कला इतिहास के दौरान, स्पेनिश -स्पेकिंग कलाकारों ने पायनियर्स के रूप में एक महत्वपूर्ण स्थिति बनाई है। जोखिम लेने के डर के बिना, वे अक्सर प्रतीकों और तकनीकों को शामिल करते हैं जो उनकी मूल संस्कृतियों को याद करते हैं। इसके अलावा, कई सबसे प्रसिद्ध हिस्पैनिक कलाकार भी परिवर्तन को प्रभावित करने और राष्ट्रीय गौरव को प्रेरित करने के प्रयास में राजनीतिक और सामाजिक आंदोलन पर चर्चा करने के लिए एक मंच के रूप में अपनी रचनात्मकता का उपयोग करते हैं।
No.1 डिएगो वेलज़्केज़ - 1599 - 1660
डिएगो वेलज़्केज़ एक 17 वीं -प्रतिशत स्पेनिश चित्रकार थे जिन्होंने "" का उत्पादन किया थालास मेनिनस", संभवतः उनकी सबसे प्रसिद्ध पेंटिंग और राजा फेलिप IV के रॉयल कोर्ट के सदस्य के रूप में कई प्रसिद्ध चित्र।
डिएगो रोड्रिग्ज डी सिल्वा और वेलज़्केज़ का जन्म सेविले, स्पेन में 6 जून, 1599 के आसपास हुआ था। 11 साल की उम्र में, स्थानीय चित्रकार फ्रांसिस्को पाचेको के साथ एक छह -वर्ष की शिक्षा शुरू हुई। वेलज़्केज़ की पहली रचनाएं उनके शिक्षक द्वारा पसंद किए गए पारंपरिक धार्मिक विषयों के थे, लेकिन वह इतालवी चित्रकार कारवागियो के प्रकृतिवाद से भी प्रभावित थे। वेलज़्केज़ ने 1617 में अपनी शिक्षा पूरी करने के बाद अपना अध्ययन स्थापित किया। वह राजा फेलिप IV के कोर्ट के सदस्य के रूप में अपने यथार्थवादी और जटिल चित्रों के लिए प्रसिद्ध हो गए, एक स्थिति जो उन्होंने लगभग 40 वर्षों तक आयोजित की थी। डिएगो वेलज़्केज़ का एक सफल करियर था जिसने उन्हें स्पेनिश स्वर्ण युग के रूप में जाना जाने वाला प्रमुख कलाकार बना दिया।
अपने अंतिम वर्षों में, स्पेनिश शिक्षक ने पोप इनोसेंट एक्स और प्रसिद्ध "लास मेनिनस" के एक प्रसिद्ध चित्र का निर्माण किया। 6 अगस्त, 1660 को मैड्रिड में उनकी मृत्यु हो गई।
वेलज़क्वेज़ को पश्चिमी कला के महान स्वामी में से एक के रूप में याद किया जाता है। पाब्लो पिकासो और सल्वाडोर डाली उन कलाकारों में से हैं, जिन्होंने उन्हें एक महान प्रभाव माना, जबकि फ्रांसीसी इम्प्रेशनिस्ट édouard Manet ने महान स्पैनियार्ड को "चित्रकारों के चित्रकार" के रूप में वर्णित किया।
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नंबर 2 फ्रांसिस्को डी गोया - 1746 - 1828
फ्रांसिस्को गोया, अपने संपूर्णता में फ्रांसिस्को जोस डे गोया और ल्यूसिएंट्स में, (30 मार्च, 1746 को, फ्यूएंडेटोडोस, स्पेन को जन्म; 16 अप्रैल, 1828 को बोर्डो, फ्रांस) को निधन हो गया।
18 वीं शताब्दी के सबसे प्रभावशाली चित्रकारों में से एक फ्रांसिस्को गोया को अपने जीवन के दौरान भारी सफलता मिली। उनका काम अक्सर रोमांटिक आंदोलन से जुड़ा होता है और इसे अंतिम महान पुराने शिक्षकों में से एक माना जाता है। गोया की सबसे प्रसिद्ध चित्रों में से एक, 3 मई, 1808 मैड्रिड में, यह एक राजनीतिक रूप से चार्ज की गई कृति है जो नेपोलियन द्वारा देश के कब्जे के दौरान स्पेनिश प्रतिरोध का सम्मान करती है। इस अभिनव कार्य ने एक नई मिसाल डाली कि कैसे कला में युद्ध की भयावहता का प्रतिनिधित्व किया गया।
