説明
現代美術の最も著名な人物の1つであるアンリ・マティスは、日常のオブジェクトのシンプルさに尽きることのないインスピレーションの源であることがわかりました。 73x60 cmを測定する1924年の彼の作品「花の花瓶」は、色と作曲の使用における彼の習熟の明確な例です。
この絵では、マティスは一見シンプルなテーマである花のある花瓶を提示しますが、それは彼の手の中で深い視覚的影響の作品に変わります。画像の中央にある花瓶は、より顕著な目的です。それから芽生えた花は、鮮やかな色とさまざまな形の爆発で展開されます。 Matisseの色の選択は大胆で意図的です。強烈な赤、太陽の黄色、新鮮な緑は、花に触知可能な活力を与えます。
絵画は、その構成の明確さを目立ちます。要素は、自然な流動性を備えた作業を通して視聴者の視線を導く方法で順序付けられます。花瓶と花は底と競合するのではなく、それと調和します。背景は比較的単純で、対照的で同時に、花の色を高める明確なトーンを支配しています。これにより、視聴者は気を散らすことなく前景や色に集中できます。
「花の花瓶」で最も注目すべき側面の1つは、マティスが自発性と新鮮さの感覚を伝える方法です。花は花瓶で慎重に無視されていたようです。このエヴァネッセントの品質は、アーティストの独特の特徴であり、アーティストは常に彼の主題の本質を最も可能な人工物で捉えようとしていました。
テクニックに関しては、マティスのブラシストロークは自由で経済的であり、各要素を詳述する以上のことを示唆しています。徹底的な詳細で説明するのではなく、色と形を示唆するこの能力であり、それがあなたの仕事をとても衝撃的にします。塗料の質感は均一で、色や形のゲームから気を散らすプリントやレリーフがありません。
「See of Flowers」は、自然に対するマティスの愛と、物事の本質的な美しさを捉えることへの彼の関心についても教えてくれます。彼のキャリアを通して、マティスは多くの静物と花のシーンを描いた。この特定の写真は、「アネモネ」や「花と果物」などの他の作品を思い出させます。アーティストは、色と形の関係、装飾的な要素とその空間的性質のバランスを探求し続けています。
1924年、マティスがこの作品を作成したとき、それは画家がすでにフォービズムの影響を克服し、彼の個人的なスタイルを見つけた芸術的成熟の時代でした。この時代は、より大きな正式な削減とより内省的で瞑想的なアプローチによって特徴付けられています。マティスは彼の世界の評判を統合し、壁紙の切り抜きで有名な遅い作品で頂点に達する単純化に向けて進化し続けている時です。
「See of Flowers」は、代表される主題の本質を捉えているだけでなく、芸術家の魂の反映としても機能します。絵画から発せられる静けさと喜びは、常に新鮮で楽観的な目で世界を見るマティスの能力の証です。この作品は、シンプルな美しさのお祝いであり、私たちを取り巻く色と形へのodeであり、アンリ・マティスの紛れもない天才のデモです。