कला के इतिहास की नींव हजारों वर्षों की तारीखों की है, जब प्राचीन सभ्यताओं ने सांस्कृतिक रूप से महत्वपूर्ण विषय का प्रतिनिधित्व करने के लिए तकनीकों और साधनों का उपयोग किया था। इन पहले उदाहरणों से, उन्होंने बहुत सारे कलात्मक आंदोलनों का पालन किया है, प्रत्येक ने अपनी अलग -अलग शैलियों और विशेषताओं के साथ, जो उस अवधि के राजनीतिक और सामाजिक प्रभावों को दर्शाते हैं, जहां से वे उठे थे।
फौविज़्म का क्या मतलब है और वैचारिक कला क्या है? कला के बारे में बात करना अपने आप में एक अनुशासन की तरह लगता है और यदि आप कला की दुनिया में नए हैं, तो आपके पास शायद कई सवाल हैं, विशेष रूप से कला में प्रत्येक आंदोलन और विभिन्न प्रकार की कला के बारे में।
पुनर्जागरण से लेकर आधुनिकता के उद्भव तक प्रभावशाली कला शैलियों ने निस्संदेह इतिहास में अपनी छाप छोड़ी है।
इतिहास के बारे में स्पष्ट अवधारणाओं और इसके कलात्मक आंदोलनों के महत्व के बाद, हमें इस बात की स्पष्ट समझ होगी कि वान गाग, पिकासो और वारहोल जैसे प्रसिद्ध कलाकारों ने कला की दुनिया में कैसे क्रांति ला दी।
काद्रोस ने आपके लिए सबसे महत्वपूर्ण आंदोलनों की एक सूची बनाई है।
No.1 इतालवी पुनर्जागरण (1400-1550)
कुछ घातांक: गिब्बर्टी डोर्स, ब्रुनेलेस्ची, डोनाटेलो, बॉटलिसेली, लियोनार्डो, मिगुएल ओंगेल, राफेल।
चौदहवीं शताब्दी के अंत में d। सी।, मुट्ठी भर इतालवी विचारकों ने घोषणा की कि वे एक नए युग में रहते थे। बारबरा, प्रबुद्ध "मध्य युग" खत्म नहीं हुआ था; नया एक सीखने और साहित्य, कला और संस्कृति का एक "रिनिनसिटा" ("पुनर्जागरण") होगा। यह उस अवधि का जन्म था जिसे अब पुनर्जागरण के रूप में जाना जाता है। सदियों से, विद्वानों ने इस बात पर सहमति व्यक्त की है कि इतालवी पुनर्जन्म ("पुनर्जन्म" के लिए एक और शब्द) बिल्कुल इस तरह से हुआ: कि चौदहवीं और सत्रहवीं शताब्दी के बीच, दुनिया के बारे में सोचने का एक नया और आधुनिक तरीका और इसमें मनुष्य के आदमी के स्थान पर उन्होंने पुराने विचारों को बदल दिया। वास्तव में, इतने सारे पुनर्जागरण के कई वैज्ञानिक, कलात्मक और सांस्कृतिक उपलब्धियां सामान्य मुद्दों को साझा करती हैं, विशेष रूप से मानवतावादी विश्वास कि मनुष्य अपने स्वयं के ब्रह्मांड का केंद्र था।
पंद्रहवीं शताब्दी के संदर्भ में इतालवी पुनर्जागरण यूरोप में किसी भी अन्य स्थान से अलग था। इसे स्वतंत्र शहरों-राज्यों में विभाजित किया गया था, जिनमें से प्रत्येक सरकार के एक अलग रूप के साथ था। फ्लोरेंस, जहां इतालवी पुनर्जन्म शुरू हुआ, एक स्वतंत्र गणतंत्र था। यह एक बैंक और वाणिज्यिक पूंजी भी थी और, लंदन और कॉन्स्टेंटिनोपल के बाद, यूरोप का तीसरा सबसे बड़ा शहर। अमीर फ्लोरेंटाइन ने अपने पैसे को उड़ा दिया और कलाकारों और बुद्धिजीवियों के संरक्षक या समर्थक बनने में सक्षम होने के लिए। इस तरह, शहर यूरोप और पुनर्जागरण का सांस्कृतिक केंद्र बन गया।
यह कहा जा सकता है कि पुनर्जागरण को दो भागों में विभाजित किया गया था:
शुरुआती पुनर्जन्म के दौरान, कलाकारों ने धार्मिक पेंटिंग की बीजान्टिन शैली को अस्वीकार करना शुरू कर दिया और मानव रूप और अंतरिक्ष के अपने प्रतिनिधित्व में यथार्थवाद बनाने के लिए संघर्ष किया। यथार्थवाद के प्रति यह लक्ष्य Cimabue और Giotto के साथ शुरू हुआ, और "सही" कलाकारों की कला में अपने चरम पर पहुंच गया, जैसे कि एंड्रिया मंटेग्ना और पाओलो उक्लेलो। जबकि धर्म उन लोगों के दैनिक जीवन में एक महत्वपूर्ण तत्व था जो पुनर्जागरण के दौरान रहते थे, हम हांफने के लिए एक नया मार्ग भी देखते हैं: पौराणिक विषय। कई विद्वान बताते हैं वीनस का जन्म एक पौराणिक दृश्य की पहली पैनल पेंटिंग के रूप में बॉटलिसेली।
उच्च पुनर्जन्म के रूप में जानी जाने वाली अवधि प्रारंभिक पुनर्जन्म के उद्देश्यों की परिणति का प्रतिनिधित्व करती है। इस चरण के सबसे प्रसिद्ध कलाकार लियोनार्डो दा विंची, राफेल, टिज़ियानो और मिगुएल ओंगेल हैं। उनकी पेंटिंग और फ्रेश कला के सबसे अच्छे ज्ञात कार्यों में से हैं। पिछले खाना दा विंसी, एथेंस स्कूल राफेल और मिगुएल ओंगेल के सिस्टिन चैपल की छत की पेंटिंग इस अवधि की उत्कृष्ट कृतियों हैं और उच्च पुनर्जागरण के तत्वों को मूर्त रूप देते हैं।
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No.2 Barocco (1600-1750)
कुछ घातांक: रूबेन्स, रेम्ब्रांट, कारवागियो, वेलज़्केज़, पलासियो डी वर्साय।
बारोक शब्द अंततः इतालवी शब्द बरोको से निकलता है, जिसे दार्शनिकों ने मध्य युग के दौरान योजनाबद्ध तर्क में एक बाधा का वर्णन करने के लिए उपयोग किया था। इसके बाद, यह शब्द किसी भी मुड़ विचार या विचार की प्रक्रिया को निरूपित करने के लिए आया था। एक अन्य संभावित स्रोत बारोक पुर्तगाली शब्द (स्पेनिश बैरुको) है, जिसका उपयोग एक अनियमित या अपूर्ण मोती का वर्णन करने के लिए किया जाता है, और यह उपयोग अभी भी जौहरी के बारोक पर्ल शब्द में जीवित है। बारोक, सत्रहवीं शताब्दी की शुरुआत से लेकर 18 वीं शताब्दी के मध्य तक यूरोप में विकसित कला और वास्तुकला में एक आंदोलन है। यह नाटकीय और अतिरंजित आंदोलन और स्पष्ट और आसान विवरण की व्याख्या करने पर जोर देता है, जो कि नाटक, तनाव, अतिउत्साह और महानता का उत्पादन करने के लिए अतियथार्थवाद से दूर है।
पहली अभिव्यक्तियाँ, जो इटली में हुई थी, 16 वीं शताब्दी के अंतिम दशकों से, जबकि कुछ क्षेत्रों में, विशेष रूप से जर्मनी और औपनिवेशिक दक्षिण अमेरिका में, बारोक की कुछ समापन उपलब्धियां 18 वीं शताब्दी तक नहीं हुई थीं।
कलाकारों ने पुनर्जागरण की सुंदरता के आदर्शों को पुनर्जीवित करना जारी रखा, उस समय की कला, संगीत और वास्तुकला के कार्यों में उकसाया, एक विंक ने क्लासिकवाद को पुनर्जीवित किया और और भी एक नए अतिउत्साह असाधारणता और अलंकृत के लिए झुकाव से सुधार किया। इस अत्यधिक सुशोभित शैली को एक बारोक के रूप में गढ़ा गया था और इसकी अभिनव तकनीकों और विवरणों की विशेषता थी, जो कला के लिए अपेक्षाकृत अपेक्षाकृत काल्पनिक अवधि में एक नई और रसीला दृश्य भाषा की पेशकश करता था। बारोक पूरे यूरोप में फैल गया, मुख्य रूप से रोम में पोप और इटली, फ्रांस, स्पेन और फ्लैंडर्स में कैथोलिक शासकों द्वारा निर्देशित किया गया। यह मठों और दोषियों के अपने व्यापक नेटवर्क के माध्यम से शक्तिशाली धार्मिक आदेशों द्वारा और भी अधिक फैल गया। शैली जल्दी से फ्रांस, उत्तरी इटली, स्पेन और पुर्तगाल तक बढ़ गई, फिर ऑस्ट्रिया और दक्षिणी जर्मनी तक।