वास्तविक संग्रह में वेलज़्केज़ के कार्यों के उनके अध्ययन के परिणामस्वरूप अधिक लचीली और सहज पेंट तकनीक हुई। उसी समय, गोया ने अपनी पहली लोकप्रिय सफलता हासिल की। उन्हें 1780 में सैन फर्नांडो की रॉयल अकादमी के लिए चुना गया, 1786 में राजा के चित्रकार को नियुक्त किया गया, और 1789 में अदालत का एक चित्रकार बनाया। 1792 में एक गंभीर बीमारी ने गोया बहरे को स्थायी रूप से छोड़ दिया। उन्होंने कार्टून के करीब एक नया बोल्ड और फ्री स्टाइल विकसित किया। अपने भित्तिचित्रों में उन्होंने एक व्यापक और स्वतंत्र शैली और धार्मिक कला में एक अभूतपूर्व सांसारिक यथार्थवाद का इस्तेमाल किया। गोया ने 1795 से 1797 तक रॉयल अकादमी में पेंटिंग के निदेशक के रूप में कार्य किया और 1799 में स्पेनिश कोर्ट का पहला चित्रकार नियुक्त किया गया।
1808 से 1814 तक नेपोलियन आक्रमण और स्वतंत्रता के स्पेनिश युद्ध के दौरान, गोया फ्रांस के न्यायालय के चित्रकार थे। स्पेनिश राजशाही की बहाली के बाद, गोया को फ्रांसीसी की सेवा करके क्षमा कर दिया गया था, लेकिन उनका काम नए राजा द्वारा पसंद नहीं था। 1816 में उन्होंने बुलफाइटिंग नामक बुलफाइट्स पर अपनी उत्कीर्णन प्रकाशित किया। 1819 से 1824 तक गोया मैड्रिड के बाहरी इलाके में एक घर में रहती थी। न्यायिक प्रतिबंधों से मुक्त, एक तेजी से व्यक्तिगत शैली को अपनाया। काले चित्रों में, अपने घर की दीवारों पर निष्पादित, गोया ने अपने सबसे गहरे दर्शन व्यक्त किए। एक समान दुःस्वप्न गुणवत्ता व्यंग्य बकवास का पीछा करती है, उत्कीर्णन की एक श्रृंखला जिसे कहावत भी कहा जाता है। 1824 में, उदार सरकार को बहाल करने के प्रयास की विफलता के बाद, गोया ने स्वेच्छा से फ्रांस में निर्वासित हो गया। वह बोर्डो में बस गए और 16 अप्रैल, 1828 को अपनी मृत्यु तक काम करना जारी रखा।
आज, उनके कई सबसे अच्छे चित्र मैड्रिड में मैड्रिड के संग्रहालय में हैं।
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No.3 फ्रिडा काहलो - 1907 - 1954
मैग्डेलेना कारमेन फ्रिडा काहलो कैल्डेरोन (कोयोआकैन, 6 जुलाई, 1907- कोयोआकैन, 13 जुलाई, 1954)
मैक्सिकन कलाकार फ्रिडा काहलो को उनके आत्म -कार्ट्रेट, दर्द और जुनून, और उज्ज्वल और बोल्ड रंगों के लिए याद किया जाता है। वह मेक्सिको में मैक्सिकन और स्वदेशी संस्कृति पर ध्यान देने के लिए और नारीवादियों द्वारा अनुभव और स्त्री रूप के विवरण के लिए मनाया जाता है।
अपने गहरे व्यक्तिगत और प्रतीकात्मक काम के साथ, वह बीसवीं शताब्दी के सबसे प्रसिद्ध कलाकारों में से एक बन गए हैं। अपने करियर के अधिकांश समय के दौरान, उन्होंने अक्सर इसे डिएगो रिवेरा की पत्नी के रूप में नजरअंदाज कर दिया, लेकिन उनके चित्रों की सराहना केवल 1970 के दशक के बाद से ही बढ़ी है। अपनी मैक्सिकन पहचान पर फाराज़ली गर्व करते हुए, उन्होंने अक्सर अपने चित्रों में प्री -कोलुम्बियन प्रतीकों को शामिल किया और अपनी रंगीन मैक्सिकन पोशाक के लिए जाने जाते हैं। काहलो, जिन्होंने अपनी युवावस्था में एक बस दुर्घटना के