Les 10 Peintures les Plus Célèbres de Jésus

La figure de Jésus est l'une des plus emblématiques de l'histoire. 

L'art autour de l'image de Jésus-Christ a été idéalisé tant par des artistes amateurs que par de grands maîtres.

Comment est-il possible de représenter sur la toile une figure qui est à la fois complètement humaine et complètement divine? Ce type d'audace artistique est quelque chose d'audacieux à essayer.

Les artistes qui ont peint dans la tradition chrétienne ont fait exactement cela pendant deux millénaires.

Les 10 Peintures les plus célèbres de Jésus

Voici un aperçu des 10 peintures de Jésus les plus célèbres à travers l'histoire, selon le classement effectué par les experts de Kuadros.

# 1 La Cène - Léonard de Vinci

La peinture la plus célèbre de Jésus-Christ est sans doute La Cène de Léonard de Vinci.

L'œuvre recrée la dernière réunion de Pâques entre Jésus et ses apôtres, à partir du récit décrit dans l'Évangile de Jean, chapitre 13. L'artiste a imaginé, et a réussi à exprimer, le désir qui hante l'esprit des apôtres de savoir qui trahit leur Maître.

Peinte à la fin du XVe siècle comme une fresque sur les murs du réfectoire du Couvent de Santa Maria delle Grazie à Milan.

Les fresques sont généralement créées en appliquant des pigments sur de l'intonaco, une fine couche de plâtre de chaux humide.

C'est normalement la meilleure technique à utiliser, car cela permet au frais de s'occuper de la respiration naturelle ou de la transpiration qui se produit sur un mur à mesure que l'humidité remonte à la surface.

Cependant, dans La Cène, de Vinci choisit d'utiliser de la peinture à l'huile car ce matériau sèche beaucoup plus lentement, ce qui lui permettait de travailler sur l'image d'une manière beaucoup plus lente et détaillée.

Leonard savait que l'humidité naturelle qui pénètre à travers la plupart des bâtiments en pierre devrait être scellée s'il utilisait des peintures à l'huile, sinon l'humidité finirait par ruiner son travail.

Alors l'artiste ajouta une double couche de plâtre, de mastic et de goudron pour combattre la dégradation causée par l'humidité.

Malgré cela, l'œuvre d'art a dû être restaurée de nombreuses fois au cours de sa longue histoire.

À ce jour, il reste très peu de la couche supérieure initiale de la peinture à l'huile en raison des dommages environnementaux et aussi délibérés.

#2 La Transfiguration - Raphaël

La Transfiguration de Raphaël est la dernière œuvre du grand artiste de la Renaissance Raphaël qui fut commandée par le cardinal Giulio de Medici de la dynastie des banquiers Medici.

À l'origine, l'œuvre d'art était conçue pour être accrochée comme retable central de la Cathédrale de Narbonne en France et elle est maintenant exposée à la Pinacothèque Vaticane à la Cité du Vatican.

Après la mort de Raphaël, la peinture ne fut jamais envoyée en France et le Cardinal l'accrocha en revanche dans le chœur de l'église du Bienheureux Amadeo de San Pietro in Montorio, à Rome en 1523.

Cependant, en 1797, la peinture fut prise par les troupes françaises dans le cadre de la campagne italienne de Napoléon et fut ensuite accrochée au Louvre.

On peut considérer que la peinture reflète une dichotomie dans le niveau le plus simple : la force rédemptrice du Christ, symbolisée par la pureté et la symétrie de la moitié supérieure de la peinture. Cela contraste avec les déficiences de l'Homme, symbolisées dans la moitié inférieure par des scènes sombres et chaotiques.

La Transfiguration se rapporte à des récits successifs de l'Évangile de Matthieu. La partie supérieure de la peinture représente le Christ élevé devant des nuages ondulants et illuminés, et de chaque côté de lui se trouvent les prophètes Élie et Moïse. Dans la partie inférieure de la peinture, les Apôtres sont représentés, essayant sans succès de délivrer le garçon possédé des démons. La partie supérieure montre le Christ transfiguré, qui semble accomplir un miracle, guérissant le garçon et le libérant du mal.

Les dimensions de La Transfiguration sont colossales, 410 x 279 cm. Raphaël préférait peindre sur toile, mais cette peinture a été réalisée avec de la peinture à l'huile sur bois comme moyens choisis. Raphaël montra en réalité des indications avancées de maniérisme et de techniques de la période baroque dans cette peinture.