इस कार्यक्रम से विकसित होने वाली बारोक शैली, विरोधाभासी, कामुक और आध्यात्मिक थी; जबकि एक प्रकृतिवादी उपचार के कारण धार्मिक छवि औसत पैरिशियन के लिए अधिक सुलभ हो गई, नाटकीय और भ्रामक प्रभावों का उपयोग पवित्रता और भक्ति को प्रोत्साहित करने और दिव्य के वैभव की छाप को प्रसारित करने के लिए किया गया था। बारोक चर्चों की छतें चित्रित दृश्यों में भंग हो गईं, जिन्होंने पर्यवेक्षक को अनंतता के ज्वलंत दर्शन प्रस्तुत किए और इंद्रियों को खगोलीय चिंताओं की ओर निर्देशित किया।
जबकि थीम और यहां तक कि शैली बारोक चित्रों के बीच भिन्न हो सकती है, इस अवधि के अधिकांश टुकड़ों में एक आम बात है: नाटक। के रूप में जाने जाने वाले चित्रकारों के काम में कारावैगियो और Rembrandt, नाटक में रुचि उज्ज्वल प्रकाश और आसन्न छाया के बीच तीव्र विरोधाभासों के रूप में भौतिक है।
कैथोलिक क्षेत्र के उस महान शिक्षक, जो बड़े पैमाने पर स्पेनियों द्वारा शासित थे, चित्रकार थे पीटर पॉल रूबेंस, जिनकी तूफानी विकर्ण रचनाएं और पूर्ण रक्त के व्यापक आंकड़े बारोक पेंट के प्रतीक हैं। एंथोनी वैन डाइक के सुरुचिपूर्ण चित्र और जैकब जॉर्डन के मजबूत आलंकारिक कार्यों ने रूबेंस के उदाहरण का अनुकरण किया। नीदरलैंड में कला को उनके प्रमुख मध्यम वर्ग के पैटर्न के यथार्थवादी स्वाद द्वारा वातानुकूलित किया गया था, और इसलिए, उस देश के असंख्य शैली और लैंडस्केप चित्रकार और रेम्ब्रांट और फ्रैंस हेल्स जैसे भव्य शिक्षक दोनों महत्वपूर्ण पहलुओं में स्टाइल बारोक से स्वतंत्र रहे। । हालांकि, बारोक का इंग्लैंड पर एक उल्लेखनीय प्रभाव था, विशेष रूप से चर्च और महलों में क्रमशः डिजाइन, सर क्रिस्टोफर व्रेन और सर जॉन वानब्रुच द्वारा।
पुनर्जागरण की मूर्तियों की तरह, जिसमें मिगुएल angel के प्रतिष्ठित डेविड शामिल हैं, बारोक मूर्तियों को अक्सर राजसी इमारतों को सजाने के लिए किस्मत में लिया जाता था। उन्हें अन्य महान परिदृश्यों के लिए भी कमीशन किया गया था, जैसे कि गोल्डन चर्चों और वास्तविक उद्यानों के अंदरूनी हिस्से।
अंतिम बारोक फूल दक्षिणी जर्मनी और ऑस्ट्रिया में काफी हद तक कैथोलिक रोमन था, जहां देशी आर्किटेक्ट 1720 के दशक में इतालवी निर्माण मॉडल से अलग हो गए थे।
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No.3 यथार्थवाद (1848-1900)
कुछ घातांक: कोरोट, कोर्ट, डूमियर, बाजरा।
यथार्थवाद, कला में, सटीक, विस्तृत प्रतिनिधित्व और प्रकृति या समकालीन जीवन के गहनों के बिना। यथार्थवाद बाहरी दिखावे के करीबी अवलोकन के पक्ष में कल्पनाशील आदर्शीकरण को अस्वीकार करता है। जैसे, अपने व्यापक अर्थों में यथार्थवाद ने विभिन्न सभ्यताओं में कई कलात्मक धाराओं को कवर किया है। दृश्य कला में, उदाहरण के लिए, यथार्थवाद प्राचीन हेलेनिस्टिक ग्रीक मूर्तियों में पाया जा सकता है जो मुक्केबाजों और पुराने डिक्रिपिट्स को सटीक रूप से चित्रित करते हैं। 17 वीं -प्रतिशत चित्रकारों जैसे कि कारवागियो, डच शैली के चित्रकारों, स्पेनिश चित्रकार जोस डे रिबेरा, डिएगो वेलज़्केज़ और फ्रांसिस्को डी ज़र्बरान, और फ्रांस में भाइयों ले नाइन के काम यथार्थवादी दृष्टिकोण हैं। 18 वीं शताब्दी के डैनियल डेफो, हेनरी फील्डिंग और टोबियास स्मोलेट के अंग्रेजी उपन्यासकारों के कामों को भी यथार्थवादी कहा जा सकता है।
1850 के दशक में फ्रांस में यथार्थवाद उत्पन्न हुआ। 1848 की क्रांति के तुरंत बाद, एक ऐसी घटना जिसने देश में "काम करने का अधिकार" स्थापित किया, आंदोलन ने औसत, श्रमिक वर्ग, समकालीन परिदृश्यों, समकालीन परिदृश्यों और रोज़ के दृश्यों का विचार पेश किया। सभ्य कलात्मक विषयों के रूप में।
यथार्थवाद पूरे यूरोप में, एलेजांद्रो द्वितीय के रूस से लेकर क्वीन विक्टोरिया के ग्रेट ब्रिटेन तक, गुइलेर्मो I के जर्मनी से इटली ऑफ द रिसॉर्जेंटो तक, और हैब्सबर्ग के साम्राज्य से स्कैंडिनेविया और देशों से आगे के देशों तक बढ़ा। वर्ष 1855 यूरोप में यथार्थवाद की स्थापना में महत्वपूर्ण था।
गुस्ताव काउबेट इसे अक्सर यथार्थवाद का मुख्य आंकड़ा माना जाता है। उन्होंने 1840 के दशक में आंदोलन के लिए नींव रखी, जब उन्होंने किसानों और श्रमिकों को चित्रित करना शुरू किया। तथ्य यह है कि कोर्टबेट ने उनकी महिमा नहीं की, लेकिन उन्होंने साहसपूर्वक उन्हें प्रस्तुत किया और गंभीर रूप से कला की दुनिया में एक हिंसक प्रतिक्रिया पैदा की।
कोर्टबेट की शैली और जारी किए गए कार्य को बारबिजोन स्कूल के चित्रकारों द्वारा पहले से ही टूटे एक क्षेत्र में बनाया गया था। Théodore Rousseau, चार्ल्स-फ्रांस्वा डुबैनी, जीन-फ्रांस्वा बाजरा और 1830 के दशक की शुरुआत में अन्य लोगों को फ्रांसीसी शहर बारबिज़ोन में स्थापित किया गया था, जो कि परिदृश्य के स्थानीय चरित्र को ईमानदारी से पुन: पेश करने के उद्देश्य से था।
फ्रांस के बाहर सचित्र यथार्थवाद शायद संयुक्त राज्य अमेरिका में 19 वीं शताब्दी में बेहतर प्रतिनिधित्व किया गया था। वहाँ, समुद्री मुद्दों और चित्रों, नेविगेशन दृश्यों और थॉमस एकिंस द्वारा अन्य कार्यों पर विंसलो होमर के शक्तिशाली और अभिव्यंजक चित्रों को समकालीन जीवन के स्पष्ट, अनाकर्षक और बहुत मनाया गया रिकॉर्ड हैं। बीसवीं शताब्दी की कला में यथार्थवाद एक अलग धारा था और आम तौर पर कलाकारों की इच्छा से अधिक ईमानदार, ईमानदार और रोजमर्रा की जिंदगी के बारे में विचारों को आदर्श बनाने के लिए या आलोचना के लिए आलोचना के लिए एक वाहन के रूप में कला का उपयोग करने के उनके प्रयासों से लिया गया था। ।
शहरी जीवन के मोटे, रूपरेखा, लगभग पत्रकारीय दृश्य अमेरिकी चित्रकारों के समूह के साथ जिसे आठ (8) के रूप में जाना जाता है, पहली श्रेणी में आते हैं। जर्मन कलात्मक आंदोलन को नेउ सोलिचिट के रूप में जाना जाता है। समाजवादी यथार्थवाद, आधिकारिक तौर पर सोवियत संघ में प्रायोजित, ने प्राकृतिक आदर्शीकरण तकनीकों का इस्तेमाल किया, जो निडर श्रमिकों और इंजीनियरों के चित्र बनाने के लिए थे, जो आश्चर्यजनक रूप से अपने वीर सकारात्मकता और वास्तविक विश्वसनीयता की कमी में दोनों समान थे।
