Löydä tarina 10 kuuluisimmasta lännen taiteen uskonnollisesta maalauksesta.

Christian Art on vuosisatojen aikana esittänyt monenlaisia ​​maalauksia, jotka on toteutettu monenlaisessa mediassa.

Uskonnollinen taide käyttää uskonnollisia kysymyksiä ja motiiveja, joilla on yleensä tunnistettava moraalinen kertomus tai jotka yrittävät saada aikaan vahvoja henkisiä tunteita katsojaan. Länsimaailmassa uskonnollinen taide voidaan määritellä jokaiseksi taideteokseksi, jolla on kristillinen teema. Länsi -uskonnollista maalausta hallitsevat kohtaukset Vanhasta testamentista ja Jeesuksen Kristuksen elämästä.

Edustettuimpia teemoja ovat Neitsyt Marian esitykset lapsen Jeesuksen ja Kristuksen kanssa ristillä. Monet kuuluisimmista uskonnollisista maalauksista luotiin renessanssin aikana, vaikutusvaltainen kulttuuriliike, joka on peräisin Italiasta.

Renaissance Leonardo da Vinci, Miguel Ángel ja Rafael kolme suurta mestaria ilmestyvät useita kertoja tässä luettelossa. Kadros tuo sinulle 10 kuuluisinta uskonnollista maalausta.

No.1 Adamin luominen - Miguel Ángel (1512)

Sikstuksen kappelin katon tunnetuin osa on Miguel Ángelin luominen. Tämä kohtaus sijaitsee EVA: n luomisen vieressä, joka on huoneen keskellä oleva paneeli ja vesien seurakunta, joka on lähempänä alttaria.

Miguel Ángelin tekemä työ on renessanssitaiteen kulmakivi. Maalaus kuvaa raamatullista kertomusta Genesis -kirjan luomisesta, jossa Jumala asettaa elämän Adamille, ensimmäiselle ihmiselle.

Adamin luominen eroaa tyypillisistä tähän mennessä maalattujen luomispaikoista. Täällä kaksi hahmoa hallitsevat kohtausta: Jumala oikealle ja Adam vasemmalla. Jumala esitetään kelluvassa sumukalmumuodossa, joka koostuu verhoista ja muista hahmoista. Muoto perustuu enkeleihin, jotka lentävät ilman siipiä, mutta joiden lentoa näkevät selvästi verhot, jotka itävät niiden alla. Jumala on edustettuna vanhana miehenä, mutta lihaksikkana, harmailla hiuksilla ja pitkä parta, joka reagoi lennon eteenpäin suuntautuvaan liikkeeseen. Tämä on kaukana Jumalan keisarillisista kuvista, jotka olivat muuten luoneet lännessä ja juontavat myöhään antiikin aikaan. Sen sijaan, että käytettäisiin oikeita vaatteita ja edustaa Kaikkivaltiaa hallitsijana, hän käyttää vain kevyttä kaapua, joka jättää suuren osan käsivarsistaan ​​ja jalkoistaan. Voisit sanoa, että se on paljon intiimimpi muotokuva Jumalasta, koska se näkyy valtiossa, joka ei ole koskematon ja poissa ihmisestä, vaan hänen olevan hänelle saatavana.

Toisin kuin Jumalan hahmo, joka on laajennettu ja korkea, Aadam on esitetty laiskaksi hahmona, joka vastaa välinpitämättömästi Jumalan välittömään kosketukseen. Tämä kosketus ei vain anna elämää Aadamille, vaan antaa elämän koko ihmiskunnalle. Siksi se on ihmiskunnan syntymä. Aadamin ruumis on kovera muoto, joka toistaa Jumalan ruumiin muodon, joka on kuperassa asennossa sumu- ja kelluvassa muodossa. Tämä kirjeenvaihto yhdellä tavalla toisen kanssa näyttää korostavan laajempaa ajatusta, jonka ihminen vastaa Jumalaa; Eli se näyttää heijastavan ajatusta, että ihminen on luotu Jumalan kuvaan ja samankaltaisuuteen, ajatukseen, jonka Michelangelon piti olla tuttu.

Maali on analysoitu paljon, ja muun muassa on havaittu, että maalin reunat korreloivat aivojen sisäisen ja ulkopinnan, aivorunkojen, basilarin valtimon, aivolisäkkeen ja pintalisäke ja pintalisäke ja ulkopinnan kanssa Optinen chiasma. Jumalan käsi ei kosketa Adamia, mutta Adam on jo elossa ikään kuin elämän kipinä välittäisi synaptisen raon kautta. Jumalan oikean käsivarren alla aivojen alueella on surullinen enkeli, joka on joskus aktivoitu lemmikkieläinten tutkimuksissa (tomografioissa), kun joku kokee surullisen ajatuksen. Jumala on päällekkäin raajasjärjestelmän, aivojen emotionaalisen keskuksen ja mahdollisesti ihmisen sielun anatomisen vastineen. Jumalan oikea käsivarsi ulottuu prefrontaaliseen aivokuoreen, luovimpaan ja ainutlaatuisimpaan ihmisen aivoalueeseen; Jumalaa ympäröivällä punaisella kankaalla on ihmisen kohtu; Ja uskotaan, että vihreä huivi on äskettäin leikattu napanuora. Adamin luominen on ehkä tunnetuin maalaus Mona Lisan jälkeen; Ja yhdessä viimeisen illallisen kanssa se on kaikkien aikojen toistetuin uskonnollinen maalaus. Kuva Jumalan ja Adamin melkein kosketetuista käsistä on tullut ihmiskunnan kuvake, ja siitä on jäljitelty ja parodisoitu lukemattomia aikoja.

Sikstuksen kappelin katto kärsi vuosisatojen savun haitallisista vaikutuksista, jotka olivat aiheuttaneet katon tummenemisen huomattavasti. Vasta vuonna 1977 kattopuhdistus alkoi. Puhdistus oli uskomaton sen valmistumisen jälkeen vuonna 1989; Aikaisemmin pimeästä ja yksitoikkoisesta on tullut elävää. Seuraavan puhdistuksen aikaisemman puhdistuksen muutos oli niin suuri, että jotkut alun perin kieltäytyivät uskomasta, että Miguel Ángel maalasi. Nykyään ymmärrämme Michelangelon värillisen paletin paljon paremmin ja maalaamansa maailma, joka on kauniisti vangittu Sikstuksen kappelin katolle.