Les poses stylisées et contorsionnées des figures inférieures indiquent le maniérisme. La tension dramatique au sein de ces figures, et l'utilisation libérale de la lumière et de l'obscurité, ou contrastes de clair-obscur, représentent la période baroque de mouvement exagéré pour produire du drame, de la tension, de l'exubérance ou de l'illumination. En réalité, La Transfiguration était en avance sur son temps, tout comme la mort de Raphaël, qui arriva trop tôt.

Cette œuvre serait la dernière peinture de Raphaël, qui y travaillerait jusqu'à sa mort en avril 1520.

Le nettoyage de la peinture de 1972 à 1976 a montré que seules quelques-unes des figures inférieures gauches avaient été complétées par des assistants, tandis que la plus grande partie de la peinture était du propre artiste.

#3 Le Jugement Dernier - Michel-Ange

Le Jugement Dernier de Michel-Ange se trouve sur le mur derrière l'autel dans la Chapelle Sixtine. Sa représentation de la Seconde Venue de Christ dans "Le Jugement Dernier" a immédiatement suscité la controverse de la part de l'Église catholique pendant la Contre-Réforme.

Michel-Ange devait peindre la fin des temps, le début de l'éternité, lorsque le mortel devient immortel, lorsque les élus rejoignent le Christ dans son royaume céleste et que les damnés sont jetés dans les tourments interminables de l'enfer. 

Aucun artiste en Italie au XVIe siècle n'était mieux placé pour cette tâche que Michel-Ange, dont l'œuvre finale cimenta sa réputation en tant que plus grand maître de la figure humaine, en particulier du nu masculin. Le pape Paul III en était bien conscient lorsqu'il accusa Michel-Ange de repeindre le mur de l'autel de la chapelle avec le Jugement Dernier. Avec son accent sur la résurrection du corps, ce fut le thème parfait pour Michel-Ange.

La puissante composition se concentre sur la figure dominante du Christ, capturée au moment précédant le prononcé du verdict du Jugement Dernier.

Son geste calme et impérieux semble attirer l'attention et apaiser l'agitation environnante. L'image initie un large mouvement rotatif lent impliquant toutes les figures. Les deux lunettes supérieures avec des groupes d'anges portant en vol les symboles de la Passion sont exclues (à gauche la Croix, les clous et la couronne d'épines ; à droite la colonne de la flagellation, les échelles et la lance avec l'éponge imbibée de vinaigre).

Au centre de la section inférieure se trouvent des anges de l'Apocalypse qui réveillent les morts au son de longues trompettes. À gauche, les ressuscités retrouvent leurs corps en montant vers le ciel (Résurrection de la chair), à droite, des anges et des démons luttent pour faire tomber les damnés en enfer. Enfin, au fond Caron avec ses rames, accompagné de ses démons, fait sortir les damnés de sa barque pour les conduire devant le juge infernal Minos, dont le corps est enveloppé dans les spirales du serpent.

La référence dans cette partie à l'Enfer de la Divine Comédie de Dante Alighieri est claire. En plus des éloges, le Jugement Dernier a également provoqué de violentes réactions parmi les contemporains. Par exemple, le maître de cérémonies Biagio da Cesena a déclaré que "c'était des plus indécent dans un lieu si honorable d'avoir peint tant de figures nues montrant si indécemment leur honte et que ce n'était pas une œuvre pour une Chapelle du Pape mais pour des poêles et des tavernes" (G. Vasari, Le Vite). Les controverses, qui se sont poursuivies pendant des années, ont conduit en 1564 à la décision de la Congrégation du Concile de Trente de couvrir certaines figures du Jugement jugées "obscènes".

La tâche de peindre les rideaux de couverture, appelés "braghe" (pantalons) a été confiée à Daniele da Volterra, connu depuis lors sous le nom de "braghettone". Les "braghe" de Daniele furent seulement les premiers réalisés. En réalité, au fil des siècles, d'autres furent ajoutés.