इसके अलावा, यथार्थवाद ने सीधे समकालीन कला के महत्वपूर्ण आंदोलनों को प्रेरित किया, जैसे कि फोटोरिअलिज़्म और हाइपरलिज़्म। यथार्थवाद के उल्लेखनीय आधुनिक दृष्टिकोण के आधार पर, ये शैलियों ने अभिनव आंदोलन की स्थायी और विकासवादी विरासत को प्रदर्शित किया।
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No.4 इंप्रेशनिज्म (1865-1885)
कुछ घातांक: मोनेट, मानेट, रेनॉयर, पिसारो, कैसट, मोरिसोट, डेगास।
फ्रांसीसी प्रभाववाद एक महत्वपूर्ण आंदोलन है, पहले पेंटिंग में और फिर संगीत में, जो मुख्य रूप से 19 वीं और बीसवीं शताब्दी के अंत में फ्रांस में विकसित हुआ। पेंटिंग में प्रभाववाद की सबसे उल्लेखनीय विशेषता उनके परिवेश के क्षणभंगुर छापों के यथार्थवादी प्रतिनिधित्व के लिए ठीक और निष्पक्ष रूप से पंजीकृत करने का एक प्रयास था, जो अक्सर बाहर थे। संगीत में, यह एक सख्त औपचारिक संरचना के बजाय एक ध्वनि धोने के माध्यम से एक विचार या एक प्रभाव को प्रसारित करना था।
1860 के दशक के अंत में, की कला मानेट इसने एक नए सौंदर्यशास्त्र को प्रतिबिंबित किया, जो कि इंप्रेशनिस्ट काम में एक गाइड बल होना चाहिए, जिसमें पारंपरिक विषय का महत्व कम हो गया था और ध्यान कलाकार के रंग, टोन और बनावट के हेरफेर की ओर बढ़ गया। यह अपने आप में समाप्त होता है।
1874 में, कलाकारों के एक समूह ने चित्रकारों, मूर्तिकारों, रिकॉर्डर, आदि को बुलाया। उन्होंने पेरिस में एक प्रदर्शनी का आयोजन किया जिसमें इंप्रेशनवाद नामक आंदोलन शुरू किया गया। इसके संस्थापक सदस्यों में क्लाउड मोनेट, एडगर डेगास और केमिली पिसारो शामिल थे। समूह ने अपना पहला शो, फ्रांसीसी अकादमी के आधिकारिक हॉल से स्वतंत्र बनाया, जिसने अपने अधिकांश कार्यों को लगातार खारिज कर दिया था। मोनेट की पेंटिंग राइजिंग सन प्रिंटिंग । जबकि रूढ़िवादी आलोचकों ने उनके अधूरे उपस्थिति और स्केच के लिए अपने काम की आलोचना की, सबसे प्रगतिशील लेखकों ने आधुनिक जीवन के विवरण के लिए उनकी प्रशंसा की। उदाहरण के लिए, एडमंड डुरैंटी, 1876 के अपने निबंध में द नूवेल पेइंट्योर (द न्यू पेंटिंग) ने पेंटिंग में क्रांति के रूप में पर्याप्त रूप से अभिनव शैली में समकालीन विषय के अपने प्रतिनिधित्व के बारे में लिखा।
इसकी अवधारणा के बाद से, प्रभाववाद को विशेषताओं के एक सेट द्वारा परिभाषित किया गया है। इनमें शामिल हैं: सचित्र ब्रशस्ट्रोक, विशिष्ट रंग, सामान्य मुद्दों का प्रतिनिधित्व, फोटोग्राफी से प्रेरित प्रकाश और रचनाओं पर ध्यान केंद्रित करना।
-1880 के दशक के मध्य में, इंप्रेशनिस्ट समूह ने भंग करना शुरू कर दिया था क्योंकि प्रत्येक चित्रकार ने अपने स्वयं के सौंदर्य हितों और सिद्धांतों को अधिक से अधिक पीछा किया था। हालांकि, अपने छोटे अस्तित्व में, इसने कला इतिहास में एक क्रांति हासिल की, जो पोस्ट -इम्प्रेशनिस्ट कलाकारों के लिए एक तकनीकी प्रारंभिक बिंदु प्रदान करती है सेज़ान, गैस का, पॉल गौगुइन, विंसेंट वान गाग और जॉर्जेस सेराट और पारंपरिक तकनीकों की सभी पोस्टीरियर वेस्टर्न पेंटिंग को जारी करते हैं। और विषय के लिए दृष्टिकोण।
विरासत और प्रभाववाद की उपस्थिति आज
स्वाभाविक रूप से, आधुनिकतावाद के शुरुआती बिंदु के रूप में, प्रभाववाद ने बाद के कई आंदोलनों को प्रभावित किया। Postimpressionists ने अपने सचित्र ब्रशस्ट्रोक को अपनाया; अमूर्त अभिव्यक्तियों के रूप में अपरंपरागत दृष्टिकोण पर प्रेरणा मिली मोनेट; और कई समकालीन कलाकार भी एक नव -संप्रदायवादी शैली में काम करना जारी रखते हैं।
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No.5 पोस्ट -प्रेशनवाद (1885-1910)
कुछ घातांक: वैन गॉग, गागुइन, सेज़ेन, सेराट
पोस्ट -इम्प्रेशनवाद एक शब्द है जिसका उपयोग 1880 के दशक में प्रभाववाद के खिलाफ प्रतिक्रिया का वर्णन करने के लिए किया जाता है। इसका निर्देशन पॉल सेज़ेन, पॉल गौगुइन, विंसेंट वैन गॉग और जॉर्जेस सेराट द्वारा निर्देशित किया गया था। पोस्ट -इम्प्रेशनिस्ट्स ने प्रकाश और रंग के सहज और प्राकृतिक प्रतिनिधित्व के बारे में प्रभाववाद की चिंता को खारिज कर दिया।
वान गाग को छोड़कर ये सभी चित्रकार, फ्रांसीसी थे, और उनमें से अधिकांश इंप्रेशनिस्ट के रूप में शुरू हुए; उनमें से प्रत्येक ने शैली को छोड़ दिया, अपनी स्वयं की व्यक्तिगत कला बनाने के लिए।
इंप्रेशनिस्टों की तरह, उन्होंने छवि की कृत्रिमता पर प्रकाश डाला। पोस्ट -इम्प्रेशनिस्ट्स का यह भी मानना था कि रंग अर्थ के भावनात्मक और सौंदर्य वाहक के रूप में रूप और रचना से स्वतंत्र हो सकता है। दोनों इंप्रेशनवाद और पोस्ट -इम्प्रेशनवाद में कला के कुछ सबसे प्रसिद्ध आधुनिक कार्यों में से कुछ शामिल हैं, जैसे मोनेट वाटर लिली, जलीय परिदृश्य की एक श्रृंखला और तारामय रात वान गाग द्वारा।
पोस्ट -इम्प्रेशनिस्ट्स ने पूरे पेरिस में स्वतंत्र प्रदर्शनियों के माध्यम से जनता के साथ अपना काम साझा किया। 1910 में, प्रमुख कला आलोचक, इतिहासकार और क्यूरेटर रोजर फ्राई ने अपने शो, मानेट और पोस्ट -इम्प्रेशनिस्ट के साथ "पोस्ट -इम्प्रेशनवाद" शब्द गढ़ा। पोस्ट -इम्प्रेशनिस्ट्स की तरह, फ्राई का मानना था कि कला की सुंदरता स्वाभाविक रूप से धारणा में निहित है। "कला एक अभिव्यक्ति है और वास्तविक जीवन की एक प्रति के बजाय कल्पनाशील जीवन के लिए एक उत्तेजना है," सौंदर्यशास्त्र में एक निबंध में फ्राई बताते हैं।
जैसा कि फ्राई ने समझाया, पोस्ट -इम्प्रेशनिस्टों का मानना था कि कला का एक काम शैली, प्रक्रिया या सौंदर्य दृष्टिकोण के चारों ओर नहीं घूमना चाहिए। इसके बजाय, आपको प्रतीकवाद पर जोर देना चाहिए, कलाकार के अवचेतन से संदेशों का संचार करना चाहिए।
पोस्ट -इम्प्रेशनिस्ट अक्सर एक साथ प्रदर्शित होते हैं, लेकिन, प्रभाववादियों के विपरीत, जो एक बहुत ही एकजुट और सौहार्दपूर्ण समूह के रूप में शुरू हुए, मुख्य रूप से अकेले चित्रित किए गए। दक्षिणी फ्रांस में ऐक्स-एन-प्रोवेंस में अलगाव में चित्रित सेज़ेन; उनका अकेलापन पॉल गौगुइन से मेल खाता था, जिसे 1891 में ताहिती में स्थापित किया गया था, और वान गॉग, जिन्होंने आर्ल्स में मैदान में चित्रित किया था। गागुइन और वान गाग दोनों ने अधिक व्यक्तिगत आध्यात्मिक अभिव्यक्ति के पक्ष में प्रभाववाद की उदासीन निष्पक्षता को खारिज कर दिया।
"क्या एक गहरा और रहस्यमय रंग है!