Osta Miguel Ángelin luominen Adamin perustamisesta Kadrosin verkkokaupassa

 Nro 2 Viimeinen ehtoollinen - Leonardo da Vinci (1495-1498)

Viimeinen ehtoollinen tai italialainen Cenacolo, yksi kuuluisimmista taideteoksista, maalasi Leonardo da Vinci todennäköisesti vuosina 1495–1498 Dominikaanisen luostarin Santa Maria Delle Grazielle Milanossa.

Tämä kuuluisa maalaus edustaa dramaattista kohtausta, joka on kuvattu useissa evankeliumeissa läheisesti sukua olevina hetkinä, mukaan lukien Matt. 26: 21-28, jossa Jeesus julistaa, että yksi apostoleista pettää hänet ja perustaa sitten eucharisti. Leonardon uskomuksen mukaan, että aseman, eleen ja ilmaisun on osoitettava "mielen käsitteet", jokainen 12 opetuslapsesta reagoi siten, että Leonardo piti riittävänä apostolien persoonallisuudelle. Tuloksena on monimutkainen tutkimus erilaisista ihmisen tunneista, jotka ilmenevät harhaanjohtavassa yksinkertaisessa koostumuksessa.

Leonardo ei ollut työskennellyt niin suuressa maalauksessa, eikä hänellä ollut kokemusta Frescon tavanomaisesta seinämaalauksesta. Maali suoritettiin käyttämällä kokeellisia pigmenttejä suoraan kuivalla kipsiseinällä ja toisin kuin freskot, joissa pigmentit sekoitetaan kosteaan kipsiin, ajan kuluminen ei ole vastustanut hyvin. Jo ennen kuin se oli valmis, seinän Damer -maalilla oli ongelmia ja Leonardon piti korjata se. Vuosien mittaan se on romahtanut, se on ollut ilkivaltainen, pommitettu ja kunnostettu. Nykyään näemme todennäköisesti hyvin vähän alkuperäisestä maalauksesta.

Viimeisen ehtoollisen teema on Kristuksen lopullinen ruoka apostoleillaan ennen kuin Juudas tunnistaa Kristuksen hänen pidättävien viranomaisten edessä. Viimeinen illallinen (uskotaan vastaa juutalaisten pääsiäisen sederiä), se muistetaan kahdesta tapahtumasta: Kristus sanoo apostoleilleen "yksi teistä pettää minut", ja apostolit reagoivat, kukin heidän persoonallisuutensa mukaan. Viitaten evankeliumiin Leonardo edustaa Felipeä kysyen "Herraa, onko se minä?" Kristus vastaa: "Se, joka laittaa kätensä kanssani lautaselle, antaa minulle" (Matt. 26). Näemme Kristuksen ja Juudasin leviävän samanaikaisesti heidän joukossaan olevaa ruokaa, vaikka Juudas palaa puolustamaan. Leonardo edustaa samanaikaisesti myös Kristusta siunausta leipää ja kertoo apostoleille ”ota, syö; Tämä on ruumiini "ja siunaa viiniä ja sanomalla" juominen kaiken; Koska tämä on minun verini sopimuksesta, joka on vuodettu syntien anteeksiantoon ”(Matt. 26). Nämä sanat ovat eucharistin sakramentin perustamishetki (leivän ja viinin ihmeellinen muutos kehossa ja Kristuksen veressä).

Tasapainoinen koostumus ankkuroi Kristuksen ruumiin muodostama tasapaino kolmio. Hän istuu kaarevan pedimentin alla, joka on valmis, piirtää ympyrän. Nämä ihanteelliset geometriset muodot viittaavat renessanssin kiinnostukseen neoplatonismiin (osa humanistista uudestisyntymistä, joka sovittaa kreikkalaisen filosofian näkökohdat kristittyjen teologian kanssa). Kreikkalainen filosofi Platon korosti allegooriassaan "La Cueva" maallisen valtakunnan epätäydellisyyttä. Leonardo on käyttänyt geometriaa, jota kreikkalaiset käyttävät taivaallisen täydellisyyden ilmaisemiseen, juhlimaan Kristusta taivaan inkarnaationa maan päällä. Leonardo veti vihreän maiseman ikkunoiden ulkopuolelle. Usein tulkittu paratiisiksi, on ehdotettu, että tämä taivaallinen pyhäkkö voidaan saavuttaa vain Kristuksen kautta. Kaksitoista apostolia on järjestetty neljään kolmeen ryhmään ja myös kolme ikkunaa. Numero kolme on usein viittaus katolisen taiteen pyhään kolminaisuuteen. Sitä vastoin numero neljä on tärkeä klassisessa perinteessä (esimerkiksi Platonin neljä hyvettä).

Viimeisen illallisen valmistumisen jälkeen, kun hänet julistettiin mestariteokseksi, seinämaalaus on ansainnut taiteilijoiden, kuten Rembrandt Van Rijn ja Peter Paul Rubensin, kiitoksen, kuten Johann Wolfgang von Goethe ja Mary Wollstonecraft Shelley. Hän on myös inspiroinut lukemattomia jäljennöksiä, tulkintoja, salaliitoteorioita ja fiktioteoksia. Viimeisen illallisen herkkä tila ei ole vähentänyt maalauksen houkuttelevuutta; Sen sijaan siitä on tullut osa taideteoksen perintöä. 

Osta kopio Leonardo da Vincin viimeisestä illallisesta Kadros -verkkokaupassa 

No.3 Prodigalin pojan paluu - Rembrandt (1669)

Prodigalin pojan vertauksessa isällä on kaksi lasta; Nuorin pyytää perintöään, tuhlasi omaisuutensa ja palasi kotiin oleskelun jälkeen kurjuudessa. Hän aikoo pyytää isäänsä tekemään hänestä yhden palvelijansa, mutta isä puolestaan ​​juhlii paluuta. Kun hänen vanhin poikansa vastustaa, isä kertoo hänelle, että he juhlivat, koska hänen veljensä, joka oli kadonnut, on nyt palauttanut merkityksen.