#4 Christ portant la Croix - El Greco

Au cours de sa longue carrière en Espagne, El Greco a réalisé de nombreuses peintures du Christ portant la croix. Christ portant la Croix est une image de parfaite humanité. L'œuvre se distingue par les coups de pinceau caractéristiques avec lesquels le peintre utilise la couleur pour modéliser les volumes et distord les corps pour refléter le désir spirituel du personnage.

El Greco peint les yeux de Christ avec des larmes dramatiques et exagérées. Ses yeux sont l'élément clé de la peinture, car ils expriment beaucoup d'émotion.

Il y a un délicat contraste entre ses épaules robustes et la beauté féminine de ses mains. Cependant, il n'y a aucun signe de douleur sur son visage. Tout comme ses mains passives n'expriment ni angoisse ni effort pour porter la croix.

El Greco a transformé l'image du Christ accablé et douloureux sous le poids de la croix en celle d'un être tranquille et prêt à affronter son destin. La sérénité de Christ face à son sacrifice invite le spectateur à accepter son propre destin en des moments de peur et de doute. 

#5 Christ crucifié - Diego Velázquez

Cette image intensément puissante de Jésus sur la croix a été peinte pendant la période créative qui a suivi le premier voyage stimulant de Velázquez en Italie. Contrairement à ses autres nus masculins qui apparaissaient dans des peintures telles que Apollon dans la Forge de Vulcain et la Tunique de Joseph, son Christ sur la Croix est un corps mort ou mourant. qui n'est accompagné d'aucun autre élément narratif à l'exception de la croix elle-même. Néanmoins, l'artiste parvient à doter l'œuvre d'une grande dignité et sérénité.

On pense que l'œuvre était une commande pour la sacristie du Couvent de San Plácido, la posture austère du Christ crucifié présente quatre clous, les pieds joints et apparemment soutenus par une petite étagère en bois, permettant aux bras de former une délicate courbe, plutôt qu'un triangle. La tête est couronnée d'une auréole, tandis que le visage repose sur la poitrine, laissant entrevoir ses traits. Ses cheveux lisses et soyeux tombent sur le côté droit de son visage, son chemin arrière est tracé par le sang qui goutte de la blessure sur son côté droit.

L'image est inhabituelle en ce qu'elle illustre toutes les principales influences dans la peinture de Velázquez. Pour commencer, elle rappelle le ton dévotionnel et l'iconographie des peintures absorbées pendant ses premières années à Séville sous Francisco Pacheco, membre actif de l'Inquisition espagnole.

Deuxièmement, elle reflète son habileté à peindre des figures acquises en Espagne à partir de l'étude des artistes de la Renaissance espagnole et, en Italie, de l'art de l'antiquité classique, de l'art de la Haute Renaissance à Rome et Venise, et des œuvres de Caravage à Rome et Naples. 

L'influence du classicisme dans l'œuvre se manifeste dans le calme général du corps et sa posture idéalisée. L'influence du caravagisme est évidente dans le ténèbre dramatique qui concentre toute l'attention sur le corps pâle du Christ.

Il est vrai que l'image n'a pas le drame caractéristique de la peinture baroque, que l'on voit dans des œuvres religieuses comme La crucifixion de Saint Pierre ou le  Descente de la Croix. En revanche, elle possède une qualité sculpturale monumentale qui l'élève, en accord avec la spiritualité du thème. La composition est absolument simple mais avec un contraste vif entre le corps blanc et l'arrière-plan sombre, et il y a du naturalisme dans la façon dont la tête du Christ penche sur sa poitrine. Les cheveux emmêlés sont peints avec la légèreté que Velázquez avait vue et admirée de première main dans des exemples de peinture vénitienne.

Velázquez a gagné la réputation d'être l'un des meilleurs portraitistes d'Espagne, devenant le peintre officiel de Philippe IV (qui a régné de 1621 à 1640) et, en fin de compte, le plus grand représentant de la peinture espagnole de la période baroque. Cependant, malgré le fait que l'art religieux était particulièrement important en Espagne, un pays dont la monarchie en place se vantait d'être l'un des principaux mécènes de l'art de la Contre-Réforme catholique, Velázquez peint comparativement peu d'œuvres religieuses notables.

En revanche, l'artiste a peint le monde qu'il voyait autour de lui, se spécialisant dans l'art du portrait, quelques peintures de genre (nature mortes) et quelques peintures historiques. Ironiquement, étant donné la rareté de ses œuvres religieuses, il a été plus influencé par le génie italien Caravage, qui se distingue surtout par son art biblique, exécuté dans un style agressivement réaliste. Velázquez a également été fortement influencé par les idées de la Renaissance italienne obtenues de son maître sévillan Francisco Pacheco.