कारण जीवन भर स्वास्थ्य समस्याओं का सामना किया, को अपनी रीढ़, हंसली और पसलियों के कई फ्रैक्चर का सामना करना पड़ा, एक टूटे हुए श्रोणि, एक टूटे हुए पैर और एक अव्यवस्थित कंधे। वह शरीर पर एक प्लास्टर के साथ उबरते हुए पेंटिंग पर बहुत ध्यान केंद्रित करना शुरू कर दिया। अपने जीवन में, उनके 30 ऑपरेशन थे। जीवन का अनुभव लगभग 200 चित्रों, स्केच और काहलो के चित्रों में एक सामान्य मुद्दा है। उनके शारीरिक और भावनात्मक दर्द को स्पष्ट रूप से कैनवस में दिखाया गया है, साथ ही साथ उनके पति, साथी कलाकार डिएगो रिवेरा के साथ उनके अशांत संबंध, जिनके साथ उन्होंने दो बार शादी की। इसके 143 चित्रों में से, 55 स्व -बोट्रिट्स हैं। बस दुर्घटना से आपके शरीर की तबाही टूटे हुए कॉलम में बहुत विस्तार से है। काहलो को लगभग नग्न, आधे से विभाजित किया जाता है, इसकी रीढ़ को एक टूटी हुई सजावटी स्तंभ के रूप में प्रस्तुत किया जाता है। आपकी त्वचा नाखूनों के साथ बिंदीदार है। वह एक सर्जिकल डिवाइस से भी सुसज्जित है।
व्यापक रूप से अपने मार्क्सवादी झुकाव के लिए जाना जाता है, फ्रिडा, क्रांतिकारी मार्क्सवादी चे ग्वेरा और समकालीन आंकड़ों के एक छोटे से बैंड के साथ, बीसवीं शताब्दी का एक प्रतिगामी प्रतीक बन गया है और पेंटिंग में एक विरासत का निर्माण किया है जो कल्पना और मन को प्रेरित करता है।
उन्होंने 47 साल की उम्र में उनकी समयपूर्व मृत्यु के कारण अपने समृद्ध कैरियर को बाधित देखा। इसकी विरासत अभी भी जीवित है और कई नारीवादी और राजनीतिक आंदोलनों का एक आइकन बनी हुई है।
No.4 डिएगो रिवेरा - 1886 - 1957
डिएगो मारिया डे ला कोंसेपियन जुआन नेपोमुकेनो एस्टानिसलाओ डे ला रिवेरा और बैरिएंटोस अकोस्टा और रोड्रिग्ज, जिसे डिएगो रिवेरा (गुआनाजुआटो, 1886 - मेक्सिको सिटी, 1957) के रूप में जाना जाता है, एक प्रमुख मैक्सिकन पेंटर था। उनके महान भित्तिचित्रों ने मैक्सिकन और अंतर्राष्ट्रीय कला में भित्ति आंदोलन को स्थापित करने में मदद की।
जन्म से मैक्सिकन, रिवेरा ने अपने वयस्क जीवन का एक अच्छा हिस्सा यूरोप और संयुक्त राज्य अमेरिका में, साथ ही साथ मेक्सिको सिटी में अपने घर में बिताया। अपने करियर की शुरुआत में, उन्होंने क्यूबिज्म में प्रवेश किया और फिर पोस्टिम्प्रेशनवाद को अपनाया, लेकिन उनकी अनूठी शैली और परिप्रेक्ष्य तुरंत अपने स्वयं के रूप में पहचानने योग्य हैं। वह एक समर्पित मार्क्सवादी के रूप में राजनीति की दुनिया में शामिल थे और 1922 में मैक्सिकन कम्युनिस्ट पार्टी में शामिल हो गए। उन्होंने 1930 के दशक में मेक्सिको सिटी में घर पर रूसी निर्वासन लियोन ट्रॉट्स्की और उनकी पत्नी को प्राप्त किया। वह अस्थिर समय में रहते थे और उन्होंने एक अशांत जीवन का नेतृत्व किया। , डिएगो रिवेरा, व्यापक रूप से अपने मार्क्सवादी झुकाव के लिए जाना जाता है, साथ ही क्रांतिकारी मार्क्सवादी चे ग्वेरा और समकालीन आंकड़ों के एक छोटे से बैंड के साथ, बीसवीं शताब्दी का एक प्रतिवाद प्रतीक बन गया है और कला में एक विरासत का निर्माण किया है जो प्रेरणादायक कल्पना और मन को प्रेरित करना जारी रखता है। ।
