Historien bak de 10 mest kjente religiøse maleriene i vestlig kunst

Gjennom århundrene har kristen kunst presentert mange forskjellige typer maleri, henrettet i et bredt spekter av medier.

Religiøs kunst bruker religiøse spørsmål og motiver som generelt har en gjenkjennelig moralsk fortelling eller prøver å indusere sterke åndelige følelser hos betrakteren. I den vestlige verden kan religiøs kunst defineres som ethvert kunstverk som har et kristent tema. Vestlig religiøs maleri er dominert av scener fra Det gamle testamente og Jesu Kristi liv.

Blant de mest representerte temaene er representasjonene av Jomfru Maria med barnet Jesus og Kristus på korset. Mange av de mest kjente religiøse maleriene ble opprettet under renessansen, en innflytelsesrik kulturbevegelse som har sin opprinnelse i Italia.

De tre store mestrene i renessansen Leonardo da Vinci, Miguel Ángel og Rafael vises flere ganger på denne listen. Kadros bringer deg de 10 mest kjente religiøse maleriene.

No.1 Opprettelsen av Adam - Miguel Ángel (1512)

Den mest kjente delen av taket i det sixtinske kapell er opprettelsen av Adam av Miguel Ángel. Denne scenen ligger ved siden av opprettelsen av Eva, som er panelet i midten av rommet, og menigheten i vannet, som er nærmere alteret.

Arbeidet utført av Miguel Ángel, er en hjørnestein i renessansekunst. Maleriet illustrerer den bibelske fortellingen om skapelsen av Genesis -boken der Gud insuffes livet til Adam, den første mannen.

Opprettelsen av Adam skiller seg fra de typiske skapelsesscenene malt så langt. Her dominerer to figurer scenen: Gud til høyre og Adam til venstre. Gud vises i en flytende tåkeform sammensatt av gardiner og andre figurer. Formen er basert på engler som flyr uten vinger, men hvis flyging tydelig blir sett av gardinene som spirer under dem. Gud er representert som en gammel mann, men muskuløs, med grått hår og et langt skjegg som reagerer på flygingens fremre bevegelse. Dette er langt fra de keiserlige bildene av Gud som ellers hadde skapt i Vesten og dateres tilbake til tiden for sen antikk. I stedet for å bruke ekte klær og representert som en allmektig hersker, bruker han bare en lett kappe som etterlater mye av armene og beina utsatt. Du kan si at det er et mye mer intimt portrett av Gud fordi det vises i en tilstand som ikke er uberørbar og vekk fra mennesket, men tilgjengelig for ham.

I motsetning til Guds skikkelse, som er utvidet og høy, er Adam representert som en lat figur som reagerer likegyldig på Guds forestående berøring. Denne berøringen vil ikke bare gi Adam liv, men vil gi liv til hele menneskeheten. Det er derfor fødselen av menneskeslekten. Adams kropp tar en konkav form som gjenspeiler formen av Guds legeme, som er i en konveks holdning i tåken og flytende form. Denne korrespondansen på en måte med den andre ser ut til å understreke den bredere ideen om at mennesket tilsvarer Gud; Det vil si at det ser ut til å gjenspeile ideen om at mennesket er blitt skapt i Guds bilde og likhet, en idé som Michelangelo måtte være kjent med.

Malingen er blitt analysert mye, og blant annet har det blitt oppdaget at kantene på malingen korrelerer med sporene på den indre og ytre overflaten av hjernen, hjernestammen, den basilar arterie, hypofysen og den Optisk chiasma. Guds hånd berører ikke Adam, men Adam lever allerede som om livets gnist ble overført gjennom en synaptisk spalte. Under Guds høyre arm er det en trist engel i et område av hjernen som noen ganger aktiveres i kjæledyrutforskninger (tomografier) ​​når noen opplever en trist tanke. Gud overlapper det limbiske systemet, det emosjonelle sentrum av hjernen og muligens den anatomiske motstykket til menneskesjelen. Guds høyre arm strekker seg til den prefrontale cortex, den mest kreative og unikt menneskelige hjerneområdet; Det røde stoffet som omgir Gud har formen som en menneskelig livmor; Og det antas at det grønne skjerfet er en nylig kuttet navlestreng. Adams skapelse er kanskje det mest kjente maleriet etter Mona Lisa; Og sammen med den siste middagen er det det mest repliserte religiøse maleriet gjennom tidene. Bildet av de nesten berørte Guds hender og Adam har blitt et ikon for menneskeheten og har blitt etterlignet og parodiert utallige tider.

Taket til det sixtinske kapell fikk de skadelige effektene av århundrer med røyk som hadde fått taket til å mørkne betydelig. Det var først i 1977 at takrensingen begynte. Rengjøringen var fantastisk etter at det ble fullført i 1989; Det som tidligere var mørkt og monoton har blitt levende. Endringen i forutgående rengjøring av påfølgende rengjøring var så stor at noen opprinnelig nektet å tro at Miguel Ángel malte. I dag forstår vi Michelangelos fargede palett mye bedre og verden han malte, vakkert fanget på taket av det sixtinske kapell.

Kjøp en reproduksjon av opprettelsen av Adam av Miguel Ángel i nettbutikken til Kadros

 Nr.2 The Last Supper - Leonardo Da Vinci (1495-1498)

Siste kveldsmat, eller den italienske Cenacolo, et av de mest kjente kunstverkene, malt av Leonardo da Vinci, sannsynligvis mellom 1495 og 1498 for den Dominikanske klosteret Santa Maria Delle Grazie i Milano.

Dette berømte maleriet representerer den dramatiske scenen som er beskrevet i flere øyeblikk som er nært beslektet i evangeliene, inkludert Matteus 26: 21-28, der Jesus erklærer at en av apostlene vil forråde ham og deretter innføre eukaristien. I henhold til Leonardos tro på at posisjonen, gesten og uttrykket må manifestere "forestillingene om sinnet", reagerer hver av de 12 disiplene på en slik måte at Leonardo anså som tilstrekkelig for apostlenes personlighet. Resultatet er en kompleks studie av forskjellige menneskelige følelser, uttrykt i en villedende enkel sammensetning.