 

#6 Christ portant la Croix - Titien 

Vers l'année 1508 ou 1509, Titien a peint une huile qui est connue sous le nom de Christ portant la Croix. Les véritables origines de la peinture sont quelque peu mystérieuses, et même plusieurs historiens de l'art l'ont parfois attribuée à un autre peintre italien, Giorgione. Les deux peintres faisaient partie d'une guilde d'artistes liée à l'école et à l'église, agissant tous deux à la même époque et au même endroit, et il est probable que l'œuvre ait été peinte expressément pour l'institution. Un autre mystère concernant la peinture à l'huile est qu'elle avait la réputation d'avoir des pouvoirs curatifs miraculeux, sur lesquels il a été écrit dans de nombreux récits historiques. Les pèlerins prenaient un temps de prière dans l'église à un autel latéral où la peinture était accrochée et affirmaient s'être guéris de leurs maux.

L'état général de l'œuvre est sombre et obscur. Les couleurs les plus brillantes sont les tons chair assourdis, et la palette est dominée par plusieurs teintes de marron. Sur un fond presque noir, Jésus apparaît de profil portant la croix sur l'épaule. Tout en regardant vers la gauche, un bourreau à l'air en colère serre une corde autour de son cou, et une autre figure légèrement derrière le bourreau regarde en arrière derrière la scène. La composition a un style qui était innovant à l'époque, un gros plan qui a évité la perspective et la profondeur au profit de l'intimité et du détail. Caractéristique de Titien, la peinture regorge d'action et le repos semble lointain pour les personnages représentés.

#7 Salvator Mundi - Léonard de Vinci

Cette peinture célèbre, bien que demeure très attrayante, n'est plus considérée comme une œuvre de Léonard de Vinci et a perdu sa place parmi notre liste des 100 peintures les plus célèbres de l'histoire.

À l'origine, il était pensé que Léonard de Vinci avait peint Salvator Mundi pour le roi Louis XII de France et sa consort, Anne de Bretagne.  Les experts remettent aujourd'hui en question l'attribution de la peinture au maître italien, malgré le fait qu'elle ait été vendue aux enchères en novembre 2017 pour 450 312 500 dollars, un prix record pour une œuvre d'art.

Salvator Mundi faisait autrefois partie de notre liste de peintures célèbres, mais a laissé sa place à une autre peinture votée par le public et nos artistes.

#8 Les Disciple d'Emmaüs - Caravage

 

Cette œuvre du maître Caravage est également connue sous le nom de La Pèlerinage de Notre Seigneur à Emmaüs ou simplement Le Dîner d'Emmaüs. La peinture montre le moment où les deux apôtres qui l'accompagnent réalisent que celui qui leur parle depuis toute la journée est leur maître bien-aimé.

Peinte à l'apogée de la renommée de l'artiste, Les Disciple d'Emmaüs est l'un des tableaux religieux les plus impressionnants de l'histoire de l'art. Dans cette peinture, Caravage capturer brillamment le climax dramatique du moment, le second exact où les disciples comprennent soudain qui a été devant eux depuis le début. Leurs actions et réactions naturelles transmettent leur étonnement dramatique : l'un est sur le point de sauter de sa chaise tandis que l'autre étend les bras dans un geste d'incrédulité. L'éclairage brut souligne l'intensité de toute la scène.

Dans l'œuvre, Caravage montre les disciples comme des travailleurs ordinaires, avec des visages barbus, ridés et des vêtements en haillons, en contraste avec le jeune Christ sans barbe, qui semble venir d'un monde différent.

Il y a quelques secrets cachés à différents endroits. Dans l'œuvre, l'artiste a caché un œuf de Pâques, par exemple. L'ombre projetée par le panier de fruits sur la table semble également retracer un poisson, ce qui pourrait être une allusion au grand miracle.

Et il y a d'autres trésors cachés dans ce chef-d'œuvre. Parfois, un défaut n'est pas un défaut, mais un coup de génie. Prenons, par exemple, le tissage du panier en osier qui bascule sur le bord de la table au centre de la peinture.

