De fundamenten van de kunstgeschiedenis dateren uit tienduizenden jaren tot toen oude beschavingen de technieken en middelen gebruikten die beschikbaar zijn om een cultureel belangrijk thema te vertegenwoordigen. Uit deze eerste voorbeelden hebben ze veel artistieke bewegingen gevolgd, elk met hun eigen verschillende stijlen en kenmerken die de politieke en sociale invloeden weerspiegelen van de periode waaruit ze ontstonden.
Wat betekent fauvisme en wat is conceptuele kunst? Over kunst praten lijkt een discipline op zichzelf en als je nieuw bent in de kunstwereld, heb je waarschijnlijk veel vragen, vooral over elke beweging in kunst en verschillende soorten kunst.
De invloedrijke kunstgenres, van de renaissance tot de opkomst van het modernisme, hebben ongetwijfeld hun stempel gedrukt in de geschiedenis.
Met de duidelijke concepten over geschiedenis en het belang van de artistieke bewegingen, zullen we een beter begrip hebben van hoe beroemde kunstenaars zoals Van Gogh, Picasso en Warhol een revolutie teweegbracht in de wereld van kunst.
Kadros heeft een lijst gemaakt van de belangrijkste bewegingen voor u.
No.1 Italiaanse Renaissance (1400-1550)
Sommige exponenten: Giberti -deuren, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Miguel ángel, Rafael.
Tegen het einde van de veertiende eeuw d. C., een handvol Italiaanse denkers verklaarde dat ze in een nieuw tijdperk woonden. De Barbara, niet verlichte "middeleeuwen" was voorbij; De nieuwe zou een "rinincità" ("renaissance") zijn van leren en literatuur, kunst en cultuur. Dit was de geboorte van de periode die nu bekend staat als de Renaissance. Eeuwenlang hebben geleerden het erover eens dat de Italiaanse wedergeboorte (een ander woord voor 'wedergeboorte') precies op die manier gebeurde: dat tussen de veertiende en de zeventiende eeuw, een nieuwe en moderne manier van denken over de wereld en de plaats van de mens van de mens erin Hij verving de oude ideeën. In feite delen veel van de wetenschappelijke, artistieke en culturele prestaties van de So -aangeduurde Renaissance gemeenschappelijke kwesties, vooral de humanistische overtuiging dat de mens het centrum van zijn eigen universum was.
De Italiaanse renaissance in context Italië van de vijftiende eeuw was anders dan elke andere plaats in Europa. Het was verdeeld in onafhankelijke steden-staten, elk met een andere vorm van overheid. Florence, waar de Italiaanse wedergeboorte begon, was een onafhankelijke republiek. Het was ook een bank- en commercieel kapitaal en, na Londen en Constantinopel, de derde grootste stad in Europa. De rijke Florentines pronken met hun geld en om beschermheer of aanhangers van kunstenaars en intellectuelen te kunnen worden. Op deze manier werd de stad het culturele centrum van Europa en de Renaissance.
Men kan gezegd dat de renaissance in twee delen was verdeeld:
Tijdens de vroege wedergeboorte begonnen kunstenaars de Byzantijnse stijl van religieus schilderen te verwerpen en worstelden ze om realisme te creëren in hun weergave van menselijke vorm en ruimte. Dit doel voor realisme begon met Cimabue en Giotto en bereikte zijn hoogtepunt in de kunst van "perfecte" kunstenaars, zoals Andrea Mantegna en Paolo Uccello. Hoewel religie een belangrijk element was in het dagelijkse leven van de mensen die tijdens de Renaissance leefden, zien we ook een nieuwe route open voor hijgen: het mythologische thema. Veel wetenschappers wijzen erop De geboorte van Venus van Botticelli als het eerste paneel schilderij van een mythologisch scène.
De periode die bekend staat als de hoge wedergeboorte vertegenwoordigt het hoogtepunt van de doelstellingen van de vroege wedergeboorte. De best -bekende kunstenaars van deze fase zijn Leonardo da Vinci, Rafael, Tiziano en Miguel Ángel. Zijn schilderijen en vers behoren tot de bekendste kunstwerken. Het laatste Avondmaal Da Vinci, De Athene School Rafael en de schilderijen van het dak van de Sixtijnse kapel van Miguel Ángel zijn de meesterwerken van deze periode en belichamen de elementen van de hoge renaissance.
Koop een reproductie van de Lisa Mona in de online winkel van Kadros
No.2 Barocco (1600–1750)
Sommige exponenten: Reubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Palacio de Versailles.
De barokke term is uiteindelijk afgeleid van het Italiaanse woord barocco, dat filosofen tijdens de middeleeuwen gebruikten om een obstakel in schematische logica te beschrijven. Vervolgens kwam het woord om elk gedraaid idee of proces van gedachte aan te duiden. Een andere mogelijke bron is het barokke Portugese woord (Spaanse Barrueco), dat wordt gebruikt om een onregelmatige of imperfecte parel te beschrijven, en dit gebruik overleeft nog steeds in de barokke parelterm van de juwelier. De barok is een beweging in kunst en architectuur ontwikkeld in Europa vanaf het begin van de zeventiende eeuw tot het midden van de 18e eeuw. Het benadrukt de dramatische en overdreven beweging en het duidelijke en gemakkelijk te interpreteren detail, dat verre van surrealisme is, om drama, spanning, uitbundigheid en grootheid te produceren.
De eerste manifestaties, die plaatsvonden in Italië, dateren uit de laatste decennia van de 16e eeuw, terwijl in sommige regio's, vooral in Duitsland en koloniaal Zuid -Amerika, bepaalde culminerende prestaties van de barok niet plaatsvonden tot de 18e eeuw.
