सच्ची जड़ों और गीतात्मक अमूर्तता के अर्थ की खोज करने के लिए, और यह समझने के लिए कि वे कला में अपने रुझानों के साथ कैसे बातचीत करते हैं, हमें अमूर्त कला के पहले दिनों को देखना चाहिए।

Lyric Abstraction एक प्रतीत होता है सरल शब्द है और फिर भी, पीढ़ियों के दौरान इसकी उत्पत्ति और अर्थ पर चर्चा की गई है। अमेरिकन आर्ट कलेक्टर लैरी एल्ड्रिच ने 1969 में इस शब्द का उपयोग कई कार्यों की प्रकृति को परिभाषित करने के लिए किया था जो उन्होंने हाल ही में एकत्र किए थे और उनकी राय में, न्यूनतमता के बाद व्यक्तिगत अभिव्यक्ति और प्रयोग की वापसी का संकेत दिया।

लेकिन फ्रांसीसी कला आलोचक जीन जोस मारचंद ने 1947 में दशकों पहले, अमूर्त लिरिक शब्द की भिन्नता का इस्तेमाल किया, 1947 में, अमेरिका में अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के समान पेंटिंग में एक उभरती हुई यूरोपीय प्रवृत्ति का उल्लेख करने के लिए, जो वे स्वतंत्र होने की विशेषता वाली कला को संदर्भित करते थे, उद्देश्य वास्तविकता के बाहर भावनात्मक और व्यक्तिगत रचनाएं।

लेकिन उन रुझानों को आगे पीछे की ओर बढ़ा दिया जा सकता है, कम से कम बीसवीं शताब्दी के पहले दशक तक काम में वासिली कैंडिंस्की. 

गीत Abstraction - पहला चरण

Vassily Kandinsky 1911, रचना संख्या 4

हालांकि यह कहा जा सकता है कि रूसी चित्रकार वासिली कैंडिंस्की । 1947 में, और हंस हार्टुंग, वोल्स (अल्फ्रेड ओटो वोल्फगैंग शुल्ज़) और जीन-पॉल दंगा, अन्य लोगों के बीच काम शामिल थे।

वर्तमान शब्द "एब्सट्रैक्शन लिरिक" को फ्रांसीसी चित्रकार और प्रदर्शनी जॉर्जेस मैथ्यू (1921-2012) के कोऑर्गनाइज़र द्वारा गढ़ा गया था, जबकि उनके क्यूरेटर जोस-जीन-मार्चैंड ने लिखा था कि कुछ उजागर कार्यों में से कुछ ने दिखाया "एक लिरिज्म ऑल सर्विस से अलग हो गया। .. ", जिसका अर्थ है कि चित्रों को बौद्धिक सिद्धांत के वजन से व्युत्पन्न या तौला नहीं गया था।

गीतात्मक अमूर्तता में गीत की तलाश में

1910 के दशक में, कलाकारों के कई अलग -अलग समूहों ने गीतात्मक अमूर्तता की अवधारणा के साथ छेड़खानी की, प्रत्येक एक अद्वितीय दृष्टिकोण से। क्यूबिस्ट और भविष्य के कलाकारों ने वास्तविक दुनिया की छवियों के साथ काम किया और अमूर्त विचारों को व्यक्त करने के लिए उन्हें वैचारिक रूप से संशोधित किया। सर्वोच्च और रचनाकार कलाकार अपनी कला में पहचानने योग्य रूपों के साथ काम कर रहे थे, लेकिन अस्पष्ट या प्रतीकात्मक तरीके से उनका उपयोग कर रहे थे, या इस तरह से कि सार्वभौमिकताओं को प्रसारित करने की कोशिश की।

लेकिन कलाकारों के एक अन्य समूह ने पूरी तरह से अलग दृष्टिकोण से अमूर्तता से संपर्क किया।