Leonardo hadde ikke jobbet i et så stort maleri og hadde ingen erfaring med freskomaleriet. Malingen ble utført ved hjelp av eksperimentelle pigmenter direkte på den tørre gipsveggen, og i motsetning til fresker, der pigmenter er blandet med den fuktige gipset, har tidens gang ikke motstått godt. Allerede før den var ferdig, var det problemer med den sperre maling av veggen, og Leonardo måtte reparere den. Gjennom årene det har kollapset, har det vært gjenstand for hærverk, bombardert og restaurert. I dag ser vi sannsynligvis veldig lite av det originale maleriet.

Temaet for det siste kveldsmat er Kristi endelige mat med sine apostler før Judas identifiserer Kristus for myndighetene som arresterer ham. Den siste kveldsmat (det antas tilsvarer sederen av jødisk påske), det huskes for to hendelser: Kristus sier til apostlene hans "En av dere vil forråde meg", og apostlene reagerer, hver i henhold til deres personlighet. Med henvisning til evangeliene representerer Leonardo Felipe som spør "Herre, er det meg?" Kristus svarer: "Den som legger hånden med meg på tallerkenen vil gi meg" (Matteus 26). Vi ser Kristus og Judas spre seg samtidig mot en rett som er blant dem, selv når Judas går tilbake til defensiven. Leonardo representerer også samtidig Kristus som velsigner brødet og forteller apostlene “ta, spis; Dette er kroppen min "og velsigne vinen og si" å drikke det hele; Fordi dette er mitt blod fra pakten, som er kastet for tilgivelse av synder ”(Matteus 26). Disse ordene er det grunnleggende øyeblikket av eukaristiens sakrament (den mirakuløse transformasjonen av brød og vin i Kristi kropp og blod).

Den balanserte sammensetningen er forankret av en liksidig trekant dannet av Kristi legeme. Han sitter under et buet pediment som, hvis den er fullført, trekker en sirkel. Disse ideelle geometriske formene refererer til renessanseinteressen for neoplatonisme (et element i den humanistiske gjenfødelsen som forsoner aspekter av gresk filosofi med kristen teologi). I sin allegori, "La Cueva", understreket den greske filosofen Platon ufullkommenheten av det jordiske riket. Geometri, brukt av grekerne for å uttrykke himmelske perfeksjon, har blitt brukt av Leonardo for å feire Kristus som inkarnasjonen av himmelen på jorden. Leonardo tegnet et grønt landskap utenfor vinduene. Ofte tolket som et paradis, har det blitt antydet at denne himmelske helligdom bare kan oppnås gjennom Kristus. De tolv apostlene er ordnet i fire grupper på tre, og det er også tre vinduer. Nummer tre er ofte en referanse til den hellige treenighet i katolsk kunst. Derimot er nummer fire viktig i den klassiske tradisjonen (for eksempel Platons fire dyder).

Siden den siste middagen ble fullført, da han ble erklært et mesterverk, har veggmaleriet tjent ros av artister som Rembrandt Van Rijn og Peter Paul Rubens og forfattere som Johann Wolfgang von Goethe og Mary Wollstonecraft Shelley. Han har også inspirert utallige reproduksjoner, tolkninger, konspirasjonsteorier og skjønnlitterære verk. Den delikate tilstanden til den siste middagen har ikke redusert attraktiviteten til maleriet; I stedet har det blitt en del av arven etter kunstverket. 

Kjøp en reproduksjon av Leonardo da Vincis siste middag i Kadros nettbutikk 

Nr. 3 tilbake av den fortapte sønnen - Rembrandt (1669)

I lignelsen om den fortapte sønnen har en far to barn; Den yngste ber om arven, kastet bort formuen og returnerer hjem etter å ha bodd i elendighet. Han har til hensikt å be sin far om å gjøre ham til en av sine tjenere, men faren derimot feirer hjemkomsten. Når hans eldste sønn motsetter seg, forteller faren ham at de feirer fordi broren hans, som hadde gått tapt, nå har fått mening.

Rembrandts siste ord oppstår i hans monumentale maleri av den fortapte sønnens retur. Her tolker han den kristne ideen om barmhjertighet med ekstraordinær høytidelighet, som om dette var hans åndelige vilje til verden. Det går utover verkene til alle andre barokkartister i evokasjon av religiøs humor og menneskelig sympati. Realismens kraft av den eldre kunstneren avtar ikke, men øker med psykologisk persepsjon og åndelig bevissthet. Belysningen og den ekspressive fargen og det magiske forslaget om dens teknikk, sammen med en selektiv enkelhet i innstillingen, hjelper oss å føle hele effekten av hendelsen.

Hovedgruppen til faren og den fortapte sønnen skiller seg ut i lys mot en enorm mørk overflate. Spesielt levende er den sprukete kjolen til sønnen og eldste ermer, som er farget oker med gylden oliven; Okerfargen kombinert med en intens skarlagen rød i farens mantel danner en uforglemmelig koloristharmoni. Observatøren våkner av følelsen av en ekstraordinær hendelse. Sønnen, ødelagt og motbydelig, med et skallet hode og utseendet til en utstøtt, vender tilbake til farens hus etter lange eventyr og mange omskiftelser. Han har kastet bort arven i fremmede land og har sunket inn i tilstanden til Vagabund.

Hans gamle far, kledd i rike klær, som assistentfigurene, har hastet med å motta ham på døren og mottar den tapte sønnen med den største faderlige kjærligheten. Arrangementet er blottet for enhver øyeblikkelig voldelig følelse, men stiger til en høytidelig ro som gir figurene noen av statuene og gir følelser en varig karakter, som ikke lenger er underlagt endringer i tid. Uforglemmelig er bildet av den angrende synderen som støttes av farens bryst og den gamle fastende faren på sønnen. Faderens trekk snakker om en sublim og august godhet; Så gjør deres utvidede hender, ikke fri fra stivheten i alderdommen. Hele representerer et symbol på hver hjemmet hjem, av mørket i menneskets eksistens opplyst av ømhet, av den utmattede og syndige menneskeheten som søker tilflukt i tilflukt for Guds nåde.

