De geschiedenis achter de 10 meest beroemde religieuze schilderijen van de westerse kunst

Door de eeuwen heen heeft Christian Art veel verschillende soorten schilderen gepresenteerd, uitgevoerd in een breed scala van media.

Religieuze kunst gebruikt religieuze kwesties en motieven die over het algemeen een herkenbaar moreel verhaal hebben of proberen sterke spirituele emoties in de kijker te veroorzaken. In de westerse wereld kan religieuze kunst worden gedefinieerd als elk kunstwerk dat een christelijk thema heeft. Westers religieus schilderij wordt gedomineerd door scènes uit het Oude Testament en het leven van Jezus Christus.

Een van de meest vertegenwoordigde thema's zijn de voorstellingen van de Maagd Maria met het kind Jezus en Christus aan het kruis. Veel van de beroemdste religieuze schilderijen zijn gemaakt tijdens de Renaissance, een invloedrijke culturele beweging die in Italië is ontstaan.

De drie grote meesters van de Renaissance Leonardo da Vinci, Miguel Ángel en Rafael verschijnen verschillende keren op deze lijst. Kadros brengt je de 10 beroemdste religieuze schilderijen.

No.1 De oprichting van Adam - Miguel Ángel (1512)

Het beroemdste deel van het dak van de Sixtijnse kapel is de oprichting van Adam van Miguel Ángel. Deze scène bevindt zich naast de oprichting van Eva, het paneel in het midden van de kamer, en de gemeente van de wateren, die dichter bij het altaar ligt.

Het werk van Miguel Ángel, is een hoeksteen van Renaissance Art. Het schilderij illustreert het bijbelse verhaal van de schepping van het Book of Genesis waarin God het leven insuffeert aan Adam, de eerste man.

Het creëren van Adam verschilt van de typische creatie -scènes die tot nu toe zijn geschilderd. Hier domineren twee figuren de scène: God naar rechts en Adam aan de linkerkant. God wordt getoond in een drijvende nevelvorm samengesteld uit gordijnen en andere figuren. De vorm is gebaseerd op engelen die zonder vleugels vliegen, maar wiens vlucht duidelijk wordt gezien door de gordijnen die eronder ontspruiten. God wordt voorgesteld als een oude man, maar gespierd, met grijs haar en een lange baard die reageert op de voorwaartse beweging van de vlucht. Dit is verre van de keizerlijke beelden van God die anders in het Westen hadden gecreëerd en dateren uit de tijd van de late oudheid. In plaats van echte kleding te gebruiken en weergegeven als een almachtige heerser, gebruikt hij alleen een licht gewaad dat veel van zijn armen en benen blootstelt. Je zou kunnen zeggen dat het een veel intiemer portret van God is omdat het wordt getoond in een staat die niet onaantastbaar en weg van de mens is, maar voor hem toegankelijk is.

In tegenstelling tot de figuur van God, die is uitgebreid en hoog, wordt Adam voorgesteld als een luie figuur die onverschillig reageert op de aanstaande aanraking van God. Deze aanraking zal niet alleen het leven geven aan Adam, maar zal het leven geven aan de hele mensheid. Het is daarom de geboorte van het menselijk ras. Het lichaam van Adam neemt een concave vorm aan die de vorm van het lichaam van God weerspiegelt, dat zich in een convexe houding bevindt in de nevel en zwevende vorm. Deze correspondentie op de ene manier met de andere lijkt het bredere idee te onderstrepen dat de mens overeenkomt met God; Dat wil zeggen, het lijkt het idee weer te geven dat de mens is geschapen naar het beeld en de gelijkenis van God, een idee waarmee Michelangelo bekend moest zijn.

De verf is veel geanalyseerd en, onder andere, is ontdekt dat de randen van de verf correleren met de groeven op het interne en externe oppervlak van de hersenen, de hersenbroek, de basilar slagader, de hypofyse en de Optisch chiasma. De hand van God raakt Adam niet aan, maar Adam leeft al alsof de vonk van het leven is overgedragen door een synaptische spleet. Onder Gods rechterarm is er een trieste engel in een gebied van de hersenen die soms wordt geactiveerd in huisdierenverkenningen (tomografieën) wanneer iemand een trieste gedachte ervaart. God overlapt het limbische systeem, het emotionele centrum van de hersenen en mogelijk de anatomische tegenhanger van de menselijke ziel. Gods rechterarm strekt zich uit tot de prefrontale cortex, het meest creatieve en unieke menselijke breinregio; De rode stof rondom God heeft de vorm van een menselijke baarmoeder; En er wordt aangenomen dat de groene sjaal een nieuw gesneden navelstreng is. Adam's creatie is misschien wel het bekendste schilderij na Mona Lisa; En samen met het laatste diner is het het meest gerepliceerde religieuze schilderij aller tijden. Het beeld van de bijna aangerichte handen van God en Adam is een icoon van de mensheid geworden en is geïmiteerde en geparodieerde ontelbare keren.

Het dak van de Sixtijnse kapel leed aan de schadelijke effecten van eeuwen rook waardoor het dak aanzienlijk werd donkerder. Het was pas in 1977 dat de plafondreiniging begon. De schoonmaak was geweldig na de voltooiing ervan in 1989; Wat voorheen donker en monotoon was, is levendig geworden. De verandering in voorafgaande reiniging van de daaropvolgende reiniging was zo groot dat sommigen aanvankelijk weigerden te geloven dat Miguel Ángel schilderde. Tegenwoordig begrijpen we het gekleurde palet van Michelangelo veel beter en de wereld die hij schilderde, prachtig gevangen op het dak van de Sixtijnse kapel.

Koop een reproductie van de oprichting van Adam door Miguel Ángel in de online winkel van Kadros

 No.2 The Last Supper - Leonardo Da Vinci (1495-1498)

Laatste avondmaal, of de Italiaanse Cenacolo, een van de beroemdste kunstwerken, geschilderd door Leonardo da Vinci waarschijnlijk tussen 1495 en 1498 voor het Dominicaanse klooster Santa Maria Delle Grazie in Milan.

Dit beroemde schilderij vertegenwoordigt de dramatische scène die in verschillende momenten nauw verwant is in de evangeliën, waaronder Mattheüs 26: 21-28, waarin Jezus verklaart dat een van de apostelen hem zal verraden en vervolgens de eucharistie zal instellen. Volgens de overtuiging van Leonardo dat de positie, gebaar en uitdrukking de "noties van de geest" moeten manifesteren, reageert elk van de 12 discipelen zodanig dat Leonardo voldoende achtte voor de persoonlijkheid van de apostelen. Het resultaat is een complexe studie van verschillende menselijke emoties, uitgedrukt in een bedrieglijk eenvoudige samenstelling.

