De fundamenten van de kunstgeschiedenis gaan duizenden jaren terug, toen oude beschavingen de beschikbare technieken en middelen gebruikten om cultureel significante onderwerpen te vertegenwoordigen. Vanuit deze vroege voorbeelden zijn talrijke kunststromingen ontstaan, elk met een eigen stijl en kenmerkende eigenschappen die de politieke en sociale invloeden van hun tijd weerspiegelen.
Wat betekent fauvisme en waar gaat conceptuele kunst over? Over kunst praten is op zichzelf al een discipline, en als je nieuw bent in deze wereld, heb je waarschijnlijk veel vragen, vooral over elke stroming en de verschillende soorten kunst.
Invloedrijke kunstgenres, van de Renaissance tot de opkomst van het Modernisme, hebben een onuitwisbare indruk op de geschiedenis achtergelaten.
Door de concepten over de geschiedenis en het belang van kunststromingen goed te begrijpen, krijgen we een dieper inzicht in hoe beroemde kunstenaars zoals Van Gogh, Picasso en Warhol de kunstwereld revolutioneerden.
Kuadros heeft een lijst samengesteld van de belangrijkste stromingen voor jou.
Nr. 1 Italiaanse Renaissance (1400–1550)
Sommige exponenten: Deuren van Ghiberti, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Michelangelo, Rafael.
Rond de late 14e eeuw verklaarde een groep Italiaanse denkers dat ze in een nieuw tijdperk leefden. De donkere en barbaarse "Middeleeuwen" was voorbij; een "rinascità" ("hergeboorte") van leren, literatuur, kunst en cultuur begon. Dit was de geboorte van de periode die nu bekend staat als de Renaissance. Gedurende eeuwen zijn geleerden het erover eens geweest dat de Italiaanse Renaissance als volgt heeft plaatsgevonden: tussen de 14e en 17e eeuw verving een moderne manier van denken over de wereld en de plaats van de mens daarin de oude ideeën. Veel van de wetenschappelijke, artistieke en culturele prestaties van deze periode delen gemeenschappelijke thema's, vooral het humanistische geloof dat de mens het centrum van zijn eigen universum is.
Italië in de 15e eeuw was anders dan enige andere plaats in Europa. Het was verdeeld in onafhankelijke stadstaten, elk met zijn eigen regering. Florence, waar de Italiaanse Renaissance begon, was een onafhankelijke republiek en een bank- en handelscentrum. De rijke Florentijnen toonden hun macht door kunstenaars en intellectuelen te steunen, waardoor de stad het culturele centrum van Europa en de Renaissance werd.
De Renaissance wordt in twee hoofdonderdelen verdeeld:
Tijdens de vroege Renaissance begonnen kunstenaars de Byzantijnse stijl van religieuze schilderkunst te verwerpen en streefden ze naar realisme in de representatie van de menselijke vorm en ruimte. Dit doel begon met Cimabue en Giotto, en bereikte zijn hoogtepunt met kunstenaars zoals Andrea Mantegna en Paolo Uccello. Hoewel religie nog steeds belangrijk was in het dagelijks leven, begon ook het mythische thema aan terrein te winnen. Velen wijzen De Geboorte van Venus van Botticelli aan als het eerste paneel schilderij van een mythische scène.
De periode die bekend staat als de Hoge Renaissance vertegenwoordigt de bekroning van de doelstellingen van de vroege Renaissance. De meest prominente kunstenaars zijn Leonardo da Vinci, Rafael, Titiaan en Michelangelo. Hun schilderijen en fresco's behoren tot de meest herkenbare werken ter wereld, zoals Het Laatste Avondmaal, De School van Athene en de schilderingen op het plafond van de Sixtijnse Kapel van Michelangelo.
Koop een reproductie van La Mona Lisa in de online winkel van Kuadros
Nr. 2 Barok (1600–1750)
Sommige exponenten: Rubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Paleis van Versailles.
De term barok komt waarschijnlijk van het Italiaanse "barocco", dat in de Middeleeuwen werd gebruikt om logische obstakels te beschrijven. Later kwam het te betekenen dat ideeën complex of verknipt waren. Een andere mogelijke bron is het Portugese "barroco" (Spaans "barrueco"), dat een onregelmatige of imperfecte parel beschrijft. Barok is een kunst- en architectuurbeweging die zich in Europa heeft ontwikkeld van het begin van de 17e eeuw tot het midden van de 18e eeuw. Het benadrukt dramatisch en overdreven beweging en duidelijke details om drama, spanning, weelderigheid en grootheid te produceren.