Rembrandtin viimeinen sana esiintyy hänen monumentaalimaalauksessaan tuhlaajapojan paluulle. Täällä hän tulkitsee kristillisen armon ajatuksen poikkeuksellisella juhlallisuudella, ikään kuin tämä olisi hänen henkinen tahto maailmalle. Se ylittää kaikkien muiden barokkitaiteilijoiden teokset uskonnollisen huumorin ja ihmisen myötätunnon herättämisessä. Vanhuksen taiteilijan realismin voima ei vähene, vaan kasvaa psykologisen havainnon ja henkisen tietoisuuden kanssa. Valaistus ja ilmaisullinen väri sekä sen tekniikan maaginen ehdotus yhdessä valikoivan yksinkertaisuuden kanssa asettamisen kanssa auttavat meitä tuntemaan tapahtuman koko vaikutuksen.

Isän pääryhmä ja tuhlaajapoika erottuu valossa valtavaa tummaa pintaa vasten. Erityisen elävät ovat pojan ja vanhemman hihan repiä mekko, jotka ovat värjätty okkerilla kultaisella oliivilla; Ocher -väri yhdistettynä voimakkaan scarlet -punaisen kanssa isän vaippassa on unohtumattoman koloristisen harmonian. Tarkkailija herää ylimääräisen tapahtuman tunteeseen. Poika, pilaantunut ja inhottava, kalju pään ja syrjäytymisen esiintyminen, palaa isänsä taloon pitkien seikkailujen ja monien epäkohtien jälkeen. Hän on tuhlannut perintönsä vieraissa maissa ja uppoutunut Vagabundin tilaan.

Hänen vanha isänsä, joka on pukeutunut rikkaisiin vaatteisiin, kuten apulaishahmot, on kiirehtinyt vastaanottaa hänet ovella ja vastaanottaa kadonneen pojan suurimmalla isän rakkaudella. Tapahtumassa ei ole mitään hetkellistä väkivaltaista tunnetta, mutta se nousee juhlalliseen rauhallisuuteen, joka antaa hahmoille joitain patsaan ominaisuuksia ja antaa tunteille kestävän hahmon, jota ei enää ole ajan myötä muutoksissa. Unohtumaton on kuva parannuksen syntisestä, jota hänen isänsä rinnassa tukevat ja hänen poikansa vanhanaikainen isä. Isän piirteet puhuvat ylevästä ja elokuun hyvyydestä; Joten heidän pidennetyt kätensä, jotka eivät ole vapaa vanhuuden jäykkyydestä. Koko edustaa jokaisen paluun symbolia, ihmisen olemassaolon pimeydestä, jota valaisee arkuuden, väsyneestä ja syntisestä ihmiskunnasta, joka turvautuu Jumalan armon turvallisuuteen.

Luontainen viesti, jonka tämä kuuluisa maalaus läpäisee, on selvä. Jumala antaa aina anteeksi parannuksen syntisen, mitä tapahtuu.

Espanjan ja katolisen kirkon siirtomaa -ikeen ja katolisen kirkon Alankomaiden vapauttamisen jälkeen tapahtuneiden uskonnollinen ikonoklasia muutti kalvinistiset kirkot paljaiksi kuoriksi, jotka oli omistettu palvontaan, saarnaamiseen ja rukoukseen. Alankomaiden viranomaisilla ei ollut halua sisustaa palvontapaikkojaan alttaritaulujen kanssa, tuoreita tai minkään muun tyyppisiä uskonnollisia taiteita puhua.

Toisaalta Hollandista tuli kuuluisa hollantilaisesta realismista, eräänlaisesta maalaustyypistä ja pienimuotoisesta sukupuolen muotokuvasta, yksityiskohtaisesta ja erittäin realistisesta, joista monet sisälsivät erityyppisiä moralistisia viestejä.

Kolmas taidetyyppi, jossa hollantilaiset realistiset taiteilijat erottuivat, oli kuolleen luonnon maalaus (erityisesti Vanitas -maalaus), joka sisälsi myös moraalisen viestin, joskus uskonnollista. Tämä oli lähinnä sitä, että monet hollantilaiset tulivat "protestanttiseen taiteeseen".

Siksi on vielä yllättävämpää, että Rembrandtin kaltaisesta hollantilaisesta protestanttisesta maalareista tulee niin oivallinen tulkki raamatullisista kohtauksista.

Osta jäljennös tuhlaajapojan - Rembrandtin paluusta Kuadrosin verkkokaupasta

Nro 4 Cana - Paolo Veronesen häät (1562-1563)

Tämän kuuluisan maalauksen teema perustuu Raamatun historiaan, joka on kerrottu Pyhän Johanneksen evankeliumissa (Joh. 2: 1-11), Kanassa pidetyssä avioliitossa, Galileassa, johon osallistuvat Mary, Jeesus ja hänen opetuslapsensa. Hääjuhlan loppua kohti, kun viini alkaa loppua, Jeesus pyytää, että kivipurkit täytetään vedellä, jonka opettaja muuttuu sitten viiniksi. Tämä jakso, ensimmäinen Johanneksen evankeliumin seitsemästä merkistä, joka todistaa Jeesuksen jumalallisesta tilasta, on eucharistisen edeltäjä.

Paolo Veronese Canan häät (tai Canan hääjuhla) on kankaalle öljy, joka maalattiin vuonna 1563 Venetsian San Giorgio Maggioren benediktiinilukuisuudelle. Veronese siirsi raamatullisen tarinan tyypillisesti ekstravaganttien venetsialaisten hääiden nykyaikaisimpaan vaiheeseen.
Canan häät yhdistävät useiden eri tyylien elementit, jotka mukautuvat koostumukseen korkean renessanssin diskootioon - esimerkki Leonardo, Rafael ja Miguel Ángel. Tähän lisäsi yhden tai kaksi mannerismin ominaisuuksia, samoin kuin määrä allegoorisia ja symbolisia piirteitä.

Maalauksen sisältö koostuu myös monimutkaisesta sekoituksesta pyhän ja profaanin, uskonnollisen ja maallisen, teatterin ja arkipäivän, eurooppalaisen ja itäisen. Nykyaikaisen venetsialaisyhteiskunnan suuressa tyylissä edustajana juhla tapahtuu patiossa, jota reunustavat Doric- ja Korintin pylväät ja jota rajoitetaan matalalla kaalulla. Etäisyydellä voit nähdä padoaa Andrea Palladiossa syntyneen arkkitehdin suunnitteleman portisen tornin. Etualalla ryhmä muusikoita koskettaa useita luutteja ja merkkijonoja. Musiikkahahmoja ovat Venetsian neljä suurta maalaria: itse Veronese (pukeutunut valkoiseen, soittamalla Viola da Gamba), Jacopo Bassano (huilussa), Tintoretto (viulu) ja Tiziano (pukeutunut Red, Kosketus selloa).

