Les 10 peintures les plus célèbres de Jésus

La figure de Jésus est l'une des plus emblématiques de l'histoire. 

L'art autour de l'image de Jésus-Christ a été idéalisé par les artistes amateurs et les grands professeurs.

Comment est-il possible de montrer sur la toile une figure qui est à la fois forte et complètement divine? Ce type d'audace artistique osait même essayer.

Les artistes qui ont peint dans la tradition chrétienne ont fait exactement cela pendant deux millénaires.

Les 10 peintures les plus célèbres de Jésus

Ceci est un aperçu des 10 peintures de Jésus les plus célèbres à travers l'histoire, selon la classification faite par les experts de Kuadros.

# 1 Le dernier souper - Leonardo da Vinci

La peinture la plus célèbre de Jésus-Christ est sans aucun doute Leonardo da Vinci's Dernière.

L'œuvre recrée la dernière rencontre de Pâques entre Jésus et ses apôtres, de l'histoire décrite dans l'Évangile de Jean, chapitre 13. L'artiste imagina, et a réussi à exprimer, le désir qui est autour de l'esprit des apôtres de savoir qui est trahir son professeur.

Peint à la fin du XVe siècle comme une murale sur les murs du réfectoire du couvent de Santa Maria delle Grazie à Milan.

Les peintures de fresques sont généralement créées en appliquant des pigments sur Intonaco, une fine couche de plâtre calme humide.

C'est normalement la meilleure technique à utiliser, car elle permet à la fresque de s'occuper de la respiration ou de la transpiration naturelle qui fait un mur alors que l'humidité se déplace vers la surface.

Cependant, lors du dernier dîner, Da Vinci décide d'utiliser de la peinture à l'huile car ce matériau sèche beaucoup plus lent, ce qui lui a permis de travailler dans l'image d'une manière beaucoup plus lente et détaillée.

Leonardo savait que l'humidité naturelle qui pénètre dans la plupart des bâtiments muraux en pierre devrait être scellée s'il utilisait des peintures à l'huile ou que l'humidité finirait par ruiner son travail.

Ensuite, l'artiste a ajouté une double couche de plâtre, de mastic et de rupture pour lutter contre la détérioration de l'humidité.

Malgré cela, l'œuvre d'art a dû être restaurée à plusieurs reprises dans sa longue histoire.

Aujourd'hui, il y a très peu de la couche supérieure initiale de peinture à l'huile à la suite de dommages environnementaux et délibérés.

# 2 Transfiguration - Rafael

Transfiguration de Rafael Il s'agit de l'œuvre finale de la grande artiste de la Renaissance Rafael qui a été commandée par le cardinal Giulio de Medici de la dynastie Medici Banqueros.

À l'origine, l'œuvre d'art a été conçue pour se suspendre comme un retable central de la cathédrale de Narbonne en France et est maintenant accrochée au Vatican Pinacoteca dans la ville du Vatican.

Après la mort de Rafael, le tableau n'a jamais été envoyé en France et le cardinal l'a accroché à la place dans l'autel principal de l'église bénie Amadeo de San Pietro à Montorio, Rome en 1523.

Cependant, en 1797, le tableau a été pris par les troupes françaises dans le cadre de la campagne italienne de Napoléon puis suspendue au Louvre.

On peut considérer que la peinture reflète une dichotomie au niveau le plus simple: la force rédemptrice du Christ, symbolisée par la pureté et la symétrie de la moitié supérieure de la peinture. Cela contraste avec les carences de l'homme, symbolisées dans la moitié inférieure par des scènes sombres et chaotiques.

La transfiguration est liée aux histoires successives de l'Évangile de Matthieu. La partie supérieure de la peinture représente le Christ élevé devant les nuages ​​ondulés et illuminés, et les deux côtés sont les prophètes Elijah et Moïse. Dans la partie inférieure de la peinture, les apôtres sont représentés, essayant sans succès, de monter l'enfant possédé de démons. La partie supérieure montre à Christ Transfigured, qui semble faire un miracle, guérir l'enfant et le libérer du mal.

Les dimensions de la transfiguration sont colossales, 410 x 279 cm. Rafael a préféré peindre sur toile, mais cette peinture a été faite avec des peintures à l'huile sur bois comme support choisi. Rafael a en fait montré des indications et des techniques de maniérisme avancées de la période baroque dans ce tableau.