De kunstenaars bleven de idealen van schoonheid van de Renaissance nieuw leven inblazen, in de werkzaamheden van kunst, muziek en architectuur van die tijd een knipoog aan het classicisme inbrengen die nog meer verbeterd was door een nieuwe uitbundige extravagantie en helling voor de sierlijke. Deze zeer versierde stijl werd bedacht als een barok en werd gekenmerkt door zijn innovatieve technieken en details, die een nieuwe en weelderige beeldtaal aanbieden in wat een relatief verzwakte periode voor kunst was geweest. De barokverspreiding verspreidde zich door Europa, voornamelijk gericht door de paus in Rome en de katholieke heersers in Italië, Frankrijk, Spanje en Vlaanderen. Het verspreidde zich nog meer door krachtige religieuze bevelen door zijn uitgebreide netwerk van kloosters en kloosters. De stijl strekte zich snel uit naar Frankrijk, Noord -Italië, Spanje en Portugal, vervolgens naar Oostenrijk en Zuid -Duitsland.
De barokke stijl die zich uit dit programma ontwikkelde, was paradoxaal genoeg sensueel en spiritueel; Hoewel een naturalistische behandeling ervoor zorgde dat het religieuze imago toegankelijker was voor de gemiddelde parochiaan, werden dramatische en illusoire effecten gebruikt om vroomheid en toewijding te stimuleren en een indruk van de pracht van het goddelijke over te geven. De daken van de barokke kerken zijn opgelost in geschilderde scènes die levendige visioenen van de oneindigheid aan de waarnemer presenteerden en de zintuigen naar de hemelse zorgen gaven.
Hoewel het thema en zelfs de stijl kunnen variëren tussen barokke schilderijen, hebben de meeste stukken van deze periode iets gemeenschappelijk: drama. In het werk van schilders die bekend staan als Caravaggio En Rembrandt, interesse in drama materialiseert als intense contrasten tussen stralend licht en dreigende schaduwen.
Die grote leraar van de katholieke regio, grotendeels bestuurd door de Spanjaarden, was de schilder Peter Paul Rubens, wiens stormachtige diagonale composities en brede figuren van compleet bloed de belichaming zijn van barokke verf. De elegante portretten van Anthony van Dyck en de robuuste figuratieve werken van Jacob Jordaens emuleerden het voorbeeld van Rubens. Kunst in Nederland werd geconditioneerd door de realistische smaken van hun dominante middenklasse -patronen, en daarom zowel het ontelbare genre als de landschapsschilders van dat land en de imposante leraren zoals Rembrandt en Frans Hals bleven onafhankelijk van de stijlbarok in belangrijke aspecten . De barok had echter een opmerkelijke impact op Engeland, met name in de kerken en paleizen, respectievelijk, door Sir Christopher Wren en Sir John Vanbruch.
Net als de beelden van de Renaissance, inclusief de iconische David van Miguel Ángel, waren de barokke sculpturen vaak voorbestemd om majestueuze gebouwen te versieren. Ze kregen ook de opdracht voor andere grote scenario's, zoals interieurs van gouden kerken en echte tuinen.
De laatste barokke bloei was grotendeels katholieke Romein in Zuid -Duitsland en Oostenrijk, waar inheemse architecten in de jaren 1720 gescheiden van Italiaanse bouwmodellen.
Koop een reproductie van de Meninas in de online opslag van Kadros
No.3 Realism (1848–1900)
Sommige exponenten: Corot, Court, Daumier, Millet.
Realisme, in de kunst, de precieze, gedetailleerde weergave en zonder ornamenten van de natuur of het hedendaagse leven. Realisme verwerpt de fantasierijke idealisatie ten gunste van een nauwe observatie van externe verschijningen. Als zodanig heeft realisme in brede zin veel artistieke stromingen in verschillende beschavingen behandeld. In beeldende kunst is het realisme bijvoorbeeld te vinden in de oude Hellenistische Griekse sculpturen die boksers en oude verval nauwkeurig uitbeelden. De werken van 17e -eeuwse schilders zoals Caravaggio, de schilders van het Nederlandse genre, de Spaanse schilders José de Ribera, Diego Velázquez en Francisco de Zurbarán en de broers Le Nain in Frankrijk zijn een realistische benadering. De werken van de Engelse romanschrijvers van de 18e -eeuwse Daniel Defoe, Henry Fielding en Tobias Smollett kunnen ook realistisch worden genoemd.
Realisme ontstond in Frankrijk in de jaren 1850. Onmiddellijk na de revolutie van 1848, een evenement dat het "recht op werk" in het land heeft vastgesteld, introduceerde de beweging het idee van de gemiddelde, arbeidersklasse, hedendaagse scenario's, hedendaagse scenario's en dagelijkse scènes als fatsoenlijke artistieke thema's.
Realisme strekte zich uit in heel Europa, van het Rusland van Alejandro II tot het Groot -Brittannië van koningin Victoria, van het Duitsland van Guillermo I tot het Italië van de Risorgimento, en van het rijk van de Habsburg tot Scandinavië en landen daarachter. Het jaar 1855 was belangrijk bij de oprichting van realisme in Europa.
Gustave Coubet Het wordt vaak beschouwd als de belangrijkste figuur van realisme. Hij legde de basis voor de beweging in de jaren 1840, toen hij de boeren en werknemers begon af te beelden. Het feit dat Courbet hen niet verheerlijkt, maar dat hij hen moedig presenteerde en ernstig een gewelddadige reactie in de kunstwereld creëerde.
De stijl en het uitgegeven werk van Courbet werden gebouwd in een veld dat al is gebroken door de schilders van de Barbizon School. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet en anderen in de vroege jaren 1830 werden opgericht in de Franse stad Barbizon met als doel het lokale karakter van het landschap getrouw te reproduceren.