Bien que d'innombrables yeux se soient émerveillés devant le mystérieux drame qui se déroule à l'intérieur sombre de cette auberge, le sens d'une imperfection presque imperceptible est jusqu'à présent resté inaperçu à travers les siècles.

Une petite brindille, qui dépasse du tissage, transforme la célèbre toile de Caravage en un acte audacieux, un défi spirituel pour le spectateur.

Pour apprécier toutes les implications de ce petit détail, il vaut la peine de se souvenir des contours de l'ambiance générale que Caravage était en train d'évoquer dans son œuvre.

Le thème du Dîner d'Emmaüs est quelque chose qui a inspiré de grands maîtres de l'histoire, de Rembrandt à Velázquez. Le moment clé est raconté dans l'Évangile de Luc dans le Nouveau Testament. Là, l'histoire du repas intime de Christ avec les deux disciples, Luc et Cléophas, qui ignorent la véritable identité de l'accompagnant, est contée. Dans la peinture le pain a déjà été rompu et béni, et il est maintenant temps, selon le récit évangélique, que Christ "ouvre" les yeux de ses suiveurs et disparaisse "de leur vue".

Le chef-d'œuvre capture un seuil mystique entre les ombres et la lumière, le second magique avant que le Christ, qui est enveloppé par la silhouette d'un étranger derrière lui, disparaisse du monde. À cet instant incommensurable entre la révélation et la disparition, Caravage tisse son récit, la rencontre magistrale entre deux mondes.

Lorsque la vérité se révèle, l'oncle paternel de Christ, Cléophas, se lève de sa chaise pris de panique et d'émerveillement devant la révélation : ses coudes se soulèvent dynamiquement à travers les manches de son manteau.

De l'autre côté du panier de fruits, à droite, Luc ouvre les bras à l'infini, comme pour réclamer l'invraisemblance de la scène, prenant la même posture sur la croix au moment de sa mort douloureuse. Pendant ce temps, l'aubergiste reste impassible, observant sans comprendre tandis qu'il écoute les paroles que Christ a prononcées à ses disciples atterrés, incapable de saisir le sens d'un moment transcendant pour l'humanité.

Les Disciple d'Emmaüs occupe la place n° 82 dans la liste de peintures célèbres 

#9 Le Christ Pantocrator

Le Christ Pantocrator est un panneau de bois peint datant du VIe siècle du Monastère de Sainte-Catherine situé dans le Sinaï, en Égypte. Cette peinture est considérée comme l'un des icônes religieuses byzantines les plus anciennes et est la plus ancienne œuvre connue du style pantocrator.

Le panneau peint a une hauteur de 84 cm avec une largeur de 45,5 cm et une profondeur de 1,2 cm. On pense que la peinture était à l'origine plus grande, mais elle a été découpée en haut et sur les côtés à un moment donné, pour des raisons inconnues, afin de produire les dimensions actuelles. Dans l'œuvre, Christ est représenté vêtu d'une tunique pourpre.- une couleur généralement choisie pour représenter ceux de statut impérial et royal. Ce choix de couleur pour sa tunique est un symbole de son statut et de son importance. Christ est représenté levant la main gauche en signe de bénédiction et tenant un livre de la main droite.

Nous pouvons supposer que ce livre est probablement un Évangile car il est orné de joyaux en forme de croix. La peinture est délibérément asymétrique pour symboliser la nature duale de Christ. Le côté gauche de Christ symbolise sa nature humaine avec ses caractéristiques représentées comme beaucoup plus douces et légères. Tandis que le côté droit de Christ symbolise sa divinité avec son regard sévère et ses traits intenses. Les yeux eux-mêmes sont différents en forme et en taille, tout comme les cheveux de son côté gauche sont tirés derrière son épaule.

Un des icônes chrétiennes les plus importants est le Christ Pantocrator. Cette image dépeint Jésus comme le souverain du monde. Le Christ Pantocrator fut l'une des premières images de Jésus et apparaît dans les endroits les plus en vue des églises rupestres.

Le mot Pantocrator signifie "Tout-Puissant". Dans la version grecque de l'Ancien Testament (LXX), le mot pantocrator est la traduction de “Seigneur des armées” et “Dieu Tout-Puissant”. Dans le livre de l'Apocalypse, pantocrator apparaît neuf fois comme un titre qui souligne la souveraineté et le pouvoir de Dieu.

