De 10 mest kjente abstrakte maleriene

I tittel - Første abstrakte akvarell Vi finner en god fargeutbrudd, som det finnes i de fleste av maleriene, men bruken av akvareller i stedet for oljer etterlater en synlig annerledes ferdig som gjør dette arbeidet interessant og ganske unikt for produksjonen i 1910. Arbeidet ser ut til å være Fullført raskt, noe som er typisk for denne kunstformen siden maleriet tørker veldig raskt. Han jobber også ekspressivt, uten å bekymre seg for mye om presisjon, men fokuserer mer på valg av farger og fyller lerretet med forskjellige former og linjer. Det var virkelig abstrakt, og dette var noe som dukket opp mer og mer etter hvert som han avanserte i karrieren, da han flyttet mer og mer bort fra virkeligheten på måtene han brukte.

Kandinsky spesialiserte seg i oljer, men jobbet med akvareller fra tid til annen. Jeg ville ha funnet dette enkle midlene til å jobbe og noe som også tilpasset seg de raske studiene, der jeg prøvde å forstå designet for et fremtidig stykke. Han benyttet seg av litografier, xylografier og etsing andre ganger, spesielt i de tidlige stadiene av karrieren da han var spesielt eksperimentell.

Arbeidet med akvareller, Kandinsky kunne fullføre dette maleriet på bare tre dager. Til tross for hans hastverk, gjennomførte Kandinsky imidlertid flere studier for dette kunstverket før han startet den endelige komposisjonen. Det som ble med i hastigheten som kan tolkes i tittelen, var hans fargevalg, siden Kandinsky valgte han genialt farger at han visste at de trofast ville representere følelsene hans på den tiden. Linjene og formene som også ble trukket og la vekt på og la vekt på kaoset og presset som oppleves å se dette maleriet.

Abstraksjon er også tydelig demonstrert i dette kunstverket gjennom de løse og vage linjene som er representert, noe som vakte en betydelig interesse mellom den kunstneriske mengden på den tiden. Ingen tittel eksisterer som en viktig instigator for den abstrakte kunstbevegelsen, siden det var første gang noe eksternt atskilt og uten begrensninger ble akseptert som et tilstrekkelig tema i kunstverkene på den tiden. Uten tittel Det markerte et avgjørende punkt innen europeisk kunst som avgang av tradisjonelle kunstverk mot mer abstrakte og uhemmet kunstverk.

Perioden mellom 1910 og 1914 ble ansett som toppen av Kandinskys karriere og høydepunktet av hans største kunstneriske prestasjoner. Uten en tittel eksisterte det derfor som et av de første kunstverkene som åpenbart kastet alle referanser til gjenkjennelige former og kom frem fra begrensningene som ble stilt av konvensjonene om representasjon av Vest -Europa -maleriet.

Denne forestillingen om total frihet fortsatte med å okkupere en fremtredende plass i de fleste av verkene som ble opprettet av Kandinsky i løpet av denne perioden.

Nr. 2 ADULTHOD #7 - HILMA AF Klint

Selv om hun ikke er så godt kjent som mange av de mannlige artistene i sin tid, var den svenske kunstneren Hilma AF Klint en abstrakt pionerartist hvis radikale malerier er før mange av hennes mannlige samtidige. Han ba om at hans store arbeid, hvorav de fleste han aldri ble stilt ut i løpet av livet, forble skjult opptil 20 år etter hans død. 

Samlingen representerer livets stadier, inkludert barndom, ungdom, modenhet og alderdom. De kombinerer botaniske elementer og gjenkjennelige organiske gjenstander som refererer til fødsel og vekst.

De Alder Voksen Nr. 7 av Hilma Klint Det er et stort lerret, 3 meter høyt og 2 meter bredt, ble malt på papir, på studiogulvet, og stakk deretter på et lerret.

