielt eksperimentell.

Ved å arbeide med akvareller klarte Kandinsky å fullføre dette maleriet på bare tre dager. Imidlertid, til tross for sin hast, utførte Kandinsky flere studier for dette kunstverket før han begynte på den endelige komposisjonen. Det som la til hastigheten som kan tolkes i Uten tittel var hans fargevalg, da Kandinsky smart valgte farger som han visste ville representere hans følelser trofast på det tidspunktet. Linjene og formene som ble tegnet tilfører også og fremhever kaoset og hastverket som oppleves når man ser på dette maleriet.

Abstraksjonen demonstreres også tydelig i dette kunstverket gjennom de løse og vage linjene som er representert, noe som vekket betydelig interesse blant kunstnerkredsen på den tiden. Uten Tittel eksisterer som en viktig instigator for den abstrakte kunstbevegelsen, da det var første gang noe som var fjernt separat og ubegrenset ble akseptert som et passende emne innen kunstverkene på den tiden. Uten Tittel markerte et definitorisk punkt innen europeisk kunst som en avstand fra tradisjonelle kunstverk mot mer abstrakte og frie kunststykker.

Perioden mellom 1910 og 1914 anses å være høydepunktet i Kandinskys karriere og toppunktet for hans største kunstneriske prestasjoner. Derfor eksisterte Uten tittel som et av de første kunstverkene som ukritisk kastet alle referanser til gjenkjennelige former og fremsto fra begrensningene som ble pålagt av representasjonskonvensjonene i vestlig maleri.

Denne ideen om total frihet kom til å ha en fremtredende plass i de fleste verkene som ble skapt av Kandinsky i løpet av denne perioden.

Nr. 2 Voksen Alder # 7 - Hilma AF Klint

Selv om hun ikke er så kjent som mange av de mannlige kunstnerne fra sin tid, var den svenske kunstneren Hilma af Klint en pioner innen abstrakt kunst hvis radikale malerier er tidligere enn mange av hennes mannlige samtidige. Hun ba om at hennes store verk, som for det meste aldri ble utstilt i løpet av hennes liv, skulle forbli skjult i 20 år etter hennes død.

Samlingen representerer livets stadier, inkludert barndom, ungdom, modenhet og alderdom. De kombinerer botaniske elementer og gjenkjennelige organiske objekter som refererer til fødsel og vekst.

Den Voksen Alder Nr. 7 av Hilma Klint er et enorme lerret, 3 meter høyt og 2 meter bredt, malt på papir, på gulvet i studioet, og deretter limt på et lerret.

Af Klint tolker voksen alder i full blomst ved å male flere former som flyter fritt i forskjellige størrelser og farger på en lilla bakgrunn. Det sentrale gule symbolet ligner en blomst, mens spiraler og biomorfe former er symboler på vekst og fruktbarhet.

Nr. 3 Senecio - Paul Klee

Fullført i 1922, maleriet Senecio er en manifestasjon av Pauls sans for humor og afrikansk kultur. De enkle fargene og formene, Paul bruker flere nyanser av oransje, rødt og gult for å avdekke portrettet av en eldre person. Den kunstneriske bruken av formene gir et falskt inntrykk av at det heves et øye. Hans venstre øyenbryn er representert av en trekant mens det andre er dannet av en enkel buet linje. Portrettet kalles også Hode av en mann som blir senil og imiterer bevisst barnekunst gjennom bruken av tvetydige former og former med minimale ansiktsdetaljer.

Denne tilpasningen av det menneskelige ansiktet deles opp etter farge i rektangler. De flate geometriske kvadratene holdes innenfor en sirkel som representerer et maskert ansikt og viser den flerfargede drakten til en narr. Et portrett av kunstneren Senecio kan sees som et symbol på det skiftende forholdet mellom kunst, illusjon og dramaets verden. Dette maleriet demonstrerer prinsippene i Klees kunst, hvor de grafiske elementene av linje, fargeflater og rom settes i bevegelse av kreativiteten til kunstneren. I sine fantasifulle krabbeltrekk likte han, ifølge sine egne ord, "å la en linje ta en spasertur".

Nr. 4 Etoile Bleue - Joan Miró

Maleriet Etoile Bleue var overgangen fra Miró mellom figurativ kunst og abstrakt kunst.

Dette maleriet er kjent for å være et av de viktigste maleriene i Mirós karriere. Spesielt kan den brennende blå fargen sees i flere av hans fremtidige arbeider, og den kom til og med å påvirke malere som Mark Rothko og Yves Klein.