Det iboende budskapet om at dette berømte maleriet overfører er klart. Gud vil alltid tilgi en angrende synder, hva som skjer.

Det religiøse ikonoklasia som skjedde etter løslatelse av Nederland av det koloniale åket til Spania og den katolske kirken, konverterte de kalvinistiske kirkene til bare skjell, dedikert til å tilbe, forkynne og bønn. Hollandske myndigheter hadde ikke noe ønske om å dekorere sine tilbedelsessteder med alterpieces, frisk eller annen type religiøs kunst å snakke.

På den annen side ble Holland berømt for nederlandsk realisme, en type malingsstil og små -skala kjønnsportrett, detaljerte og svært realistiske, hvorav mange inneholdt moralistiske meldinger av forskjellige typer.

En tredje type kunst der nederlandske realistiske kunstnere skilte seg ut var maleriet av en død natur (spesielt Vanitas -maleri), som også inneholdt et moralsk budskap, noen ganger religiøst. Dette var det nærmeste mange nederlandske kom til den "protestantiske kunsten."

Derfor er det enda mer overraskende at en nederlandsk protestantisk maler som Rembrandt blir en så innsiktsfull tolk av bibelske scener.

Kjøp en reproduksjon av retur av den fortapte sønnen - Rembrandt i nettbutikken til Kuadros

No.4 Bryllupene til Cana - Paolo Veronese (1562-1563)

Temaet for dette berømte maleriet er basert på den bibelske historien som ble fortalt i St. Johannesevangeliet (Johannes 2: 1-11), på et ekteskap som ble holdt i Cana, Galilea, deltatt av Mary, Jesus og hennes disipler. Mot slutten av bryllupsfesten, når vinen begynner å løpe ut, ber Jesus om at steinkrukker blir fylt med vann, som læreren deretter blir til vin. Denne episoden, den første av de syv tegnene på Johannesevangeliet som vitner om Jesu guddommelig tilstand, er en forløper for eukaristien.

Canas bryllup (eller Cana's Wedding Banquet) av Paolo Veronese er en olje på lerret som ble malt i 1563 for det benediktinerte klosteret San Giorgio Maggiore i Venezia. Veronese transponerte den bibelske historien til den mest moderne stadiet i et typisk ekstravagant venetiansk bryllup.
Canas bryllup kombinerer elementer av flere forskjellige stiler, og tilpasser seg sammensetningen av den høye renessansen - eksemplifisert av verkene til Leonardo, Rafael og Miguel Ángel. Til dette ga en eller to kjennetegn på manerer, samt en mengde allegoriske og symbolske trekk.

Innholdet i maleriet består også av en kompleks blanding av det hellige og det profane, religiøse og sekulære, teater- og verdslige, europeiske og østlige. Banketten er representert i den store stilen i det moderne venetianske samfunnet, og foregår inne i en uteplass flankert av doriske og korintiske søyler og grenser til en lav balustrade. I det fjerne kan du se et porticued tårn, designet av arkitekten født i Padua Andrea Palladio. I forgrunnen berører en gruppe musikere flere luter og strenginstrumenter. De musikalske figurene inkluderer de fire store malere av Venezia: Veronese selv (kledd i hvitt, spiller Viola Da Gamba), Jacopo Bassano (i fløyte), Tintoretto (fiolin) og Tiziano (kledd rød, berører celloen).

Spisestedene på brudebordet, som alle venter på dem, sammen med et forvirrende utvalg av kongelige medlemmer, edle, tjenestemenn, ansatte, tjenere og andre, som representerer et representativt utvalg av det venetianske samfunnet og kjoler på forskjellige måter med bibelsk, venetiansk eller orientalsk og utsmykkede kostymer pyntet med overdådige frisyrer og artikler av gullsmed. Tallrike historiske skikkelser vises i bryllupene til Cana, inkludert: keiser Carlos V, Leonor de Østerrike, Francisco I fra Frankrike, María I av England, Solimán The Magnificent, Vittoria Colonna, Giulia Gonzaga, Cardenal Pole og Sokollu Mehmet Passes. Totalt er det i dette berømte pålitelige maleriet rundt 130 unike figurer representert.

I arbeidet er de religiøse symbolene på lidenskap inkludert sammen med luksuriøse sølvfartøy på 1500 -tallet. Møblene, den komfortable, kannen og glassglassene og vasene avslører festen i all sin prakt. Hver gjest til bordet har et individuelt sted, komplett med serviett, gaffel og kniv. I denne dupliseringen av betydningen slipper ingen detaljer fra kunstnerens øye.
Maleren valgte dyre pigmenter importert fra øst av venetianske kjøpmenn: oransje gule, intense røde og lapislázuli er mye brukt i gardiner og i himmelen. Disse fargene spiller en viktig rolle i lesbarheten av maleri; De bidrar, for sine kontraster, til individualisering av hver av figurene.

Merk: Mens mange figurer i bildet samhandler med hverandre, snakker ingen av dem virkelig. Dette for å oppfylle stillhetskoden som er observert av alle benediktinske munker i sektoren der bildet skulle bli hengt.

Canas bryllupsfest inneholder mye symbolikk. Hele arbeidet symboliserer for eksempel samspillet mellom jordisk glede og jordisk dødelighet. Bak balustraden, på Jesu skikkelse, ofres et dyr, i hentydning til det neste Jesu offer, som Guds lam, en referanse som er avhengig av hunden som tygger et bein ved foten av maleriet. I mellomtiden, til venstre for Jesus, Jomfru Maria Ahueca hendene for å representere et glass som vil inneholde den nye menneskets vin, det vil si Kristi blod. I tillegg er det foran musikere en sandklokke, en standard referanse til jordiske gleder, inkludert menneskelig forfengelighet.