Les poses stylisées et tordues des figures moyennes indiquent le maniérisme. La tension dramatique au sein de ces figures, et l'utilisation libérale de la lumière et de l'obscurité, ou des contrastes de chiaroscuro, représentent la période baroque de mouvement exagéré pour produire du drame, de la tension, de l'exubérance ou de l'éclairage. En fait, la transfiguration a été avancée à son époque, ainsi que la mort de Rafael, qui est arrivée trop tôt.

Ce travail serait la dernière peinture de Rafael, qui travaillerait sur elle jusqu'à sa mort en avril 1520.

Le nettoyage de la peinture de 1972 à 1976 a montré que seules certaines des figures inférieures à gauche ont été achevées par les participants, tandis que la majeure partie du tableau provenait de l'artiste lui-même.

# 3 Jugement final - Miguel Ángel

Le jugement final de Miguel Ángel Il est sur le mur derrière l'autel dans la chapelle Sixtine. Sa représentation de la seconde venue du Christ dans "le jugement final" a généré une controverse immédiate par l'Église catholique du comptoir-réformation.

Miguel Angel a dû peindre la fin des temps, le début de l'éternité, lorsque le mortel devient immortel, lorsque les élus rejoignent Christ dans leur royaume céleste et que les personnes condamnées sont jetées dans les tourments sans fin de l'enfer. 

Aucun artiste dans le XVIe siècle Italie n'était mieux placé pour cette tâche que Miguel Ángel, dont l'œuvre finale a scellé sa réputation de plus grand professeur de la figure humaine, en particulier le nu masculin. Le pape Paul III en était très conscient lorsqu'il a accusé Miguel Ángel de re-peindre le mur de l'autel de la chapelle avec le jugement final. En mettant l'accent sur la résurrection du corps, c'était le thème parfait pour Miguel Ángel.

La composition puissante, se concentre sur la figure dominante du Christ, capturée à l'époque avant celle prononcée par le verdict du jugement final.

Son geste calme et impératif semble attirer l'attention et apaiser l'agitation environnante. Dans l'image, un large mouvement rotatif lent commence dans lequel toutes les figures interviennent. Les deux fenêtres supérieures sont exclues avec des groupes d'anges portant en vol les symboles de la passion (à gauche la croix, les ongles et la couronne d'épines; à droite la colonne de la flagellation, les escaliers et la lance avec l'éponge ciblé en vinaigre).

Au centre de la section inférieure se trouvent les anges de l'apocalypse qui se réveillent les morts avec le bruit des longues trompettes. À gauche, les ressuscités récupèrent leurs corps tout en montant dans le ciel (résurrection de la chair), aux anges et démons droits pour faire tomber ceux qui ont condamné à l'enfer. Enfin, au fond de leurs rames, ainsi que leurs démons, cela fait que les condamnés quittent leur bateau pour les conduire devant le juge infernal Minos, dont le corps est enveloppé dans les spirales du serpent.

La référence dans cette partie à l'enfer de la commandée divine de Dante Alighieri est claire. En plus des éloges, le jugement final a également provoqué des réactions violentes parmi les contemporains. Par exemple, le maître des cérémonies Biagio da Cesena a déclaré que "c'était le plus malhonnête dans un endroit si honnête pour avoir peint tant de figures nues que leur honte montre si malhonnête et que ce n'était pas une œuvre pour une chapelle du pape mais Pour les poêles et les tavernes "(G. Vasari, Vite). Les controverses, qui se sont poursuivies pendant des années, ont pris en 1564 la décision de la congrégation du Conseil de Trent d'avoir couvert certaines des chiffres du procès qui ont été considérées comme «obscènes».

La tâche de peindre les rideaux du toit, le "Braghe" (pantalon), a-t-il été confié à Daniele da Volterra, depuis lors, connu sous le nom de "Braghettone". La "Braghe" de Daniele n'a été que la première à être faite. En fait, plusieurs autres ont été ajoutés dans les prochains siècles.