Leonardo had niet in zo'n groot schilderij gewerkt en had geen ervaring in de standaard muurschildering van de fresco. De verf werd uitgevoerd met behulp van experimentele pigmenten direct op de droge gipswand en, in tegenstelling tot de fresco's, waar pigmenten worden gemengd met het vochtige gips, heeft het verstrijken van de tijd niet goed weerstaan. Zelfs voordat het klaar was, waren er problemen met de damerverf van de muur en Leonardo moest het repareren. In de loop der jaren is het ingestort, het is onderworpen aan vandalisme, gebombardeerd en hersteld. Vandaag zien we waarschijnlijk heel weinig van het originele schilderij.

Het thema van het laatste avondmaal is het laatste voedsel van Christus met zijn apostelen voordat Judas Christus identificeert voor de autoriteiten die hem arresteren. Het laatste avondmaal (er wordt aangenomen dat het overeenkomt met de seder van Joodse Pasen), wordt het herinnerd voor twee gebeurtenissen: Christus zegt tegen zijn apostelen "een van jullie zal me verraden", en de apostelen reageren, elk volgens hun persoonlijkheid. Verwijzend naar de evangeliën, vertegenwoordigt Leonardo Felipe met de vraag: "Heer, ben het mij?" Christus antwoordt: "Hij die zijn hand met mij op het bord legt, zal me geven" (Mattheüs 26). We zien Christus en Judas zich tegelijkertijd verspreiden naar een gerecht dat er een van is, zelfs wanneer Judas teruggaat naar de verdediging. Leonardo vertegenwoordigt ook tegelijkertijd Christus, zegent het brood en vertelt de apostelen: "Neem, eet; Dit is mijn lichaam "en de wijn zegenen en zeggen" alles drinken; Omdat dit mijn bloed uit het pact is, dat wordt afgeworpen voor vergeving van zonden ”(Mattheüs 26). Deze woorden zijn het grondmoment van het sacrament van de eucharistie (de wonderbaarlijke transformatie van brood en wijn in het lichaam en bloed van Christus).

De gebalanceerde compositie wordt verankerd door een gelijkzijdige driehoek gevormd door het lichaam van Christus. Hij zit onder een gebogen fronton dat, indien voltooid, een cirkel trekt. Deze ideale geometrische vormen verwijzen naar de renaissance -interesse in het neoplatonisme (een element van de humanistische wedergeboorte die aspecten van de Griekse filosofie met christelijke theologie verzoent). In zijn allegorie, "La Cueva", benadrukte de Griekse filosoof Plato de imperfectie van het aardse koninkrijk. Geometrie, gebruikt door de Grieken om hemelse perfectie uit te drukken, is door Leonardo gebruikt om Christus te vieren als de incarnatie van de hemel op aarde. Leonardo trok een groen landschap voorbij de ramen. Vaak geïnterpreteerd als een paradijs, is gesuggereerd dat dit hemelse heiligdom alleen kan worden bereikt door Christus. De twaalf apostelen zijn gerangschikt in vier groepen van drie en er zijn ook drie vensters. De nummer drie is vaak een verwijzing naar de heilige drie -eenheid in de katholieke kunst. Nummer vier is daarentegen belangrijk in de klassieke traditie (bijvoorbeeld de vier deugden van Plato).

Sinds het laatste diner werd voltooid, toen hij werd uitgeroepen tot een meesterwerk, heeft de muurschildering de lof verdiend van kunstenaars zoals Rembrandt van Rijn en Peter Paul Rubens en schrijvers zoals Johann Wolfgang von Goethe en Mary Wollstonecraft Shelley. Hij heeft ook talloze reproducties, interpretaties, complottheorieën en fictiewerken geïnspireerd. De delicate toestand van het laatste diner heeft de aantrekkelijkheid van het schilderij niet verminderd; In plaats daarvan is het onderdeel geworden van de erfenis van het kunstwerk. 

Koop een reproductie van het laatste diner van Leonardo Da Vinci in de Kadros Online Store 

No.3 De terugkeer van de verloren zoon - Rembrandt (1669)

In de gelijkenis van de verloren zoon heeft een vader twee kinderen; De jongste vraagt ​​om zijn erfenis, verspilde zijn fortuin en keert terug naar huis nadat hij in ellende was gebleven. Hij is van plan zijn vader te smeken om hem een ​​van zijn dienaren te maken, maar de vader daarentegen viert zijn terugkeer. Wanneer zijn oudste zoon zich verzet, vertelt de vader hem dat ze vieren omdat zijn broer, die verloren was gegaan, nu de betekenis heeft herwonnen.

Het laatste woord van Rembrandt komt voor in zijn monumentale schilderij van de terugkeer van de verloren zoon. Hier interpreteert hij het christelijke idee van genade met buitengewone plechtigheid, alsof dit zijn spirituele wil voor de wereld is. Het gaat verder dan het werk van alle andere barokke kunstenaars in de evocatie van religieuze humor en menselijke sympathie. De kracht van realisme van de oudere kunstenaar neemt niet af, maar neemt toe met psychologische perceptie en spiritueel bewustzijn. De verlichting en de expressieve kleur en de magische suggestie van zijn techniek, samen met een selectieve eenvoud van setting, helpen ons de hele impact van het evenement te voelen.

De belangrijkste groep van de vader en de verloren zoon valt op in het licht tegen een enorm donker oppervlak. Vooral levendig zijn de gescheurde jurk van de zoon en de mouwen van de oudere, die geverfd zijn met gouden olijf; De okerkleur in combinatie met een intense dieprode rood in de mantel van de vader vormt een onvergetelijke coloristische harmonie. De waarnemer wordt wakker met het gevoel van een buitengewone gebeurtenis. De zoon, geruïneerd en walgelijk, met een kaal hoofd en het verschijnen van een outcast, keert terug naar het huis van zijn vader na lange avonturen en vele wisselvalligheden. Hij heeft zijn erfenis in vreemde landen verspild en is verzonken in de toestand van Vagabund.