उन प्रभाववादियों के विपरीत, जिन्होंने ह्यू पर प्राकृतिक प्रकाश के प्रभाव को पकड़ने के लिए संघर्ष किया, पोस्ट -इम्प्रैशनिस्ट्स ने एक कृत्रिम रंग पैलेट का उपयोग किया, जो दुनिया की उनकी धारणाओं को चित्रित करने के एक तरीके के रूप में एक कृत्रिम रंग पैलेट था जो उन्हें घेरता था। संतृप्त टन, बहुरंगी छाया और समृद्ध रंग सीमाएं अधिकांश पोस्टिम्प्रेशनिस्ट चित्रों में स्पष्ट हैं, प्रतिनिधित्व के लिए कलाकारों के अभिनव और कल्पनाशील दृष्टिकोण का प्रदर्शन करते हैं।
सामान्य तौर पर, पोस्ट -इम्प्रेशनवाद एक प्राकृतिक दृष्टिकोण से दूर चला गया और बीसवीं शताब्दी की शुरुआत की कला के दो मुख्य आंदोलनों में चले गए, जिसने इसे प्रतिस्थापित किया: क्यूबिज़्म और फौविज़्म, जिसने रंग और रेखा के माध्यम से भावनाओं को उकसाने की कोशिश की।
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No.6 Fauvism and Bexarmentibism (1900-1935)
पेंटिंग को मोटे, रंगों में रखा गया, जो पृष्ठ से बाहर आते हैं और एंटिनैचुरल टोन: फौविज़्म और एक्सप्रेशनिज्म दो आंदोलनों में से दो हैं जिन्होंने इन विशेषताओं को जीवन दिया। तो उनके बीच क्या अंतर है, अगर उन्हें उसी तरह से वर्णित किया जा सकता है? सबसे पहले, हम अपने दम पर Fauvism और अभिव्यक्तिवाद की व्याख्या करेंगे।
फौविज़्म
कुछ घातांक: मैटिस, डेरैन, साइनक
Fauvismo ने 1905 से 1910 तक कलात्मक दृश्य को जब्त कर लिया, कम या ज्यादा, और एक तीव्र रंग और बोल्ड ब्रशस्ट्रोक की विशेषता है। कुछ मामलों में, इस अवधि के कलाकारों ने बोतल से सीधे पेंट लागू किया। रंगों को प्रकृति के प्रति वफादार होने की आवश्यकता नहीं थी, जरूरी। वे भावना दिखाने के लिए बदल सकते थे। उन्होंने सरल मुद्दों को चुना और इस वजह से, चित्र लगभग अमूर्त लग रहे थे। कला समीक्षक लुई वॉक्ससेल ने इस शब्द को गढ़ा, क्योंकि उन्होंने हेनरी मैटिस और आंद्रे डेरैन के काम का वर्णन किया था जैसे कि "लेस फाउव्स" या बीस्ट्स ने 1905 की एक प्रदर्शनी के दौरान पेरिस में लिविंग रूम ऑटोमेन में ऑटोमेन में ऑटोमेन किया। मैटिस और डेरैन की प्रदर्शनी में काम कैनवास पर अप्राकृतिक रंग विकल्पों और जंगली पेंट के दाग से भरा था। यह फौविज़्म की शुरुआत होगी।
उन्नीसवीं शताब्दी के रंग के वैज्ञानिक सिद्धांत में फौविज़्म कलाकार गहरी रुचि रखते थे। विशेष रूप से, पूरक रंगों के उपयोग के साथ, फौविस्टा ने समझा कि इन सिद्धांतों को शामिल करने के लिए रंगों को कैसे उज्जवल और बोल्ड बनाया जाए।
हेनरी मैटिस की पेंटिंग "वुमन विद ए हैट"। महिला के चेहरे पर विरोधी रंगों की आलोचना की गई थी। पॉल साइनक (1863-1935) अपनी बात के लिए प्रसिद्ध है। वह हेनरी मैटिस के संरक्षक भी थे। पंटिलिस्मो एक ऐसी तकनीक है जहां प्राथमिक रंगों के छोटे बिंदुओं को एक साथ रखा जाता है। जब आप दूर चले जाते हैं, तो इसे एक ही छवि में जोड़ा जाता है। इसकी तुलना कंप्यूटर स्क्रीन पर पिक्सेल से की जा सकती है। प्रत्येक व्यक्तिगत पिक्सेल एक अलग रंग है, लेकिन जब आप थोड़ी दूरी देखते हैं, तो वे एक छवि बनाते हैं। बिंदु रिल की शैली ने दिखाया कि कलाकार प्राथमिक रंगों के साथ क्या कर सकते हैं, और वे अपने काम में ऑप्टिकल भ्रम का उपयोग कैसे कर सकते हैं।
मैटिस और डेरैन के अलावा, अन्य महत्वपूर्ण फौविस्टास कलाकारों में जॉर्जेस ब्रैक, राउल डुफी, जॉर्जेस राउल्ट और मौरिस डे वलामिंक शामिल हैं।
इक्सप्रेस्सियुनिज़म
कुछ घातांक: मंच, कैर, कैंडिंस्की, क्ले
अभिव्यक्तिवाद कला के किसी भी काम के लिए एक सामान्य शब्द है जो वास्तविकता को आंतरिक भावनाओं, विचारों या कलाकारों के विचारों के साथ मेल खाने के लिए वास्तविकता को विकृत करता है। संक्षेप में, यह एक ऐसी कला है जो बाहरी दुनिया में आंतरिक वास्तविकताओं को व्यक्त करती है। यह एक काफी सामान्यीकृत परिभाषा है, लेकिन अभिव्यक्तिवाद की कुछ विशिष्ट विशेषताएं हैं। विशेष रूप से, अभिव्यक्तिवाद में उपयोग किए जाने वाले रंग तीव्र और अक्सर अप्राकृतिकवादी होंगे, जिसका अर्थ है कि किसी की त्वचा को तन या भूरे रंग के बजाय नीले रंग में चित्रित किया जा सकता है। पेंट का उपयोग अक्सर अभिव्यक्तिवादी शैली में बड़ी मात्रा में किया जाता है, जो कैनवास पर बहुत सारी बनावट बनाता है।
अभिव्यक्तिवाद "अंदर से" से आया था, एक दृश्य के प्रतिनिधित्व से अधिक कलाकार की भावनाओं का प्रतिबिंब होने के नाते। दो प्रभावशाली अभिव्यक्तिवादी कलाकार एमिली कैर और थे एडवर्ड मंच.