Morsiamenpöydän ruokailijat, kaikki odottavat heitä, yhdessä hämmentävän monenlaisia ​​rojaltijäseniä, jaloja, virkamiehiä, työntekijöitä, palvelijoita ja muita edustaen edustavaa näytettä venetsialaisesta yhteiskunnasta ja pukeutumista eri tavoin raamatullisen, venetsialaisen tai itämaisen kanssa ja koristeltu puku, jota koristavat runsas kampaukset ja jalokivikauppiaiset esineet. Kanan häissä esiintyy lukuisia historiallisia hahmoja, mukaan lukien: keisari Carlos V, Leonor de Itävalta, Francisco I, Englannin María I, Solimán upea, Vittoria Colonna, Giulia Gonzaga, Cardenal Pole ja SoKollu Mehmet Passes. Kaiken kaikkiaan tässä kuuluisassa riippuvaisessa maalauksessa on edustettuna noin 130 ainutlaatuista hahmoa.

Työssä uskonnolliset intohimon symbolit sisältyvät 1500 -luvun ylellisten hopea -alusten kanssa. Huonekalut, mukava, kannu ja lasilasit ja maljakot paljastavat puolueen kaikessa loistossaan. Jokaisella pöydän vieraalla on yksittäinen paikka, jossa on lautasliinat, haarukka ja veitsi. Tässä merkityksen päällekkäisyydessä mikään yksityiskohta ei pääse taiteilijan silmää.
Maalari valitsi Venetsialaisten kauppiaiden idästä tuottamat kalliit pigmentit: oransseja keltaisia, voimakkaita punaisia ​​ja lapislázulia käytetään laajasti verhoilla ja taivaassa. Näillä väreillä on tärkeä rooli maalauksen luettavuudessa; Ne edistävät kontrastinsa vuoksi kunkin luvun yksilöintiin.

Huomaa: Vaikka monet kuvan luvut ovat vuorovaikutuksessa keskenään, yksikään niistä ei todellakaan puhu. Tämän tarkoituksena on tavata hiljaisuuskoodi, jonka kaikki benediktiinimunkit havaitsivat tarkistuksessa, missä kuva oli ripustettu.

Canan hääjuhlat sisältävät paljon symbolismia. Esimerkiksi koko työ symboloi maallisen nautinnon ja maallisen kuolleisuuden vuorovaikutusta. Kalustimen takana Jeesuksen hahmossa eläin uhrataan viitaten seuraavaan Jeesuksen uhraukseen, kuten Jumalan karitsa, viittaus, joka luottaa koiraan, joka pureskelee luua maalauksen juurella. Samaan aikaan Jeesuksen vasemmalla puolella Neitsyt Maria Ahueca hänen kätensä edustamaan lasia, joka sisältää uuden ihmiskunnan viinin, toisin sanoen Kristuksen veren. Lisäksi muusikoiden edessä on hiekkakello, vakio viittaus maallisten nautintojen, mukaan lukien ihmisen turhamaisuus.

San Giorgio Maggiore de Venetsian luostarin benediktiinit tilasivat tämän valtavan kuvan vuonna 1562 uuden refektorinsa koristamiseksi. Sopimus, joka teki Veronesia hääjuhlan toteuttamisessa, oli erittäin tarkka. Munkit vaativat, että työ on monumentaalinen, jotta se täytetään koko refektion seinä. Ripustettu 2,5 metrin päässä maasta se on suunniteltu luomaan illuusio laajennetusta tilasta. Tämä 70 m²: n työ miehitti Veronese 15 kuukauden ajan, todennäköisesti hänen veljensä Benedeto Caliariin avulla. Komissio oli käännekohta Veronesan uralla; Maalauksen menestyksen jälkeen muut uskonnolliset yhteisöt itkivät samanlaisesta työstä omissa luostareissaan. Poikkeuksellisista ulottuvuuksistaan ​​huolimatta Napoleonin joukot takavarikoitiin, ilmoittautui ja lähetti Pariisiin vuonna 1797.

Osta kopio Cana de Paolo Veronese -hääistä Kadrosin verkkokaupassa

 No.5 Ateenan koulu - Rafael (1509-1511)

Miljoonat silmät ovat ihmetteleen entisten filosofien ja matemaatikkojen, valtiomiehien ja tähtitieteilijöiden iankaikkista kokousta, jotka Rafel kuvittelee kirkkaasti kuuluisassa fresossaan.

Erityisesti Rafaelin fresko Ateenan koulu on tullut symboloimaan taiteen, filosofian ja tieteen liiton, joka oli Italian uudestisyntymisen erottuva sinetti. Maalattu vuosina 1509–1511, se sijaitsee ensimmäisessä neljästä Rafaelin suunnittelemasta huoneesta, Stanza della Segnaturasta. Tuolloin paavin palkkio oli minkä tahansa taiteilijan uran kärjessä. Rafelille se oli jo kukoistavan uran validointi.

Rafael vastasi haasteeseen luomalla laajan luettelon valmistelevista luonnoksista kaikille hänen freskolleen. Ne laajennettaisiin sitten suuriin sarjakuviin, jotka auttavat siirtämään mallia märään kipsiin. Samanaikaisesti Miguel Ángelin kanssa Sikstuksen kappelin katolla uskotaan, että tämä auttoi lisäämään ja inspiroimaan Rafaelia stimuloimalla hänen kilpailukykyistä luonnettaan.

Rafel toi idean täysin uudelle tasolle massakoostumuksilla, jotka heijastivat filosofiaa, teologiaa, kirjallisuutta ja oikeuskäytäntöä. Kokonaisuutena he välittivät heti paavin älyn ja olisivat aiheuttaneet keskustelun koulutettujen mielen välillä, jotka olivat onnekkaita pääsemään tähän yksityiseen tilaan. Ateenan koulu oli kolmas kuva, jonka Rafael suoritti riidan jälkeen (joka edustaa teologiaa) ja Parnassuksen (joka edustaa kirjallisuutta). Se on asetettu riidan vastaisesti ja symboloi filosofiaa, luomalla kontrastin uskonnollisten ja maallisten vakaumusten välillä.