Etoile Bleue er et stort maleri, men det er et maleri av spørsmål mer enn svar.

Miró var den store syntetisatoren av en tid med mange forskjellige ideer, noe som ligner på i dag, men kunstneriske ideer på den tiden var mye mer komplekse enn i dag.

Maleriet kombinerer fauvistiske farger, kubistiske former og surrealistiske intensjoner i et verk som seeren kan utforske visuelt gang på gang. Det er mellom så mange ting at du sitter igjen med mange spørsmål hvor svarene er like drømmeaktige som bildet.

Hvis man ser på den blå formen øverst til venstre. Det er en fugl. Det er veldig sannsynlig at det er det, men hvilken fugl er ikke klart. Ser man på det en stund, kan man definitivt si at det er en dynamisk form, men man kan lett argumentere for at den flyr til venstre eller til høyre eller til og med nedover og mot oss.

Det store røde elementet nederst i midten. Er det en fot? Det ser definitivt så stabilt og ansett som den blå delen er dynamisk.

Dette maleriet er en juvel for sine elskere. Ved første øyekast svømmer det litt og beveger seg, men et øyeblikk, det beveger seg mot den elastiske figuren nederst til høyre.

Miró, en katalansk kunstner født i Barcelona i 1893, kalte sitt drømmelandskap surrealistiske Peinture (Étoile Bleue) fra 1927 et nøkkelbilde, og integrerte symboler som han ville bruke gjentatte ganger i senere år, og til og med den brennende blå fargen påvirket senere malere, inkludert Mark Rothko og Yves. Klein.

Nr. 5. Komposisjon VII - Wassily Kandinsky

Maleriet Komposisjon VII av Wassily Kandinsky regnes av mange kunstelskere av abstrakt kunst som det viktigste kunstverket i det 20. århundre, kanskje til og med det viktigste abstrakte maleriet som noensinne er laget.

Dette verket er en logisk fortsettelse av Komposisjon V og Komposisjon VI . De tre maleriene er forent av temaet Apokalypsen. Slike elementer fra Komposisjon VI som Flommen og Oppstandelsen kan spores i dette verket. Hovedtemaet er dommedag, men det anses ikke som en katastrofe, men som en befrielse, overgangen fra verden av det materielle til det åndelige. Derfor skiller Komposisjon VII seg fra andre verk i serien med sine klare farger og sine blinkende kontrastlinjer.

Kandinsky konstruerte hver av sine komposisjoner slik at seeren kunne gå inn i bildet som om han snurret inni det. Han gjorde den nederste kanten av komposisjonen tyngre, og dyttet den fremover, mens den øverste delen forble lettere og mer fjern for seeren. En av kunstnerens hovedkontraster, blått og gult, danner det sentrale området av aktiv bevegelse innover og utover.

Kandinsky brukte mange måneder på å forberede sin Komposisjon VII, men det tok ham bare fire dager å male den. Kunstneren utførte omtrent 30 studier av dette maleriet. Noen av dem minner om Caravaggio eller Leonardo da Vinci med sine detaljerte studier av stoffets folder, bladene på trærne eller menneskekroppsdeler. I denne serien presenterer noen verk gjentatte ganger den samme buede linjen, andre viser skjematisk de grunnleggende strukturelle elementene i komposisjonen, og noen inneholder en detaljert plan for komposisjonen. I tillegg er det omtrent 15 forskjellige bilder som er relatert til Komposisjon VII: disse er olje- eller blyantskisser, akvareller, malerier på glass og trykk.

Gabrielle Munter, som var vitne til skapelsen av dette maleriet, skrev i dagboken sin den 25. november 1913 at lerretet til Komposisjon VII ble levert til huset hennes i Murnau, og Kandinsky begynte å arbeide den samme kvelden. Neste morgen tok han det første bildet av maleriet, og etter lunsj tok han det andre. Den 28. november innførte Munters dagbok at maleriet var ferdig. Den 29. november tok hun et bilde av det fullførte verket. Så ble fødselen av et stort mesterverk registrert.

Komposisjon VII er nummer 100 på vår liste over berømte malerier

Nr. 6 Komposisjon X - Kandinsky

Kreditert som en av de første forkjemperne for abstrakt maling, var Wassily Kandinsky ikke bare en russisk maler, men også en kunstteoretiker. Innflytelsen han skapte og etterlot seg i kunstverdenen og i abstraksjonen var enorm, ettersom han var medstifter av kunstgruppen Phalanx og The New Group of Artists, fra da av, og organiserte utstillinger for sine samtidige i løpet av sine år som kunstner. Han produserte over 600 verk i løpet av karrieren, med et maleri fra 1913 som nådde sitt rekordprisved av 41,6 millioner dollar i 2017.