Benediktinene i klosteret i San Giorgio Maggiore de Venezia bestilte dette enorme bildet i 1562 å dekorere sin nye nektor. Kontrakten som begikk veronesisk i realiseringen av bryllupsbanketten var ekstremt presis. Munkene insisterte på at arbeidet skulle være monumentalt, for å fylle hele veggen av sektorien. Hang i en høyde av 2,5 meter fra bakken, ble den designet for å skape en illusjon av utvidet plass. Dette arbeidet med 70 m² okkuperte veronese i 15 måneder, mest sannsynlig ved hjelp av broren Benedetto Caliari. Kommisjonen var et vendepunkt i Veroneses karriere; Etter suksessen med maleriet, ville andre religiøse samfunn gråte for et lignende arbeid i sine egne klostre. Til tross for sine eksepsjonelle dimensjoner, ble maleriet konfiskert, registrert og sendt til Paris av Napoleons tropper i 1797.

Kjøp en reproduksjon av bryllupene til Cana de Paolo Veronese i nettbutikken til Kadros

 Nr.5 The Athens School - Rafael (1509-1511)

Millioner av øyne har undret seg over det evige møtet med tidligere filosofer og matematikere, statsmenn og astronomer som Rafel forestiller seg lyst i hans berømte fresco.

Spesielt Rafael's Fresco, Athen -skolen har kommet til å symbolisere foreningen av kunst, filosofi og vitenskap som var en særegen segl av den italienske gjenfødelsen. Malt mellom 1509 og 1511, ligger den i det første av de fire rommene designet av Rafael, Stanza della Segnatura. På den tiden var en provisjon av paven susspissen for enhver kunstner karriere. For Rafel var det validering av en allerede blomstrende karriere.

Rafael levde opp til utfordringen, og skapte en omfattende katalog med forberedende skisser for alle fresker. Disse vil da bli utvidet til tegneserier med store og store for å bidra til å overføre designet til det våte gipset. Arbeidet samtidig som Miguel Ángel på taket av det sixtinske kapell, antas det at dette bidro til å øke og inspirere Rafael ved å stimulere hans konkurransedyktige natur.

Rafel brakte ideen til et helt nytt nivå med massekomposisjoner som reflekterte filosofi, teologi, litteratur og rettsvitenskap. Les som en helhet, overførte de umiddelbart pavens intellekt og ville ha forårsaket en diskusjon mellom utdannede sinn som var heldige nok til å komme inn i dette private rommet. Athens -skolen var det tredje bildet som Rafael fullførte etter tvist (som representerer teologi) og Parnassus (som representerer litteratur). Det er satt mot tvist og symboliserer filosofi, og etablerer en kontrast mellom religiøs og sekulær tro.

Athen School, som er satt i en enorm arkitektonisk illusjon, er et mesterverk som visuelt representerer et intellektuelt konsept. I et maleri brukte Rafael grupper av figurer for å presentere en kompleks leksjon om filosofiens historie og de forskjellige troene som ble utviklet av de store greske filosofer. Rafael ville absolutt vært klar over de private utstillingene fra Sistine Chapel i Progreso som ble organisert av Bramante.

Hvem er figurene på Athens -skolen?
De to tenkere av selve sentrum, Aristoteles, til høyre og Platon, til venstre, peker opp, har vært veldig viktig for vestlig tenking generelt. På forskjellige måter ble deres forskjellige filosofier innlemmet i kristendommen.

Til Platons venstre er Sokrates gjenkjennelig takket være hans særegne trekk. Det sies at Raphael kan bruke et gammelt bysteportrett av filosofen som guide. Han blir også identifisert av gesten av hånden, som Giorgio Vasari påpeker i kunstnernes liv.

I forgrunnen sitter Pythagoras med en bok og en Inkwell, også omgitt av studenter. Selv om Pythagoras er kjent for sine matematiske og vitenskapelige funn, trodde den også bestemt på metempsykose.
Euklid gjenspeiler posisjonen til Pythagoras på den andre siden, og er tilbøyelig til å demonstrere noe med et kompass. Deres unge studenter prøver å fange leksjonene de underviser.

Den store matematikeren og astronomen Ptolemaios ligger rett ved siden av Euclid, med ryggen til betrakteren. Med en gul kappe holder han en landballong i hånden. Det antas at den skjeggete mannen stoppet foran ham som holdt en himmelsk ballong, er Zoroastro -astronomen. Interessant nok er den unge som står ved siden av Zoroaster, som ser på betrakteren, ingen ringere enn Raphael selv. Inkorporering av denne typen selv -portrett er ikke noe uhørt på den tiden, selv om det var en dristig bevegelse for kunstneren å innlemme hans likhet med et verk med slik intellektuell kompleksitet.

Det er universelt akseptert at den eldre Herren som ligger på trinnene er Diogenes. Grunnlegger av kynisk filosofi, var en kontroversiell skikkelse i sin tid, levde et enkelt liv og kritiserte kulturelle konvensjoner.
En av de mest slående figurene i komposisjonen er en gjennomtenkt mann som sitter i forgrunnen, med hånden i hodet i en klassisk posisjon av "tenker."

Innen filosofer er han Heraclitus, en pioner med selvlemmende visdom. Han var en melankolsk karakter og likte ikke andres selskap, noe som gjorde ham til en av få karakterer isolert fra fresken.

Ved å fullføre Rafaels program, sitter to flotte statuer i nisjer på baksiden av skolen. Til Platons høyre ser vi Apollo, mens til venstre for Aristoteles er Minerva. Minerva, gudinnen for visdom og rettferdighet, er en adekvat representant på siden av frescoens moralske filosofi. Interessant nok bringer dens posisjon også den nærmere Rafaels fresco på rettsvitenskap, som utvikler seg direkte til venstre for hans venstre.