Pictorism realisme buiten Frankrijk was misschien beter vertegenwoordigd in de 19e eeuw in de Verenigde Staten. Daar zijn de krachtige en expressieve schilderijen van Winslow Homer over mariene kwesties en portretten, navigatiescènes en andere werken van Thomas Eakins openhartige, onaantrekkelijke en zeer waargenomen records van het hedendaagse leven. Realisme was een andere stroom in de kunst van de twintigste eeuw en werd over het algemeen afgeleid van het verlangen van de kunstenaars om oprechter, oprecht en zonder te idealiseren van opvattingen over het dagelijks leven of hun pogingen om kunst te gebruiken als voertuig voor kritiek op kritiek op sociaal en politiek .
De ruwe, geschetste, bijna journalistieke scènes van het stadsleven met naad van de groep Amerikaanse schilders die bekend staan als de acht (de 8) vallen in de eerste categorie. De Duitse artistieke beweging bekend als Neue Sachlichkeit. Socialistisch realisme, officieel gesponsord in de Sovjet -Unie, gebruikte naturalistische idealisatietechnieken om portretten te creëren van onverschrokken werknemers en ingenieurs die verrassend vergelijkbaar waren, zowel in hun heroïsche positivisme als in hun gebrek aan echte geloofwaardigheid.
Bovendien inspireerde realisme direct belangrijke bewegingen van hedendaagse kunst, zoals fotorealisme en hyperrealisme. Op basis van de opmerkelijk moderne benadering van realisme, demonstreren deze genres de blijvende en evolutionaire erfenis van de innovatieve beweging.
Koop een reproductie van spimators in de online opslag van Kadros
No.4 Impressionism (1865–1885)
Sommige exponenten: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
Het Franse impressionisme is een belangrijke beweging, eerst in het schilderen en vervolgens in muziek, die zich voornamelijk in Frankrijk ontwikkelde aan het einde van de 19e en vroege twintigste eeuw. Het meest opvallende kenmerk van het impressionisme in het schilderen was een poging om zich precies en objectief te registreren voor realistische representaties van vluchtige indrukken van hun omgeving, die vaak buiten waren. In muziek was het om een idee of een effect door te geven door een goed wassen in plaats van een strikte formele structuur.
Aan het einde van de jaren 1860, de kunst van Manet Het weerspiegelde een nieuwe esthetiek, die een gidsmacht zou moeten zijn in het impressionistische werk, waarin het belang van het traditionele thema werd verminderd en de aandacht werd verplaatst naar de manipulatie van de kleur, toon en textuur van de kunstenaar. Het eindigt op zichzelf.
In 1874, een groep kunstenaars genaamd de schilders, beeldhouwers, recorders, enz. Hij organiseerde een tentoonstelling in Parijs die de beweging lanceerde genaamd Impressionism. De oprichters waren onder andere Claude Monet, Edgar Degas en Camille Pissarro. De groep maakte zijn eerste show, onafhankelijk van de officiële hal van de Franse Academie, die de meeste werken constant had afgewezen. Monet's schilderij Stijgende zondruk (1872) verdiende hen de aanvankelijk spottende naam "impressionisten" van de journalist Louis Leroy die in 1874 in het satirische tijdschrift Le Charivari schreef. De kunstenaars namen de naam al snel over als beschrijvend voor hun voornemen om de "visuele indrukken" nauwkeurig over te dragen. Terwijl conservatieve critici hun werk bekritiseerden voor hun onvolledige uiterlijk en schets, prees de meest progressieve schrijvers hem voor zijn beschrijving van het moderne leven. Edmond Duranty bijvoorbeeld, in zijn essay van 1876 The Nouvelle Peinture (The New Painting), schreef over zijn weergave van het hedendaagse thema in een adequaat innovatieve stijl als een revolutie in schilderen.
Sinds zijn conceptie is het impressionisme bepaald door een reeks kenmerken. Deze omvatten: picturale penseelstreken, onderscheidende kleuren, representaties van gemeenschappelijke problemen, een focus op licht en composities geïnspireerd door fotografie.
Halverwege de 1880 begon de impressionistische groep op te lossen toen elke schilder steeds meer hun eigen esthetische belangen en principes achtervolgde. In zijn korte bestaan bereikte het echter een revolutie in de kunstgeschiedenis en bood het een technisch startpunt voor post -impressionistische kunstenaars Cézanne, Van gas, Paul Gauguin, Vincent van Gogh en Georges Seurat en het vrijgeven van al het achterste westerse schilderij van traditionele technieken. en benaderingen van het onderwerp.
Erfenis en aanwezigheid van impressionisme vandaag
Natuurlijk beïnvloedde het impressionisme als uitgangspunt van het modernisme veel opeenvolgende bewegingen. Postimpressionisten namen hun picturale penseelslag over; Abstract expressionisten vonden inspiratie over de onconventionele benadering van de vorm van Monet; En veel hedendaagse kunstenaars blijven zelfs werken in een neo -impressionistische stijl.
Koop een vrouwelijke reproductie met een paraplu in de online opslag van Kadros
No.5 Post -Impressionisme (1885–1910)
Sommige exponenten: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat
Post -Impressionisme is een term die wordt gebruikt om de reactie in de jaren 1880 te beschrijven tegen het impressionisme. Het werd geregisseerd door Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh en Georges Seurat. Post -Impressionisten verwierpen de bezorgdheid van impressionisme over de spontane en naturalistische weergave van licht en kleur.
Al deze schilders, behalve Van Gogh, waren Frans en de meeste van hen begonnen als impressionisten; Elk van hen verliet de stijl om hun eigen zeer persoonlijke kunst te vormen.
Net als de impressionisten benadrukten ze de kunstmatigheid van het beeld. Post -impressionisten geloofden ook dat kleur onafhankelijk kon zijn van de vorm en compositie als een emotionele en esthetische drager van betekenis. Zowel impressionisme als post -impressionisme omvatten enkele van de beroemdste moderne kunstwerken, zoals Monet Water Lelies, een reeks waterlandschappen en De sterrennacht Door Van Gogh.