Ateenan koulu on valtava arkkitehtoninen illuusio, ja se on mestariteos, joka edustaa visuaalisesti älyllistä konseptia. Maalauksessa Rafael käytti hahmoryhmiä esitelläkseen monimutkaisen oppitunnin filosofian historiasta ja suurten kreikkalaisten filosofien kehittämistä erilaisista uskomuksista. Rafael olisi varmasti ollut tietoinen Progreson Sikstuksen kappelin yksityisistä näyttelyistä, jotka Bramante järjesti.

Ketkä ovat Ateenan koulun luvut?
Itse keskuksen kaksi ajattelijaa, Aristoteles, oikealle ja Platon, vasemmalla, osoittaen ylöspäin, ovat olleet suuresti tärkeitä länsimaiselle ajattelulle yleensä. Eri tavoin heidän erilaiset filosofiansa sisällytettiin kristinuskoon.

Platonin vasemmalle, Sokrates on tunnistettavissa hänen erottuvien piirteidensä ansiosta. Sanotaan, että Raphael voisi käyttää vanhaa rintakuvaa filosofista oppaana. Hänet tunnistetaan myös kätensä eleellä, kuten Giorgio Vasari huomauttaa taiteilijoiden elämässä.

Etualalla Pythagoras istuu kirjan ja IKWellin kanssa, myös opiskelijoiden ympäröimä. Vaikka Pythagoras on tunnettu matemaattisista ja tieteellisistä löytöistään, se uskoi myös tiukasti metempsykoosiin.
Pythagorasin sijaintia toisella puolella Euclid on taipuvainen osoittamaan jotain kompassilla. Heidän nuoret opiskelijansa yrittävät vangita opettamissaan oppitunteja.

Suuri matemaatikko ja tähtitieteilijä Ptolemaios on aivan Euclidin vieressä, selkänsä katsojalle. Keltaisella kaapulla hän pitää maapalloa kädessään. Uskotaan, että parrakas mies pysähtyi hänen edessään pitämällä taivaallista ilmapalloa on Zoroastro -tähtitieteilijä. Mielenkiintoista on, että Zoroasterin vieressä oleva nuori, katsojaa katselee, ei ole kukaan muu kuin Raphael itse. Tämän tyyppisen itseoportraitin sisällyttäminen ei ole tuolloin ennenkuulumatonta, vaikka taiteilijan oli rohkea liike sisällyttää hänen samankaltaisuutensa sellaisen älyllisen monimutkaisuuden kanssa.

On yleisesti hyväksytty, että askelmilla makaava vanhempi Herra on Diogenes. Kyynisen filosofian perustaja oli hänen aikansa kiistanalainen hahmo, joka elää yksinkertaista elämää ja kritisoi kulttuurisia yleissopimuksia.
Yksi koostumuksen silmiinpistävimmistä hahmoista on huomaavainen mies, joka istuu etualalla, kätensä päähän "ajattelijan" klassisessa asemassa.

Filosofien alalla hän on Heraclitus, itsehallinnon viisauden edelläkävijä. Hän oli melankolinen hahmo eikä nauttinut muiden seurasta, mikä teki hänestä yhden harvoista fresosta eristetyistä hahmoista.

Rafaelin ohjelman loppuun saattaessa kaksi suurta patsasta istuu kapealla koulun takana. Platonin oikealle näemme Apollon, kun taas Aristoteleen vasemmalla puolella on Minerva. Viisauden ja oikeudenmukaisuuden jumalatar Minerva on riittävä edustaja freskon moraalifilosofian puolella. Mielenkiintoista on, että sen asema tuo sen lähemmäksi Rafaelin freskoa oikeuskäytännöstä, joka kehittyy suoraan hänen vasemmalle.

Osta toisto Rafael Ateenan koulusta Kuadros -verkkokaupasta

Nro 6 Muutos - Rafael (1520)

 

Vastuut vuonna 1517 kardinaali Giulio de 'Medici (1478-1534) (Florenze Medici -perheestä), josta tulee pian paavi Clemente VII (1523-34), Narbonnen Ranskan katedraalin alttaritauluna (kilpailussa kilpailussa Sebastiano del Piombon Lázaron ylösnousemus, josta hän oli arkkipiispa. Rafael oli tämän kuuluisan uskonnollisen taiteen teos kuolemaansa vuonna 1520, ja hänen avustajansa Giulio Romano (1499-1546) ja Giovanni Francesco Penn (1496-1546) valmisti sen - 1536).

Loppujen lopuksi kardinaali säilytti maalauksen Roomassa, ja pääsyään paapiin vuonna 1523 hän antoi sen San Pietron kirkolle Montoriossa, Roomassa. Vuonna 1774 uusi paavi Pius VI (1775-99) tilasi kopion mosaiikista ja asensi sen San Pedron basilikaan. Napoleon ryösti itse maalauksen vuonna 1797 ja vietiin Pariisiin, josta se palautettiin vuonna 1815.

Tämä työ kertoo kaksi toisiinsa liittymätöntä raamatullista tapahtumaa. Yllä on Kristuksen muutoksen historia. Alaosassa on tarina nuoresta miehestä, jota demoni hallitsee.

Jeesus näyttää Tabor -vuoren (Israel) yläosassa valkoisella kaapulla, kuten kiiltävä lumi ja hänen vieressään oikealla olevien profeettojen Mooses ja Elia vasemmalle. Jeesuksen takana olevat pilvet ovat valaistu. Jeesus nostaa kätensä ja katsoo Jumalaa kohti.

Jeesuksen alla on kolme hänen opetuslapsiaan, vasemmalta oikealle, Santiago, Pedro ja John. He peittävät kasvonsa käsillään, koska taivas on liian kirkas hänen silmilleen. Vasemmalla olevat kaksi lukua ovat todennäköisesti Justus ja pastori. Nämä ovat kaksi kristillistä marttyyria, joihin kirkko on omistautunut, joihin maalaus oli alun perin tarkoitettu sijoittamaan.