Kjøp en avspilling fra Rafael Athens School i Kuadros nettbutikk

No.6 Transfiguration - Rafael (1520)

 

Ansvarlig i 1517 av kardinal Giulio de 'Medici (1478-1534) (av den florentinske Medici-familien), som snart skulle bli pave Clemente VII (1523-34), som et alterpiece av den franske katedralen i Narbonne (i konkurranse med konkurranse The Resurrection of Lázaro of Sebastiano del Piombo) of which he was Archbishop, this famous work of religious art was unfinished by Rafael to his death in 1520, and was completed by his assistants Giulio Romano (1499-1546) and Giovanni Francesco Penni (1496 - 1536).

Tross alt beholdt kardinal maleriet i Roma, og ved å få tilgang til pavedømmet i 1523 ga han det til Church of San Pietro i Montorio, Roma. I 1774 bestilte den nye paven Pius VI (1775-99) en kopi i mosaikk og installerer den i basilikaen i San Pedro. Selve maleriet ble plyndret av Napoleon i 1797 og ført til Paris, hvorfra det ble repatriert i 1815.

Dette arbeidet forteller to ikke -relaterte bibelske hendelser. Over er historien til Kristi transfigurasjon. I den nedre delen er historien om en ung mann som er besatt av en demon.

Jesus viser på toppen av Mount Tabor (Israel) med en hvit kappe som den skinnende snøen og ved siden av ham profetene Moses til høyre og Elias til venstre. Skyene bak Jesus er opplyst. Jesus hever armene og ser mot Gud.

Under Jesus er tre av sine disipler, fra venstre mot høyre, Santiago, Pedro og John. De dekker ansiktet med hendene fordi himmelen er for lys for øynene hans. De to figurene til venstre er sannsynligvis Justus og Pastor. Dette er to kristne martyrer som kirken er dedikert der maleriet opprinnelig var ment å plassere.

Nedenfor kan du se de ni disiplene til Jesus som ikke gikk opp til fjellet plassert på venstre side. De prøver å kurere en ung mann som er besatt av en ond ånd. Figuren til den blå tunikaen nederst til venstre er sannsynligvis Mateo. Kontakt en bok, men ikke finne løsningen for å kurere den unge mannen. Den unge disippelen av gul tunika er Felipe. Til høyre for Felipe, med den røde kappen, er det Andrés. Mannen bak Andrés, som peker på det syke barnet, er Judas Tadeo, og den eldste mannen til venstre er Simon. Mannen på ekstreme venstre er sannsynligvis Judas Iscariot. Disiplene kan ikke kurere den unge mannen. Dette kan forklare hvorfor den røde disippelen peker på Jesus på toppen av fjellet. Den syke unge mannen til høyre har et blått stoff pakket rundt midjen og ser veldig blek ut mens han gjør en vill gest. Du kan se at øynene dine ser i forskjellige retninger. Mannen bak ham med den grønne kappen er faren som holder ham, og ser på disiplene med håp og frykt på samme tid. Foran den unge mannen ser to kvinner på disiplene mens de peker på den unge mannen.

Begge historiene er beskrevet i Matteus 17, Marcos 9 og Lukas 9. Bibelhistorien beskriver hvordan Jesus overfører en strålende ære når han ber med tre av disiplene sine i et fjell. Jesus snakker med Moses og Elias og lytter også til Guds stemme. Transfigurasjonspartiet feires fortsatt i mange kirker, enten 6. august eller 19. august.

Dimensjonene til transfigurasjonen er 403x276 cm. Rafael foretrakk å male på lerret, men dette maleriet ble laget med oljemalerier på tre som valgte medier. Rafael viste faktisk avansert måte og teknikker fra barokkperioden i dette maleriet. De stiliserte og vridde positurene til figurene i den nedre halvdelen indikerer manusisme. Den dramatiske spenningen i disse figurene og den liberale bruken av lys til mørke, eller kontraster av chiaroscuro, representerer den barokke perioden med overdrevet bevegelse for å produsere drama, spenning, sprudling eller belysning. De Transfigurasjon Han avanserte til sin tid, akkurat som Raphaels død kom for tidlig.

De Transfigurasjon var uLasto Stort arbeid med Rafael og et utvilsomt mesterverk av Alto Italian Renaissance, er nå i den apostoliske Pinacoteca, et av Vatikanets museer. Som et resultat av en viktig restaurering som ble utført i 1977 av Vatikanets bevaringseksperter, er Rafael Renaissance Color -paletten nå helt synlig, og maleriet har gjenvunnet sin uberørte prakt. Restaureringen spredte også eventuelle vedvarende spørsmål om maleriets skaper. Selv om det er uferdig, var dette store mesterverket totalt produktet av Rafaels geni.

Kjøp en reproduksjon Rafael -transfigurasjon i nettbutikken til Kadros

No.7 Den endelige dommen - Miguel Ángel (1475-1564)

 

Kuadros gir leseren en nærmere titt på denne ikoniske fresken for å bedre forstå hvordan den endelige dommen har hatt en varig innvirkning på religiøs kunstverden.

Vestlige profetiske religioner (det vil si Zoroastrismo, jødedommen, kristendommen og islam) utviklet begreper om den endelige dommen som er rike på bilder.

"Det vil komme til å dømme levende og død" (fra apostlenes trosbekjennelse, en av de første uttalelsene fra den kristne tro).

Den endelige dommen var et av de første kunstverkene som Paul III ga i oppdrag å bli valgt til pavedømmet i 1534. Kirken han arvet var i krise; Looting of Roma (1527) var fremdeles et nylig minne. Paulus prøvde å ta opp ikke bare de mange overgrepene som hadde forårsaket den protestantiske reformen, men også bekrefte legitimiteten til den katolske kirken og ortodoksien i hans læresetninger (inkludert pavedømmets institusjon). Visualkunsten ville spille en nøkkelrolle i deres agenda, og startet med meldingen han adresserte til sin intime sirkel da han bestilte den endelige dommen.