AF Klint tolker voksen alder i full blomstrende maleri flere former som flyter fritt i forskjellige størrelser og farger på en syrinbakgrunn. Det sentrale gule symbolet ligner en blomst, mens spiraler og biomorfe former er symboler på vekst og fruktbarhet.

Nr. 3 Senecio - Paul Klee

Fullført i 1922, Senecio maleri Det er en manifestasjon av sans for humor og afrikansk kultur i Paulus. Enkle farger og former, Paul bruker flere toner av oransje, rød og gul for å avsløre portrettet av en gammel mann. Den kunstneriske bruken av former gir det falske inntrykk av at et øye blir hevet. Det venstre øyenbrynet er representert av en trekant mens den andre dannes av en enkel buet linje. Portrettet kalles også sjef for en mann som går senil og etterligner med vilje kunstverkene til barn gjennom bruk av tvetydige former og former med minimale ansiktsdetaljer.

Denne tilpasningen av det menneskelige ansiktet er delt på farge i rektangler. De flate geometriske rutene opprettholdes i en sirkel som representerer et maskert ansikt og viser den flerfargede drakten til en harlequin. Et portrett av utøveren Senecio -artisten kan sees på som et symbol på det skiftende forholdet mellom kunst, illusjon og dramaets verden. Dette maleriet demonstrerer prinsippene for Klees kunst, der de grafiske elementene i linje, farge og romplaner settes i gang av en energi fra kunstnerens sinn. I sine fantasifulle skribler likte han, med egne ord: "Ta ut en vandringslinje."

Nr. 4 Etail Bleue - Joan Miró

Etoile bleue maleri Det var overgangen til Miró mellom figurativ og abstrakt kunst.

Dette maleriet er kjent for å være et av de viktigste maleriene i Miros karriere. Spesielt kan den brennende blå som brukes sees i flere av hans fremtidige verk og til og med påvirket malere som Mark Rothko og Yves Klein.

Etoile Bleue er et flott maleri, men det er et maleri av spørsmål mer enn svar.

Miró var den store synthesisatoren av en epoke med mange forskjellige ideer, noe som i dag, men de kunstneriske ideene fra da var mye mer sammensatte enn i dag.

Maleriet kombinerer Fauvistas farger, kubistiske former og surrealistiske intensjoner i et verk som betrakteren visuelt kan utforske igjen og igjen. Det er blant så mange ting at du har mange spørsmål hvis svar er like drømmeaktig som bildet.

Hvis den blå formen blir observert i øvre venstre hjørne. Det er en fugl. Det er mest sannsynlig, men hvilken fugl er ikke klar. Når vi ser på det en stund, kan det definitivt si at det er en dynamisk form, men det kan lett hevde at den flyr til venstre eller til høyre eller til og med nede og mot oss.

Det store røde stykket i nedre sentrum. Er det en fot? Det blir definitivt sett på som stabil og forankret som det blå stykket er dynamisk.

Dette maleriet er en juvel for dine elskere. Ved første øyekast vingler den litt og beveger seg, men et øyeblikk beveger den seg mot den elastiske figuren nederst til høyre.

Miró, en katalansk kunstner født i Barcelona i 1893, kalte sitt surrealistiske drømmelandskap peinture (Étoile Bleue) fra 1927 et nøkkelbilde, som inneholder symboler som han ville bruke gjentatte ganger i senere år, og til og med den fargerike blå fargen påvirket senere malere, inkludert Mark Rothko og Yves. Klein

Nr. 5. Sammensetning VII - Wassily Kandinsky

De Maleri komposisjon VII Av Wassily blir Kandinsky ansett av mange fans av abstrakt kunst, som det viktigste kunstverket i det tjuende århundre, kanskje til og med det viktigste abstrakte maleriet som noen gang er skapt.