Alla näet Jeesuksen yhdeksän opetuslapsia, jotka eivät menneet vasemmalle puolelle sijoitettuun vuorelle. He yrittävät parantaa nuorta miestä, jonka hallussa on paha henki. Vasemmassa alakulmassa olevan sinisen tunikan kuva on todennäköisesti Mateo. Ota yhteyttä kirjaan, mutta älä löydä ratkaisua nuoren miehen parantamiseksi. Keltaisen tunikan nuori opetuslapsi on Felipe. Felipen oikealla puolella punaisella kaapulla on Andrés. Andrésin takana oleva mies, joka osoittaa sairaan lapsen, on Juudas Tadeo, ja vasemmalla puolella vanhin mies on Simon. Äärimmäisen vasemmiston mies on todennäköisesti Juudas Iscariot. Opetuslapset eivät voi parantaa nuorta miestä. Tämä voi selittää, miksi punainen opetuslapsi osoittaa Jeesukselle vuoren päällä. Oikealla olevassa sairas nuoressa miehessä on sininen kangas, joka on kääritty vyötärönsä ympärille ja näyttää hyvin vaalealta samalla kun tekee villi ele. Voit nähdä, että silmäsi näyttävät eri suuntiin. Hänen isänsä takana oleva mies on hänen isänsä, joka pitää häntä, ja katselee opetuslapsia toivolla ja pelolla samanaikaisesti. Nuoren miehen edessä kaksi naista katselee opetuslapsia osoittaen samalla nuorta miestä.

Molemmat tarinat on kuvattu Matthew 17: ssä, Marcos 9: ssä ja Luukussa 9. Raamatun historia kuvaa kuinka Jeesus siirtyy säteilevään kunniaan, kun hän rukoilee kolmen hänen opetuslapsensa kanssa vuorella. Jeesus puhuu Mooseksen ja Elian kanssa ja kuuntelee myös Jumalan ääntä. Muutosjuhlia juhlitaan edelleen monissa kirkoissa joko 6. elokuuta tai 19. elokuuta.

Muutoksen mitat ovat 403x276 cm. Rafael mieluummin maalasi kankaalle, mutta tämä maalaus valmistettiin öljymaalauksilla puulla valittuna mediana. Rafael osoitti tosiasiallisesti edistynyttä tapoja ja tekniikoita barokkikauden aikana tässä maalauksessa. Alemman puoliajan hahmojen tyylitelty ja kierretty asento osoittavat mannerismin. Näiden lukujen dramaattinen jännitys ja valon liberaali käyttö pimeyteen tai chiaroscuron kontrastit edustavat liioiteltujen liikkeen barokkijaksoa draaman, jännityksen, ylenmääräisyyden tai valaistuksen tuottamiseksi. Se Muutos Hän eteni aikansa, aivan kuten Raphaelin kuolema tuli liian aikaisin.

Se Muutos oli uRafaelin Lasto -työ ja alto -italialaisen renessanssin kiistaton mestariteos on nyt apostolisessa Pinacotecassa, joka on yksi Vatikaanin museoista. Vatikaanien suojeluasiantuntijoiden vuonna 1977 tekemän tärkeän kunnostamisen seurauksena Rafael Renaissance -väripaletti on nyt täysin näkyvissä ja maalaus on palauttanut koskemattoman loistonsa. Restaurointi hävisi myös jatkuvia kysymyksiä maalauksen luojasta. Vaikka tämä suuri mestariteos oli keskeneräinen, se oli täysin Rafaelin nero.

Osta jäljennös Rafael -muutosta Kadrosin verkkokaupasta

No.7 Lopullinen tuomio - Miguel Ángel (1475-1564)

 

Kuadros antaa lukijalle tarkemmin tämän ikonisen freson historiaa ymmärtääksesi paremmin, kuinka lopullisella tuomiolla on ollut pysyvä vaikutus uskonnollisen taiteen maailmaan.

Länsimaiset profeetalliset uskonnot (toisin sanoen zoroastrismo, juutalaisuus, kristinusko ja islam) kehittivät käsitteet lopullisesta tuomiosta, joka on rikas kuvissa.

"Se tulee tuomitsemaan elossa ja kuolleet" (apostolien uskonnosta, joka on yksi kristillisen uskon ensimmäisistä lausunnoista).

Lopullinen tuomio oli yksi ensimmäisistä taideteoksista, jotka Paavalin III valtuutettiin valittuksi paapiin vuonna 1534. Hänen perimän kirkko oli kriisissä; Rooman ryöstö (1527) oli edelleen äskettäinen muisti. Paavali yritti puuttua moniin väärinkäytöksiin, jotka olivat aiheuttaneet protestanttisen uudistuksen, vaan myös vahvistamaan katolisen kirkon legitiimiyttä ja hänen oppiensa ortodoksian (mukaan lukien paavian instituutio). Kuvataiteet olisivat avainasemassa heidän asialistassaan, alkaen viestistä, jonka hän osoitti läheiseen ympyräänsä, kun hän tilasi lopullisen tuomion.

Maalattu, kun Miguel Ángel oli täysin kypsä tyylillä, taideteoksella oli välitön vaikutus ja aiheutti kiistoja. Vaikka tämä ihmiskunnan lopullinen tuomio ei ollut epätavallinen teema renessanssin taiteilijalle, Miguel Ángel teki sen yksinomaan käyttämällä tyyliä, joka oli arvostettu ja hämärtynyt.

Tällä Sikstuksen kappelin uudella seinällä olisi erityinen teema: lopullinen tuomio. Kuvaus Jeesuksen Kristuksen toisesta tulemisesta ja Jumalan lopullinen tuomio ihmisyydestä oli suosittu teema koko renessanssin ajan. Miguel Ángelin visio aiheesta on ajan myötä tullut ikoninen. Fresossa näemme, että asiantuntijoiden on maalaama yli 300 hahmoa tämän tarinan suorittamiseksi. Kristus istuu keskellä, kätensä nostettu tuomitsemaan tuomitut, jotka uppoutuvat helvetin syvyyksiin. Aaltoilevien lihaksien avulla tämä Kristus on mahtava hahmo. Vasemmalla puolellaan Neitsyt Maria istuu. Hän on omaksunut lähetetyn hallussaan ja katselee pelastettuja niitä. Välittömästi tämän keskusparin ympärillä on joukko tärkeitä pyhiä. San Pedro, jolla on taivaan avaimet, ja Pyhän Johannes Kastaja esitetään samassa mittakaavassa kuin Kristus. Caronte ja tuomittujen sielut. Yleinen koostumus pyörii nesteen liikkeessä, kun Kristuksen vasemmalla puolella pelastetaan haudoistaan, kun tuomitut työnnetään helvettiin. Frescon alaosassa näemme Caronten, mytologisen hahmon. Kreikkalaisessa ja roomalaisessa mytologiassa hän kuljetti sielua alamaailmaan. Täällä hän vie heidät suoraan helvettiin, joka on täynnä makabre -merkkejä.