Til tross for denne imponerende rekorden, var hans mest signifikante verk muligens Komposisjon X. Den siste i hans livs serie av 'Komposisjoner'. Med dette søkte han å oppsummere sin forskning om renhet av form og uttrykk gjennom dette arbeidet. Etter å ha brukt svart med moderasjon i sin praksis frem til dette punktet, har dette verket blitt kritisert for å fremkalle både kosmos og mørket av varsler som nærmer seg slutten av hans liv.

Opprinnelig var skapelsen av Komposisjon X påvirket av de biomorfe formene i surrealisme.

Imidlertid brukte Wassily Kandinsky senere kunsten å bruke organiske former i maleriene sine. Dette er en stil han deretter brukte gjennom hele maleriene sine.

Stilen ga arbeidet hans en unikhet. Det var lett og nesten umulig å ikke gjenkjenne malerier laget av Wassily Kandinsky når de ble vist på utstillinger eller andre steder.

I tillegg ble Komposisjon X laget i Frankrike. Ved å se maleriet nært, legger man merke til at maleren brukte en svart bakgrunn. Hovedårsaken til å bruke den svarte bakgrunnen var at fargene i forgrunnen kunne sees klart.

Nr. 7 Konvergens - Jackson Pollock

Konvergens —et maleri i svart og hvitt som Pollock kastet primærfarger over— reflekterer krisen i Den kalde krigen. Det er et av hans mesterverk, og det kan også være det mest kjente maleriet av en abstrakt ekspresjonist. I 1964 produserte Springbok Editions et puslespill av maleriet, som ble markedsført som "verdens vanskeligste puslespill", og hundretusener av amerikanere kjøpte det.

I 1951 sa Pollock: “Jeg føler at den moderne maleren ikke kan uttrykke sin tid, flyet, den atomiske bomben, radioen, i de gamle formene fra renessansen eller noen annen tidligere kultur. Hver tid finner sin egen teknikk.” Pollock fant sin teknikk i husmaling og dryppmaleri, og brukte den for å uttrykke sin egen tid.

Med en størrelse på 237 x 394 centimeter, er Konvergens en av de mest ambisiøse maleriene av Pollock. Den er kjent for sin visuelle briljans og for å fremkalle dype følelser hos betrakteren. Selv om Jacksons verk fortsatt er vanskelig å dechiffrere selv for kunsteksperter, betraktes maleriene hans som manifestasjoner av ytringsfrihet. Konvergens, som er et fremtredende eksempel på dette, forblir et av hans mest berømte mesterverk.

Nr. 8 Elegi til den spanske republikken - Robert Motherwell

Selv om Robert Motherwell bare var 21 år gammel da den spanske borgerkrigen brøt ut, påvirket hans grusomheter ham betydelig i de påfølgende årene. Dette førte ham til å lage en serie på over 200 malerier som svar på det. Serien 'Elegien til den spanske republikken' tjener som en mangfoldighet av minnesmerker over menneskelig lidelse, samt "abstrakte og poetiske symboler for den uunngåelige livssyklusen".

Om Elegiene uttalte Motherwell at: “Etter en periode med å male dem, oppdaget jeg svart som et av mine temaer, og med svart, den kontrasterende hvite, en følelse av liv og død som for meg er ganske spansk. De er i hovedsak det spanske svarte fra døden kontrastert med blændingen fra en sollys som Matisse.”

Hans Elegier utgjør en utvidet abstrakt meditasjon om liv og død. Gjennom serien er de horisontale hvite lerretene rytmisk delt inn av to eller tre vertikale linjer tegnet fritt og punktvis i ulike intervaller med ovale former. Maleriene er ofte helt sammensatt av svart og hvitt, fargene på sorg og storslåtthet, død og liv. Motherwell kommenterte om sammenfletting av disse kreftene som en metafor for hans forståelse av opplevelsen av å være i live.

Elegien til den spanske republikken beskriver en majestetisk passasje fra det organiske og geometriske, det tilfeldige og det bevisste. Som andre abstrakte ekspresjonister ble Motherwell tiltrukket av den surrealistiske prinsippet om automatismen — av metoder som lyktes i å unnslippe den bevisste intensjonen til kunstneren — og penselstrøkene hans har en emosjonell ladning, men innenfor en generell struktur av viss alvorlighet. Faktisk så Motherwell de nøye ordnede fargene og formene som hjertet av abstrakt kunst, som han sa, "fjerner andre ting for å intensifisere det, dets rytmer, romlige intervaller og fargeutforming".