यह समूह, द्वारा व्यक्त किया गया वासिली कैंडिंस्की, उन्होंने इस परिप्रेक्ष्य से अमूर्तता को संबोधित किया कि उन्हें नहीं पता था कि वे किस अर्थ को चित्रित कर सकते हैं। उन्हें उम्मीद थी कि सौंदर्यशास्त्र या उद्देश्यपूर्ण दुनिया की पूर्व धारणाओं के बिना, केवल स्वतंत्र रूप से पेंटिंग करना, कुछ अज्ञात उनके काम के माध्यम से व्यक्त किया जा सकता है। कैंडिंस्की ने संगीत रचनाओं के साथ अपने चित्रों की तुलना की, जिसने भावनाओं को पूरी तरह से अमूर्त तरीके से संप्रेषित किया। उनके अमूर्त चित्र कल्पनाशील, भावनात्मक, अभिव्यंजक, व्यक्तिगत, भावुक और पूरी तरह से व्यक्तिपरक थे; दूसरे शब्दों में, गीतात्मक।

गीतात्मक अमूर्तता के लक्षण: शैलियों भ्रम

"मेन ऑन", तारो ओकमोटो (1955), नेशनल म्यूजियम ऑफ मॉडर्न आर्ट, टोक्यो

सिद्धांत रूप में, आर्ट रिपोर्टल मुख्य आंदोलन था, जिसने कई विकल्पों और उपसमूहों को कवर किया, जैसे कि नोवेल्स, कोबरा, टैचिस्म, आर्ट ब्रूट, आर्ट नॉन फिगंटिफ और गीतात्मक अमूर्तता जैसे बलों के रूप में। ये सभी स्कूल अमूर्त थे या कम से कम अर्ध-अचानक थे, सभी ने ज्यामितीय अमूर्तता के साथ-साथ प्रकृतिवाद और आलंकारिक शैलियों को भी खारिज कर दिया। सभी कलाकारों ने एक नई और सहज पेंट शैली बनाने की मांग की, जो पिछले सिद्धांतों या सम्मेलनों से मुक्त है। इस सब के बावजूद, उस समय के कई अमूर्त चित्रकार इनमें से एक या एक से अधिक के सदस्य थे और परिणामस्वरूप, इनमें से प्रत्येक आंदोलनों में से प्रत्येक के चित्रों के अधिकार के साथ पहचान करना लगभग असंभव है।

युद्ध के बाद की गेय

Stijl, मध्यम

के गीतात्मक अमूर्तता कैंडिंस्की उन्होंने 1920 और 1930 के दशक के अमूर्त कला के कई अन्य रुझानों के साथ विपरीत किया। उनकी कला विशेष रूप से किसी भी धर्म से जुड़ी नहीं थी, लेकिन उनमें कुछ खुले तौर पर आध्यात्मिक था। स्टाइल, आर्ट कंक्रीट और अतियथार्थवाद जैसे शैलियों से जुड़े अन्य कलाकार कला बना रहे थे जो धर्मनिरपेक्ष थे और एक उद्देश्य शैक्षणिक व्याख्या के लिए खुद को उधार दे रहे थे। कैंडिंस्की कुछ ऐसी चीज की तलाश कर रहा था जिसे कभी भी पूरी तरह से परिभाषित या समझाया नहीं जा सके। उन्होंने खुले तौर पर ब्रह्मांड के रहस्यों के साथ अपना व्यक्तिगत संबंध व्यक्त किया। यह ऐसा था जैसे उसने एक तरह के आध्यात्मिक अस्तित्ववाद का आविष्कार किया हो।

अस्तित्ववाद एक ऐसा दर्शन था जो द्वितीय विश्व युद्ध के बाद प्रसिद्धि के लिए कूद गया, जब लोग यह समझने के लिए संघर्ष करते थे कि उन्हें जीवन की बकवास के रूप में क्या माना जाता है। महत्वपूर्ण विचारक यह नहीं मान सकते थे कि एक बेहतर शक्ति हो सकती है जिसने उस प्रकार के विनाश की अनुमति दी जो उन्होंने अभी देखा था। लेकिन भगवान की स्पष्ट अनुपस्थिति में शून्यवादी बनने के बजाय, अस्तित्ववादियों ने व्यक्तिगत अर्थ की तलाश में, जीवन की सामान्य बकवास के माध्यम से अपना रास्ता बनाने की कोशिश की। जैसा कि अस्तित्ववादी लेखक जीन-पॉल सार्त्र ने अपनी पुस्तक द बीइंग एंड नथिंग में 1943 में लिखा था, “मनुष्य को मुक्त होने की निंदा की गई है; वह जो कुछ भी करता है उसके लिए वह जिम्मेदार है। ”