De eerste manifestaties vonden plaats in Italië in de laatste decennia van de 16e eeuw, terwijl in regio's zoals Duitsland en het koloniale Zuid-Amerika bepaalde hoogstaande prestaties van de barok pas in de 18e eeuw plaatsvonden.
Kunstenaars ver reviveerden de schoonheididealen van de Renaissance, en infusiedden in hun kunstwerken, muziek en architectuur een nieuwe extravagantie en ornamentiek. Deze stijl, bekend als barok, werd gekenmerkt door innovatieve technieken en uitgebreide details, en bood een weelderige visuele taal in een relatief gematigde periode voor de kunst. De barok verspreidde zich door heel Europa, aangemoedigd door de Paus in Rome en katholieke heersers in Italië, Frankrijk, Spanje en Vlaanderen. Het werd zelfs verder verspreid door religieuze ordes via kloosters en conventen.
De opkomende barokstijl was zowel sensueel als spiritueel. Een naturalistische behandeling maakte religieuze beelden toegankelijker, terwijl dramatische en illusoire effecten de vroomheid stimuleerden en de goddelijke pracht overbrachten. De plafonds van kerken leken te vervagen in geschilderde taferelen die de zintuigen naar het hemelse richtten.
Hoewel het onderwerp en de stijl tussen barokke schilderijen kunnen variëren, delen de meesten het drama als gemeenschappelijk element. In werken van kunstenaars zoals Caravaggio en Rembrandt manifesteert de interesse voor drama zich in intense licht- en schaduwcontrasten.
De grootmeester van het door de Spanjaarden geregeerde katholieke gebied was de schilder Peter Paul Rubens, wiens dynamische composities en krachtige figuren het prototype van de barokke schilderkunst zijn. De elegante portretten van Anthony van Dyck en de solide werken van Jacob Jordaens volgden zijn voorbeeld. De kunst in de Nederlanden werd beïnvloed door de realistische smaak van de middenklasse, waardoor schilders zoals Rembrandt en Frans Hals zich in belangrijke mate onafhankelijk hielden van de barokke stijl. Toch had de barok een opmerkelijke impact in Engeland, vooral in de kerken en paleizen ontworpen door Sir Christopher Wren en Sir John Vanbrugh.
Net als de sculpturen van de Renaissance, zoals de iconische David van Michelangelo, waren barokke sculpturen vaak bedoeld om majestueuze gebouwen en andere grandioze omgevingen, zoals kerkinterieurs en koninklijke tuinen, te versieren.
De laatste bloei van de barok vond plaats in Zuid-Duitsland en Oostenrijk, waar lokale architecten zich in de jaren 1720 verwijderden van de Italiaanse modellen.
Koop een reproductie van Las Meninas in de online winkel van Kuadros
Nr. 3 Realisme (1848–1900)
Sommige exponenten: Corot, Courbet, Daumier, Millet.
Realisme is de nauwkeurige, gedetailleerde en onopgemaakte representatie van de natuur of het hedendaagse leven. Het verwerpt idealisering ten gunste van een nauwkeurige observatie van de uiterlijke verschijningsvorm. Als zodanig heeft het realisme veel artistieke stromingen in verschillende beschavingen omvat. In de beeldende kunsten is het bijvoorbeeld te vinden in Hellenistische Griekse sculpturen die boksers en oude vrouwen afbeelden. Werken van 17e-eeuwse schilders zoals Caravaggio, de Hollandse genre schilders, de Spanjaarden José de Ribera, Diego Velázquez en Francisco de Zurbarán, en de broers Le Nain in Frankrijk, hebben een realistische benadering. De werken van Engelse romanciers uit de 18e eeuw zoals Daniel Defoe en Henry Fielding kunnen ook als realistisch worden aangeduid.
Het realisme ontstond in Frankrijk in de jaren 1850, na de Revolutie van 1848, die het "recht op werk" in het land vastlegde. Het introduceerde het idee van gewone mensen, hedendaagse scènes en alledaagse taferelen als artistiek waardige onderwerpen.