Dette arbeidet er en logisk fortsettelse av komposisjon V og Sammensetning VI . De tre maleriene er koblet sammen med temaet Apocalypse. Slike elementer i komposisjon VI hvordan flommen og oppstandelsen kan spores i dette arbeidet. Hovedtemaet er den endelige dommen, men det blir ikke sett på som en katastrofe, men som en frigjøring, overgangen fra verden fra materialet til det åndelige. Derfor skiller komposisjon VII seg fra de andre verkene i serien for sine klare farger og den glitrende kontrastlinjene.

Kandinsky bygde hver av komposisjonene sine slik at betrakteren kunne komme inn i bildet som om han vendte seg inni henne. Han gjorde den nedre kanten av komposisjonen tyngre og dyttet den fremover, mens den øvre delen forblir lettere og fjernere for betrakteren. En av de viktigste kontrastene til kunstneren, blå og gul danner det sentrale området av aktiv bevegelse inn og ut.

Kandinsky brukte mange måneder på å forberede komposisjonen VII, men det tok bare fire dager å male henne. Kunstneren gjennomførte rundt 30 studier av dette maleriet. Noen av dem husker Caravaggio eller Leonardo da Vinci med sine detaljerte studier av stofffoldene, bladene på trærne eller de menneskelige lemmene. I denne serien viser noen verk gjentatte ganger den samme buede linjen, andre viser skjematisk de grunnleggende strukturelle elementene i komposisjonen og noen inneholder et detaljert plan av komposisjonen. I tillegg er det omtrent 15 forskjellige malerier som er relatert til komposisjon VII: dette er oljeskissene eller blyanten, akvareller, glass og graverte malerier.

Gabrielle Minter, som var vitne til opprettelsen av dette maleriet, skrev i avisen sin 25. november 1913 at lerretet til komposisjon VII ble levert hjemme hos ham i Murnau, og Kandinsky begynte å jobbe samme natt. Neste morgen tok han det første fotografiet av maleriet, og etter lunsj tok han det andre. Inngangen til 28. november i Diario de Minter sa at maleriet var fullført. 29. november tok han et bilde av det ferdige arbeidet. Dermed ble fødselen av et stort mesterverk registrert.

Sammensetning VII opptar stillingen nr. 100 på vår liste over berømte malerier

Nr. 6 Komposisjon X - Kandinsky

Sitert som en av de første mesterne for abstrakt maleri, var Wassily Kandinsky ikke bare en russisk maler, men også en kunstteoretiker. Innflytelsen som innledet og forlot i kunstverdenen og i abstraksjon var enorm siden kunstgruppen Phalanx og den nye gruppen av kunstnere fra da av, og organiserte utstillinger for sine samtidige gjennom sine år som kunstner. Han produserte mer enn 600 verk gjennom hele karrieren, med et maleri fra 1913 som nådde sin rekordpris på auksjon på 41,6 millioner dollar i 2017. 

Til tross for denne imponerende rekorden, var hans mest betydningsfulle arbeid muligens Sammensetning x. Sist i hans liv med 'komposisjoner'. Med det prøvde han å kulminere sin forskning på renheten til form og uttrykk gjennom dette arbeidet. Etter å ha brukt den svarte fargen i moderasjon i sin praksis til dette tidspunktet, har det blitt kritisert at dette arbeidet fremkaller både kosmos og mørket i tegnene som nærmer seg på slutten av livet. 

Opprinnelig ble opprettelsen av komposisjon X påvirket av de biomorfe former for surrealisme.

Imidlertid brukte Wassily Kandinsky senere kunsten å bruke organiske former i maleriene sine. Dette er en stil som han senere brukte gjennom maleriene sine.

Stilen ga arbeidet hans singulariteten. Det var enkelt og nesten umulig å ikke gjenkjenne maleriene som ble skapt av Wassily Kandinsky da de ble vist på utstillinger eller andre steder.

I tillegg ble komposisjon X opprettet i Frankrike. Ser malingen nøye viser det at maleren brukte en svart bakgrunn. Hovedårsaken til å bruke den svarte bakgrunnen var at fargene i forgrunnen ble tydelig sett.