उन्होंने मैक्सिकनिटी के आधार पर एक राष्ट्रीय पहचान बनाने में मदद की। मैक्सिकन पहचान में यह गर्व अपने हड़ताली रंग पैलेट और मय और एज़्टेक कला से प्रभावित सरलीकृत रूपों के उपयोग के माध्यम से रिवेरा की कला में दिखाई देता है। जबकि उनके कुछ सबसे अच्छे काम मेक्सिको सिटी में पाए जाते हैं, रिवेरा ने संयुक्त राज्य अमेरिका में भी बड़े पैमाने पर चित्रित किया। चौराहे पर उनके आदमी भित्ति, काम पर लेनिन की एक छवि के कारण न्यूयॉर्क में रॉकफेलर सेंटर से हटा दिया गया था।
नंबर 5 पाब्लो पिकासो - 1881 - 1973
पाब्लो पिकासो, अपनी संपूर्णता में पाब्लो डिएगो जोस फ्रांसिस्को डी पाउला जुआन नेपोमुकेनो क्रिस्पिनो क्रिस्पिनो मारिया रेमेडिओस डे ला सैंटिसिमा त्रिनिदाद रुइज़ पिकासो, जिसे (1901 से पहले) पाब्लो रुइज़ या पाब्लो रुइज़ पिकासो, (अक्टूबर 25, 1881, 1881 पर जन्मे, 8 अप्रैल, 1973 में, मौगिंस, फ्रांस), चित्रकार, मूर्तिकार, रिकॉर्डर, सेरामिस्ट और स्पेनिश प्रवासी सेट डिजाइनर, जो बीसवीं सदी के सबसे महान और सबसे प्रभावशाली कलाकारों में से एक और क्यूबिज्म के निर्माता (जॉर्जेस ब्रैक के साथ)।
वह एक विलक्षण बच्चा था, जो कला बनाने के पारंपरिक तरीके को नष्ट करने के लिए अपने दम पर जाने से पहले पहली बार क्लासिक तकनीकों पर हावी था। उनका काम प्रभावशाली है, क्योंकि उन्होंने चित्रों, मूर्तियों, सिरेमिक, चित्र और उत्कीर्णन के बीच अपने जीवन के दौरान कला के लगभग 50,000 कार्यों का उत्पादन किया।
1900 के दशक की शुरुआत में क्यूबिज़्म के माता -पिता में से एक के रूप में, उन्होंने कला में वास्तविकता से परहेज किया और विशुद्ध रूप से अमूर्त का प्रतिनिधित्व करने का लक्ष्य रखा, कुछ ऐसा जो उस तरह से पहले नहीं किया गया था। पिकासो के मुख्य निकाय को काफी अलग -अलग अवधि में विभाजित किया गया है, जो नीले रंग की अवधि के साथ शुरू होता है, फिर गुलाबी अवधि, अफ्रीकी प्रभाव अवधि, क्यूबिज्म की अवधि और अतियथार्थवाद और क्लासिकवाद की अवधि।
क्योंकि पिकासो की डेमोइसेलस युग की कला एक कट्टरपंथी प्रकृति की थी, व्यावहारिक रूप से कोई भी बीसवीं -परसनी कलाकार उनके प्रभाव से बच नहीं सकता था। पिकासो अपने जीवन के अंतिम दशक में एक अभिनव बनी रही। इससे उनके जीवन में और तब से गलतफहमी और आलोचना हुई, और यह केवल 1980 के दशक में था कि उनके अंतिम चित्रों को अपने आप में और युवा चित्रकारों की बढ़ती पीढ़ी में उनके गहरे प्रभाव के लिए सराहना शुरू हुई। जैसा कि पिकासो 1920 के दशक से बहुत अधिक कीमतों पर काम करने में सक्षम था, वह अपने अधिकांश काम को अपने संग्रह में रखने में सक्षम था।
नंबर 6 सल्वाडोर डाली - 1904 - 1989
सल्वाडोर फेलिप जैसिंटो डाली I डोमेनक, मार्क्वेस डे डाली डे पब्लिक (फिगुएरस, 11 मई, 1904- फिगुएरस, 23 जनवरी, 1989)।
उन्हें अतियथार्थवाद के सबसे महान प्रतिनिधियों में से एक माना जाता है।