गेय अमूर्तता से जुड़े अन्य नाम

1940 और 1950 के दशक के दौरान, बहुत सारे अमूर्त कला आंदोलन उभरे, जो एक तरह से या किसी अन्य में, व्यक्तिपरक व्यक्तिगत अभिव्यक्ति को कला में अर्थ व्यक्त करने के लिए एक आधार के रूप में शामिल करते थे। अमूर्त Lyrique, Art Reportl, Tachisme, Art Brut, अमूर्त अभिव्यंजनावाद, रंग क्षेत्र कला और यहां तक ​​कि वैचारिक और प्रदर्शन कला, सभी, कुछ हद तक, एक ही सामान्य अस्तित्व की खोज के लिए वापस। इस समय के सबसे प्रभावशाली कला आलोचकों में से एक, हेरोल्ड रोसेनबर्ग ने समझा, जब उन्होंने लिखा: "आज, प्रत्येक कलाकार को खुद को आविष्कार करने के लिए प्रतिबद्ध होना चाहिए ... हमारे समय में कला का अर्थ आत्म-निर्माण के इस कार्य से बहता है"

लेकिन जैसे -जैसे संस्कृति अगली पीढ़ी के साथ बदल गई, कला में इन अस्तित्व संबंधी रुझानों में से कई अपमान से बाहर हो गए। और एक बार फिर, एक ज्यामितीय दृष्टिकोण, कंक्रीट और अमूर्त कला की भावनाओं के बिना, अतिसूक्ष्मवाद द्वारा व्यक्त, इसकी जगह ले ली।

लेकिन सभी कलाकारों ने गीतात्मक परंपरा को नहीं छोड़ा। 1960 के दशक के अंत में, ज्वार एक बार फिर बदल गया था। जैसा कि लैरी एल्ड्रिच ने बताया, जिन्होंने 1969 में गीतात्मक अमूर्त शब्द को बरामद किया, “पिछले सीज़न की शुरुआत में, यह स्पष्ट हो गया कि पेंटिंग में एक आंदोलन था जो ज्यामितीय से दूर चला गया, हार्ड और न्यूनतम, सबसे अधिक की ओर, सबसे अधिक, गीतात्मक, कामुक अमूर्त, नरम और जीवंत रंगों में रोमांटिक ... कलाकार का स्पर्श हमेशा इस प्रकार की पेंटिंग में दिखाई देता है, यहां तक ​​कि जब पेंटिंग बंदूक, स्पंज या अन्य वस्तुओं के साथ बनाई जाती हैं। "

समकालीन गीतात्मक अमूर्तता

जिमेनेज-बालगुअर, विस्तार

यह स्पष्ट है कि, जैसा कि आमतौर पर होता है कलात्मक आंदोलन, गीतात्मक अमूर्तता को परिभाषित करने वाले रुझान शब्द के खनन से पहले हैं। बीसवीं शताब्दी के पहले दशकों में, जैसे कलाकार वासिली कैंडिंस्की, अल्बर्टो जियाकोमेट्टी, जीन फाउटियर, पॉल क्ले और वोल्स ने पहली बार अमूर्तता में गीतात्मक रुझानों के लिए सन्निहित किया। और दशकों बाद, जॉर्जेस मैथ्यू, जीन-पॉल रिओपेल, पियरे सोलेज और जोन मिशेल जैसे कलाकारों ने उन्हें आगे बढ़ाया। फिर, साठ के दशक के उत्तरार्ध और सत्तर के दशक में, हेलेन फ्रैंकन्थेलर, जूल्स ओलिट्स्की, मार्क रोथको और दर्जनों जैसे कलाकारों ने अधिक पुनर्जीवित किया और स्थिति की प्रासंगिकता का विस्तार किया।