Nr. 9 Svart Iris – Georgia O'Keeffe

Dette monumentale blomster maleriet er et av O'Keeffes første mesterverk. Ved å forstørre kronbladene langt utover naturlige størrelsesforhold, tvinger det seeren til å observere de små detaljene som ellers kan bli oversett. Da maleriene fra denne gruppen ble vist for første gang i 1924, ble selv Alfred Stieglitz, hennes ektemann og gallerist, overrasket over dristigheten hennes.

Svart Iris av Georgia O'Keeffe er et eksempel på et av hennes mange arbeider med blomster temaet og spesielt iris, en blomst rik på symbolikk. Imidlertid, i Svart Iris III, var O'Keeffes mål ikke å referere til denne symbolikken eller tilføre den, men heller å oppmuntre seeren til å se og betrakte blomsten og vurdere de forskjellige måtene folk ser. Det blir dermed en dyp meditasjon om kunsten å se, ikke bare på kunsten men på livet. I denne artikkelen analyserer Singulart symbolikken projisert i O'Keeffes maleri, samt sine egne intensjoner når han skaper Svart Iris III.

Georgia O'Keeffe var opptatt av temaet iris maleri i mange år, spesielt den svarte iris, som var vanskeligere å finne og bare var tilgjengelig i noen få uker hvert år i New York. Iris er et velkjent symbol i den vestlige verden: i gresk mytologi personifiserer gudinnen Iris regnbuen og forbindelsen mellom himmel og jord; i kristendommen symboliserer iris Kristi lidenskap og oppstandelse, samt Marias lidelse. På sin side forvandlet kunsthistorikeren Linda Nochlin O'Keeffes iris til et feministisk symbol ved å beskrive dem som en "morfológisk metafor" for kvinnelige genitalier, og reflektere "enhet av det feminine og den naturlige orden". Beskrivelsen av Nochlin av Svart Iris III og de andre iris maleriene til O'Keeffe festet dem i kunsthistorien og historien om feminisme og feministisk kunst.

Imidlertid avviste O'Keeffe denne beskrivelsen, og sa: “Ingen ser en blomst, virkelig, den er så liten. Vi har ikke tid, og å se tar tid som det tar tid å få en venn. Hvis jeg kunne male blomsten akkurat som jeg ser den, ville ingen se det jeg ser fordi jeg ville malt den liten som blomsten er liten. Så jeg sa: jeg skal male det jeg ser, det blomsten er for meg, men jeg vil male den stor og de vil bli overrasket over å ta seg tid til å se på den, jeg vil få selv de travle newyorkerne til å ta seg tid til å se hva jeg ser av blomster. Jeg fikk deg til å ta deg tid til å se hva jeg så, og når du tok deg tid til å virkelig legge merke til min blomst, la du alle dine egne assosiasjoner med blomster i min blomst og skrev om min blomst som om jeg tenkte og så det du tenker og ser om blomsten, og jeg ikke.

Nr. 10 Utveksling - William de Kooning

I 1955 fullførte Willem de Kooning verket Utveksling. Han hadde i lang tid fokusert på å revidere figurstudier som involverte kvinner, som han begynte med i 1948. Disse var assosiert med hans solo utstilling i 1953, malerier med kvinnetema, som ble åpnet i New York City på den tiden. Noen titler på disse verkene inkluderer Kvinne I, Kvinne III og Kvinne V, samt To kvinner med stilleben.

Innen 1955 hadde de Kooning sluttet å male menneskelige figurer og fortsatte å bruke abstrakte representasjoner av arkitekturen og samfunnene i New York City.

Willem de Kooning brukte raske gestuelle markeringer på lerretet. Bildet viser en kvinne som sitter i en stol, men kvinnene fremstår kun som en masse av pigger. Når det gjelder navnene på maleriene sine, foretrakk han alltid en kobling til området hvor han bodde. Utveksling fikk sitt navn fra omgivelsene, sentrum av New York, stedet hvor han bodde på den tiden.

Opprinnelig ble maleriet solgt av kunstneren i 1955 for 4.000 dollar.

Det ble deretter solgt av David Geffen Fondasjonen til Kenneth C. Griffin for 300 millioner dollar i september 2015, som satte det på andreplass på listen over de dyreste maleriene, kun overgått av Salvator Mundi av Leonardo da Vinci, som ble solgt for 450,3 millioner dollar i november 2017.

KUADROS ©, et berømt maleri på veggen din.