Post -Impressionisten deelden hun werk met het publiek via onafhankelijke tentoonstellingen in Parijs. In 1910 bedacht de prominente kunstcriticus, historicus en curator Roger Fry de term "post -impressionisme" met zijn show, Manet en Post -Impressionisten. Net als post -impressionisten zelf, geloofde Fry dat de schoonheid van kunst inherent is geworteld in perceptie. "Kunst is een uitdrukking en een stimulans voor het fantasierijk leven in plaats van een kopie van het echte leven", legt Fry uit in een essay in esthetiek.
Zoals Fry uitlegde, geloofden post -impressionisten dat een kunstwerk niet zou moeten draaien om de stijl, het proces of de esthetische benadering. In plaats daarvan moet je de symboliek benadrukken en berichten communiceren uit het onderbewustzijn van de kunstenaar.
Post -impressionisten tentaal vaak samen, maar, in tegenstelling tot de impressionisten, die begonnen als een zeer verenigde en hartelijke groep, voornamelijk alleen geschilderd. Cézanne schilderde afzonderlijk in AIX-en-Provence in Zuid-Frankrijk; Zijn eenzaamheid werd geëvenaard door die van Paul Gauguin, die in 1891 werd geïnstalleerd in Tahiti, en van Gogh, die in het veld in Arles schilderde. Zowel Gauguin als Van Gogh verwierpen de onverschillige objectiviteit van impressionisme ten gunste van een meer persoonlijke spirituele uitdrukking.
"Wat een diepe en mysterieuze kleur!
In tegenstelling tot de impressionisten die worstelden om het effect van natuurlijk licht op tint vast te leggen, gebruikten post -impressionisten met opzet een kunstmatig kleurenpalet als een manier om hun perceptie van de wereld die hen omringde te portretteren. Verzadigde tonen, veelkleurige schaduwen en rijke kleurenbereiken zijn duidelijk in de meeste postimpressionistische schilderijen, wat de innovatieve en fantasierijke benadering van kunstenaars voor representatie aantoont.
Over het algemeen ging post -impressionisme weg van een naturalistische benadering en ging naar de twee belangrijkste bewegingen van de kunst van de vroege twintigste eeuw die het vervingen: kubisme en fauvisme, die emoties oproepen door kleur en lijn.
Koop een sterreproductie in de online opslag van Kadros
No.6 Fauvism and Expressionism (1900–1935)
Schilderen geplaatst in dikke, kleuren die uit de pagina komen en antinaturale tonen: fauvisme en expressionisme zijn twee van de bewegingen die het leven gaven aan deze kenmerken. Dus wat is het verschil tussen hen, als ze op dezelfde manier kunnen worden beschreven? Ten eerste zullen we zelf fauvisme en expressionisme verklaren.
Fauvisme
Sommige exponenten: Matisse, Derain, Signac
Fauvismo greep de artistieke scène van 1905 tot 1910 min of meer in beslag en wordt gekenmerkt door een intense kleur en gewaagde penseelstreken. In sommige gevallen brachten de kunstenaars van deze periode verf rechtstreeks uit de fles toe. De kleuren hoefden niet noodzakelijkerwijs trouw te zijn aan de natuur. Ze kunnen veranderen om emotie te tonen. Ze kozen eenvoudige problemen en daarom leken de schilderijen bijna abstract. Kunstcriticus Louis Vauxcelles bedacht de term nadat hij het werk van Henri Matisse en Andre Derain beschreef, zoals "Les Fauves" of de beesten tijdens een tentoonstelling van 1905 in de woonkamer d’am Automne in Parijs. Het werk in de tentoonstelling van Matisse en Derain zat vol met onnatuurlijke kleuropties en wilde verfvlekken op het canvas. Het zou het begin van het fauvisme zijn.
Fauvism -kunstenaars waren diep geïnteresseerd in de wetenschappelijke theorie van de kleur van de negentiende eeuw. In het bijzonder begrepen fauvistas met het gebruik van complementaire kleuren hoe ze kleuren kunnen laten lijken, helderder en vet om deze theorieën op te nemen.
Henri Matisse's schilderij "vrouw met een hoed". Het werd bekritiseerd door de anti -natuurlijke kleuren op het gezicht van de vrouw. Paul Signac (1863-1935) is beroemd om zijn punt. Hij was ook een mentor van Henri Matisse. Puntillismo is een techniek waar kleine punten van primaire kleuren bij elkaar worden geplaatst. Wanneer je weggaat, wordt dit gecombineerd in een enkele afbeelding. Dit kan worden vergeleken met pixels op een computerscherm. Elke individuele pixel is een andere kleur, maar als je een kleine afstand ziet, maken ze een afbeelding. De stijl van het punt Rill liet zien wat kunstenaars konden doen met primaire kleuren en hoe ze optische illusies in hun werk konden gebruiken.
Naast Matisse en Derain zijn andere belangrijke fauvistas -kunstenaars Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault en Maurice de Vlaminck.
Expressionisme
Sommige exponenten: Munch, Carr, Kandinsky, Klee
Expressionisme is een algemene term voor elk kunstwerk dat de realiteit vervormt om samen te vallen met interne gevoelens, opvattingen of ideeën van de kunstenaar. Kortom, het is een kunst die interne realiteiten in de buitenwereld uitdrukt. Dit is een vrij algemene definitie, maar er zijn enkele onderscheidende kenmerken van expressionisme. In het bijzonder zullen de kleuren die in expressionisme worden gebruikt intens en vaak onnatuurlijkheden zijn, wat betekent dat iemands huid blauw kan worden geverfd in plaats van bruin of bruin. De verf wordt ook vaak in grote hoeveelheden in de expressionistische stijl gebruikt, die veel textuur op het canvas creëert.