# 4 Christ Chargement de la croix - El Greco

Au cours de sa longue carrière en Espagne, le Greco a fait de nombreuses peintures de Christ portant la croix. Christ chargeant la croix C'est une image de l'humanité parfaite. Le travail se démarque des caractéristiques d'AVC avec lesquelles le peintre utilise la couleur pour modéliser les volumes et déformer les corps pour refléter le désir spirituel du caractère.

Le Greco peint les yeux du Christ avec des larmes dramatiques et exagérées en eux. Ses yeux sont l'élément clé de la peinture, car ils expriment beaucoup d'émotion.

Il y a un contraste délicat entre ses épaules robustes et la beauté féminine de ses mains. Cependant, il n'y a aucun signe de douleur sur son visage. Tout comme leurs mains passives n'expriment pas d'angoisse ni d'effort pour transporter la croix.

Le Greco a transformé l'image du Christ submergé et douloureux de la lourde croix à celle qui est calme et prête à faire face à son destin. La sérénité du Christ avant son sacrifice invite le spectateur à accepter son propre destin dans des moments de peur et de doute. 

# 5 Crucifié Christ - Diego Velázquez

Cette image intensément puissante de Jésus sur la croix a été peinte pendant la période créative qui a suivi le premier voyage stimulant de Velázquez en Italie. Contrairement à ses autres nus masculins qui sont apparus dans des peintures telles que l'Apollo dans la forge de Vulcano et la tunique de Joseph, son Christ sur la croix est un corps mort ou mourant. Cela ne s'accompagne pas d'autres éléments narratifs à l'exception de la croix elle-même. Cependant, l'artiste parvient à fournir le travail d'une grande dignité et sérénité.

On pense que l'œuvre était une commission pour la sacristie du couvent de San Plácido, la position austère de la Christ crucifié Il présente quatre ongles, les pieds ensemble et apparemment soutenus par une petite étagère en bois, qui permet aux bras de former une courbe subtile, au lieu d'un triangle. La tête est couronnée par un halo, tandis que le visage repose sur la poitrine, nous laissant un aperçu. Ses cheveux droits et droits sont accrochés sur le côté droit de son visage, son chemin postérieur est tiré par le sang qui coule la blessure sur son côté droit.

L'image est inhabituellement autobiographique dans le sens où elle illustre toutes les principales influences de la peinture de Velázquez. Pour commencer, rappelez-vous le ton de dévotion et l'iconographie des peintures absorbées pendant leurs premières années à Séville sous Francisco Pacheco, un membre actif de l'Inquisition espagnole.

Deuxièmement, il reflète sa capacité à peindre des chiffres acquis en Espagne à partir de l'étude des artistes de la Renaissance espagnole et, en Italie, de l'art de l'antiquité classique, de l'art de la haute renaissance à Rome et à Venise, et du Caravage Fonctionne à Rome et Naples. 

L'influence du classicisme dans l'œuvre est montrée dans le calme général du corps et sa position idéalisée. L'influence du caravagisme devient évidente dans l'obscurité dramatique qui concentre tout le corps pâle du Christ.

Il est vrai que l'image n'a pas le drame caractéristique de la peinture baroque, qui se voit dans des œuvres religieuses telles que la crucifixion de Saint-Pierre ou le Croiser. Au lieu de cela, il a une qualité sculpturale monumentale qui l'élève, selon la spiritualité du sujet. La composition est absolument simple mais avec un contraste vivant entre le corps blanc et le fond sombre, et il y a du naturalisme dans la façon dont la tête du Christ tombe sur sa poitrine. Les cheveux emmêlés sont peints avec la facilité que Velázquez avait vue et admiré de première main dans des exemples de peinture vénitienne.

Velázquez a remporté la réputation d'être l'un des meilleurs portraitistes d'Espagne, devenant le peintre officiel de Felipe IV (régna entre 1621 et 1640) et, finalement, dans le plus grand représentant de la peinture espagnole de la période baroque. Cependant, malgré le fait que l'art religieux était particulièrement important en Espagne, un pays dont la monarchie dirigeante était fière d'être l'un des principaux sponsors de l'art du comptoir catholique, Velázquez a peint relativement peu de peintures religieuses notables.