Zijn oude vader, gekleed in rijke kleren, zoals de assistent -figuren, heeft gehaast hem aan de deur te ontvangen en ontvangt de verloren zoon met de grootste vaderlijke liefde. Het evenement is verstoken van elke tijdelijke gewelddadige emotie, maar stijgt naar een plechtige kalmte die de cijfers enkele van de kwaliteiten van de beelden geeft en emoties een blijvend karakter geeft, dat niet langer onderhevig is aan veranderingen in de tijd. Onvergetelijk is het beeld van de berouwvolle zondaar ondersteund door de borst van zijn vader en de oude, gemodificeerde vader op zijn zoon. De kenmerken van de vader spreken over een sublieme en augustus goedheid; Dat geldt ook voor hun uitgebreide handen, niet vrij van de stijfheid van ouderdom. Het geheel vertegenwoordigt een symbool van elke terugkeer naar huis, van de duisternis van het menselijk bestaan ​​verlicht door tederheid, van de vermoeide en zondige mensheid die toevlucht neemt in de toevlucht van Gods genade.

De inherente boodschap die dit beroemde schilderij verzendt, is duidelijk. God zal altijd een berouwvolle zondaar vergeven, wat er ook gebeurt.

De religieuze iconoclasie die plaatsvond na de vrijlating van Nederland van het koloniale juk van Spanje en de katholieke kerk, veranderde de calvinistische kerken in kale schelpen, gewijd aan aanbidding, prediking en gebed. Nederlandse autoriteiten hadden geen zin om hun plekken van aanbidding te versieren met altaarpieces, fris of enig ander soort religieuze kunst om te spreken.

Aan de andere kant werd Holland beroemd om Nederlands realisme, een soort schilderstijl en kleinschalig genderportret, gedetailleerd en zeer realistisch, waarvan vele moralistische berichten van verschillende typen bevatten.

Een derde type kunst waarin Nederlandse realistische kunstenaars opvielen, was het schilderij van een dode aard (vooral Vanitas -schilderij), die ook een morele boodschap bevatten, soms religieus. Dit was het dichtst dat veel Nederlanders naar de 'protestantse kunst' kwamen.

Daarom is het nog meer verrassend dat een Nederlandse protestantse schilder als Rembrandt zo'n inzichtelijke tolk van bijbelse scènes wordt.

Koop een reproductie van de terugkeer van de verloren zoon - Rembrandt in de online winkel van Kuadros

No.4 The Weddings of Cana - Paolo Veronese (1562-1563)

Het thema van dit beroemde schilderij is gebaseerd op de bijbelse geschiedenis verteld in het evangelie van St. Johannes (Johannes 2: 1-11), over een huwelijk in Cana, Galilea, bijgewoond door Maria, Jezus en haar discipelen. Tegen het einde van het huwelijksfeest, wanneer de wijn begint te raken, vraagt ​​Jezus dat stenen potten gevuld zijn met water, dat de leraar vervolgens in wijn verandert. Deze aflevering, de eerste van de zeven tekenen van het evangelie van Johannes die getuigt van de goddelijke toestand van Jezus, is een voorloper van de eucharistie.

Cana's bruiloften (of Cana's bruiloftsbanket) door Paolo Veronese is een olie op canvas die in 1563 werd geschilderd voor het Benedictijnse klooster van San Giorgio Maggiore in Venetië. Veronese omgezet het bijbelse verhaal naar het modernstadium van een typisch extravagante Venetiaanse bruiloft.
Cana's bruiloft combineert elementen van verschillende stijlen, die aan de compositie worden aangepast aan de dissege van de hoge renaissance - geïllustreerd door de werken van Leonardo, Rafael en Miguel ángel. Hieraan toegevoegd een of twee kenmerken van het manierdoor, evenals een hoeveelheid allegorische en symbolische kenmerken.

De inhoud van het schilderij bestaat ook uit een complexe mengsel van het heilige en de profane, religieuze en seculiere, theatrale en alledaagse, Europese en oostelijke. Vertegenwoordigd in de grote stijl van de hedendaagse Venetiaanse samenleving, vindt het banket plaats in een patio geflankeerd door Doric en Corinthische kolommen en begrensd door een lage balustrade. In de verte ziet u een gedorticeerde toren, ontworpen door de architect geboren in Padua Andrea Palladio. Op de voorgrond raakt een groep muzikanten verschillende lutes en stringinstrumenten aan. De muzikale figuren omvatten de vier grote schilders van Venetië: Veronese zelf (gekleed in het wit, het spelen van de Viola da Gamba), Jacopo Bassano (in fluit), Tintoretto (viool) en Tiziano (rood gekleed, de cello aanraken).

De diners op de bruidstafel, die allemaal op hen wachten, samen met een verontrustende verscheidenheid aan royalty -leden, nobele, ambtenaren, werknemers, bedienden en anderen, die op verschillende manieren een representatieve steekproef van de Venetiaanse samenleving en jurken vertegenwoordigen met bijbels, venetisch of oosters en versierde kostuums versierd met weelderige kapsels en artikelen van juwelier. Talrijke historische figuren verschijnen in de bruiloften van Cana, waaronder: keizer Carlos V, Leonor de Oostenrijk, Francisco I van Frankrijk, María I van Engeland, Solimán The Magnificent, Vittoria Colonna, Giulia Gonzaga, Cardenal Pole en Sokollu Mehmet Passes. In totaal worden in dit beroemde meedogenloze schilderij ongeveer 130 unieke figuren weergegeven.

In het werk zijn de religieuze symbolen van passie opgenomen samen met luxe zilveren vaten van de 16e eeuw. Het meubilair, de comfortabele, de kan en de glazen glazen en vazen ​​onthullen het feest in al zijn pracht. Elke gast naar de tafel heeft een individuele plek, compleet met servet, vork en mes. In deze duplicatie van betekenis ontsnapt er geen details aan het oog van de kunstenaar.
De schilder selecteerde dure pigmenten geïmporteerd uit het oosten door Venetiaanse handelaren: oranje geel, intense rood en Lapislázuli worden veel gebruikt in gordijnen en in de hemel. Deze kleuren spelen een belangrijke rol in de leesbaarheid van het schilderen; Ze dragen bij hun contrasten bij aan de individualisering van elk van de figuren.

OPMERKING: Hoewel veel cijfers in de afbeelding met elkaar inwerken, praten geen van hen echt. Dit is om te voldoen aan de stilte van stilte waargenomen door alle Benedictijnse monniken in de refter waar het beeld zou worden opgehangen.

Cana's trouwfeest bevat veel symboliek. Het hele werk symboliseert bijvoorbeeld de interactie tussen aards plezier en aardse sterfte. Achter de balustrade, op de figuur van Jezus, wordt een dier opgeofferd, in toespeling op het volgende offer van Jezus, zoals het Lam van God, een referentie die afhankelijk is van de hond die een bot kauwt aan de voet van het schilderij. Ondertussen, links van Jezus, de Maagd Maria ahueca haar handen om een ​​glas te vertegenwoordigen dat de nieuwe wijn van de mensheid zal bevatten, dat wil zeggen het bloed van Christus. Bovendien is er voor muzikanten een zandhorloge, een standaard verwijzing naar de vergankelijkheid van aardse genoegens, inclusief menselijke ijdelheid.