विषय के रूप में, अभिव्यक्तिवादी कला भावनात्मक और कभी -कभी, यहां तक कि पौराणिक रूप से, यह मानते हुए कि अभिव्यक्तिवाद रोमांटिकतावाद का विस्तार है। चूंकि अभिव्यक्तिवाद एक व्यापक शब्द है, इसलिए इसे किसी भी समय की कला को विशेषता देना शुरू करना आसान है। फिर, अधिकांश भाग के लिए, अभिव्यक्तिवाद आम तौर पर बीसवीं शताब्दी की कला पर लागू होता है। ऐसा कहा जाता है कि यह विन्सेन्ट वान गाग के काम के साथ शुरू हुआ और आधुनिक कला तक फैली हुई है जैसा कि हम आज जानते हैं।
अभिव्यक्तिवादी आंदोलन के लिए मुख्य करदाता मैटिस, राउल्ट, ऑस्कर कोकोश्का, पॉल क्ले, मैक्स बेकमैन, पाब्लो पिकासो, फ्रांसिस बेकन, अर्नस्ट लुडविग किर्चनर, ग्राहम सदरलैंड, एडवर्ड मंच और अन्य जैसे कलाकार हैं।
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फौविज़्म को अभिव्यक्तिवाद के सबसेट के रूप में देखा जा सकता है। अभिव्यक्तिवाद में कला और आंदोलनों की एक विस्तृत श्रृंखला शामिल हो सकती है कि वास्तव में अलग होने के लिए उन्हें अलग करना लगभग असंभव है। वे एक ही तकनीकों का उपयोग करते हैं और समान विशेषताओं द्वारा वर्गीकृत किए जाते हैं और केवल वास्तविक अंतर अभिव्यक्तिवाद की सामान्य प्रकृति के विपरीत फाउविज़्म की विशिष्ट प्रकृति है।
कुछ ऐसा जिसे फौविस्टा माना जा सकता है, अभिव्यक्ति के क्षेत्र का हिस्सा भी हो सकता है। लेकिन, कुछ ऐसा जिसे एक्सप्रेशनिस्ट माना जाता है, वह जरूरी नहीं कि फाउविस्टा शैली में हो। Fauvism थोड़ा अधिक जंगली है, लेकिन अधिक सरल विषय के साथ।
तो, फौविज़्म बनाम अभिव्यक्तिवाद एक चीज नहीं है। वे एक दूसरे के साथ प्रतिस्पर्धा नहीं कर रहे हैं क्योंकि एक दूसरे का केवल एक संस्करण है।
No.7 क्यूबिज़्म (1905-1920)
कुछ घातांक: पाब्लो पिकासो, जॉर्जेस ब्रैक
क्यूबिज़्म, बीसवीं शताब्दी की बहुत प्रभावशाली दृश्य कला शैली जो मुख्य रूप से 1907 और 1914 के बीच पेरिस में कलाकारों पाब्लो पिकासो और जॉर्जेस ब्रैक द्वारा बनाई गई थी। क्यूबिस्ट शैली ने पारंपरिक तकनीकों को अस्वीकार करते हुए, पारंपरिक तकनीकों के फ्लैट और दो -दो -समानतापूर्ण सतह पर जोर दिया। । परिप्रेक्ष्य में, स्कोर्ज़ो, मॉडलिंग और प्राचीन सिद्धांतों को स्पष्ट और खंडन करना कि कला को प्रकृति की नकल करना चाहिए। क्यूबिस्टों का मानना था कि पश्चिमी कला की परंपराएं समाप्त हो गई थीं और उनके काम को पुनर्जीवित करने के लिए, उन्होंने अन्य संस्कृतियों, विशेष रूप से अफ्रीकी कला की कला की अभिव्यंजक ऊर्जा का सहारा लिया।
क्यूबिज़्म ने आलोचक लुई वॉक्ससेल द्वारा की गई टिप्पणियों से अपना नाम प्राप्त किया, जिन्होंने 1908 में लिक्वेक में क्यूब्स के रूप में L’Estaque में ब्रैक के काम का निपटान किया। ब्रैक की पेंटिंग में, घरों की मात्रा, पेड़ों की बेलनाकार आकार और भूरे और हरे रंग की योजना पॉल सेज़ेन के परिदृश्य को याद करते हैं, जिसने विकास के अपने पहले चरण में क्यूबिस्टों को गहराई से प्रेरित किया (1909 तक)। हालांकि, यह लेस डेमोइसेलेस डी'एविग्नन था, जिसे 1907 में पिकासो द्वारा चित्रित किया गया था, जिन्होंने नई शैली का पूर्वाभास किया था; इस काम में, पांच महिला जुराबों के रूप कोणीय और खंडित रूप बन जाते हैं।
यह देखा जा सकता है कि क्यूबिज़्म दो अलग -अलग चरणों में विकसित हुआ: प्रारंभिक और अधिक जयकारे विश्लेषणात्मक क्यूबिज़्म, और क्यूबिज़्म का एक पोस्टीरियर चरण जिसे सिंथेटिक क्यूबिज़्म के रूप में जाना जाता है। 1908-12 के बीच विश्लेषणात्मक क्यूबिज़्म विकसित किया गया था। कला के उनके काम अधिक गंभीर दिखते हैं और अश्वेतों, ग्रे और गेरू के टन में विमानों और लाइनों के संयोजन से बनते हैं। सिंथेटिक क्यूबिज़्म क्यूबिज्म का पीछे का चरण है, यह आमतौर पर माना जाता है कि यह लगभग 1912 से 1914 तक है, और यह सरल आकार और उज्जवल रंगों की विशेषता है। सिंथेटिक क्यूबिस्ट कार्यों में आमतौर पर संयुक्त वास्तविक तत्व भी शामिल होते हैं, जैसे कि समाचार पत्र। सीधे कला में वास्तविक वस्तुओं का समावेश आधुनिक कला के सबसे महत्वपूर्ण विचारों में से एक की शुरुआत थी।
जबकि इस नई दृश्य भाषा के निर्माण को पिकासो और ब्रैक के लिए जिम्मेदार ठहराया गया है, इसे कई चित्रकारों द्वारा अपनाया और विकसित किया गया था, जिसमें फर्नांड लेगर, रॉबर्ट और सोनिया डेलुनय, जुआन ग्रिस, रोजर डे ला फ्रेसनेय, मार्सेल डुचैम्प, अल्बर्ट ग्लीज और जीन मेटज़िंगर शामिल हैं। यद्यपि यह मुख्य रूप से पेंटिंग से जुड़ा हुआ है, लेकिन क्यूबिज़्म ने बीसवीं शताब्दी की मूर्तिकला और वास्तुकला पर एक गहरा प्रभाव डाला। मुख्य क्यूबिस्ट मूर्तिकार अलेक्जेंडर आर्किपेंको, रेमंड ड्यूचैम्प-विलोन और जैक्स लिपचिट्ज़ थे। स्विस आर्किटेक्ट ले कॉर्बसियर द्वारा क्यूबिस्ट सौंदर्यशास्त्र को अपनाना 1920 के दशक के दौरान डिजाइन किए गए घरों के रूपों में परिलक्षित होता है।
1912-13 की सर्दियों के दौरान, पिकासो ने बड़ी संख्या में पपियर्स कोलिस को अंजाम दिया। उनकी रचनाओं में रंगीन या मुद्रित कागज के टुकड़ों को पेस्ट करने की इस नई तकनीक के साथ, पिकासो और ब्रैक ने तीन -dimensional अंतरिक्ष (भ्रमवाद) के अंतिम वेस्टेज को बहा दिया, जो अभी भी उनके "उच्च" विश्लेषणात्मक कार्य में बने हुए हैं।
क्यूबिज़्म द्वारा शुरू की गई औपचारिक मुक्ति अवधारणाओं में भी दादा और अतियथार्थवाद के लिए उच्च परिणाम थे, साथ ही सभी कलाकारों के लिए जो जर्मनी, हॉलैंड, इटली, इंग्लैंड, संयुक्त राज्य अमेरिका और रूस में अमूर्तता का पीछा करते हैं।
No.8 दादा और सर्रेलिज्म (1917-1950)
डाडावादी
कुछ घातांक: ह्यूगो बॉल, मार्सेल डुचैम्प, एमी हेन्निंग्स, हंस एआरपी, राउल हौसमैन, हन्ना होक, फ्रांसिस पिकाबिया, जॉर्ज ग्रोसज़