Nr. 7 Konvergens - Jackson Pollock

Konvergens "Et svart og hvitt maleri som Pollock kastet primærfarger," gjenspeiler krisen i den kalde krigen. Det er et av hans mesterverk, og det kan også være det mest kjente maleriet av en abstrakt ekspresjonist. I 1964 produserte Springbok -utgaver et puslespill av maleri, som ble promotert som det "vanskeligste puslespillet i verden", og hundretusener av amerikanere kjøpte det.

I 1951 sa Pollock: “Det ser ut til at den moderne maleren ikke kan uttrykke sin tid, flyet, atombomben, radioen, i de gamle formene for renessansen eller noen annen tidligere kultur. Hver epoke finner sin egen teknikk. " Pollock fant teknikken hans i maleriet av hus og drypp, og brukte den til å uttrykke sin egen tid.

Med en størrelse på 237 x 394 centimeter, er konvergens en av De fleste ambisiøse malerier av Pollock. Han er kjent for sin visuelle glans og fremkaller dype følelser hos betrakteren. Selv om Jacksons verk fremdeles er vanskelig å tyde selv for kunsteksperter, anses hans malerier som manifestasjoner av ytringsfrihet. Konvergens, som er et fremtredende eksempel i den forstand, er fortsatt et av de mest kjente mesterverkene.

Nr. 8 elegant til den spanske republikken -robert Motherwell

Selv om Robert Motherwell bare var 21 år gammel da den spanske borgerkrigen brøt ut, påvirket grusomhetene hans mye de påfølgende årene. Dette førte til at han skapte en serie på mer enn 200 malerier som svar på ham. Serien som er valgt til den spanske republikken 'fungerer som en mangfoldighet av minne om menneskelig lidelse, så vel som "abstrakte og poetiske symboler for den ubønnhørlige syklusen av liv og død."

Om elegiene erklærte Motherwell at, “Etter en periode med å male dem, oppdaget jeg svart som et av problemene mine, og med svart, kontrasterende hvitt, en følelse av liv og død som for meg er ganske spansk. De er i hovedsak den spanske svartedøden i kontrast til blending fra et sollys som Matisse. ”

Hans eleganser utgjør en utvidet abstrakt meditasjon om liv og død. Gjennom hele serien er horisontale hvite lerreter rytmisk delt med to eller tre vertikale stenger fritt tegnet og punktert i flere intervaller med ovoide former. Maleriene er vanligvis fullstendig sammensatt av svart og hvitt, sorgfargene og gløden, døden og livet. Motherwell kommenterte sammenfiltringen av disse styrkene som en metafor for deres forståelse av opplevelsen av å være i live.

Han valgte den spanske republikken beskriver en majestetisk passasje av det organiske og det geometriske, det tilfeldige og det bevisste. I likhet med andre abstrakte ekspresjonister ble Motherwell tiltrukket av det surrealistiske prinsippet om automatisme - av metoder som rømte til kunstnerens bevisste intensjon - og hans hjerneslag har en emosjonell byrde, men innenfor en generell struktur av en viss alvorlighetsgrad. Faktisk så Motherwell de nøye ordningene av farger og form som hjertet av abstrakt kunst, som, "er frastjålet andre ting for å intensivere den, dets rytmer, romintervaller og fargestruktur."

Nr. 9 Black Iris - Georgia O'Keeffe

Dette monumentale blomstermaleriet er et av O'Keeffes første mesterverk. Ved å utvide kronbladene langt utover proporsjonene av den naturlige størrelsen, tvinger det betrakteren til å observere de små detaljene som ellers kan overse. Da maleriene til denne gruppen først ble stilt ut i 1924, ble til og med Alfred Stieglitz, mannen hennes og kjøpmann, overrasket over dristigheten hennes.