De Benedictines van het klooster van San Giorgio Maggiore de Venice gaven dit immense beeld in 1562 opdracht om hun nieuwe refter te versieren. Het contract dat Veronese pleegde in de realisatie van het bruiloftsbanket was buitengewoon nauwkeurig. De monniken stonden erop dat het werk monumentaal was, om de gehele muur van de refter te vullen. Opgehangen op een hoogte van 2,5 meter van de grond, werd het ontworpen om een ​​illusie van uitgebreide ruimte te creëren. Dit werk van 70 m² bezet Veronese gedurende 15 maanden, hoogstwaarschijnlijk met de hulp van zijn broer Benedetto Caliari. De commissie was een keerpunt in de carrière van Veronese; Na het succes van het schilderij zouden andere religieuze gemeenschappen huilen om een ​​soortgelijk werk in hun eigen kloosters. Ondanks zijn uitzonderlijke dimensies werd het schilderij in beslag genomen, ingeschreven en naar Parijs gestuurd door Napoleons troepen in 1797.

Koop een reproductie van de bruiloften van Cana de Paolo Veronese in de online winkel van Kadros

 No.5 The Athene School - Rafael (1509-1511)

Miljoenen ogen hebben zich verwonderd over de eeuwige ontmoeting van voormalige filosofen en wiskundigen, staatslieden en astronomen die Rafel zich helder voorstelt in zijn beroemde fresco.

In het bijzonder is de fresco van Rafael, de Athene School, de Unie of Art, Philosophy and Science gaan symboliseren die een onderscheidend zegel was van de Italiaanse wedergeboorte. Geschilderd tussen 1509 en 1511, bevindt het zich in de eerste van de vier kamers ontworpen door Rafael, de Stanza Della Segnatura. Op dat moment was een plank van de paus de cusp van de carrière van elke kunstenaar. Voor Rafel was het de validatie van een al bloeiende carrière.

Rafael maakte de uitdaging aan en creëerde een uitgebreide catalogus van voorbereidende schetsen voor al zijn fresco's. Deze zouden dan worden uitgebreid naar grote cartoons op grote schaal om het ontwerp over te dragen naar het natte gips. Werkend op hetzelfde moment als Miguel Ángel op het dak van de Sixtijnse kapel, wordt aangenomen dat dit hielp om Rafael te stimuleren en te inspireren door zijn competitieve aard te stimuleren.

Rafel bracht het idee naar een volledig nieuw niveau met massacomposities die de filosofie, theologie, literatuur en jurisprudentie weerspiegelden. Over het algemeen gelezen, hebben ze onmiddellijk het intellect van de paus overgedragen en zouden ze een discussie hebben veroorzaakt tussen opgeleide geesten die het geluk hadden om deze privéruimte binnen te gaan. De Athene School was de derde foto die Rafael voltooide na het geschil (dat de theologie vertegenwoordigt) en Parnassus (die literatuur vertegenwoordigt). Het wordt geplaatst tegen geschillen en symboliseert de filosofie, waardoor een contrast wordt vastgesteld tussen religieuze en seculiere overtuigingen.

De Athene School speelt zich af in een immense architecturale illusie en is een meesterwerk dat visueel een intellectueel concept vertegenwoordigt. In een schilderij gebruikte Rafael groepen figuren om een ​​complexe les te geven over de geschiedenis van de filosofie en de verschillende overtuigingen die zijn ontwikkeld door de Griekse Griekse filosofen. Rafael zou zich zeker bewust zijn geweest van de privé -tentoonstellingen van de Sixtijnse kapel in Progreso die waren georganiseerd door Bramante.

Wie zijn de cijfers van de Athene School?
De twee denkers van het centrum zelf, Aristoteles, aan de rechterkant en Plato, aan de linkerkant, wijzenden naar boven, zijn enorm belangrijk geweest voor het westerse denken in het algemeen. Op verschillende manieren werden hun verschillende filosofieën opgenomen in het christendom.

Aan de linkerkant van Plato is Socrates herkenbaar dankzij zijn onderscheidende kenmerken. Er wordt gezegd dat Raphael een oud buste -portret van de filosoof als gids zou kunnen gebruiken. Hij wordt ook geïdentificeerd door het gebaar van zijn hand, zoals Giorgio Vasari aangeeft in het leven van de kunstenaars.

Op de voorgrond zit Pythagoras met een boek en een inkt, ook omringd door studenten. Hoewel Pythagoras bekend staat om zijn wiskundige en wetenschappelijke ontdekkingen, geloofde het ook stevig in metempsychose.
Euclid weerspiegelt de positie van Pythagoras aan de andere kant en is geneigd iets met een kompas aan te tonen. Hun jonge studenten proberen de lessen te vangen die ze geven.

De grote wiskundige en astronoom Ptolemaeus ligt direct naast Euclid, met zijn rug naar de kijker. Met een gele gewaad houdt hij een landballon in zijn hand. Er wordt aangenomen dat de bebaarde man voor hem stopte met het vasthouden van een hemelse ballon de Zoroastro -astronoom. Interessant is dat de jongen naast Zoroaster, kijkend naar de kijker, niemand minder is dan Raphael zelf. De opname van dit soort zelfportrait is op dat moment niet iets ongehoord, hoewel het een gewaagde beweging was voor de kunstenaar om zijn gelijkenis met een werk van dergelijke intellectuele complexiteit op te nemen.

Het wordt universeel aanvaard dat de oudere Heer die op de trappen ligt Diogenes is. Oprichter van de cynische filosofie, was in zijn tijd een controversiële figuur, die een eenvoudig leven leidde en culturele conventies bekritiseerde.
Een van de meest opvallende figuren van de compositie is een doordachte man die op de voorgrond zit, met zijn hand in het hoofd in een klassieke positie van 'denker'.

Op het gebied van filosofen is hij Heraclitus, een pionier van zelfgewijze wijsheid. Hij was een melancholisch personage en genoot niet van het gezelschap van anderen, waardoor hij een van de weinige personages uit de fresco werd geïsoleerd.