अंतर्राष्ट्रीय गुंजाइश और विविध कलात्मक उत्पादन, दोनों दिए गए और अतियथार्थवाद बीसवीं शताब्दी की शुरुआत के कलात्मक, साहित्यिक और बौद्धिक आंदोलन थे जो आधुनिकता को परिभाषित करने के लिए मौलिक थे। ट्रिस्टन त्ज़ारा और हंस एआरपी जैसे कवियों और कलाकारों द्वारा 1916 में ज्यूरिख में लॉन्च किया गया आंदोलन, प्रथम विश्व युद्ध के नरसंहार, प्रचार और पागलपन के लिए एक सीधी प्रतिक्रिया थी। सामान्य विचारों से जुड़े स्वतंत्र समूह न्यूयॉर्क में कुछ ही समय बाद उभरे। , बर्लिन, पेरिस और अन्य स्थान। इन विभिन्न समूहों ने एक सार्वभौमिक शैली साझा नहीं की, लेकिन आदर्शवाद, अप्रचलित कलात्मक और बौद्धिक सम्मेलनों और "तर्कवाद" और "प्रगति" के लिए आधुनिक समाज के अनियंत्रित गले की अस्वीकृति के लिए जुड़े थे।
यह देखते हुए कि यह एक यूरोपीय अवंत -गार्डे कलात्मक आंदोलन था, जिसमें ज्यूरिख, स्विट्जरलैंड और न्यूयॉर्क में शुरुआती केंद्र थे।
1916 में ज्यूरिख में एक शब्दकोश से निकाले गए नाम का अर्थ है फ्रेंच में "रॉकिंग हॉर्स" या रोमानियाई और रूसी में "हां"। लेकिन एक आंदोलन के नाम के रूप में वास्तव में कुछ भी मतलब नहीं है। संस्कृति की बीमार, जिसने प्रथम विश्व युद्ध के नरसंहार का उत्पादन किया था, इसे देखते हुए सभी पवित्र गायों को चुनौती दी, खिड़की के माध्यम से अभिव्यक्ति और लेखक को फेंक दिया और मौका और बेतुका जश्न मनाया।
दादा की जड़ें युद्ध से पहले अवंत -गार्ड में पाए जाते हैं। दादा का एक अग्रदूत, एंटीटेट शब्द, 1913 के आसपास मार्सेल डुचैम्प द्वारा गढ़ा गया था, जो कला के स्वीकृत प्रतिबंधों को चुनौती देने वाले कार्यों को चिह्नित करने के लिए था।
दादावादी आंदोलन में सार्वजनिक बैठकें, प्रदर्शन और कला / साहित्यिक पत्रिकाओं का प्रकाशन शामिल था; कला, राजनीति और संस्कृति के भावुक कवरेज पर अक्सर विभिन्न प्रकार के मीडिया में चर्चा की गई थी।
आंदोलन ने पीछे की शैलियों को प्रभावित किया जैसे कि अवंत -गार्डे और केंद्रीय संगीत आंदोलनों, और समूहों में अतियथार्थवाद और पॉप कला शामिल हैं।
फिर, अतियथार्थवाद मार्सेल डुचैम्प जैसे दादवादियों की विरोधी -विरोधी ऊर्जाओं को संग्रहालय में वापस करने के लिए पहुंचा, जिसने एक जबरदस्त सफल लेकिन उन्मत्त आंदोलन को ट्रिगर किया, जिसने युद्ध को युद्धों के बीच तबाह कर दिया और कई मीडिया को गले लगाया।
अतियथार्थवाद
कुछ घातांक: मैक्स अर्नस्ट, आंद्रे मेसन, सल्वाडोर डाली, रेने मैग्रेट
बीसवीं शताब्दी के सबसे महत्वपूर्ण और विध्वंसक आंदोलनों में से एक, विशेष रूप से 1920 और 1930 के दशक में अतियथार्थवाद पनप गया और क्यूबिज्म के तर्कसंगत और औपचारिक गुणों के लिए एक कट्टरपंथी विकल्प प्रदान किया। बीसवीं शताब्दी का एक साहित्यिक, दार्शनिक और कलात्मक आंदोलन जिसने मन के कामकाज का पता लगाया, तर्कहीन, काव्यात्मक और क्रांतिकारी का बचाव किया।
दादा के विपरीत, जिसमें से यह कई मायनों में पैदा हुआ, पिछली परंपराओं के निराशावादी के बजाय सकारात्मक अस्वीकृति पर जोर दिया।
शब्द 'सिरालिस्ट' (जो कि 'वास्तविकता से परे' का सुझाव देता है ') को 1903 में लिखे गए एक काम में फ्रांसीसी अवंत -गार्डे कवि गिलियूम अपोलिनेयर द्वारा गढ़ा गया था और 1917 में प्रतिनिधित्व किया गया था। लेकिन यह आंद्रे ब्रेटन, कवि और कलाकारों के एक नए समूह के नेता थे। पेरिस में, जिन्होंने, अपने असली घोषणापत्र (1924) में, ने अतियथार्थवाद को परिभाषित किया: शुद्ध मानसिक ऑटोमेटिज़्म, जिसके माध्यम से यह व्यक्त करने के लिए प्रस्तावित है, या तो मौखिक रूप से, लिखित रूप में या किसी अन्य तरीके से, विचार का वास्तविक कामकाज। किसी भी नियंत्रण की अनुपस्थिति में विचार का हुक्म किसी भी सौंदर्य और नैतिक चिंता से परे, कारण के लिए प्रयोग किया जाता है।
कई अलग -अलग थ्रेड्स को सरलीवाद के दृश्य अभिव्यक्ति में प्रतिष्ठित किया जा सकता है। मैक्स अर्न्स्ट और आंद्रे मेसन जैसे कलाकारों ने ऑटोमेटिज़्म का पक्ष लिया जिसमें जागरूक नियंत्रण को दबा दिया जाता है और अवचेतन को नियंत्रण करने की अनुमति दी जाती है। इसके विपरीत, सल्वाडोर डाली और रेने मैग्रेट ने एक अद्भुत भावना का पीछा किया, जिसमें प्रतिनिधित्व किए गए दृश्यों का कोई वास्तविक अर्थ नहीं है। एक तीसरी भिन्नता असंबंधित तत्वों का रस था, जो सामान्य वास्तविकता की सीमाओं के बाहर एक अवास्तविक वास्तविकता की स्थापना करता था। अतियथार्थवाद मूल रूप से पेरिस में उत्पन्न हुआ था। इसके प्रभाव को अंतरराष्ट्रीय पत्रिकाओं और प्रदर्शनियों की एक श्रृंखला के माध्यम से बढ़ाया गया था, न्यू बर्लिंगटन, लंदन और फादर ऑफ फैंटास्टिक आर्ट में अंतर्राष्ट्रीय वास्तविक प्रदर्शनी के बाद के सबसे महत्वपूर्ण उदाहरणों के रूप में, आधुनिक कला न्यूयॉर्क के संग्रहालय में सरलीवाद, दोनों में बनाया गया था। 1936. द्वितीय विश्व युद्ध के प्रकोप के साथ, सरलीकृत गतिविधि के केंद्र को न्यूयॉर्क में स्थानांतरित कर दिया गया था और युद्ध के अंत में आंदोलन ने अपना सुसंगतता खो दी थी। हालांकि, इसने एक शक्तिशाली प्रभाव को संरक्षित किया है, जो स्पष्ट रूप से अभिव्यक्ति अभिव्यक्तिवाद और बीसवीं शताब्दी की दूसरी छमाही के अन्य कलात्मक अभिव्यक्तियों के पहलुओं में स्पष्ट रूप से स्पष्ट है।
कई लोगों का तर्क है कि एक पहचान योग्य सांस्कृतिक आंदोलन के रूप में अतियथार्थवाद, 1966 में ब्रेटन की मृत्यु के साथ समाप्त हो गया। अन्य लोगों का मानना है कि यह आज एक महत्वपूर्ण और प्रासंगिक बल है।
No.9 सार अभिव्यक्तिवाद (1940-1950)
कुछ घातांक: जैक्सन पोलक, कूनिंग विलेम, फ्रांज क्लाइन