Expressionisme kwam van "van binnenuit", een weerspiegeling van de gevoelens van de kunstenaar meer dan een weergave van een scène. Twee invloedrijke expressionistische kunstenaars waren Emily Carr en Edvard Munch.
Wat het onderwerp betreft, expressionistische kunst is meestal emotioneel en soms zelfs mythisch, ervan uitgaande dat expressionisme een uitbreiding van de romantiek is. Omdat expressionisme zo'n brede term is, is het gemakkelijk om het aan de kunst van elk moment toe te schrijven. Vervolgens is expressionisme voor het grootste deel van toepassing op de kunst van de twintigste eeuw. Er wordt gezegd dat het begon met het werk van Vincent van Gogh en zich uitstrekt tot moderne kunst zoals we het vandaag kennen.
De belangrijkste belastingbetalers van de expressionistische beweging zijn kunstenaars zoals Matisse, Rouault, Oskar Kokoschka, Paul Klee, Max Beckmann, Pablo Picasso, Francis Bacon, Ernst Ludwig Kirchner, Graham Sutherland, Edvard Munch en anderen.
Koop een reproductie van de kreet in de online opslag van Kadros
Fauvisme kan worden gezien als een subset van expressionisme. Expressionisme kan zo'n breed scala aan kunst en bewegingen bevatten dat het bijna onmogelijk is om ze te scheiden omdat ze echt anders zijn. Ze gebruiken dezelfde technieken en worden geclassificeerd door dezelfde kenmerken en het enige echte verschil is de specifieke aard van fauvisme in tegenstelling tot de algemene aard van expressionisme.
Iets dat als Fauvista kan worden beschouwd, kan ook deel uitmaken van het expressionisme. Maar iets dat als een expressionist wordt beschouwd, is niet noodzakelijkerwijs in de Fauvista -stijl. Fauvisme is een beetje meer wild, maar met een meer simplistisch thema.
Dus, fauvisme versus expressionisme is niet één ding. Ze concurreren niet met elkaar omdat de ene gewoon de ene versie van de andere is.
No.7 Cubism (1905–1920)
Sommige exponenten: Pablo Picasso, Georges Braque
Cubisme, zeer invloedrijke beeldende kunststijl van de twintigste eeuw die voornamelijk werd gemaakt door kunstenaars Pablo Picasso en Georges Braque in Parijs tussen 1907 en 1914. De kubistische stijl benadrukte het platte en twee -dimensionale oppervlak van het vlak van het beeld, waarbij traditionele technieken worden afgewezen . van perspectief, scorzo, modellering en duidelijk en weerleggen van de oude theorieën dat kunst de natuur zou moeten imiteren. De kubisten geloofden dat de tradities van de westerse kunst uitgeput waren en om hun werk nieuw leven in te blazen, hun toevlucht tot de expressieve energie van de kunst van andere culturen, met name Afrikaanse kunst.
Het kubisme ontleent zijn naam aan de opmerkingen van de criticus Louis Vauxcelles, die het werk van Braque in 1908 huizen in L'Estaque heeft weggegooid als samengesteld uit kubussen. In het schilderij van Braque, de volumes van de huizen, herinneren de cilindrische vormen van de bomen en het bruine en groene schema zich de landschappen van Paul Cézanne, die de kubisten diep inspireerden in hun eerste fase van ontwikkeling (tot 1909). Het was echter Les Demoiselles d'Avignon, geschilderd door Picasso in 1907, die de nieuwe stijl voorafschaduwde; In dit werk worden de vormen van vijf vrouwelijke naakten hoekige en gebroken vormen.
Het is te zien dat kubisme zich in twee verschillende fasen ontwikkelde: het initiële en meer sobere analytische kubisme en een posterieure fase van het kubisme dat bekend staat als synthetisch kubisme. Analytisch kubisme werd ontwikkeld tussen 1908-12. Zijn kunstwerken lijken ernstiger en worden gevormd door een combinatie van vlakken en lijnen in tonen van zwarten, grijs en oker. Synthetisch kubisme is de achterste fase van het kubisme, het wordt algemeen beschouwd dat het dateert van ongeveer 1912 tot 1914 en wordt gekenmerkt door eenvoudiger vormen en helderdere kleuren. Synthetische kubistische werken bevatten meestal ook gecombineerde echte elementen, zoals kranten. De opname van echte objecten rechtstreeks in de kunst was het begin van een van de belangrijkste ideeën van moderne kunst.
Hoewel de oprichting van deze nieuwe beeldtaal wordt toegeschreven aan Picasso en Braque, werd het overgenomen en ontwikkeld door vele schilders, waaronder Fernand Léger, Robert en Sonia Delaunay, Juan Gris, Roger de la Fresnaye, Marcel Duchamp, Albert Gleizes en Jean Metzing. Hoewel het voornamelijk wordt geassocieerd met schilderen, heeft het kubisme ook een diepe invloed op het beeld en de architectuur van de twintigste eeuw uitgeoefend. De belangrijkste kubistische beeldhouwers waren Alexander Archipenko, Raymond Duchamp-Villon en Jacques Lipchitz. De goedkeuring van kubistische esthetiek door de Zwitserse architect Le Corbusier wordt weerspiegeld in de vormen van de huizen die hij in de jaren 1920 heeft ontworpen.
In de winter van 1912–13 voerde Picasso een groot aantal papieren collés uit. Met deze nieuwe techniek om stukjes gekleurd of bedrukt papier in hun composities te plakken, veegden Picasso en Braque de laatste overblijfselen van drie -dimensionale ruimte (illusionisme) die nog in hun "hoge" analytische werk bleven.