2015 में, समकालीन गीतात्मक अमूर्तता की सबसे आकर्षक आवाज़ों में से एक, स्पेनिश कलाकार लॉरेंट जिमेनेज़-बालागुअर की मृत्यु हो गई। लेकिन उनकी अवधारणाएं, सिद्धांत और तकनीकें मार्गरेट नील जैसे कलाकारों के काम में आज एक शक्तिशाली तरीके से प्रकट होती जा रही हैं, जिनकी आपस में परस्पर क्रियाओं की सहज रचनाएं दर्शकों को व्यक्तिगत अर्थ और एलेन पुजारी की व्यक्तिपरक भागीदारी के लिए आमंत्रित करती हैं, जिनका काम जीवन देता है जैज़ संगीत के साथ उनकी सौंदर्य बातचीत। इन सभी कलाकारों को एक सामान्य बंधन में एकजुट करता है, गीतात्मक अमूर्तता के लिए मौलिक खोज है: कुछ व्यक्तिगत, व्यक्तिपरक और भावनात्मक व्यक्त करने के लिए, और इसे एक काव्यात्मक और अमूर्त तरीके से करते हैं।

अमेरिकी गीतात्मक अमूर्तता (1960, 1970)

हेलेन फ्रेंकेंथेलर, मैडम बटरफ्लाई

एक आंदोलन जिसे गीतात्मक अमूर्तता के रूप में जाना जाता था, 1960 और 1970 के दशक के दौरान संयुक्त राज्य अमेरिका में अतिसूक्ष्मवाद और वैचारिक कला के विकास के जवाब में उत्पन्न हुआ। कई चित्रकारों ने ज्यामितीय, सटीक, कठोर किनारों और न्यूनतम शैलियों से दूर जाना शुरू कर दिया, एक अधिक सामंजस्यपूर्ण और सचित्र शैली की ओर, समृद्ध और कामुक रंगों का उपयोग करते हुए। वे एक सहज सामाजिक -राजनीतिक आइकनोग्राफी के साथ जारी रखने के बजाय सौंदर्य सिद्धांतों को बहाल करने का इरादा रखते थे। गीतात्मक अमूर्तता के इस अमेरिकी रूप को हेलेन फ्रैंकन्थेलर (एन। 1928) और जूल्स ओलिट्स्की (1922-2007) के कामों में अन्य लोगों के बीच अनुकरणीय किया गया है। मई-जुलाई 1971 में अमेरिकन आर्ट आर्ट म्यूजियम में "लिरिक एब्सट्रैक्शन" नामक एक प्रदर्शनी की गई।

इस अवधि के दौरान, हालांकि, इसी तरह के विविधताओं की एक श्रृंखला थी अमूर्त अभिव्यंजनावाद दूसरी पीढ़ी (प्रसवोत्तर अमूर्तता)। और यद्यपि फील्ड पेंटिंग के रंग, हार्ड एज पेंटिंग, दाग पेंटिंग और गीतात्मक अमूर्त रंग के बीच स्पष्ट सैद्धांतिक भेद थे, दूसरों के बीच, अंतर के ये बिंदु नग्न आंखों के लिए स्पष्ट नहीं हैं।

गेय अमूर्त आंदोलन के पेंट आज दुनिया के सर्वश्रेष्ठ कला संग्रहालयों में लटकाए गए हैं।

गीतात्मक अमूर्तता - सौंदर्य और दार्शनिक अर्थ

जीन पॉल रिओपेल

Lyric Abstraction एक विशिष्ट स्कूल या आंदोलन नहीं था, बल्कि ART रिपोर्ट के भीतर एक प्रवृत्ति थी। वे इसे एक संतुलित, सुरुचिपूर्ण अमूर्त कला शैली (कभी -कभी एनिमेटेड, कभी -कभी आराम) मानते हैं जो लगभग हमेशा प्राकृतिक दुनिया से निकाले गए सामग्री के साथ लोड किया जाता है।

यह अक्सर एक शानदार रंग द्वारा फंसाया जाता है, इसकी सामंजस्यपूर्ण और सचित्र सुंदरता को कोबरा या हाल के नियोएक्सप्रेशनिस्ट जैसे अन्य कला रिपोर्टों द्वारा निर्मित कठिन, व्यथित और असंगत छवियों के साथ विपरीत किया जा सकता है।

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कुआड्रोस ©, आपकी दीवार पर एक प्रसिद्ध पेंट।