Voltooi het programma van Rafael, twee geweldige beelden zitten in niches achter in de school. Rechts van Plato zien we Apollo, terwijl links van Aristoteles Minerva is. Minerva, de godin van wijsheid en gerechtigheid, is een adequate vertegenwoordiger aan de kant van de morele filosofie van de fresco. Interessant is dat zijn positie het ook dichter bij Rafael's fresco brengt op jurisprudentie, die zich rechtstreeks naar zijn linker ontwikkelt.

Koop een afspelen van de Rafael Athene School in de online winkel van Kuadros

No.6 Transfiguration - Rafael (1520)

 

De leiding in 1517 door kardinaal Giulio de 'Medici (1478-1534) (van de Florentijnse Medici-familie), die binnenkort paus Clemente VII (1523-34) zou worden, als een altaarstuk van de Franse kathedraal van Narbonne (in concurrentie met competitie De opstanding van Lázaro van Sebastiano del Piombo) waarvan hij aartsbisschop was, dit beroemde werk van religieuze kunst was door Rafael tot zijn dood in 1520 en werd voltooid door zijn assistenten Giulio Romano (1499-1546) en Giovanni Francesco Penni (1496 (1496 - 1536).

De kardinaal behield tenslotte het schilderij in Rome en, door toegang te krijgen tot het pausdom in 1523, gaf hij het aan de kerk van San Pietro in Montorio, Rome. In 1774 bestelde de nieuwe paus Pius VI (1775-99) een kopie in Mozaïek en installeerde deze in de basiliek van San Pedro. Het schilderij zelf werd geplunderd door Napoleon in 1797 en naar Parijs gebracht, vanwaar het werd gerepatrieerd in 1815.

Dit werk vertelt twee niet -gerelateerde bijbelse gebeurtenissen. Hierboven is de geschiedenis van de transfiguratie van Christus. In het onderste deel is het verhaal van een jonge man die bezeten is door een demon.

Jezus toont op de top van de berg Tabor (Israël) met een wit gewaad zoals de glanzende sneeuw en naast hem de profeten Mozes aan de rechterkant en Elia naar links. De wolken achter Jezus zijn verlicht. Jezus heft zijn armen op en kijkt naar God.

Onder Jezus zijn drie van zijn discipelen, van links naar rechts, Santiago, Pedro en Johannes. Ze bedekken hun gezicht met hun handen omdat de hemel te helder is voor zijn ogen. De twee cijfers aan de linkerkant zijn waarschijnlijk Justus en Pastor. Dit zijn twee christelijke martelaren waaraan de kerk is opgedragen waarin het schilderij aanvankelijk was bedoeld om te plaatsen.

Hieronder zie je de negen discipelen van Jezus die niet naar de berg gingen die aan de linkerkant gepositioneerd waren. Ze proberen een jonge man te genezen die bezeten is door een boze geest. De figuur van de blauwe tuniek linksonder is waarschijnlijk Mateo. Raadpleeg een boek maar vind de oplossing niet om de jongeman te genezen. De jonge discipel van gele tuniek is Felipe. Rechts van Felipe, met de rode gewaad, zijn er Andrés. De man achter Andrés, wijzend naar het zieke kind, is Judas Tadeo, en de oudste man links van hem is Simon. De man aan het uiterste links is waarschijnlijk Judas Iscariot. De discipelen kunnen de jongeman niet genezen. Dit kan verklaren waarom de rode discipel naar Jezus wijst op de top van de berg. De zieke jongeman aan de rechterkant heeft een blauwe stof om zijn middel gewikkeld en ziet er erg bleek uit terwijl hij een wild gebaar maakt. Je kunt zien dat je ogen in verschillende richtingen kijken. De man achter hem met het groene gewaad is zijn vader die hem vasthoudt en tegelijkertijd met hoop en angst naar de discipelen kijkt. Voor de jonge man kijken twee vrouwen naar de discipelen terwijl ze naar de jongeman wijzen.

Beide verhalen worden beschreven in Mattheüs 17, Marcos 9 en Luke 9. Bijbelgeschiedenis beschrijft hoe Jezus in een stralende glorie transfigureert wanneer hij met drie van zijn discipelen in een berg bidt. Jezus spreekt met Mozes en Elia en luistert ook naar de stem van God. Het transfiguratiepartij wordt nog steeds gevierd in vele kerken, hetzij op 6 of 19 augustus.

De afmetingen van de transfiguratie zijn 403x276 cm. Rafael gaf er de voorkeur aan om op canvas te schilderen, maar dit schilderij werd gemaakt met olieverfschilderijen op hout als gekozen media. Rafael vertoonde eigenlijk geavanceerde maniertjes en technieken van de barokke periode in dit schilderij. De gestileerde en gedraaide houdingen van de figuren van de onderste helft duiden op het maniërisme. De dramatische spanning binnen deze figuren en het liberale gebruik van licht tot duisternis, of contrasten van chiaroscuro, vertegenwoordigen de barokke periode van overdreven beweging om drama, spanning, uitbundigheid of verlichting te produceren. De Transfiguratie Hij ging naar zijn tijd, net zoals de dood van Raphael te vroeg kwam.

De Transfiguratie was de uLasto geweldig werk van Rafael en een ongetwijfeld meesterwerk van de Alto Italiaanse Renaissance, is nu in de Apostolische Pinacoteca, een van de Vaticaanse musea. Als gevolg van een belangrijke restauratie die in 1977 werd uitgevoerd door Vaticaanse natuurbeschermingsdeskundigen, is het Rafael Renaissance Color Palet nu volledig zichtbaar en heeft het schilderij zijn ongerepte pracht teruggevonden. De restauratie verdween ook alle aanhoudende vragen over de maker van het schilderij. Hoewel onvoltooid, was dit geweldige meesterwerk volledig het product van Rafael's genie.

Koop een reproductie Rafael -transfiguratie in de online opslag van Kadros

Nr. 7 Het laatste oordeel - Miguel Ángel (1475-1564)

 

Kuadros geeft de lezer de geschiedenis van deze iconische fresco nader om beter te begrijpen hoe het uiteindelijke oordeel een blijvende impact heeft gehad op de wereld van religieuze kunst.

Westerse profetische religies (dat wil zeggen zoroastrismo, jodendom, christendom en islam) ontwikkelden concepten van het uiteindelijke oordeel die rijk zijn aan afbeeldingen.

"Het zal levend en dood oordelen" (van het credo van de apostelen, een van de eerste verklaringen van het christelijk geloof).