Malt da Miguel Ángel var helt i sin modne stil, hadde kunstverket en umiddelbar innvirkning og forårsaket kontrovers. Mens denne endelige dommen om menneskeheten ikke var et uvanlig tema for en kunstner av renessansen, gjorde Miguel Ángel det utelukkende ved å bruke en stil som ble verdsatt og fornedret.

Denne nye veggen i det sixtinske kapellet ville ha et spesifikt tema: den endelige dommen. Beskrivelsen av Jesu Kristi andre komme og Guds endelige dom om menneskeheten var et populært tema gjennom hele renessansen. Miguel Ángels visjon om emnet har over tid blitt ikonisk. I fresken ser vi mer enn 300 figurer malt av eksperter for å gjennomføre denne historien. Kristus sitter i midten, med sin hånd reist for å dømme den domfelte som synker ned i helvetes dyp. Med bølgende muskler er denne Kristus en imponerende figur. På venstre side sitter Jomfru Maria. Han har adoptert en utsatt besittelse og ser mot de som har blitt frelst. Umiddelbart rundt dette sentrale paret er det en gruppe viktige helgener. San Pedro, som har himmelens nøkler, og døperen St. Johannes blir vist i samme skala som Kristus. Caronte og de domfelte sjelene. Den generelle komposisjonen dreier seg om en flytende bevegelse, med de som er frelst til venstre for Kristus på bildet som stiger fra gravene sine mens de dømte blir presset inn i helvete. I den nedre delen av fresken ser vi Caronte, en mytologisk figur. I gresk og romersk mytologi fraktet han sjeler til underverdenen. Her tar han dem direkte til helvete, som er full av makabre karakterer.

Som Dante i sitt store episke dikt, den guddommelige komedien, forsøkte Miguel Ángel å lage et episk maleri, verdig øyeblikkets storhet. Han brukte metaforer og hentydninger for å dekorere motivet. Hans utdannede publikum ville glede seg over hans visuelle og litterære referanser. Opprinnelig ment for et begrenset publikum, spredte reproduktive graveringer av fresken det raskt overalt, og plasserte den i de animerte senteredebattene om fordeler og misbruk av religiøs kunst.

Mens noen heiet dette berømte maleriet som høydepunktet av kunstneriske prestasjoner, anså andre det som symbolet på alt som kunne gå galt med religiøs kunst og ba om deres ødeleggelse. Til slutt ble det nådd en forpliktelse. Rett etter kunstnerens død i 1564 ble Daniele Da Volterra ansatt for å dekke Nalgae og engelsk naken med gardiner og male Santa Catalina de Alejandría, opprinnelig skildret uten klær, og San Blas, som svevde truet henne med stålkampene hennes (hva klær, og San Blas, som svevde truet med henne med stålkampene hennes (hva klær, og San Blas, som svevde truet henne med hennes stålkam (hva klær, og San Blas, som svevde henne med henne med henne med stålkampene hennes (hva klær, og San Blas, svevde truet henne med henne med stålkampene hennes (hva klær, og San Blas, svevde truet henne med henne med stålkampene hennes (hva klær, og San Blas. !).

I motsetning til hans begrensede publikum på 1500 -tallet, ser nå tusenvis av turister den endelige dommen daglig. I løpet av den pavelige konklavene blir imidlertid en kraftig påminnelse om kardinalhøgskolen om hans sted i frelseshistorien, siden de møtes for å velge den jordiske soknepresten for Kristus (den neste paven), personen som han vil være ansvarlig for beite de trofaste. i samfunnet til de valgte.

Kjøp en reproduksjon av Miguel Ángels endelige dom i nettbutikken til Kadros

No.8 The Tower of Babel - Pieter Bruegel El Viejo (1563)

I henhold til historien til Det gamle testamente straffet Gud menneskeheten på tre måter.

Den første var utvisningen av Adam og Eva fra Eden, etter original synd. Så kom den store flommen, straffen for mangfoldet av menneskelige misgjerninger. Og den tredje var da Gud, mistroende over stoltheten og formodningen fra innbyggerne i den voldelige nye byen Babylon, "forvirret alle og spredte dem gjennom jordens brede ansikt."

Hva hadde babylonerne gjort så inflammatoriske? I Guds øyne hadde de utfordret tingenes orden med sitt erklærte ønske om å bli et "stort folk", representert ved konstruksjonen av et stort tårn, "med en cusp som når himmelen." Mennesker skulle strebe etter så høye høyder, enten det er fysisk eller metaforisk. Straffen valgt av Gud for dette var å avslutte det vanlige språket som pleide å forene alle folkeslag, og skape en rekke forskjellige språk, "slik at de ikke kan forstås." Den resulterende forvirring betydde at "byggingen av byen tok slutt." I følge Bibelen, "det er grunnen til at byen ble kalt Babel" eller Babylon. Av alle kunstrepresentasjoner av dette store tårnet som hadde fornærmet Gud så mye, er det mest minneverdige tårnet til Babel av Pieter Bruegel El Viejo (1563).

Dette berømte maleriet, et av de mange maleriene dedikert til religiøs kunst, var den andre av tre versjoner av Babel -tårnet malt av Pieter Bruegel. Den første versjonen (nå tapt), var en elfenbens miniatyr, som var i varelageret til den italienske miniatyristen født i Kroatia Giulio Clovio (1498-1578), som Bruegel samarbeidet i Roma i 1553. Den tredje versjonen var en mindre malt malt olje på Wood, datert i 1564, som nå ligger på Boijmans van Beuningen Museum i Rotterdam. Det antas generelt at Rotterdams maleri stammer fra omtrent ett år etter Wiens bilde. Det "store" wiener tårnet er nesten dobbelt stort enn det "lille" Rotterdam -tårnet og er preget av en mer tradisjonell behandling av emnet. Basert på 1. Mosebok 11: 1-9, der Herren forvirrer menneskene som begynte å bygge "et tårn hvis topp kan nå himmelen", inkluderer, som den andre versjonen ikke gjør, scenen til King Nimrod og hans entourage. før mangfoldet av knelende arbeidere. Denne hendelsen er ikke nevnt i Bibelen, men ble foreslått i antikviteter av jødene i Flavio Josephus.