Het verspreidde zich door Europa, van het Rusland van Alexander II tot het Groot-Brittannië van koningin Victoria, via het Duitsland van Wilhelm I, het Italië van het Risorgimento en verder. Het jaar 1855 was significant voor de vestiging van het realisme in Europa.
Gustave Courbet wordt beschouwd als de belangrijkste figuur van het realisme. Hij legde de fundamenten van de beweging in de jaren 1840 door boeren en arbeiders af te beelden zonder hen te verheerlijkeren, en presenteerde hen op een gedurfde en ernstige manier, wat controverses met zich meebracht.
De stijl en het thema van Courbet waren gebaseerd op het werk van schilders van de Barbizon School. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet en anderen vestigden zich in het Franse dorp Barbizon met het doel het lokale karakter van het landschap nauwkeurig weer te geven.
Het schilderlijke realisme buiten Frankrijk werd in de 19e eeuw goed vertegenwoordigd in de Verenigde Staten. De krachtige en expressieve schilderijen van Winslow Homer over maritieme onderwerpen en de werken van Thomas Eakins zijn eerlijke en goed geobserveerde registraties van het hedendaagse leven. Realisme was een onderscheidende stroming in de kunst van de 20e eeuw, voortgekomen uit de wens van kunstenaars om oprechte en niet-idealisatieve visies van het dagelijks leven te presenteren of om kunst te gebruiken als middel voor sociale en politieke kritiek.
De ruwe en bijna journalistieke scènes van het stedelijke leven van de groep die bekend staat als The Eight vallen in deze categorie. De Duitse beweging Neue Sachlichkeit (Nieuwe Objectiviteit) werkte in een realistische stijl om de cynisme en desillusie na de Eerste Wereldoorlog in Duitsland uit te drukken. Het socialistisch realisme in de Sovjetunie gebruikte technieken van naturalistische idealisatie om portretten van dappere arbeiders en ingenieurs te creëren.
Bovendien inspireerde realisme rechtstreeks hedendaagse kunstbewegingen zoals fotorealisme en hyperrealisme, wat zijn blijvende en evoluerende nalatenschap aantoont.
Koop een reproductie van Las Espigadoras in de online winkel van Kuadros
Nr. 4 Impressionisme (1865–1885)
Sommige exponenten: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
Frans impressionisme is een belangrijke beweging die zich voornamelijk in Frankrijk ontwikkelde aan het einde van de 19e en het begin van de 20e eeuw. Het meest opvallende kenmerk was de poging om de visuele realiteit nauwkeurig en objectief vast te leggen in termen van voorbijgaande effecten van licht en kleur. Impressionistische kunstenaars toonden een nieuwe manier van kijken naar en het weergeven van de wereld, waarbij ze afstand namen van realistische representaties ten gunste van vluchtige indrukken van hun omgeving, vaak in de open lucht. In muziek zocht het naar het overbrengen van een idee of effect door middel van een geluidwash in plaats van een strikte formele structuur.
Tegen het einde van de jaren 1860 weerspiegelde de kunst van Manet een nieuwe esthetiek die een leidende kracht zou zijn in de impressionistische werken, waarbij het belang van het traditionele onderwerp werd verminderd en de aandacht verschoof naar de manipulatie van kleur, toon en textuur.
In 1874 organiseerde een groep kunstenaars genaamd het Anonieme Genootschap van Schilders, Beeldhouwers, Graveerders, enz., een tentoonstelling in Parijs die de beweging genaamd Impressionisme lanceerde. De oprichters omvatten Claude Monet, Edgar Degas en Camille Pissarro. Monet's schilderij Impressie, Zonsopgang (1872) bezorgde hen de aanvankelijk spottende naam "Impressionisten" door journalist Louis Leroy. De kunstenaars namen het snel aan als beschrijvende term voor hun bedoeling om nauwkeurig de "visuele indrukken" over te brengen. Terwijl conservatieve critici hun werk bekritiseerden vanwege de onvoltooide en schetsmatige uitstraling, prezen progressieve schrijvers het om hun beschrijving van het moderne leven.
Vanaf de oorsprong is het impressionisme gedefinieerd door kenmerken zoals losse penseelstreken, onderscheidende kleuren, representaties van alledaagse onderwerpen, een focus op licht en composities geïnspireerd door fotografie.