De formele bevrijdende concepten die door het kubisme zijn geïnitieerd, hadden ook hoge geregistreerde gevolgen voor Dada en surrealisme, evenals voor alle kunstenaars die abstractie nastreven in Duitsland, Holland, Italië, Engeland, de Verenigde Staten en Rusland.
No.8 Dada and Surrealism (1917–1950)
Dadaist
Sommige exponenten: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Internationale reikwijdte en diverse artistieke productie, zowel het gegeven als het surrealisme waren artistieke, literaire en intellectuele bewegingen van de vroege twintigste eeuw die fundamenteel waren om het modernisme te definiëren. De gegeven beweging, gelanceerd in Zürich in 1916 door dichters en kunstenaars zoals Tristan Tzara en Hans ARP, was een directe reactie op het bloedbad, propaganda en waanzin van de Eerste Wereldoorlog I. Onafhankelijke groepen gekoppeld aan gemeenschappelijke ideeën kwamen kort daarna naar voren in New York. , Berlijn, Parijs en andere plaatsen. Deze verschillende groepen deelden geen universele stijl, maar waren verbonden voor hun afwijzing van idealisme, verouderde artistieke en intellectuele conventies en de ongecontroleerde knuffel van de moderne samenleving tot "rationalisme" en "vooruitgang".
Aangezien het een Europese avant -Garde -artistieke beweging was, met vroege centra in Zürich, Zwitserland en New York.
De naam, geëxtraheerd uit een woordenboek in Zürich in 1916, betekent "schommelend paard" in het Frans of "Ja" in het Roemeens en Russisch. Maar omdat de naam van een beweging echt helemaal niets betekent. Ziek van cultuur die het bloedbad van de Eerste Wereldoorlog had voortgebracht, gezien het alle heilige koeien uitdaagde, de uitdrukking en auteurschap door het raam gooide en kans en absurd vierden.
Dada -wortels zijn te vinden in de avant -garde voorafgaand aan oorlog. De term Antiarte, een voorloper van Dada, werd rond 1913 bedacht door Marcel Duchamp om werken te karakteriseren die de geaccepteerde kunstbeperkingen uitdagen.
De dadaistische beweging omvatte openbare vergaderingen, demonstraties en publicatie van kunst / literaire tijdschriften; De gepassioneerde berichtgeving over kunst, politiek en cultuur werd vaak besproken in verschillende media.
De beweging beïnvloedde achterste stijlen zoals avant -Garde en centrale muziekbewegingen en groepen die surrealisme en pop -art omvatten.
Vervolgens arriveerde het surrealisme om de anti -dadadishergieën van de dadaïsten zoals Marcel Duchamp terug te kanaliseren naar het museum, dat een enorm succesvolle maar hectische beweging veroorzaakte die Europa tussen de oorlogen verwoestte en veel media omhelsde.
Surrealisme
Sommige exponenten: Max Ernst, André Masson, Salvador Dali, René Magritte
Een van de belangrijkste en subversieve bewegingen van de twintigste eeuw, surrealisme bloeide met name in de jaren 1920 en 1930 en bood een radicaal alternatief voor de rationele en formele kwaliteiten van het kubisme. Een literaire, filosofische en artistieke beweging van de twintigste eeuw die het functioneren van de geest verkende, het irrationele, het poëtische en de revolutionaire verdedigde.
In tegenstelling tot Dada, waaruit het op veel manieren ontstond, benadrukte het de positieve afwijzing, in plaats van de pessimistische van eerdere tradities.
Het woord 'surrealist' (dat suggereert 'voorbij de realiteit') werd bedacht door de Franse avant -Garde -dichter Guillaume Apollinaire in een werk geschreven in 1903 en vertegenwoordigd in 1917. Maar het was André Breton, leider van een nieuwe groep dichters en kunstenaars In Parijs, die, in zijn surrealistische manifest (1924), surrealisme definieerde als: puur psychisch automatisme, waardoor het wordt voorgesteld, verbaal, in schrift of op een andere manier, het echte functioneren van denken uit te drukken. Dictatie van het denken in afwezigheid van enige controle uitgeoefend om reden, boven enige esthetische en morele bezorgdheid.
Verschillende draden kunnen worden onderscheiden in de visuele manifestatie van surrealisme. Kunstenaars zoals Max Ernst en André Masson geven de voorkeur aan het automatisme waarin bewuste controle wordt onderdrukt en het onderbewustzijn de controle mag nemen. Integendeel, Salvador Dalí en René Magritte nastreven een geweldig gevoel van superrealiteit waarin de vertegenwoordigde scènes geen echt zin hebben. Een derde variatie was de combinatie van niet -gerelateerde elementen, waardoor een niet -realiseerbare realiteit werd vastgesteld buiten de grenzen van de normale realiteit. Het surrealisme is oorspronkelijk in Parijs ontstaan. De invloed ervan werd uitgebreid door een reeks internationale tijdschriften en tentoonstellingen, zijnde de belangrijkste voorbeelden van de laatste de internationale surrealistische tentoonstelling in de nieuwe Burlington, Londen en Fada van Fantastic Art, surrealisme in het Museum of Modern Art New York, beide gemaakt in 1936. Met het uitbreken van de Tweede Wereldoorlog werd het centrum van surrealistische activiteit overgebracht naar New York en aan het einde van de oorlog had de beweging zijn samenhang verloren. Het heeft echter een krachtige invloed behouden, duidelijk duidelijk zichtbaar in aspecten van abstract expressionisme en andere artistieke manifestaties van de tweede helft van de twintigste eeuw.
Velen beweren dat surrealisme, als een identificeerbare culturele beweging, eindigde met de dood van Breton in 1966. Anderen geloven dat het vandaag een vitale en relevante kracht blijft.