"अमूर्त अभिव्यक्तिवाद" कभी भी आंदोलन के लिए एक आदर्श लेबल नहीं था, जिसे 1940 और 1950 के दशक में न्यूयॉर्क में विकसित किया गया था। किसी तरह से, यह न केवल उन चित्रकारों के काम को कवर करने के लिए नियत किया गया था जिन्होंने अपने कैनवस को खेतों के रंग के साथ भर दिया था। और अमूर्त आकृतियाँ, लेकिन यह भी कि जो एक जोरदार गर्भकालीन अभिव्यक्ति के साथ अपने कैनवस पर हमला करते थे। सभी स्वयं के भावों के रूप में कला के लिए प्रतिबद्ध थे, गहरी भावनाओं और सार्वभौमिक विषयों से पैदा हुए थे, और अधिकांश का गठन अतियथार्थवाद की विरासत द्वारा किया गया था, एक आंदोलन जो एक नई शैली में अनुवादित किया गया था जो चिंता और आघात के बाद के मूड में समायोजित किया गया था। अपनी सफलता में, इन न्यूयॉर्क चित्रकारों ने पेरिस को आधुनिक कला के नेता के रूप में अपने मंत्र के रूप में चुरा लिया और अंतर्राष्ट्रीय कला की दुनिया में संयुक्त राज्य अमेरिका की महारत के लिए मंच तैयार किया। सार अभिव्यक्तिवाद ने पश्चिमी कला की दुनिया के केंद्र के रूप में न्यूयॉर्क शहर के प्रभाव की शुरुआत को चिह्नित किया। अमूर्त अभिव्यक्तिवादी कलाकारों की दुनिया कम मैनहट्टन में दृढ़ता से निहित थी। 8 वीं स्ट्रीट के साथ टहलने से इसे वाल्डोर्फ कैफेटेरिया से ले जाया जाएगा, जहां बिना पैसे के कलाकारों ने गर्म पानी और मुफ्त केचप के साथ "टमाटर का सूप" बनाया; हंस हॉफमैन स्कूल ऑफ प्लास्टिक कलाकारों के बाद उसी नाम के चित्रकार द्वारा स्थापित; क्लब के लिए, एक मचान जहां सम्मेलनों और कला के बारे में गर्म तर्क देर रात तक जारी रहे। जैक्सन पोलक का अध्ययन पूर्व 8 वीं स्ट्रीट में था, कूनिंग और फिलिप गुस्टन विलेम पूर्व 10 वीं में थे, और हालांकि फ्रांज क्लाइन कई घरों और क्षेत्र में अध्ययन में चले गए, अधिकांश रातों ने उन्हें और उनके कई समकालीनों में सेडर स्ट्रीट टैवर्न में पाया। विश्वविद्यालय की साइट।
आंदोलन में कई अलग -अलग सचित्र शैलियाँ शामिल थीं जो तकनीक में और अभिव्यक्ति की गुणवत्ता में भिन्न थीं। वे अक्सर अमूर्तता की डिग्री का उपयोग करते हैं; अर्थात्, वे अवास्तविक या चरम रूपों में, दृश्य दुनिया (गैर -वस्तुओं) से निकाले गए रूपों का प्रतिनिधित्व करते हैं। वे स्वतंत्र, सहज और व्यक्तिगत भावनात्मक अभिव्यक्ति पर जोर देते हैं, और इस लक्ष्य को प्राप्त करने के लिए तकनीक और निष्पादन की काफी स्वतंत्रता का प्रयोग करते हैं, जिसमें अभिव्यंजक गुणों को विकसित करने के लिए पेंटिंग के चर भौतिक चरित्र के शोषण पर एक विशेष जोर दिया गया है (उदाहरण के लिए, कामुकता, गतिशीलता )। , हिंसा, रहस्य, गीतवाद)।
अमूर्त अभिव्यक्तिवाद से जुड़े अधिकांश कलाकार 1930 के दशक में परिपक्व हो गए। वे उस समय की वामपंथी नीति से प्रभावित थे और व्यक्तिगत अनुभव के आधार पर एक कला को महत्व देते थे। कुछ अपने पिछले कट्टरपंथी राजनीतिक विचारों को बनाए रखेंगे, लेकिन कई लोग फ्रैंक अवंत -गार्ड की स्थिति को अपनाना जारी रखते हैं।
अमूर्त अभिव्यक्तिवादी आंदोलन की विविधता के बावजूद, तीन सामान्य दृष्टिकोणों को प्रतिष्ठित किया जा सकता है। एक, एक्शन पेंटिंग, ब्रशस्ट्रोक को स्कैन करने या काटने में पेंट के ढीले, तेज, गतिशील या ऊर्जावान हैंडलिंग की विशेषता है और तकनीकों में आंशिक रूप से संयोग से तय किया जाता है, जैसे कि कैनवास पर सीधे पेंट को टपकना या स्पिल करना। कलाकार: पोलक, कूनिंग।
अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के भीतर औसत शब्द कई विविध शैलियों द्वारा दर्शाया गया है, जिसमें अधिक गीतात्मक, नाजुक और द्रव रूपों से लेकर शामिल हैं। कलाकार: गुस्टन, फ्रैंकन्थेलर, मदरवेल, गोटलीब।
तीसरा कम अभिव्यंजक दृष्टिकोण रोथको, न्यूमैन और रेनहार्ड्ट का था। इन चित्रकारों ने बड़े क्षेत्रों, या खेतों, सपाट और महीन पेंट और डायफेनस का इस्तेमाल किया, जो मूक, सूक्ष्म और लगभग ध्यानपूर्ण प्रभाव प्राप्त करने के लिए था।
यद्यपि इस आंदोलन को बड़े पैमाने पर ऐतिहासिक प्रलेखन में प्रतिनिधित्व किया गया है, क्योंकि पेंटिंग के साथ बिंदीदार वीर पुरुष कलाकार से संबंधित हैं, 1940 और 1950 के दशक के दौरान न्यूयॉर्क और सैन फ्रांसिस्को से कई महत्वपूर्ण महिला अमूर्त अभिव्यक्तिवादी थे जो अब प्राथमिक सदस्यों के रूप में क्रेडिट प्राप्त करते हैं। शुल्क।
नंबर 10 पॉप आर्ट (1960)
कुछ घातांक: एंडी वारहोल, रॉय लिचेंस्टीन, जेम्स रोसेनक्विस्ट और क्लेस ओल्डेनबर्ग
पॉप आर्ट की शुरुआत न्यूयॉर्क के कलाकारों एंडी वारहोल, रॉय लिचेंस्टीन, जेम्स रोसेनक्विस्ट और क्लेस ओल्डेनबर्ग के साथ हुई, जो लोकप्रिय छवियों से प्रेरित थे और वास्तव में एक अंतरराष्ट्रीय घटना का हिस्सा थे।
यह कला और संस्कृति के प्रमुख दृष्टिकोणों और कला के बारे में पारंपरिक राय के खिलाफ एक विद्रोह था। युवा कलाकारों ने महसूस किया कि उन्होंने उन्हें कला के स्कूल में जो कुछ भी सिखाया था और उन्होंने संग्रहालयों में जो देखा वह उनके जीवन या उन चीजों से कोई लेना -देना नहीं था जो उन्होंने हर दिन उनके आसपास देखी थी। इसके बजाय, अपनी छवियों को प्राप्त करने के लिए हॉलीवुड फिल्में, विज्ञापन, उत्पाद पैकेजिंग, पॉप संगीत और कॉमिक्स जैसे स्रोत। अमूर्त अभिव्यक्तियों की लोकप्रियता के बाद, पॉप (मीडिया और लोकप्रिय संस्कृति से निकाले गए) द्वारा पहचान योग्य छवियों का पुन: निर्माण आधुनिकता की दिशा में एक महत्वपूर्ण परिवर्तन था।
1957 में, पॉप कलाकार रिचर्ड हैमिल्टन ने अपने दोस्तों के लिए एक पत्र में 'पॉप आर्ट की विशेषताओं' को सूचीबद्ध किया, पीटर और एलिसन स्मिथसन: पॉप आर्ट इज़: पॉपुलर (एक मास ऑडियंस के लिए डिज़ाइन किया गया), ट्रांसिटरी (शॉर्ट -टर्म सॉल्यूशन), एक्सपेंडेबल । आधुनिकतावादी आलोचकों को इस तरह के 'कम' विषय के पॉप कलाकारों के उपयोग से और उनके स्पष्ट रूप से थोड़ा महत्वपूर्ण उपचार के लिए भयभीत किया गया था। वास्तव में, पॉप ने नए विषयगत क्षेत्रों में कला लाई और इसे कला में प्रस्तुत करने के नए तरीके विकसित किए और पोस्टमॉडर्निज्म की पहली अभिव्यक्तियों में से एक के रूप में देखा जा सकता है।