Halverwege de jaren 1880 begon de impressionistische groep zich te ontbinden naarmate elke schilder zijn eigen interesses en esthetische principes vervolgde. Toch hebben ze een revolutie teweeggebracht in de kunstgeschiedenis en een technisch startpunt geboden voor postimpressionistische kunstenaars zoals Cézanne, Degas, Gauguin, Van Gogh en Georges Seurat, waarmee de westerse schilderkunst werd bevrijd van traditionele technieken en benaderingen.
Erfgoed en huidige aanwezigheid van het impressionisme
Als startpunt van het modernisme beïnvloedde het impressionisme vele latere bewegingen. De postimpressionisten namen hun losse penseelstreken over; de abstracte expressionisten vonden inspiratie in de onconventionele benadering van Monet; en vele hedendaagse kunstenaars blijven werken in een neo-impressionistische stijl.
Koop een reproductie van Vrouw met Paraplu in de online winkel van Kuadros
Nr. 5 Postimpressionisme (1885–1910)
Sommige exponenten: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat.
Postimpressionisme is een term die wordt gebruikt om de reactie in de jaren 1880 tegen het impressionisme te beschrijven. Het werd geleid door Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh en Georges Seurat. De postimpressionisten verwierpen de bezorgdheid van het impressionisme over de spontane en naturalistische representatie van licht en kleur.
Deze schilders, met uitzondering van Van Gogh, waren Frans en de meesten begonnen als impressionisten; ieder van hen liet de stijl achter om zijn eigen zeer persoonlijke kunst te vormen.
Net als de impressionisten benadrukten ze de kunstmatigheid van het beeld. Ze geloofden dat kleur onafhankelijk kon zijn van vorm en compositie als emotionele en esthetische drager van betekenis. Zowel het impressionisme als het postimpressionisme omvatten enkele van de beroemdste moderne kunstwerken, zoals de waterlelies van Monet en De Sterrennacht van Van Gogh.
Ze deelden hun werk met het publiek door middel van onafhankelijke tentoonstellingen in Parijs. In 1910 bedacht de kunstcriticus Roger Fry de term "postimpressionisme" met zijn tentoonstelling "Manet en de postimpressionisten". Fry geloofde dat de schoonheid van kunst geworteld is in perceptie. "Kunst is een uitdrukking en een stimulans voor het imaginative leven in plaats van een kopie van het echte leven," legde hij uit in "An Essay in Aesthetics".
De postimpressionisten geloofden dat een kunstwerk niet moest draaien om stijl, proces of esthetische benadering, maar de symboliek moest benadrukken, door boodschappen van het onderbewustzijn van de kunstenaar te communiceren.
Ze exposeerden vaak samen, maar in tegenstelling tot de impressionisten, die als een hechte groep begonnen, schilderden ze voornamelijk alleen. Cézanne schilderde geïsoleerd in Aix-en-Provence; Gauguin vestigde zich in Tahiti in 1891; en Van Gogh schilderde op het platteland in Arles. Zowel Gauguin als Van Gogh verwierpen de objectiviteit van het impressionisme ten gunste van een meer persoonlijke spirituele expressie.
"Kleur! Wat een diep en geheimzinnig taal, de taal van dromen." - Paul Gauguin
Tegenover de impressionisten die probeerden het effect van natuurlijk licht vast te leggen, gebruikten de postimpressionisten een kunstmatige kleurenpalet om hun waarnemingen van de wereld weer te geven. Verzadigde tinten en meerkleurige schaduwen zijn duidelijk aanwezig in hun schilderijen, wat hun innovatieve benadering aantoont.
Postimpressionisme nam afstand van een naturalistische benadering en richtte zich op bewegingen zoals het kubisme en het fauvisme, die probeerden emoties op te roepen via kleur en lijn.
Koop een reproductie van De Sterrennacht in de online winkel van Kuadros
Nr. 6 Fauvisme en Expressionisme (1900–1935)
Schilderkunst geplaatst in dikke, kleuren die van de pagina afkomen en onnatuurlijke tinten: fauvisme en expressionisme zijn twee van de stromingen die deze kenmerken tot leven brachten. Wat is dan het verschil tussen beiden, als ze op dezelfde manier kunnen worden beschreven? Eerst zullen we fauvisme en expressionisme afzonderlijk uitleggen.