For Bruegel var det viktig fordi han understreket synden av stolthet og arroganse fra kongen som skal fremheve bildet.

Detaljert realisme Tårnet til Babel presenterer en stor mengde omhyggelige detaljer, relatert til bygging av bygningen, uten tvil, av Bruegels intrikate kunnskap om konstruksjonsteknikker, anskaffet under utførelsen av flere malerier som illustrerer utgravningen av Amberes-Buselas kanal. Til høyre er det en enorm kran, veldig lik den som er synlig plassert på havnen i Grimani Breviary.

Maur lignende arbeidere er opptatt med å bære den med enorme steinplater de har mottatt nedenfra og vil passere til den øvre rampen der andre er forberedt på å motta dem. En arbeider går opp en stige mot den delen, som blir forvandlet fra stein til arkitektur strukturert av et mangfold av andre mennesker. På venstre side slutter en del av fasaden allerede delvis; En kvinne kommer inn gjennom en av dørene, en stige vises gjennom et av de øvre vinduene. Over jobber et annet stort mangfold av arbeidere på taket, og så videre til uendelig.

Uansett rimelighet med disse individuelle handlingene, og dette punktet ennå ikke er blitt undersøkt, føler tilskueren umiddelbart den groteske insuffisienten til ingeniørmedier, så vel som galskapen i hele byggefirmaet.

Som hardtarbeidende disse 'maurene' er, står de overfor desperate motgang som er strålende demonstrert. Innenfor samme nivå er avslutningen av den siste detaljene imot nakne begynnelse, med mellomtrinn i midten, som antyder et hektisk løp mot ubønnhørlig tid, mens den øvre delen fremdeles er invadert av skyer.

Da vi så på Bruegels maleri og prøvde å tolke det, er vi også fordypet i en oversettelsesøvelse: ga han ganske enkelt visuelt uttrykk til bibelsk historie? Eller prøvde jeg å gjøre noe bredere? Eller bare en kombinasjon av begge deler?

Det skal ikke overraske oss at det i kunstverdenen ikke nødvendigvis er enighet om Bruegels intensjoner. I stedet for å være åpent kontroversiell, har læreren innebygd sitt arbeid med tegn og forlater oss, hans trofaste tilskuere for å tolke dem for oss selv.

Kjøp en reproduksjon av Torre de Babel av Pieter Bruegel El Viejo i nettbutikken til Kuadros

No.9 Virgen del Jilguero - Rafael (1505-1506)

 

Virgen del Jilguero, et av Rafaels florentinske paneler, ble malt av Rafael for ekteskapet med venninnen Lorenzo Nasi og Sandra di Matteo di Giovanni Canigiani. Maleriet ble alvorlig skadet etter den delvise kollapsen av NASI -huset i 1547, som Vasari nevner. Deretter ble det sannsynligvis restaurert av Michele di Ridolfo del Ghirlandio (Michele Tosini), en medarbeider i Ghirlandio -verkstedet, som ble dypt påvirket av Rafael.

Barnet Jesus stryker kjærlig en Jilguez -fugl som baptistbarnet nettopp har gitt ham. Et symbol på lidenskap (toppen, fordi det mater mellom torner) er dermed kombinert i en scene som på et første meningsnivå kan sees ganske enkelt som barn som spiller.

Rafael absorberte prestasjonene med florentinsk kunst som var i forkant i Europa. Kunstneren ble sterkt påvirket av figuren til Leonardo. Innflytelsen fra den store kunstnervitenskapelige, manifesteres i den vakre Madonna del Jilguero ("Madonna del Cardellino") (1506), nylig restaurert (2008) klokt og dyktig. Rafael aksepterer den pyramidale sammensetningsmetoden, de myke effektene av svakt lys og emosjonell dialog mellom karakterene, og avslører elementene i Leonardos maleri. Til tross for det er det også klart hva Rafaels personlige stil vil være: ansiktene ekstreme sødme, spesielt Madonnas, den mesterlige fargenes bruk, den realistiske reproduksjonen av landskapet og den dype intimiteten mellom figurene.

Jomfru Maria er kledd i rødt og blått. Rødt er et symbol på Kristi lidenskap og blått er symbolet på kirken og Maria. Det var et av de dyreste pigmentene og derfor passende å bruke i en viktig figur som Maria. Den europeiske Jilguero er assosiert med korsfestelsen av Jesus. I dette maleriet overfører St. Johannes fuglen til Jesus som en advarsel om hans voldelige død. Fra boka som Mary holder, har eksperter identifisert ordene "sedes sapientiae". Dette er en av de andaktige titlene gitt til Mary og betyr "visdomssete." Den understreker at Maria fødte Jesus (som representerer visdom). Når Maria er representert i rollen som "visdomssete", blir han vanligvis vist på en trone med Jesus i fanget. I dette tilfellet fungerer imidlertid klippen som Maria føler seg som en trone.

I maleriet kan du se flere blomster. Selv om ikke alle blomster er identifisert endelig, tror mange at blomstene er: anemoner (som representerer Maria -smerten ved Jesu lidenskap), Margaritas (som representerer uskylden til barnet Jesus), bananer (som representerer veien for Følg Jesus) og fioler. (som representerer ydmykhet).

I europeisk kunst brukes toppen ofte som et symbol. Den europeiske Jilguero, Carduelis Carduelis, har et rødt ansikt og hode i svart og hvitt. Hundrevis av gjenfødelsesmalerier har representert Jilguero. Den europeiske Jilguero er ofte assosiert med oppstandelsen, men også med sjelen, offer og død. Legenden forteller at spilleren fikk den røde flekken på hodet under korsfestelsen av Jesus da han ønsket å rive en torn fra Jesu krone, og en dråpe blod av Jesus sprutet hodet. Faktisk er det kjent at spilleren spiser tistler og torner, og at de derfor har blitt assosiert med kronen til torner som Jesus brukte i hans korsfestelse.