Georgia O'Keeffes Black Iris er et eksempel på et av hans mange verk om temaet blomster og spesielt iris, en blomst rik på symbolikk. I Black Iris III var imidlertid O'Keeffes mål ikke å referere til denne symbolikken eller legge den til, men heller oppmuntre betrakteren til å se og se blomsten og vurdere de forskjellige måtene folk ser på. Det blir dermed en dyp meditasjon om kunsten å se, ikke bare til kunst, men til livet. I denne artikkelen analyserer SingularArt den anslåtte symbolikken i O'Keeffes maleri, så vel som sine egne intensjoner når de oppretter Black Iris III. 

Georgia O'Keeffe var bekymret for spørsmålet om Iris -maleri i mange år, spesielt Black Iris, som var vanskeligere å finne og bare var tilgjengelig i noen uker i året i New York. Iris er et familiesymbol i den vestlige verden: I gresk mytologi personifiserer gudinnen Iris regnbuen og forbindelsen mellom himmel og jord; I kristendommen symboliserer Iris Kristi lidenskap og oppstandelse, så vel som Marias lidelser. For hans del gjorde Linda Nochlin, kunsthistoriker, iris av O'Keeffe til et feministisk symbol når han beskrev dem som en "morfologisk metafor" av de kvinnelige kjønnsorganene, og gjenspeiler "enheten til den feminine og den naturlige orden." Black Iris IIIys beskrivelse av Black IIIy De andre Iris -maleriene til O'Keeffe forankret dem i kunsthistorien og feminismens og feministkunsthistorie.

Imidlertid avviste O'Keeffe denne beskrivelsen, og uttalte at: “Ingen ser en blomst, egentlig, er så liten. Vi har ikke tid, og ser tid å ha en venn tar tid. Hvis jeg kunne male blomsten akkurat slik jeg ser den, ville ingen se hva jeg ser fordi jeg ville male den liten ettersom blomsten er liten. Så jeg sa til meg selv: Jeg vil male det jeg ser, hva blomsten er for meg, men jeg vil male det stort og vil bli overrasket når du tar deg tid til å se på det, jeg vil få til og med de okkuperte New Yorkere til å ta seg tid For å se hva jeg ser om blomster. Jeg fikk deg til å ta deg tid til å se på hva jeg så, og da du tok deg tid til å virkelig legge merke til blomsten min, la du alle dine egne assosiasjoner til blomster i blomsten min og skrev om blomsten min som om jeg tenkte og se hva du synes og se. Blomsten, og det gjør jeg ikke.

Nr. 10 Exchange - William de Kooning

I 1955 fullførte Kooning Willem arbeidsutvekslingen. Han hadde fokusert lang tid på å omarbeide studier av figurer involverte kvinner som begynte i 1948. Disse var assosiert med deres individuelle utstilling i 1953, malerier om emnet kvinner, som åpnet i New York City på den tiden. Noen titler av disse verkene inkluderer kvinner I, Woman III og Women V, samt to kvinner med død natur.

I 1955, fra Kooning, hadde han sluttet å male menneskelige skikkelser og fortsatte å bruke abstrakte representasjoner av arkitektur og lokalsamfunn i New York City.

Kooning Willem brukte raske gesturale merker på lerretet. Bildet viser en kvinne som sitter i en stol, men kvinner fremstår bare som en masse topp. Da han utnevnte maleriene sine, foretrakk han alltid en kobling til området der han bodde. Børsen fikk navnet på omgivelsene, sentrum av New York, stedet der han bodde i løpet av den tiden.

Opprinnelig ble maleriet solgt av kunstneren i 1955 for $ 4000.

Den ble deretter solgt av David Geffen Foundation til Kenneth C. Griffin for 300 millioner dollar i september 2015, og plasserte den på andreplass på listen over dyrere malerier, bare overgått av Salvator Mundi de Leonardo da Vinci, som ble solgt for 450,3 millioner dollar i november 2017.

Kuadros ©, en berømt maling på veggen din.