No.9 Abstract Expressionism (1940–1950)
Sommige exponenten: Jackson Pollock, Kooning Willem, Franz Kline
Het "abstracte expressionisme" was nooit een ideaal label voor beweging, dat in de jaren 1940 en 1950 in New York werd ontwikkeld. Op een of andere manier was het bestemd om niet alleen het werk van de schilders te dekken die hun doeken vulden met velden met veldenkleur en abstracte vormen, maar ook degenen die hun doeken aanvielen met een krachtige gebaren expressie. Allen waren toegewijd aan kunst als uitingen van het zelf, geboren uit diepe emoties en universele thema's, en de meeste werden gevormd door de erfenis van het surrealisme, een beweging die zich vertaalde in een nieuwe stijl die zich aanpaste aan de post -oorlogsstemming van angst en trauma. In hun succes hebben deze New York -schilders Paris gestolen als hun mantel als leider van moderne kunst en bereidden ze het podium voor de beheersing van de Verenigde Staten in de wereld van internationale kunst. Abstract expressionisme markeerde het begin van de invloed van New York City als het centrum van de wereld van de westerse kunst. De wereld van abstracte expressionistische kunstenaars was stevig geworteld in Low Manhattan. Een wandeling langs 8th Street zou het nemen van de Waldorf -cafetaria, waar kunstenaars zonder geld "tomatensoep" maakten met heet water en gratis ketchup; Na de Hans Hofmann School of Plastic -kunstenaars opgericht door de schilder met dezelfde naam; Naar de club, een loft waar conferenties en verhitte argumenten over kunst tot laat in de nacht doorgaan. De studie van Jackson Pollock was in East 8th Street, Kooning en Philip Guston Willem waren in Oost -10e, en hoewel Franz Kline naar verschillende huizen en studies in het gebied verhuisde, vonden de meeste nachten hem en veel van zijn tijdgenoten in Cedar Street Tavern at the Universitaire site.
De beweging omvatte veel verschillende picturale stijlen die zowel in de techniek als in de kwaliteit van de expressie varieerden. Ze gebruiken vaak graden van abstractie; Dat wil zeggen, ze vertegenwoordigen onrealistische of, aan de extreme vormen, vormen niet geëxtraheerd uit de zichtbare wereld (niet -objectief). Ze benadrukken vrije, spontane en persoonlijke emotionele expressie en oefenen aanzienlijke vrijheid van techniek en uitvoering uit om dit doel te bereiken, met een bepaalde nadruk gelegd op de uitbuiting van het variabele fysieke karakter van het schilderij om expressieve kwaliteiten op te roepen (bijvoorbeeld sensualiteit, dynamiek ). , geweld, mysterie, lyriek).
De meeste kunstenaars geassocieerd met abstract expressionisme werden gerijpt in de jaren 1930. Ze werden beïnvloed door het linkse beleid van die tijd en kwamen een kunst te waarderen op basis van persoonlijke ervaring. Weinigen zouden hun eerdere radicale politieke opvattingen behouden, maar velen bleven de positie van de Frank Avant -Garde aannemen.
Ondanks de diversiteit van de abstracte expressionistische beweging, kunnen drie algemene benaderingen worden onderscheiden. Eén, het actieschilderij, wordt gekenmerkt door losse, snelle, dynamische of energetische verwerking van verf bij het scannen of snijden van penseelstreken en in technieken die gedeeltelijk bij toeval worden gedicteerd, zoals druipen of de verf rechtstreeks op het canvas morsen. Kunstenaars: Pollock, Kooning.
De gemiddelde term binnen abstract expressionisme wordt weergegeven door verschillende gevarieerde stijlen, variërend van meer lyrische, delicate en vloeiende vormen. Kunstenaars: Guston, Frankenthaler, Motherwell, Gottlieb.
De derde minder expressieve aanpak was die van Rothko, Newman en Reinhardt. Deze schilders gebruikten grote gebieden, of velden, platte en fijne verf en diaphaan om stille, subtiele en bijna meditatieve effecten te bereiken.
Hoewel de beweging in de historische documentatie grotendeels is vertegenwoordigd als behorend tot de heroïsche mannelijke kunstenaar bezaaid met schilderen, waren er verschillende belangrijke vrouwelijke abstracte expressionisten die in de jaren 1940 en 1950 uit New York en San Francisco kwamen die nu krediet krijgen als elementaire leden van de toeslag.
No.10 Pop Art (1960)
Sommige exponenten: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist en Claes Oldenburg
Pop Art begon met New Yorkse kunstenaars Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist en Claes Oldenburg, die werden geïnspireerd door populaire beelden en eigenlijk deel uitmaakten van een internationaal fenomeen.
Het was een opstand tegen de dominante benaderingen van kunst en cultuur en traditionele meningen over wat kunst zou moeten zijn. Jonge kunstenaars vonden dat wat ze hen leerden op de School of Art en wat ze in de musea zagen niets te maken hadden met hun leven of de dingen die ze om hen heen zagen elke dag. In plaats daarvan zijn bronnen zoals Hollywood -films, advertenties, productverpakkingen, popmuziek en strips om hun afbeeldingen te verkrijgen. Na de populariteit van abstracte expressionisten was de herintroductie van identificeerbare beelden door POP (geëxtraheerd uit de media en de populaire cultuur) een belangrijke verandering in de richting van het modernisme.
In 1957 noemde popartiest Richard Hamilton de 'Kenmerken van Pop Art' in een brief aan zijn vrienden de architecten Peter en Alison Smithson: Pop Art is: populair (ontworpen voor een massapubliek), voorbijgaande (korte termijnoplossing), vervangbaar (gemakkelijk te vergeten), lage kosten, geproduceerd door massa, jong (gericht op jeugd), ingenieus, sexy, truculente, glamoureuze, grote bedrijven. Modernistische critici waren geschokt door het gebruik van popartiesten van zo'n 'laag' thema en voor hun schijnbaar weinig kritische behandeling daarvan. Pop bracht kunst in feite naar nieuwe thematische gebieden en ontwikkelde nieuwe manieren om het in kunst te presenteren en kan worden gezien als een van de eerste manifestaties van het postmodernisme.