Au lieu de cela, l'artiste a peint le monde autour de lui, spécialisé dans l'art du portrait, une peinture de genre (des vies toujours) et une autre peinture d'histoire. Ironiquement, étant donné la pénurie de ses œuvres religieuses, il a été plus influencé par le génie italien Caravaggio, qui se démarque principalement de son art biblique, exécuté dans un style agressivement réaliste. Velázquez a également été fortement influencé par les idées de la renaissance italienne obtenue auprès de son professeur Sévillien Francisco Pacheco.

 

# 6 Christ chargeant la croix - Titien 

En 1508 ou 1509, Tiziano a peint une huile connue sous le nom Christ chargeant la croix. Les véritables origines de la peinture sont quelque peu mystérieuses, et même plusieurs historiens de l'art l'ont parfois attribué à un autre peintre italien, Giorgione. Les deux peintres appartenaient à une guilde d'artistes liée à l'école et à l'église, tous deux ont agi en même temps et en même temps, et il est probable que l'œuvre ait été expressément peinte pour l'institution. Un autre mystère sur la peinture à l'huile est qu'il a été dit qu'il avait des compétences de guérison miraculeuses, sur lesquelles il a été écrit dans de nombreux récits historiques. Les pèlerins ont prié dans l'église sur un autel côté où la peinture a été suspendue et a rapporté qu'ils avaient guéri les maux.

L'ambiance générale du travail est sombre et sombre. Les couleurs les plus vives sont les tons de chair et la palette est dominée par plusieurs tons bruns. Sur un fond presque noir, le Christ apparaît de semiperfil portant la croix sur son épaule. Tout en regardant vers la gauche, un exécuteur en colère serre une corde autour de son cou, et une autre silhouette légèrement derrière le bourreau regarde à l'intérieur de la scène. La composition a un style qui était innovant à l'époque, une vue étroite qui a évité la perspective et la profondeur pour l'intimité et les détails. Caractéristiquement pour Tiziano, la peinture est pleine d'action et le repos semble éloigné pour les personnages représentés.

# 7 Salvator Mundi - Leonardo da Vinci

Cette célèbre peinture, bien qu'elle soit toujours très attrayante, n'est plus considérée comme une œuvre de Leonardo da Vinci et a perdu sa place entre notre liste des 100 peintures les plus célèbres de l'histoire.

À l'origine, on pensait que Leonardo da Vinci a peint le salvateur Mundi pour le roi Louis XII de France et son épouse, Ana de Britain. Les experts remettent en question aujourd'hui l'attribution de la peinture italienne des enseignants, bien qu'elle ait été vendue lors d'une vente aux enchères en novembre 2017 pour 450 312 500 $, un prix record pour une œuvre d'art.

Salvator Mundi faisait partie de nous la liste de de célèbres tableaux, mais a laissé sa place à un autre tableau voté par le public et nos artistes.

# 8 Disciples Emaus - Caravaggio

 

Cette œuvre de Master Caravaggio est également connue sous le nom de pèlerinage de notre Seigneur à Emaus ou simplement un dîner Emaus. Le tableau montre le moment où les deux apôtres qui l'accompagnent se rendent compte que qui leur a parlé toute la journée a été son professeur bien-aimé.

Peint dans l'apogee de la renommée de l'artiste, Disciples Emaus C'est l'une des peintures religieuses les plus impressionnantes de l'histoire de l'art. Dans cette peinture, Caravaggio capture brillamment le point culminant dramatique du moment, le deuxième exaxt dans lequel les disciples comprennent soudainement qui a été devant eux depuis le début. Ses actions et sa réaction naturelle transmettent son étonnement dramatique: l'un est sur le point de sauter de sa chaise tandis que l'autre étend ses bras dans un geste d'incrédulité. L'éclairage brut souligne l'intensité de toute la scène.

Dans l'œuvre, le Caravage montre les disciples comme des travailleurs ordinaires, avec des visages barbus, des vêtements ridés et en lambeaux, contrairement au jeune Christ sans barbe, qui semble provenir d'un monde différent.

Il y a des secrets cachés en divers points. Dans l'œuvre, l'artiste a caché un œuf de Pâques, par exemple. L'ombre projetée par le panier de fruits sur la table semble également représenter un poisson, qui pourrait être une allusion au grand miracle.

Et il y a plus de trésors cachés dans ce chef-d'œuvre. Parfois, un défaut n'est pas du tout un défaut, mais un coup de génie. Prenons, par exemple, le tissu du panier en osier qui oscille au bord de la table au centre de la peinture.