Dantena suuressa eeppisessä runossaan jumalallinen komedia Miguel Ángel pyrki luomaan eeppisen maalauksen, joka on tämän hetken suuruuden arvoinen. Hän käytti metafooria ja viitteitä koristelemaan hänen aiheensa. Hänen koulutettu yleisö ilahdutti visuaalisia ja kirjallisia viitteitä. Alun perin rajoitetulle yleisölle tarkoitettu Frescon lisääntymiskaiverrukset levittivät sitä nopeasti kaikkialle, asettamalla sen animoituun keskikeskusteluun uskonnollisen taiteen ansioista ja väärinkäytöksistä.

Vaikka jotkut hurrasivat tätä kuuluisaa maalausta taiteellisten saavutusten huipuksi, toiset pitivät sitä ruumiillistuma kaikesta, joka voi mennä pieleen uskonnollisen taiteen kanssa ja pyysivät heidän tuhoamista. Loppujen lopuksi sitoutuminen saavutettiin. Pian taiteilijan kuoleman jälkeen vuonna 1564 Daniele da Volterra palkattiin peittämään nalgae ja englanti alasti verhokappaleilla ja maalaamaan Santa Catalina de Alejandría, alun perin kuvattu ilman vaatteita, ja San Blas, joka leijui uhkaavan häntä teräskuoksilla (punnita !).

Toisin kuin hänen rajoitettu yleisö 1500 -luvulla, nyt tuhannet turistit näkevät lopullisen tuomion päivittäin. Paavin aikana konklaseista tulee kuitenkin jälleen voimakas muistutus hänen paikkansa kardinaali -yliopistosta pelastuksen historiassa, koska he tapaavat valitakseen Kristuksen maallisen vikaarin (seuraava paavi), henkilö, jonka hän on vastuussa laiduntamisesta uskolliset. valittujen yhteisössä.

Osta jäljennös Miguel Ángelin lopullisesta tuomiosta Kadrosin verkkokaupassa

Nro 8 Babelin torni - Pieter Bruegel El Viejo (1563)

Vanhan testamentin historian mukaan Jumala rangaisi ihmiskuntaa kolmella tavalla.

Ensimmäinen oli Adamin ja Evan karkottaminen Edenistä alkuperäisen synnin jälkeen. Sitten tuli suuri tulva, rangaistus ihmisen vääryymien moninaisuudesta. Ja kolmas oli silloin, kun Jumala, joka epäluuloisesti väkivaltaisen uuden Babylonin kaupungin kansalaisten ylpeydestä ja olettamisesta, "sekoitti kaikkien puheen ja levitti ne maan laajojen kasvojen läpi".

Mitä babylonialaiset olivat tehneet niin tulehduksellisia? Jumalan silmissä he olivat haastaneet asioiden järjestyksen heidän ilmoitetun halunsa tulla "suuriksi ihmisiksi", joita edustaa valtavan tornin rakentaminen "," taivaan saavuttaneella kärjellä ". Ihmisten piti pyrkiä niin korkeaan korkeuteen, olivatpa ne fyysisiä tai metaforisia. Jumalan valitsema rangaistus oli lopettaa yleinen kieli, joka käytti kaikkien kansojen yhdistämiseen, ja luoda eri kielten moninaisuus "niin, että niitä ei voida ymmärtää". Tuloksena oleva sekavuus tarkoitti, että "kaupungin rakentaminen päättyi". Raamatun mukaan "siksi kaupunkia kutsuttiin Babeliksi" tai Babyloniksi. Kaikista tämän suuren tornin taideesityksistä, jotka olivat loukanneet Jumalaa niin paljon, mieleenpainuvin on Pieter Bruegel El Viejon (1563) Babelin torni.

Tämä kuuluisa maalaus, yksi monista uskonnolliselle taiteelle omistetuista maalauksista, oli Pieter Bruegelin maalaaman Babel -tornin kolmesta versiosta. Ensimmäinen versio (nyt kadonnut) oli norsunluu miniatyyri, joka oli Kroatia Giulio Clotosissa syntyneen italialaisen miniatyyrien luettelossa (1498-1578), jonka kanssa Bruegel teki yhteistyötä Roomassa vuonna 1553. Kolmas versio oli öljy pienempi maalattu Puulla, päivätty vuonna 1564, joka sijaitsee nyt Boijmans van Beuningen -museossa Rotterdamissa. Yleisesti uskotaan, että Rotterdamin maalaus on noin vuoden kuluttua Wienin kuvan jälkeen. "Suuri" Wienin torni on melkein kaksinkertainen suurta kuin "pieni" Rotterdam -torni, ja sille on ominaista perinteisempi kohtelu. Perustuen 1. Moos. 11: 1-9, jossa Herra hämmentää ihmisiä, jotka alkoivat rakentaa "tornia, jonka yläosa voi päästä taivaaseen", sisältää, kuten toinen versio ei tee, kuningas Nimrodin ja hänen seurakunnan kohtauksen. ennen monenlaisia ​​polvillaan olevia työntekijöitä. Tätä tapahtumaa ei mainita Raamatussa, mutta sitä ehdotettiin Flaviofuksen juutalaisten antiikkiesoihin.

Bruegelille se oli tärkeää, koska hän korosti kuninkaan ylpeyttä ja ylimielisyyttä, jonka on tarkoitus korostaa kuvaa.

Yksityiskohtainen realismi Babelin torni esittelee suuren määrän huolellisia yksityiskohtia, jotka liittyvät rakennuksen rakentamiseen, Bruegelin monimutkaisten rakennustekniikoiden monimutkaisten tietojen perusteella, jotka on hankittu useiden maalausten suorittamisen aikana, jotka kuvaavat Amberes-Buselas-kaivausta kanava. Oikealla on valtava nosturi, hyvin samanlainen kuin se, joka on näkyvästi sijoitettu Grimani Breviaryn satamaan.

Muurahaisten samanlaiset työntekijät kantavat sitä kiireisesti valtavilla kivilevyillä, jotka he ovat saaneet alhaalta, ja kulkevat ylemmälle rampille, missä muut ovat valmiita vastaanottamaan ne. Työntekijä nousee tikkaat kohti sitä osaa, joka muuttuu kalliosta arkkitehtuuriksi, jonka monet muut ihmiset rakentee. Vasemmalla puolella julkisivu on jo päättynyt osittain; Nainen tulee yhden oven läpi, tikkaat ilmestyvät yhden yläikkunan läpi. Yllä toinen suuri joukko työntekijöitä työskentelee katolla ja niin edelleen äärettömyyteen.