Het laatste oordeel was een van de eerste kunstwerken die Paulus III in 1534 in de opdracht gaf om in 1534 voor het pausdom te worden gekozen. De kerk die hij erfde was in een crisis; Het plunderen van Rome (1527) was nog steeds een recent geheugen. Paul probeerde niet alleen de vele misbruiken aan te pakken die de protestantse hervorming hadden veroorzaakt, maar bevestigde ook de legitimiteit van de katholieke kerk en de orthodoxie van zijn doctrines (inclusief de instelling van het pausdom). De beeldende kunst zou een sleutelrol spelen in hun agenda, beginnend met de boodschap die hij aan zijn intieme cirkel had aangepakt toen hij het definitieve oordeel opdracht gaf.

Geschilderd toen Miguel Ángel volledig in zijn volwassen stijl was, had het kunstwerk een onmiddellijke impact en veroorzaakte controverse. Hoewel dit laatste oordeel van de mensheid geen ongewoon thema was voor een kunstenaar van de Renaissance, deed Miguel Ángel het exclusief door een stijl te gebruiken die werd gewaardeerd en kleineren.

Deze nieuwe muur van de Sixtijnse kapel zou een specifiek thema hebben: het laatste oordeel. De beschrijving van de tweede komst van Jezus Christus en het uiteindelijke oordeel van God over de mensheid was een populair thema in de hele Renaissance. De visie van Miguel Ángel over dit onderwerp, in de loop van de tijd, is iconisch geworden. In de fresco zien we meer dan 300 figuren geschilderd door experts om dit verhaal uit te voeren. Christus zit in het midden, met zijn hand gestegen om de veroordeelde te beoordelen die in de diepten van de hel zinken. Met golvende spieren is deze Christus een imposante figuur. Aan zijn linkerkant zit de Maagd Maria. Hij heeft een geplaatst bezit geadopteerd en kijkt naar degenen die zijn gered. Direct rond dit centrale paar is er een groep belangrijke heiligen. San Pedro, die de sleutels van de hemel heeft, en St. Johannes de Doper worden op dezelfde schaal getoond als Christus. Caronte en de zielen van de veroordeelden. De algemene compositie draait in een vloeibare beweging, met degenen die links van Christus zijn gered op de foto die uit hun graven oprijst terwijl de veroordeelden in de hel worden geduwd. In het onderste deel van het fresco zien we Caronte, een mythologische figuur. In de Griekse en Romeinse mythologie vervoerde hij zielen naar de onderwereld. Hier neemt hij ze rechtstreeks mee naar de hel, die vol zit met macabere personages.

Als Dante in zijn grote epische gedicht, de goddelijke komedie, probeerde Miguel Ángel een episch schilderij te creëren, dat de grootheid van het moment waard was. Hij gebruikte metaforen en toespelingen om zijn onderwerp te versieren. Zijn goed opgeleide publiek zou genieten van zijn visuele en literaire referenties. Oorspronkelijk bedoeld voor een beperkt publiek, verspreidden de reproductieve gravures van de fresco het snel overal en plaatsten het in de geanimeerde centrumdebatten over de verdiensten en misbruiken van religieuze kunst.

Terwijl sommigen dit beroemde schilderij juichten als het toppunt van artistieke prestaties, beschouwden anderen het de belichaming van alles wat mis kon gaan met religieuze kunst en vroegen om hun vernietiging. Uiteindelijk werd een verbintenis bereikt. Kort na de dood van de kunstenaar in 1564 werd Daniele da Volterra aangenomen om nalgae en Engels naakt te bedekken met stukken gordijnen en het opnieuw schilderen !).

In tegenstelling tot zijn beperkte publiek in de 16e eeuw, zien duizenden toeristen nu dagelijks het laatste oordeel. Tijdens de pauselijke conclusies wordt echter opnieuw een krachtige herinnering voor het kardinale college van zijn plaats in de geschiedenis van redding, omdat ze elkaar ontmoeten om de aardse vicaris van Christus (de volgende paus) te kiezen, de persoon die hij verantwoordelijk zal zijn voor grazen de gelovigen. in de gemeenschap van de uitverkorenen.

Koop een reproductie van het laatste oordeel van Miguel Ángel in de online opslag van Kadros

No.8 The Tower of Babel - Pieter Bruegel El Viejo (1563)

Volgens de geschiedenis van het Oude Testament strafte God de mensheid op drie manieren.

De eerste was de verwijdering van Adam en Eva uit Eden, na de oorspronkelijke zonde. Toen kwam de grote vloed, de straf voor de veelheid van menselijke ongerechtigheid. En de derde was toen God, wantrouwend van de trots en het vermoeden van de burgers van de gewelddadige nieuwe stad Babylon, "de toespraak van iedereen verwarde en zich door het brede gezicht van de aarde verspreidde."

Wat hadden de Babyloniërs dit ontstekingsgebied gedaan? In de ogen van God hadden ze de orde van dingen uitgedaagd met hun verklaarde verlangen om een ​​"groot volk" te worden, vertegenwoordigd door de constructie van een enorme toren, "met een cusp die de hemel bereikt." Mensen zouden naar zulke hoge hoogten moeten streven, fysiek of metaforisch. De door God gekozen straf was om de gemeenschappelijke taal te beëindigen die vroeger alle volkeren verenigde en een veelvoud van verschillende talen creëren, "zodat ze niet kunnen worden begrepen." De resulterende verwarring betekende dat "de constructie van de stad ten einde kwam." Volgens de Bijbel: "Daarom heette de stad Babel" of Babylon. Van alle kunstrepresentaties van deze grote toren die God zoveel hadden beledigd, is de meest memorabele de toren van Babel van Pieter Bruegel El Viejo (1563).

Dit beroemde schilderij, een van de vele schilderijen gewijd aan religieuze kunst, was de tweede van drie versies van de Babel Tower geschilderd door Pieter Bruegel. De eerste versie (nu verloren), was een ivoren miniatuur, die in de inventaris was van de Italiaanse miniaturist geboren in Kroatië Giulio Clovio (1498-1578), met wie Bruegel in 1553 in Rome werkte. Op hout, gedateerd in 1564, dat zich nu bevindt in het Boijmans Van Beuningen Museum in Rotterdam. Algemeen wordt aangenomen dat het schilderij van Rotterdam dateert uit ongeveer een jaar na het beeld van Wenen. De "grote" Weense toren is bijna dubbel groot dan de "kleine" Rotterdam -toren en wordt gekenmerkt door een meer traditionele behandeling van het onderwerp. Gebaseerd op Genesis 11: 1-9, waarin de Heer de mensen verwart die "een toren wiens top kan bereiken", omvat, zoals de andere versie niet doet, het toneel van koning Nimrod en zijn entourage. voor de veelheid van knielende werknemers. Deze gebeurtenis wordt niet genoemd in de Bijbel, maar werd voorgesteld in antiek van de Joden van Flavio Josephus.