Bien que d'innombrables yeux se soient émerveillés par le drame mystérieux qui se développe à l'intérieur de cette auberge, le sens d'une imperfection presque imperceptible est passée jusqu'à présent inaperçue à travers les siècles.

Une brindille lâche, qui se démarque de la tresse de tissus, transforme la célèbre toile du Caravage en un acte audacieux, un défi spirituel pour l'observateur.

Pour apprécier toutes les implications de ce petit détail, il convient de se souvenir des contours de l'environnement général que le Caravaggio évoquait dans son travail.

Le thème du dîner Emaus est quelque chose qui a inspiré de grands professeurs de l'histoire, de Rembrandt à Velásquez. Le moment clé est raconté dans l'Évangile de Luc dans le Nouveau Testament. Il y a l'histoire de la nourriture intime du Christ avec les deux disciples, Lucas et Cleofás, qui ignorent la vérité du compagnon. En peinture, le pain a déjà été divisé et béni, et le moment est venu, selon l'histoire de l'Évangile, que le Christ "ouvrit" les yeux de ses disciples et disparaît "de sa vue".

Le chef-d'œuvre capture un seuil mystique entre les ombres et la lumière, la deuxième magie avant que Christ, qui est enveloppé par la silhouette d'un étranger derrière lui, disparaisse du monde. Dans ce moment incommensurable entre la révélation et la disparition, Caravaggio Hila son complot, la rencontre maître entre deux mondes.

Lorsque la vérité est l'oncle paternel du Christ, Cleofás, s'élève de sa chaise prisonnier de panique et étonnement à la révélation: ses coudes sont élevés dynamiquement à travers les manches de son manteau.

De l'autre côté de la fructification en osier, à droite, Lucas ouvre ses bras, comme revendiquant l'imperméabilité du scan, dessinant la même posture sur la croix au moment de sa mort douloureuse. Pendant ce temps, l'aubergiste est imperturbable, observant sans comprendre tout en écoutant les mots que Christ a prononcés à ses disciples stupéfaits, incapables de capturer le sens d'un moment transcendantal pour l'humanité.

Les disciples Emaus occupent la position no. 82 sur la liste de de célèbres tableaux 

# 9 Le pantocrador Christ

Le pantocrador Christ Il s'agit d'un panneau en bois peint datant du septième siècle de Santa Catalina situé au Sinaï, en Égypte. Cette peinture est considérée comme l'une des plus anciennes icônes religieuses byzantines et est l'œuvre la plus ancienne connue du style pantocrayan.

Le panneau peint a une hauteur de 84 cm avec une largeur de 45,5 cm et une profondeur de 1,2 cm. On pense que la peinture était à l'origine plus grande, mais elle a été coupée en haut et les côtés à un moment donné, pour des raisons inconnues, pour produire les dimensions actuelles. L'œuvre montre le Christ vêtu d'une robe violette.- Une couleur couramment choisie pour représenter celles du statut impérial et de la royauté. Ce choix de couleur pour votre tunique est un symbole de votre statut et de votre importance. Le Christ est représenté en élevant la main gauche comme un signe de bénédiction et avec la droite tient un livre.

Nous pouvons supposer que ce livre est probablement un évangile car il est orné de bijoux en forme de croix. La peinture est délibérément asymétrique pour symboliser la double nature du Christ. Le côté gauche du Christ est un symbole de sa nature humaine avec ses caractéristiques représentées comme plus douce et plus légère. Tandis que le côté droit du Christ symbolise sa divinité avec son regard sévère et ses caractéristiques intenses. Les yeux eux-mêmes sont différents en forme et en taille, ainsi que les cheveux sur son côté gauche sont collectés derrière votre épaule.

L'une des icônes chrétiennes les plus importantes est le Pantocker Christ. Cette image décrit Jésus comme le souverain souverain du monde. Le Pantocker Christ était l'une des images les plus anciennes de Jésus et apparaît dans les endroits les plus importants des églises rock.

Le mot Pantocker signifie «Tout-Puissant». Dans la version grecque de l'Ancien Testament (LXX), la parole Pantocker est la traduction du "Seigneur des armées" et du "Dieu Tout-Puissant". Dans le livre d'Apocalypse, Pantocrador apparaît neuf fois comme un titre qui met l'accent sur la souveraineté et la puissance de Dieu.