L'icône Christ Pantocrator souligne l'omnipotence de Jésus, son pouvoir de faire quoi que ce soit. Jésus est le “Souverain de Tout” qui soutient toutes choses. Le symbolisme du Christ Pantocrator (expliqué ci-dessous) s'inspire de l'imagerie impériale romaine pour projeter son pouvoir souverain. Les premiers chrétiens utilisaient des symboles culturels pour proclamer le pouvoir souverain du Christ ressuscité.

De plus, la localisation du Christ Pantocrator dans l'abside (le mur du sanctuaire frontal) a également une signification théologique. Les églises byzantines suivaient le modèle de la basilique romaine, la chambre du roi pour célébrer la cour. L'abside était le poste d'autorité où siégeait le fonctionnaire gouvernant. La position de Jésus dans l'abside déclare qu'il est le gouvernant légitime et le juge souverain de tout. 

Les chrétiens ont commencé à représenter visuellement Jésus à la fin des années 300, une fois que la menace de persécution avait disparu. Ces premières images présentent Jésus comme une figure stoïque assise sur un trône avec un rouleau. Dans les années 600, le Christ Pantocrator a émergé comme une simplification de cette première image. L'aspect du Christ Pantocrator a à peine changé au cours des 1 500 dernières années.

La plupart des premières images de Jésus ont été détruites lors de la controverse iconoclaste.

#10 Christ de Saint Jean de la Croix

De loin, l'œuvre religieuse la plus populaire de Dalí est sans aucun doute son "Christ de Saint Jean de la Croix", dont la figure domine la baie de Port Lligat. La peinture s'inspire d'un dessin, conservé au Couvent de l'Incarnation d'Ávila, en Espagne, réalisé par le même Saint Jean de la Croix après avoir vu cette vision du Christ pendant un extase. Les personnes près du bateau dérivent d'un tableau de Le Nain et d'un dessin de Diego Velázquez pour La Reddition de Breda.

Au pied de ses études pour le Christ, Dalí écrivit : "Tout d'abord, en 1951, j'ai eu un rêve cosmique dans lequel j'ai vu cette image en couleur et qui, dans mon rêve, représentait le noyau de l'atome. Ce noyau a ensuite pris un sens métaphysique : j'ai considéré dans 'l'unité même de l'univers' le Christ ! Deuxièmement, grâce aux instructions du père Bruno, un carmélite, j'ai vu le Christ dessiné par Saint Jean de la Croix, j'ai élaboré géométriquement un triangle et un cercle, qui résumaient esthétiquement toutes mes expériences précédentes, et j'ai inscrit mon Christ dans ce triangle".

Cette œuvre a été considérée comme banale par un important critique d'art lorsqu'elle a été exposée pour la première fois à Londres. 

La peinture a été l'un des achats les plus controversés réalisés par le Dr. Tom Honeyman, alors directeur des Musées de Glasgow. Il est maintenant largement reconnu que le Dr. Honeyman a pris une décision très astucieuse en proposant à la alors Glasgow Corporation que la ville achète la peinture.

Honeyman n'a pas seulement réussi à obtenir la peinture à un prix inférieur à celui du catalogue, mais a également acheté les droits d'auteur de l'œuvre à Salvador Dalí, assurant ainsi un héritage à long terme pour l'achat.

Cependant, au départ, la peinture n'a pas été bien accueillie par tout le monde, et les étudiants de l'École d'Art de Glasgow ont soutenu que l'argent aurait pu être utilisé pour acheter des œuvres d'artistes écossais ou de Glasgow.

Après avoir été exposée à Kelvingrove en 1952, la peinture de Dalí a attiré des visiteurs en masse.

La peinture dans la collection des Musées de Glasgow n'a pas été exempte de drame, puisqu'elle a été endommagée deux fois, la plus célèbre étant lorsque la toile a été gravement déchirée par un visiteur armé d'une pierre tranchante. Les conservateurs de Kelvingrove ont pu réparer la peinture au point que le dommage est maintenant à peine visible.

Plus de 60 ans après son achat original, l'attrait durable de la peinture ne montre aucun signe de diminution et est maintenant l'une des expositions les plus populaires du musée.

KUADROS ©, une peinture célèbre sur votre mur.