Voor Bruegel was het belangrijk omdat hij de zonde van trots en arrogantie van de koning onderstreepte die verondersteld wordt het beeld te benadrukken.

Gedetailleerd realisme De toren van Babel presenteert een grote hoeveelheid zorgvuldige details, gerelateerd aan de bouw van het gebouw, zonder twijfel, door Bruegels ingewikkelde kennis over bouwtechnieken, verworven tijdens de uitvoering van verschillende schilderijen die de opgraving van de Amberes-Buselas illustreren kanaal. Aan de rechterkant is er een enorme kraan, erg vergelijkbaar met degene die zichtbaar op de haven in de Breviary van Grimani is geplaatst.

Mieren soortgelijke werknemers zijn druk bezig het te dragen met enorme stenen platen die ze van onderaf hebben ontvangen en zullen doorgaan naar de bovenste helling waar anderen bereid zijn ze te ontvangen. Een werknemer gaat een ladder op naar die sectie, die wordt getransformeerd van rots naar architectuur gestructureerd door een veelheid van andere mensen. Links eindigt een deel van de gevel al gedeeltelijk; Een vrouw komt door een van de deuren, een ladder verschijnt door een van de bovenste ramen. Hierboven werkt een andere grote veelheid aan werknemers op het dak, enzovoort tot oneindig.

Wat de redelijkheid van deze individuele acties ook is, en dit punt is nog niet volledig onderzocht, de toeschouwer voelt onmiddellijk de groteske insufficiëntie van technische media, evenals de waanzin van het hele bouwbedrijf.

Zoals hardwerkend deze 'mieren' zijn, worden ze geconfronteerd met wanhopige tegenslagen die briljant worden aangetoond. Binnen hetzelfde niveau is de beëindiging van het laatste detail verzet zich tegen het naakt begin, met tussenliggende fasen in het midden, die duiden op een hectische race tegen onverbiddelijke tijd, terwijl het bovenste gedeelte nog steeds wordt binnengevallen door wolken.

Toen we naar het schilderij van Bruegel keken en het probeerden te interpreteren, zijn we ook ondergedompeld in een vertaaloefening: gaf hij eenvoudigweg visuele expressie aan de bijbelse geschiedenis? Of probeerde ik iets breder te doen? Of gewoon een combinatie van beide?

Het zou ons niet moeten verbazen dat er in de kunstwereld niet noodzakelijk overeenstemming is over de bedoelingen van Bruegel. In plaats van openlijk controversieel te zijn, heeft de leraar zijn werk met tekenen ingebed en ons verlaat, zijn trouwe toeschouwers om ze voor onszelf te interpreteren.

Koop een reproductie van de Torre de Babel door Pieter Bruegel El Viejo in de online winkel van Kuadros

No.9 Virgen del Jilguero - Rafael (1505-1506)

 

De Virgen del Jilguero, een van Rafael's Florentijnse panelen, werd geschilderd door Rafael voor het huwelijk van haar vriend Lorenzo Nasi en Sandra di Matteo di Giovanni Canigiani. Het schilderij was ernstig beschadigd na de gedeeltelijke ineenstorting van het Nasi -huis in 1547, zoals Vasari vermeldt. Vervolgens werd het waarschijnlijk gerestaureerd door Michele Di Ridolfo del Ghirlandio (Michele Tosini), een medewerker in de Ghirlandio -workshop, die diep werd beïnvloed door Rafael.

Het kind Jezus streelt liefdevol een jilguez -vogel die het baptistenkind hem zojuist heeft gegeven. Een symbool van passie (de piek, omdat het zich tussen doornen voedt) wordt dus gecombineerd in een scène die op een eerste niveau van betekenis eenvoudig kan worden gezien als kinderen die spelen.

Rafael absorbeerde de prestaties van Florentijnse kunst die destijds op de voorgrond in Europa lag. De kunstenaar werd sterk beïnvloed door de figuur van Leonardo. De invloed van de grote kunstenaarwetenschappelijke, manifesteert zich in de prachtige Madonna del Jilguero ("Madonna del Cardellino") (1506), onlangs gerestaureerd (2008) verstandig en bekwaam. Rafael accepteert de piramidale samenstellingsbenadering, de zachte effecten van zwak licht en emotionele dialoog tussen de personages, waardoor de elementen van het schilderij van Leonardo worden onthuld. Desondanks is het ook duidelijk wat Rafael's persoonlijke stijl zal zijn: de extreme zoetheid van de gezichten, met name de Madonnas, het meesterlijke gebruik van kleuren, de realistische reproductie van het landschap en de diepe intimiteit tussen de figuren.

De Maagd Maria is gekleed in rood en blauw. Rood is een symbool van de passie van Christus en blauw is het symbool van de kerk en Maria. Het was een van de duurste pigmenten en daarom geschikt om te gebruiken in een belangrijk figuur als Maria. De Europese Jilguero wordt geassocieerd met de kruisiging van Jezus. In dit schilderij geeft St. Johannes de vogel door aan Jezus als een waarschuwing voor zijn gewelddadige dood. Uit het boek dat Mary vasthoudt, hebben experts de woorden "sedes sapientiae" geïdentificeerd. Dit is een van de devotionele titels die aan Maria worden gegeven en betekent 'zetel van wijsheid'. Het benadrukt dat Maria Jezus heeft gebaard (die wijsheid vertegenwoordigt). Wanneer Maria wordt vertegenwoordigd in de rol van "zetel van wijsheid", wordt hij meestal getoond op een troon met Jezus in zijn schoot. In dit geval dient de rots waarop Maria zich voelt als een troon.

In het schilderij kun je verschillende bloemen zien. Hoewel niet alle bloemen overtuigend zijn geïdentificeerd, geloven velen dat de bloemen zijn: anemonen (die de pijn van Maria vertegenwoordigen door de passie van Jezus), margaritas (die de onschuld van het kind Jezus vertegenwoordigen), bananen (die de weg vertegenwoordigen Volg Jezus) en viooltjes. (die nederigheid vertegenwoordigt).

In de Europese kunst wordt de piek vaak als symbool gebruikt. De Europese Jilguero, Carduelis Carduelis, heeft een rood gezicht en hoofd in zwart en wit. Honderden wedergeboren schilderijen hebben de Jilguero vertegenwoordigd. De Europese Jilguero wordt vaak geassocieerd met de opstanding, maar ook met de ziel, opoffering en de dood. De legende wil dat de speler de rode plek op zijn hoofd ontving tijdens de kruisiging van Jezus toen hij een doorn van de kroon van Jezus wilde scheuren, en een druppel bloed van Jezus spatte zijn hoofd. Het is zelfs bekend dat de speler distels en doornen eet en daarom is geassocieerd met de doornenkroon die Jezus in zijn kruisiging gebruikte.