Landskapet, og spesielt de arkitektoniske formene det inneholder, gjenspeiler innflytelsen fra flamenco -kunst, selv om det fremdeles er strukturert i veien for Umbria. Denne innflytelsen var like levende i Firenze som i Urbino i andre halvdel av Quattrocento. Kanskje er det mer synlig på skrå tak og høye nåler, uvanlige elementer i et middelhavslandskap. Miguel Ángels innflytelse er tydelig igjen i den godt strukturerte figuren til barnet Kristus.

Dette berømte bildet fikk alvorlige skader på slutten av 1500 -tallet på grunn av sammenbruddet av bygningen der det var. Han fikk alvorlige skader, for eksempel de dype og lange kuttene som hadde vansiret trepanelet. Mange restaureringer fulgte gjennom århundrene, men bare takket være den siste (laget i 2008) vendte arbeidet tilbake til sin opprinnelige prakt. Derfor kan Virgen del Jilguero bli elsket og beundret igjen som et av de vakreste eksemplene på Rafaels store maler det "guddommelige".

Kjøp en reproduksjon av Virgen del Jilguero - Rafael i nettbutikken til Kadros

No.10 Kristus av San Juan de la Cruz - Salvador Dali (1951)

 Kristus av San Juan de la Cruz ble malt av den spanske surrealistiske maleren Salvador Dalí i 1951 på et tidspunkt da han kom ut av den sterke anti -religiøse ateismen fra sin ungdom og klemte den katolske troen igjen.

Uten tvil er Dalis mest kjente religiøse verk hans "Kristus av San Juan de la Cruz", hvis figur dominerer Port Lligat Bay. Maleriet var inspirert av en tegning, bevart i inkarnasjonen i Ávila, Spania, og laget av San Juan de la Cruz selv etter å ha sett denne visjonen om Kristus under en ekstase.

I Dalis maleri stammer folk ved siden av skipet fra et bilde av Le Nain og en tegning av Diego Velázquez for Bredas overgivelse. På slutten av studiene for Kristus skrev Dalí: "I første omgang, i 1950, hadde jeg en 'kosmisk drøm' der jeg så dette fargebildet og at i min drøm representerte atomets kjerne. Denne kjernen Senere skaffet seg en metafysisk forstand: Jeg vurderte i 'universets enhet', til Kristus! For det andre, da jeg, takket være instruksjonene fra Father Bruno, en karmelitt, så jeg Kristus tegnet av Saint John of the Cross, jeg jobbet Geometrisk en trekant og en sirkel, som estetisk oppsummerte alle mine tidligere eksperimenter, og registrerte min Kristus i denne trekanten. "

I portrettet brukte Salvador Dalí genialt to forskjellige realistiske farger som inkluderer blått og grønt for å skildre det fantastiske landskapet i havet, sannsynligvis en allegori til Galileahavet. Maleren brukte en unik teknikk for å male havet på øynene mens Kristi legeme henger i korsets luft. Bak korset brukte maleren svart oljemaling. Dette var for å gjøre Kristi legeme til sentrum av oppmerksomheten.

Dalí var i stand til å skildre Kristi muskler i en fin tone. Bortsett fra det, klarte han å male skygger som skapte dybde. I tillegg malte Salvador fjerne fjell på høyden av øynene. På bunnen av bildet kan du se en ensom mann som står på en brygge med båten sin. Den anerkjente maleren var i stand til å kombinere realistiske farger og et ordnet design for å skape et imponerende surrealistisk portrett av den religiøse figuren.

Det har blitt sagt at den originale versjonen fra 1500 -tallet skildrer et korsfest fra vinkelen der en døende person ville se den når han viser det for å ærverdige den.

Dalí får oss til å se Kristus og korset direkte ovenfra og se ned i settet med skyer under og jorden under. Det er et himmelsk perspektiv, faktisk Gud Faderen. Det er interessant at Sønnen, Kristus deler samme perspektiv som Faderen: hans synspunkt følger og fortsetter til Faderens. Det fjerde evangeliet understreker at Sønnen kommer fra Faderen og er en med ham, ser og gjør alt faren ber ham om å gjøre. På en måte tilbyr faren også sønnen til verden for å redde ham.

I maleriet av Kristus av San Juan gjenspeiles ikke Jesu hellige hjerte eksternt, men er involvert i den kunstneriske utplasseringen av en styrke som overvinner korsets ignor. Dalí maler oss en seirende Kristus. Det viser at Kristus av San Juan de la Cruz utløper i hjel for kjærlighet.

I "Kristus av San Juan de la Cruz" av Dalí, har Jesus hang fra korset avvæpnet kreftene og myndighetene og har gjort dem til et offentlig opptog, og seirer over dem med kraften til deres kjærlighet på korset (Kol 2: 15).

Dermed er korset stedet der det er godt utløper for det onde, der mørket blir beseiret av lyset, der kvinnens frø til slutt knuser slangens hode (1. Mos 3:15), der beskyldningene mot verden er blitt ødelagt og spikret når du krysser. Fremfor alt er det der kjærlighet erobrer hat og alle former for ondskap.

Dette berømte Dalí -arbeidet ble ansett som banalt av en viktig kunstkritiker da det først ble utstilt i London. Flere år senere ble han imidlertid kuttet av en fan mens han ble hengt i Glasgow -museet, bevis på den fantastiske motsatte effekten på tilskuerne.

I maleriet er det flere perspektiver, et tegn på det fenomenale talentet til Dalí.

Siden Dalís verk ennå ikke er i det offentlige, lager Kadros ikke kopier av denne maleren, og slutter ikke å beundre ham selvfølgelig. 

Kuadros ©, en berømt maling på veggen din.