एक कैरियर के साथ जो छह दशकों से अधिक कवर करता है, सल्वाडोर डाली आधुनिक कला में सबसे प्रभावशाली कलाकारों में से एक है। अपने असली चित्रों जैसे कि द फेंस ऑफ मेमोरी के लिए प्रसिद्ध, डाली भी एक विपुल मूर्तिकार, फिल्म निर्माता, फोटोग्राफर और इलस्ट्रेटर थे। यहां तक कि उन्होंने पौराणिक रात्रिभोज के आधार पर एक रसोई की किताब बनाई, जिसे वह और उनकी पत्नी गाला संगठित करेंगे।
कम उम्र से, सल्वाडोर डाली को अपनी कला का अभ्यास करने के लिए प्रोत्साहित किया गया, और अंततः मैड्रिड में एक अकादमी में अध्ययन किया गया। 1920 के दशक में, वह पेरिस गए और पाब्लो पिकासो, रेने मैग्रेट और मिरो जैसे कलाकारों के साथ बातचीत करना शुरू कर दिया, जिसके कारण डाली का पहला असली चरण हुआ।
फर एक बहुत ही कल्पनाशील कलाकार, संकीर्णता और मेगालोमेनिया की प्रवृत्ति के साथ, जनता का ध्यान आकर्षित करना पसंद करता था। इस व्यवहार ने उन लोगों को परेशान किया, जिन्होंने अपनी कला की सराहना की और अपने आलोचकों को उचित ठहराया, जिन्होंने अपने सनकी व्यवहार को खारिज कर दिया। दालि ने अपने प्यार को हर उस चीज के लिए जिम्मेदार ठहराया जो सुनहरा है और अत्यधिक है, विलासिता के लिए उसका जुनून और ओरिएंटल फैशन के लिए उसका प्यार एक स्व -स्व -अस्तित्व वाले अरबी वंश के लिए है, जिसने इबेरियन प्रायद्वीप के अरब वर्चस्व के समय के लिए अपनी जड़ों का पता लगाया था।
जैसा कि युद्ध यूरोप में आ रहा था, विशेष रूप से स्पेन में, डाली को सिरलिस्ट आंदोलन के सदस्यों का सामना करना पड़ा। 1934 में आयोजित एक "परीक्षण" में, उन्हें समूह से निष्कासित कर दिया गया था।
1980 में, दालि को एक मोटर विकार के कारण पेंटिंग से हटने के लिए मजबूर किया गया, जिससे उसके हाथों में स्थायी कांप और कमजोरी हुई। वह अब एक ब्रश नहीं पकड़ सकता था, वह जिस तरह से वह सबसे अच्छा जानता था, उसे व्यक्त करने की क्षमता खो चुका था। 1982 में अधिक त्रासदी हुई, जब डाली की प्यारी पत्नी और दोस्त की मृत्यु हो गई। दोनों घटनाओं ने उसे एक गहरे अवसाद के लिए भेजा। वह एक महल में पबोल चले गए, जो गाला के लिए खरीदा और फिर से तैयार किया गया था, संभवतः जनता से छिपाने के लिए या, कुछ अटकलें के रूप में, मरने के लिए। 1984 में, डाली को आग में बुरी तरह जला दिया गया था। अपने घावों के कारण, वह एक व्हीलचेयर तक ही सीमित था। दोस्तों, संरक्षक और साथी कलाकारों ने उसे महल से बचाया और उसे थिएटर-म्यूजियम में सहज महसूस कराते हुए उसे फिगुरेस में लौटाया। नवंबर 1988 में, डाली ने एक दिल के साथ फिगुएरेस में एक अस्पताल में प्रवेश किया जो विफल रहा। एक संक्षिप्त रूप से संलग्न होने के बाद, वह थिएटर-म्यूजियम में लौट आए। 23 जनवरी, 1989 को, अपने जन्म के शहर में, डाली की मृत्यु 84 वर्ष की आयु में दिल की विफलता से हुई। उनका अंतिम संस्कार थिएटर-म्यूजियम में आयोजित किया गया था, जहां उन्हें एक क्रिप्ट में दफनाया गया था।
एक उदार और सनकी व्यक्तित्व के साथ जो उनके कलात्मक उत्पादन के साथ मेल खाता था, वह अपनी मृत्यु के 30 साल बाद जनता की कल्पना को पकड़ना जारी रखता है।
No.7 फर्नांडो बोटेरो - 1932 -