Fauvisme
Sommige exponenten: Matisse, Derain, Signac
Fauvisme beheerste de kunstscene van 1905 tot 1910, gekenmerkt door intense kleuren en gedurfde penseelstreken. In sommige gevallen pasten kunstenaars verf direct uit de tube toe. De kleuren hoefden niet trouw aan de natuur te zijn; ze konden worden aangepast om emotie te tonen. Ze kozen eenvoudige onderwerpen en als gevolg daarvan leken de schilderijen bijna abstract. De kunstcriticus Louis Vauxcelles bedacht de term na het beschrijven van het werk van Henri Matisse en André Derain als "les fauves" of "de beesten" tijdens een tentoonstelling in de Salon d’Automne in Parijs in 1905. Hun werk was vol onnatuurlijke kleuren en wilde vlekken van verf op het doek. Dit zou het begin van het fauvisme zijn.
Fauvistische kunstenaars waren diep geïnteresseerd in de 19e-eeuwse wetenschappelijke kleurentheorie. Specifiek, met het gebruik van complementaire kleuren, begrepen ze hoe ze kleuren helderder en gedurfder konden laten lijken door deze theorieën toe te passen.
Het schilderij van Matisse "Vrouw met hoed" kreeg kritiek vanwege de onnatuurlijke kleuren op het gezicht van de vrouw. Paul Signac is beroemd om zijn pointillisme en was mentor van Matisse. Pointillisme is een techniek waarbij kleine stippen van primaire kleuren bij elkaar worden geplaatst; van een afstand smelten ze samen in één afbeelding. Dit kan worden vergeleken met pixels op een computerscherm.
Naast Matisse en Derain omvatten andere belangrijke fauvistische kunstenaars Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault en Maurice de Vlaminck.
Expressionisme
Sommige exponenten: Munch, Kandinsky, Klee
Expressionisme is een algemene term voor elk kunstwerk dat de werkelijkheid verstoort om te passen bij de interne gevoelens, standpunten of ideeën van de kunstenaar. Kortom, het is kunst die interne werkelijkheid in de buitenwereld uitdrukt. Er zijn onderscheidende kenmerken van expressionisme: intense en onnatuurlijke kleuren, verf aangebracht in grote hoeveelheden die textuur op het doek creëren.
Expressionisme kwam "van binnenuit", als een weerspiegeling van de gevoelens van de kunstenaar meer dan als een representatie van een scène. Twee invloedrijke expressionistische kunstenaars waren Emil Nolde en Edvard Munch.
Wat betreft het onderwerp, neigt expressionistische kunst emotioneel en soms zelfs mythisch te zijn. Aangezien expressionisme een zo brede term is, is het gemakkelijk het toe te schrijven aan kunst uit elke tijd, maar het wordt meestal toegepast op de kunst van de 20e eeuw. Men zegt dat het begon met het werk van Vincent van Gogh en zich uitstrekt tot de moderne kunst zoals we die nu kennen.
Belangrijke bijdragers aan de expressionistische beweging zijn kunstenaars als Wassily Kandinsky, Paul Klee, Max Beckmann, Ernst Ludwig Kirchner en anderen.
Koop een reproductie van Het Schreeuwen in de online winkel van Kuadros
Fauvisme kan worden gezien als een subcategorie van expressionisme. Ze gebruiken vergelijkbare technieken en worden gekarakteriseerd door dezelfde kenmerken; het werkelijke verschil is de specifieke aard van fauvisme in tegenstelling tot de algemeenheid van expressionisme.
Iets dat als fauvistisch kan worden beschouwd, kan ook deel uitmaken van het expressieve domein, maar niet alle expressionisme is fauvisme. Fauvisme is een beetje wilder, maar met een simplistischer onderwerp.
Nr. 7 Kubisme (1905–1920)
Sommige exponenten: Pablo Picasso, Georges Braque
Kubisme is een zeer invloedrijke stijl van de visuele kunsten uit de 20e eeuw, voornamelijk gecreëerd door Pablo Picasso en Georges Braque in Parijs tussen 1907 en 1914. De kubistische stijl benadrukte het platte en tweedimensionale oppervlak van het beeldvlak, waarbij traditionele technieken van perspectief, foreshortening, modellering en clair-obscur werden verworpen, en de oude theorieën dat kunst de natuur moest imiteren, werden weerlegd. Kubisten geloofden dat de tradities van de westerse kunst waren uitgeput, en om hun werk nieuw leven in te blazen, wendden ze zich tot de expressieve energie van de kunst uit andere culturen, met name Afrikaanse kunst.