यद्यपि वे इसी तरह के मुद्दों से प्रेरित थे, ब्रिटिश पॉप को अक्सर एक विशिष्ट अमेरिकी पॉप के रूप में देखा जाता है। ब्रिटेन में प्रारंभिक पॉप कला को दूर से देखी गई अमेरिकी लोकप्रिय संस्कृति द्वारा संचालित किया गया था, जबकि अमेरिकी कलाकारों ने उस संस्कृति के भीतर रहने और अनुभव करने से प्रेरित थे। संयुक्त राज्य अमेरिका में, पॉप शैली प्रतिनिधि कला (कला जो एक पहचानने योग्य तरीके से दृश्य दुनिया का प्रतिनिधित्व करती थी) और अमूर्त अभिव्यक्तिवाद के चित्रात्मक ढीलेपन के बाद कठिन किनारों और विभिन्न रूपों के उपयोग के लिए एक वापसी थी। अवैयक्तिक और सांसारिक छवियों का उपयोग करके, पॉप कलाकार भी व्यक्तिगत भावनाओं और व्यक्तिगत प्रतीकवाद पर जोर देने से दूर होना चाहते थे जो अमूर्त अभिव्यक्तिवाद की विशेषता रखते थे। ब्रिटेन में, आंदोलन अपने दृष्टिकोण में अधिक अकादमिक था। विडंबना और पैरोडी का उपयोग करते हुए, उन्होंने अधिक ध्यान केंद्रित किया कि अमेरिकी लोकप्रिय छवियों और लोगों की जीवन शैली का प्रतिनिधित्व करने के लिए उनकी शक्ति क्या है। 50 के दशक के कला समूह, स्वतंत्र समूह (IG), को ब्रिटिश पॉप कला आंदोलन का अग्रदूत माना जाता है। पॉप आर्ट दादा का वंशज था।
अधिकांश पॉप कलाकार अपने कार्यों में एक अवैयक्तिक और शहरी रवैये की आकांक्षा रखते हैं। हालांकि, पॉप आर्ट के कुछ उदाहरणों ने सूक्ष्मता से सामाजिक आलोचना व्यक्त की, उदाहरण के लिए, ओल्डेनबर्ग की गिरी हुई वस्तुओं और एक ही भोज छवि के वारहोल के नीरस पुनरावृत्ति में निस्संदेह विचलित करने वाला प्रभाव है, और कुछ, रहस्यमय और अकेला सेगल कैडर्स के रूप में वे खुले तौर पर अभिव्यक्तिवादी हैं।
शायद वाणिज्यिक छवियों के समावेश के कारण, पॉप कला आधुनिक कला की सबसे पहचानने योग्य शैलियों में से एक बन गई है।
नंबर 11 पोस्टमॉडर्निज्म (1970-)
कुछ घातांक: गेरहार्ड रिक्टर, सिंडी शर्मन, एंसेलम कीफर, फ्रैंक गेहरी, ज़ाहा हदीद
के आकाश में मर्लिन ©जेम्स गिल
यह उत्तर -आधुनिकता अनिश्चित है एक सच्चाई है। हालांकि, इसे महत्वपूर्ण, रणनीतिक और बयानबाजी प्रथाओं के एक सेट के रूप में वर्णित किया जा सकता है, जो अन्य अवधारणाओं जैसे कि उपस्थिति, पहचान, ऐतिहासिक प्रगति, निश्चित महामारी और अर्थ की एकतरफा जैसी अवधारणाओं को अस्थिर करने के लिए अंतर, पुनरावृत्ति, ट्रेस, सिमुलेशन और हाइपररेलिटी जैसी अवधारणाओं का उपयोग करते हैं।
शब्द "पोस्टमॉडर्निस्ट आर्ट" लगभग 1970 के बाद से बनाई गई समकालीन कला की एक विस्तृत श्रेणी को संदर्भित करता है। "पोस्टमॉडर्निस्ट आर्ट" की विशिष्ट सील सौंदर्यशास्त्र की अस्वीकृति है, जिस पर इसके पूर्ववर्ती, "आधुनिक कला" (1870-1970) आधारित थे। इन अस्वीकृत मूल्यों में से एक यह विचार है कि "कला" कुछ "विशेष" है जो "लोकप्रिय स्वाद" उच्च "होना चाहिए। नए तकनीकी विकास की एक श्रृंखला के साथ, उत्तर आधुनिकतावाद ने नए मीडिया और नए कला रूपों के साथ लगभग पांच दशकों के कलात्मक प्रयोग को जन्म दिया है, जिसमें "वैचारिक कला", विभिन्न प्रकार के "प्रदर्शन कला" और "स्थापना कला" शामिल हैं, साथ ही साथ सहायता प्राप्त आंदोलनों जैसे कि डिकंस्ट्रक्टिविज्म और प्रोजेक्शन आर्ट। इन नए रूपों का उपयोग करते हुए, पोस्टमॉडर्न कलाकारों ने कला की परिभाषा को इस बिंदु तक विस्तारित किया है कि "सब कुछ लायक है।"
पुनर्जागरण के बाद पहली महत्वपूर्ण कला शैली अकादमिक कला थी, क्लासिक सामग्री जिसे शिक्षकों द्वारा शिक्षकों द्वारा पढ़ाया गया था। शैक्षणिक कला पारंपरिक "सूट और टाई" के कलात्मक समकक्ष है। अगला, 1870 के आसपास, "आधुनिक कला" आता है। यह "शर्ट और पैंट" या "जैकेट और पैंट" के कलात्मक समकक्ष है। अगला, 1970 के आसपास, "पोस्टमॉडर्न आर्ट" आता है, जो "जीन्स और टी -शर्ट" के कलात्मक समकक्ष है। उसी तरह से कि कपड़े कोड कम औपचारिक हो गए हैं और अधिक "सब कुछ मूल्य की है", आज के कलाकार पुराने विचारों से कम प्रभावित हैं कि कला क्या होनी चाहिए और कुछ (कुछ भी) बनाने पर अधिक ध्यान केंद्रित करना चाहिए।
स्वभाव से सत्तावादी विरोधी, उत्तर-आधुनिकवाद ने किसी भी शैली या परिभाषा के अधिकार को पहचानने से इनकार कर दिया कि कला क्या होनी चाहिए। उच्च संस्कृति और जन संस्कृति के बीच अंतर कला और दैनिक जीवन के बीच ढह गया था। क्योंकि उत्तर -आधुनिकता ने शैली पर स्थापित नियमों को तोड़ दिया, स्वतंत्रता का एक नया युग पेश किया और यह महसूस किया कि "सब कुछ लायक है।" अक्सर मजाकिया, विडंबना या हास्यास्पद; यह परस्पर विरोधी और विवादास्पद हो सकता है, स्वाद की सीमाओं को चुनौती दे रहा है; लेकिन सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि यह शैली की आत्म -अवतार को दर्शाता है। अक्सर, विभिन्न शैलियों और कलात्मक और लोकप्रिय मीडिया को मिलाते हुए, उत्तर -आधुनिकतावादी कला भी सचेत रूप से या सचेत रूप से या विडंबना से अतीत की विभिन्न शैलियों पर टिप्पणी कर सकती है। इस प्रकार, उत्तर आधुनिक लोग मानते हैं कि उनकी सैद्धांतिक स्थिति असाधारण रूप से समावेशी और लोकतांत्रिक है, क्योंकि यह उन्हें गैर -लाइट समूहों के समान रूप से मान्य दृष्टिकोण पर चित्रण के प्रवचनों के अनुचित आधिपत्य को पहचानने की अनुमति देता है।
1980 और 1990 के दशक में, कई जातीय, सांस्कृतिक, नस्लीय और धार्मिक समूहों के नाम पर अकादमिक रक्षकों ने समकालीन पश्चिमी समाज की उत्तर आधुनिक आलोचनाओं को अपनाया, और उत्तर आधुनिकतावाद "पहचान नीति" के नए आंदोलन का अनौपचारिक दर्शन बन गया,
कुआड्रोस ©, आपकी दीवार पर एक प्रसिद्ध पेंट।