फर्नांडो बोटेरो (कोलम्बियाई, 1932 में पैदा हुए) अपने चित्रित और गढ़े हुए दृश्यों के लिए जानवरों और आंकड़ों के साथ फुलाए हुए अनुपात के साथ प्रसिद्ध हैं, जो व्यंग्य, कार्टून और राजनीतिक टिप्पणियों द्वारा कलाकार की भविष्यवाणी को दर्शाते हैं। कोलंबिया के मेडेलिन में जन्मे, वह तीन बच्चों में से दूसरे थे, उनके पिता, एक सड़क विक्रेता, की मृत्यु हो गई जब बोटेरो केवल चार साल का था। उनकी माँ को परिवार को रखने के लिए एक सीमस्ट्रेस के रूप में काम करना पड़ा। मैटाडोरस के एक स्कूल में एक सीज़न के बाद, बोटेरो ने फैसला किया कि कला उनका सच्चा व्यवसाय था और 1948 में, 16 साल की उम्र में, उनकी पहली प्रदर्शनी थी। तीन साल बाद, कोलंबिया की राजधानी बोगोटा में जाने के बाद, उनकी पहली व्यक्तिगत प्रदर्शनी का मेजबान था।
1950 के दशक में, उन्होंने पुनर्जागरण और बारोक शिक्षकों के काम का अध्ययन करने के लिए स्पेन, इटली और फ्रांस सहित कई अलग -अलग यूरोपीय देशों की यात्रा की। उन्होंने वर्तमान मैक्सिकन अवंत -गार्डे से परिचित होने के लिए मेक्सिको की यात्रा की। बोटेरो विभिन्न स्रोत सामग्री के लिए प्रसिद्ध हो गया, जिसका उपयोग उन्होंने कोलम्बियाई लोक छवियों से लेकर डिएगो वेलज़्केज़, पाब्लो पिकासो और फ्रांसिस्को डी गोया द्वारा कैनोनिकल वर्क्स तक किया।
समकालीन लैटिन अमेरिकी जीवन के अपने प्रतिनिधित्व में, वह गरीबी और हिंसा को चित्रित करता है जो कोलंबिया में उदास छवियों में प्रबल होता है, साथ ही साथ उनके प्रतिष्ठित फुलाए हुए आंकड़े, लैटिन अमेरिकी राष्ट्रपतियों, पहले महिलाओं और सरकारी अधिकारियों की व्यंग्य छवियों में भी। 1960 के दशक की शुरुआत में म्यूजियम ऑफ मॉडर्न आर्ट के डोरोथी मिलर के साथ एक बैठक उनके करियर में एक महत्वपूर्ण मोड़ बन गया; उसने एक समय में अपना काम हासिल कर लिया जब अमूर्तता प्रसिद्ध भाषा थी, और फिर अपनी अंतरराष्ट्रीय प्रतिष्ठा को मजबूत करते हुए संग्रहालय में एक महत्वपूर्ण प्रदर्शनी में अपने काम का प्रदर्शन किया।
1970 के दशक में, बोटेरो पेरिस चले गए, जहां उन्होंने फर्म के अपने फुलाए गए रूपों के साथ आंकड़ों की महान मूर्तियां बनाईं। यह अभी भी अपने लैटिन अमेरिकी गृहनगर की छवियों के लिए और खुले तौर पर राजनीतिक छवियों के साथ प्रतिबद्ध है; उनके हालिया कार्यों में इराक में युद्ध के बारे में सीधी टिप्पणी में अबू ग़रीब में महान कैदी चित्रों को शामिल किया गया है। बोटेरो ने कोपेनहेगन के आधुनिक कला संग्रहालय, पेरिस में मेलोल संग्रहालय, रोम में पलाज़ो बेजिया, सेंट पीटर्सबर्ग में हेरिटेज म्यूजियम और बोगोटा में नेशनल म्यूजियम में अपने काम का प्रदर्शन किया है। वह वर्तमान में पेरिस, मोंटेकार्लो और न्यूयॉर्क में रहता है और काम करता है।
बोटेरो अब 80 साल का है और हमेशा की तरह विपुल है। एक शौकीन चावला निर्माता, हजारों चित्रों और सैकड़ों मूर्तियों का उत्पादन किया है और अपने व्यक्तिगत ब्रांड लोगों और वस्तुओं के साथ मोहित करना जारी रखेंगे। जैसा कि बोटेरो खुद कहता है, "एक कलाकार कभी पूरा नहीं होता है।"
कुआड्रोस ©, आपकी दीवार पर एक प्रसिद्ध पेंट।