Kubisme ontleent zijn naam aan opmerkingen van de criticus Louis Vauxcelles, die het werk van Braque in 1908 minachtend beschreef als bestaande uit kubussen. In Braque's schilderij doen de volumes van de huizen, de cilindrische vormen van de bomen en het kleurenchema denken aan de landschappen van Paul Cézanne, die de kubisten diep inspireerden in hun eerste ontwikkelingsfase (tot 1909). Echter, was Les Demoiselles d'Avignon, geschilderd door Picasso in 1907, die de nieuwe stijl voorspelde; in dit werk worden de vormen van vijf vrouwelijke naakten omgevormd tot hoekige en gefragmenteerde figuren.
Kubisme ontwikkelde zich in twee verschillende fasen: analytisch kubisme en synthetisch kubisme. Analytisch kubisme (1908–1912) is strenger en gekenmerkt door een combinatie van vlakken en lijnen in gedempte tonen. Synthetisch kubisme (1912–1914) wordt gekenmerkt door eenvoudigere vormen en helderdere kleuren, inclusief echte elementen die zijn samengevoegd, zoals kranten. De opname van echte objecten direct in de kunst was het begin van een van de belangrijkste ideeën van moderne kunst.
Hoewel de creatie van deze nieuwe visuele taal wordt toegeschreven aan Picasso en Braque, werd deze aangenomen en verder ontwikkeld door veel schilders, waaronder Fernand Léger, Robert en Sonia Delaunay, Juan Gris en anderen. Het kubisme had ook een diepgaande impact op de sculptuur en architectuur van de 20e eeuw.
De bevrijdende formele concepten die door het kubisme zijn geïnitieerd, hadden verstrekkende gevolgen voor bewegingen zoals Dada en surrealisme, evenals voor kunstenaars die in de hele wereld abstractie nastreefden.
Nr. 8 Dada en Surrealisme (1917–1950)
Dada
Sommige exponenten: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Dada was een avant-gardistische kunstbeweging in Europa, met centra in Zürich en New York. Het ontstond als een directe reactie op de slachtingen, propaganda en waanzin van de Eerste Wereldoorlog. Onafhankelijke groepen verbonden door gemeenschappelijke ideeën ontstonden in Berlijn, Parijs en andere plaatsen. Hoewel ze geen universele stijl deelden, waren ze verbonden door hun verzet tegen idealisme en verouderde artistieke en intellectuele conventies.
De naam "Dada", willekeurig getrokken uit een woordenboek in 1916, betekent "schommelpaard" in het Frans of "ja ja" in het Roemeens en Russisch. Maar als naam voor een beweging betekent het werkelijk niets. Teleurgesteld in de cultuur die het bloedbad van de Eerste Wereldoorlog heeft voortgebracht, daagden dadaïsten alle conventies uit, en vierden ze de willekeur en de absurditijd.
De wortels van Dada zijn te vinden in de avant-garde voor de oorlog. De term "anti-kunst", de voorloper van Dada, werd rond 1913 bedacht door Marcel Duchamp om werken te karakteriseren die de aanvaarde beperkingen van kunst uitdagen.
De Dada-beweging omvatte openbare bijeenkomsten, demonstraties en publicaties van kunst- en literatuur tijdschriften. Kunst, politiek en cultuur werden vaak als onderwerpen in een verscheidenheid aan media besproken.
Surrealisme
Sommige exponenten: Max Ernst, André Masson, Salvador Dalí, René Magritte
Surrealisme was een van de belangrijkste en subversieve bewegingen van de 20e eeuw. Het ontstond in de jaren 1920 en bood een radicale alternatieve aan de rationele en formele kwaliteiten van kubisme. Het was een literaire, filosofische en artistieke beweging die het functioneren van de geest verkende, en het irrationele, poëtische en revolutionaire verdedigde.
In tegenstelling tot Dada, waarvan het op veel manieren voortkwam, benadrukte het de positieve afwijzing van eerdere tradities. André Breton, de leider van een nieuwe groep dichters en kunstenaars in Parijs, definieerde surrealisme in zijn "Surrealistische Manifest" (1924) als: "Zuiver psychisch automatisme, waarmee wordt voorgesteld te uiten... het werkelijke functioneren van de gedachte".