L'icône du pantocrador du Christ souligne la toute-puissance de Jésus, son pouvoir de faire quoi que ce soit. Jésus est le "souverain de tout" qui détient toutes choses. Le symbolisme du Christ Pantocrador (expliqué ci-dessous) est inspiré par l'imagerie impériale romaine pour projeter sa puissance souverain. Les premiers chrétiens ont utilisé des symboles culturels pour proclamer le pouvoir souverain du Christ ressuscité.

De plus, l'emplacement du Pantocrador Christ dans l'abside (le mur du sanctuaire avant) a également une signification théologique. Les églises byzantines avaient le modèle de la basilique romaine, la chambre du roi pour célébrer la cour. L'abside était la position d'autorité où le fonctionnaire au pouvoir était assis. La position de Jésus dans l'abside déclare qu'il est surtout le souverain légitime et juge souverain. 

Les chrétiens ont commencé à représenter visuellement Jésus à la fin des 300, une fois qu'il n'y avait plus la menace de persécution. Ces premières images présentent Jésus comme une figure stoïque assise sur un trône avec un parchemin. Dans les années 600, le Christ Pantocrador est apparu comme une simplification de cette première image. L'aspect du pantocrador du Christ a à peine changé au cours des 1 500 dernières années.

La plupart des premières images de Jésus ont été détruites lors de la controverse iconoclaste.

# 10 Christ de San Juan de la Cruz

De loin, la plus populaire de toutes les œuvres religieuses de Dalí est sans aucun doute son "Christ de San Juan de la Cruz", dont la figure domine la baie de Port Lligat. Le tableau a été inspiré par un dessin, conservé dans le couvent de l'incarnation d'ávila, en Espagne, et fabriqué par San Juan de la Cruz lui-même après avoir vu cette vision du Christ pendant une extase. Les gens à côté du navire sont dérivés d'une image du Nain et d'un dessin de Diego Velázquez pour la reddition de Breda.

Au pied de ses études pour le Christ, Dalí a écrit: "En premier lieu, en 1951, j'ai fait un rêve cosmique dans lequel j'ai vu cette image couleur et que dans mon rêve représentait le noyau de l'atome. Ce noyau a pris plus tard Un sens métaphysique: j'ai considéré «l'unité de l'univers» au Christ! Deuxièmement, grâce aux instructions du père Bruno, une carmélite, j'ai vu le Christ dessiné par Saint Jean de la Croix, j'ai élaboré géométriquement un triangle et un Circle, qui a résumé esthétiquement toutes mes expériences précédentes, et a inscrit mon Christ dans ce triangle. "

Ce travail a été considéré comme banal par un important critique d'art lors de sa première exposition à Londres. 

Le tableau a été l'un des achats les plus controversés effectués par le Dr Tom Honeyman, alors directeur des musées de Glasgow. Il est désormais largement reconnu que le Dr Honeyman a pris une décision très rusée en proposant à la Glasgow Corporation d'alors que la ville a acheté le tableau.

Honeyman a non seulement obtenu la peinture à moins que le prix du catalogue, mais a également acheté le droit d'auteur de l'œuvre à Salvador Dalí, assurant ainsi un héritage à long terme de l'achat.

Cependant, initialement, le tableau n'a pas été bien reçu par tous, et les étudiants de la Glasgow School of Art ont fait valoir que l'argent aurait pu être utilisé pour acheter des œuvres d'artistes écossais ou de Glasgow.

Après avoir exposé à Kelvingrove en 1952, Dalí a attiré des visiteurs de masse.

La peinture de la collection du Glasgow Museum n'a pas été exemptée de drame, car elle a été endommagée deux fois, la plus célèbre lorsque la toile a été gravement déchirée par un visiteur qui exerçait une pierre pointue. Les conservateurs de Kelvingrove ont pu réparer la peinture au point que les dommages sont à peine visibles.

Plus de 60 ans après son achat original, l'attractivité durable de la peinture ne montre pas de signes de diminution et est maintenant l'une des expositions les plus populaires du musée.

KUADROS ©, une peinture célèbre sur votre mur.