Hoewel ze werden geïnspireerd door soortgelijke kwesties, wordt Britse pop vaak gezien als een onderscheidende Amerikaanse pop. Vroege popkunst in Groot -Brittannië werd gedreven door de Amerikaanse populaire cultuur die op afstand werd gezien, terwijl Amerikaanse kunstenaars werden geïnspireerd door wat ze zagen en ervaren in die cultuur. In de Verenigde Staten was popstijl een terugkeer naar representatieve kunst (kunst die de visuele wereld op een herkenbare manier vertegenwoordigde) en voor het gebruik van harde randen en verschillende vormen na de picturale losheid van abstract expressionisme. Door onpersoonlijke en alledaagse afbeeldingen te gebruiken, wilden pop -artiesten ook weg van de nadruk op persoonlijke gevoelens en persoonlijke symboliek die abstract expressionisme kenmerkte. In Groot -Brittannië was de beweging academischer in zijn aanpak. Tijdens het gebruik van ironie en parodie concentreerde hij zich meer op wat Amerikaanse populaire beelden en hun kracht om de levensstijl van mensen te manipuleren. De kunstgroep van de jaren 50, de Independent Group (IG), wordt beschouwd als de voorloper van de Britse pop -kunstbeweging. Pop Art was een afstammeling van Dada.
De meeste popartiesten streefden naar een onpersoonlijke en stedelijke houding in hun werken. Enkele voorbeelden van pop -kunst gaven echter subtiel sociale kritiek uit, bijvoorbeeld de gevallen objecten van Oldenburg en de monotone herhalingen van Warhol van hetzelfde banale beeld hebben een ongetwijfeld verontrustend effect, en sommige, als de mysterieuze en eenzame segal -kaders zijn ze openlijk expressionisten.
Misschien is Pop Art vanwege de opname van commerciële beelden een van de meest herkenbare stijlen van moderne kunst geworden.
No.11 Postmodernism (1970–)
Sommige exponenten: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn in de lucht van ©James Gill
Die postmoderniteit is onbepaald is een waarheid. Het kan echter worden omschreven als een reeks kritische, strategische en retorische praktijken die concepten gebruiken zoals verschil, herhaling, sporen, simulatie en hyperrealiteit om andere concepten te destabiliseren zoals aanwezigheid, identiteit, historische vooruitgang, zekerheidsepistemische en eenduidigheid van betekenis.
De term "postmodernistische kunst" verwijst naar een brede categorie hedendaagse kunst gemaakt vanaf ongeveer 1970. Het onderscheidende zegel van "postmodernistische kunst" is de afwijzing van esthetiek waarop zijn voorganger, "Modern Art" (1870-1970) was gebaseerd. Een van deze afgewezen waarden is het idee dat "kunst" iets "speciaal" is dat "hoog van de" populaire smaak zou moeten zijn. Samenvallend met een reeks nieuwe technologische ontwikkelingen, heeft postmodernisme geleid tot bijna vijf decennia artistieke experimenten met nieuwe media en nieuwe kunstvormen, waaronder "conceptuele kunst", verschillende soorten "prestatiekunst" en "installatiekunst", evenals geassisteerde bewegingen zoals deconstructivisme en projectiekunst. Met behulp van deze nieuwe vormen hebben postmoderne kunstenaars de definitie van kunst uitgebreid tot het punt dat "alles waard is."
De eerste belangrijke kunststijl na de Renaissance was academische kunst, het klassieke materiaal dat werd onderwezen door leraren in academies. Academische kunst is het artistieke equivalent van de traditionele "pak en stropdas". Vervolgens, rond 1870, komt de "moderne kunst". Dit is het artistieke equivalent van het "shirt en broek" of "jas en broek". Vervolgens, rond 1970, komt de "Postmodern Art", het artistieke equivalent van "jeans en t -shirt". Op dezelfde manier dat de kledingcodes minder formeel zijn geworden en meer "alles waard is", zijn de kunstenaars van vandaag minder onder de indruk van de oude ideeën van wat kunst zou moeten zijn en meer gericht op het creëren van iets (iets) dan het wordt opgemerkt.
Anti-autoritair van nature weigerde het postmodernisme het gezag te erkennen van elke stijl of definitie van wat kunst zou moeten zijn. Het onderscheid tussen hoge cultuur en massacultuur werd ingestort tussen kunst en het dagelijkse leven. Omdat postmoderniteit de gevestigde regels over stijl overtreden, introduceerde hij een nieuw tijdperk van vrijheid en het gevoel dat 'alles waard is'. Vaak grappig, ironisch of belachelijk; Het kan tegenstrijdig en controversieel zijn en de limieten van smaak uitdagen; Maar het belangrijkste is dat het een zelfbewustzijn van de stijl zelf weerspiegelt. Vaak kan postmodernistische kunst verschillende stijlen en artistieke en populaire media mengen, ook bewust of bewust of ironisch genoeg commentaar geven op een verscheidenheid aan stijlen uit het verleden. Postmodern zijn dus van mening dat hun theoretische positie uitzonderlijk inclusief en democratisch is, omdat het hen in staat stelt de oneerlijke hegemonie van de discoursen van de illustratie op de even geldige perspectieven van de niet -elite groepen te herkennen.
In de jaren tachtig en negentig werden academische verdedigers in de naam van verschillende etnische, culturele, raciale en religieuze groepen postmoderne kritiek op de hedendaagse westerse samenleving aangenomen, en postmodernisme werden de onofficiële filosofie van de nieuwe beweging van "identiteitsbeleid"
Kuadros ©, een beroemde verf op je muur.