Er kunnen verschillende draadjes worden onderscheiden in de visuele manifestatie van het surrealisme. Kunstenaars zoals Max Ernst en André Masson gaven de voorkeur aan automatisme, waarbij het bewuste controle wordt onderdrukt en het onderbewuste de controle krijgt. In tegenstelling hiermee streefden Salvador Dalí en René Magritte naar een hallucinante werkelijkheid waarin de afgebeelde scènes helemaal geen reële betekenis hebben. Een derde variatie was de juxtapositie van niet-verwante elementen, waarbij een realiteit buiten normale grenzen werd gevestigd.
Surrealisme ontstond in Parijs, maar zijn invloed verspreidde zich via tijdschriften en internationale tentoonstellingen. Met het uitbreken van de Tweede Wereldoorlog verhuisde het centrum van surrealistische activiteit naar New York. Hoewel het als beweging na de oorlog coherentie verloor, heeft het een krachtige invloed behouden op de hedendaagse kunst.
Nr. 9 Abstract Expressionisme (1940–1950)
Sommige exponenten: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline
Het "abstract expressionisme" was een beweging die zich ontwikkelde in New York in de jaren 1940 en 1950. Hoewel de term niet ideaal was, omvatte het kunstenaars die hun doeken vulden met kleurvlakken en abstracte vormen, evenals degenen die hun doeken aanvielen met krachtige, expressieve gebaren. Iedereen was betrokken bij kunst als een uitdrukking van het ik, voortgekomen uit diepe emoties en universele thema's.
De beweging omvatte veel verschillende schilderstijlen. Sommige kunstenaars, zoals Jackson Pollock en Willem de Kooning, worden gekarakteriseerd door een losse en dynamische omgang met verf. Andere, zoals Mark Rothko, gebruikten grote vlakken met vlakke kleur om subtiele en meditatieve effecten te bereiken.
Hoewel de beweging grotendeels wordt afgebeeld als zijnde van mannelijke kunstenaars, waren er verschillende belangrijke vrouwelijke abstracte expressionisten die gedurende deze periode opkwamen.
Nr. 10 Pop Art (1960)
Sommige exponenten: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Claes Oldenburg
Pop art begon met kunstenaars uit New York zoals Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist en Claes Oldenburg, die zich lieten inspireren door populaire beelden en deel uitmaakten van een internationaal fenomeen. Het was een opstand tegen de dominante benaderingen van kunst en cultuur en de traditionele opvattingen over wat kunst zou moeten zijn. Jonge kunstenaars voelden dat wat ze op school leerden en wat ze in de musea zagen niets te maken had met hun leven.
In 1957 somde de popart-kunstenaar Richard Hamilton de kenmerken van popart op in een brief: "Popart is: populair, tijdelijk, vervangbaar, goedkoop, massaal geproduceerd, jong, vindingrijk, sexy, sensationeel, glamoureus, een groot bedrijf".
Pop bracht kunst in nieuwe thematische gebieden en ontwikkelde nieuwe manieren om deze te presenteren, en kan worden gezien als een van de eerste manifestaties van het postmodernisme.
Nr. 11 Postmodernisme (1970–)
Sommige exponenten: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn in de Hemel van James Gill
De term "postmodernistische kunst" verwijst naar een brede categorie van hedendaagse kunst die vanaf ongeveer 1970 is gecreëerd. Het belangrijkste kenmerk is de afwijzing van de esthetiek waarop zijn voorganger, de "moderne kunst", was gebaseerd. Een van de afgewezen waarden is het idee dat "kunst" iets "bijzonders" is dat van de populaire smaak moet worden gescheiden.
Anti-autoritair van aard, weigerde postmodernisme de autoriteit van enige stijl of definitie van wat kunst zou moeten zijn te erkennen. De distinctie tussen hoge cultuur en populaire cultuur, tussen kunst en het dagelijks leven, viel weg. Het introduceerde een nieuw tijdperk van vrijheid en het gevoel dat "alles is toegestaan".
Vaak verschillende stijlen en media mengend, kan postmodernistische kunst ook lenen van of ironisch commentaar geven op stijlen uit het verleden. Postmodernisten beschouwen hun theoretische positie als inclusief en democratisch.
In de jaren 1980 en 1990 werd postmodernisme de onofficiële filosofie van de "identiteitspolitiek" beweging.
KUADROS ©, een beroemde schilderij aan je muur.