Het landschap, en vooral de architecturale vormen die het bevat, weerspiegelt de invloed van flamenco -kunst, hoewel het nog steeds gestructureerd is in de weg van umbrië. Deze invloed was net zo levend in Florence als in Urbino in de tweede helft van het Quattrocento. Misschien is het beter zichtbaar op schuine daken en hoge naalden, ongebruikelijke elementen in een mediterraan landschap. De invloed van Miguel Ángel is weer duidelijk in de goed gestructureerde figuur van het kind Christus.

Deze beroemde foto leed aan het einde van de 16e eeuw ernstige schade vanwege de ineenstorting van het gebouw waar het was. Hij leed ernstige schade, zoals de diepe en lange sneden die het houten paneel hadden misvormd. Veel restauraties volgden door de eeuwen heen, maar alleen dankzij het laatste (gemaakt in 2008) keerde het werk terug naar zijn oorspronkelijke pracht. Daarom kan de Virgen del Jilguero worden geliefd en opnieuw worden bewonderd als een van de mooiste voorbeelden van Rafael's grote schilder The "Divine".

Koop een reproductie van de Virgen del Jilguero - Rafael in de online winkel van Kadros

No.10 Christus van San Juan de la Cruz - Salvador Dali (1951)

 De Christus van San Juan de la Cruz werd geschilderd door de Spaanse surrealistische schilder Salvador Dalí in 1951 in een tijd dat hij voortkwam uit het sterke anti -religieuze atheïsme uit zijn jeugd en het katholieke geloof opnieuw omhelsde.

Zonder twijfel is het bekendste religieuze werk van Dalí zijn "Christus van San Juan de la Cruz", wiens figuur Port Lligat Bay domineert. Het schilderij werd geïnspireerd door een tekening, bewaard in het klooster van de incarnatie in Ávila, Spanje, en gemaakt door San Juan de la Cruz zelf na deze visie van Christus te hebben gezien tijdens een extase.

In het schilderij van Dali komen mensen naast het schip af van een afbeelding van Le Nain en een tekening van Diego Velázquez voor de overgave van Breda. Aan het einde van zijn studies voor de Christus schreef Dalí: "In de eerste plaats, in 1950, had ik een 'kosmische droom' waarin ik dit kleurbeeld zag en dat in mijn droom de kern van het atoom vertegenwoordigde. Deze kern Later verwierf een metafysisch gevoel: ik overwoog in 'de eenheid van het universum', aan de Christus! Ten tweede, toen ik, dankzij de instructies van pater Bruno, een Carmelite, de Christus zag getrokken door Saint Johannes van het Kruis, ik werkte Geometrisch een driehoek en een cirkel, die al mijn eerdere experimenten esthetisch samenvatte en mijn Christus in deze driehoek inschreef. "

In het portret gebruikte Salvador Dalí ingenieus twee verschillende realistische kleuren, waaronder blauw en groen om het verbazingwekkende landschap van de zee te portretteren, waarschijnlijk een allegorie van de Zee van Galilea. De schilder gebruikte een unieke techniek om de zee op het niveau van de ogen te schilderen, terwijl het lichaam van Christus in de lucht van het kruis hangt. Achter het kruis gebruikte de schilder zwarte olieverf. Dit was om het lichaam van Christus het middelpunt van de aandacht te maken.

Dalí was in staat om de spieren van Christus op een fijne toon af te beelden. Afgezien daarvan slaagde hij erin schaduwen te schilderen die diepte creëerden. Bovendien schilderde Salvador verre bergen op het hoogtepunt van de ogen. Onderaan de afbeelding zie je een eenzame man op een dok met zijn boot staan. De gerenommeerde schilder was in staat om realistische kleuren en een ordelijk ontwerp te combineren om een ​​indrukwekkend surrealistisch portret van de religieuze figuur te creëren.

Er is gezegd dat de originele 16e -eeuwse versie een kruisbeeld weergeeft vanuit de hoek waarin een stervende persoon het zou zien wanneer hij het laat zien om het te vereren.

Dalí laat ons Christus en het kruis direct van boven zien en kijkt naar beneden in de reeks wolken onder en de aarde eronder. Het is een hemels perspectief, in feite dat van God de Vader. Het is interessant dat de Zoon, Christus, hetzelfde perspectief deelt als de Vader: zijn standpunt volgt en gaat door tot dat van de Vader. Het vierde evangelie benadrukt dat de Zoon van de Vader komt en er één met hem is, zien en doen alles wat de Vader hem vertelt te doen. In zekere zin biedt de vader de Zoon ook aan de wereld om hem te redden.

Bij het schilderen van de Christus van San Juan wordt het heilige hart van Jezus niet extern weerspiegeld, maar is het betrokken bij de artistieke inzet van een kracht die de schande van het kruis overwint. Dalí schildert ons een overwinnende Christus. Het laat zien dat de Christus van San Juan de la Cruz doodloopt voor liefde.

In de "Christus van San Juan de la Cruz" van Dalí heeft Jezus aan het kruis de machten en autoriteiten ontwapend en heeft ze een openbaar schouwspel gemaakt, triomferen over hen met de kracht van hun liefde aan het kruis (kolonel 2: 15).

Het kruis is dus de plaats waar het goede verloopt naar het kwaad, waar duisternis wordt verslagen door het licht, waar het zaad van de vrouw uiteindelijk het hoofd van de slang verplettert (Gen 3:15), waar de beschuldigingen tegen de wereld zijn vernietigd en genageld tijdens het oversteken. Bovenal is het waar liefde haat en alle vormen van kwaadaardigheid.

Dit beroemde Dalí -werk werd door een belangrijke kunstcriticus als banaal beschouwd toen het voor het eerst werd tentoongesteld in Londen. Enkele jaren later werd hij echter gesneden door een fan terwijl hij in het Glasgow Museum werd opgehangen, het bewijs van het verbazingwekkende tegenovergestelde effect op de toeschouwers.

In het schilderij zijn er verschillende perspectieven, een teken van het fenomenale talent van Dalí.

Aangezien Dalí's werken nog niet in het publieke domein zijn, maakt Kadros geen replica's van deze schilder, niet stoppen met hem te bewonderen natuurlijk. 

Kuadros ©, een beroemde verf op je muur.