Riippumatta näiden yksittäisten toimien kohtuullisuudesta, ja tätä asiaa ei ole vielä tutkittu kokonaan, katsoja tuntee heti, että groteski on tekniikan median grotesinen vajaatoiminta ja koko rakennusyrityksen hulluus.

Kuten ahkera nämä "muurahaiset" ovat, he kohtaavat epätoivoisia vastoinkäymisiä, jotka on osoitettu loistavasti. Samalla tasolla viimeisen yksityiskohdan lopettaminen vastustaa alasti alkua, keskellä olevia välivaiheita, mikä vihjaa kiihkeää kilpailua kestämättömän ajan vastaisesti, kun taas yläosa on edelleen pilvien tunkeutunut.

Kun tarkastelimme Bruegelin maalausta ja yritimme tulkita sitä, olemme myös upotettuja käännösharjoitteluun: antaiko hän vain visuaalisen ilmaisun raamatulliselle historialle? Vai yritin tehdä jotain laajempaa? Tai yksinkertaisesti molempien yhdistelmä?

Ei pitäisi yllättää meitä, että taidemaailmassa ei välttämättä ole sopimusta Bruegelin aikomuksista. Sen sijaan, että olisi avoimesti kiistanalainen, opettaja on upottanut työnsä merkkeillä ja jättää meidät, uskolliset katsojansa tulkitsemaan niitä itse.

Osta Pieter Bruegel El Viejon Torre de Babelin jäljennös Kuadrosin verkkokaupassa

Nro 9 Virgen del Jilguero - Rafael (1505-1506)

 

Rafael maalasi Virgen del Jilgueron, yhden Rafaelin Firenzen paneeleista, ystävänsä Lorenzo Nasi ja Sandra di Matteo di Giovanni Canigiani. Maalaus vaurioitui vakavasti Nasi -talon osittaisen romahtamisen jälkeen vuonna 1547, kuten Vasari mainitsee. Myöhemmin sen todennäköisesti palautti Michele di Ridolfo del Ghirlandio (Michele Tosini), Ghirlandion työpajan työtoveri, johon Rafael vaikutti syvästi.

Lapsi Jeesus silittää rakastavasti Jilguezin lintua, jonka baptistilapsi on juuri antanut hänelle. Symboli intohimosta (huippu, koska se ruokkii piikkien välillä) yhdistetään kohtaukseen, joka ensimmäisellä merkityksellä voidaan nähdä yksinkertaisesti lapsina.

Rafael absorboi Firenzen taiteen saavutukset, jotka olivat tuolloin eturintamassa Euroopassa. Leonardon hahmo vaikutti voimakkaasti taiteilijaan. Suuren taiteilijatieteellisen tieteellisen vaikutuksen, ilmenee kauniissa Madonna del Jilguerossa ("Madonna del cardellino") (1506), äskettäin kunnostettu (2008) viisaasti ja taitava. Rafael hyväksyy pyramidaalisen koostumuksen lähestymistavan, hämärän valon pehmeät vaikutukset ja hahmojen väliset emotionaaliset vuoropuhelut paljastaen Leonardon maalauksen elementit. Tästä huolimatta on myös selvää, mikä Rafaelin henkilökohtainen tyyli on: kasvojen äärimmäinen makeus, erityisesti madonnat, värien mestarillinen käyttö, maiseman realistinen toisto ja lukujen syvä läheisyys.

Neitsyt Maria on pukeutunut punaiseen ja siniseen. Punainen on Kristuksen intohimon symboli ja sininen on kirkon ja Marian symboli. Se oli yksi kalleimmista pigmenteistä ja siksi tarkoituksenmukaista käyttää Marian kaltaisessa tärkeässä hahmossa. Eurooppalainen Jilguero liittyy Jeesuksen ristiinnaulitsemiseen. Tässä maalauksessa Pyhä John ohittaa lintu Jeesukseen varoituksena hänen väkivaltaisesta kuolemastaan. Marian pitämästä kirjasta asiantuntijat ovat tunnistaneet sanat "Sedes sapienttiae". Tämä on yksi Marialle annetuista omistautuneista nimikkeistä ja tarkoittaa "viisauden istuinta". Se korostaa, että Mary synnytti Jeesuksen (mikä edustaa viisautta). Kun Mary on edustettuna "viisauden istuimen" roolissa, hänet näytetään yleensä valtaistuimella Jeesuksen kanssa sylissä. Kuitenkin tässä tapauksessa kallio, jolla Maria tuntuu toimivan valtaistuimena.

Maalauksessa näet useita kukkia. Vaikka kaikkia kukkia ei ole tunnistettu lopullisesti, monet uskovat, että kukat ovat: Anemones (jotka edustavat Marian kipua Jeesuksen intohimolla), margaritas (jotka edustavat lapsen Jeesuksen viattomuutta), banaaneja (jotka edustavat tietä Seuraa Jeesusta) ja violetteja. (joka edustaa nöyryyttä).

Eurooppalaisessa taiteessa huippua käytetään usein symbolina. Eurooppalaisella Jilguerolla, Carduelis carduelis, on punaiset kasvot ja päätä mustavalkoisena. Sadat uudestisyntymismaalaukset ovat edustaneet Jilgueroa. Eurooppalainen Jilguero liittyy usein ylösnousemukseen, mutta myös sieluun, uhraukseen ja kuolemaan. Legendan mukaan pelaaja sai punaisen pisteen päähänsä Jeesuksen ristiinnaulitsemisen aikana, kun hän halusi repiä piikin Jeesuksen kruunusta, ja Jeesuksen verenpoisto roiskui hänen päätään. Itse asiassa tiedetään, että pelaaja syö ohdakkeita ja piikkiä ja siksi on liitetty piikkien kruunuun, jota Jeesus käytti hänen ristiinnaulitsemisessaan.

Maisema ja erityisesti sen sisältämät arkkitehtoniset muodot heijastavat flamenco -taiteen vaikutusta, vaikka se on edelleen rakennettu Umbrian tielle. Tämä vaikutusvalta oli yhtä elossa Firenzessä kuin Urbinossa Quattrocento toisella puoliskolla. Ehkä se on näkyvämpi kaltevilla kattoilla ja korkeilla neuloilla, epätavallisilla elementeillä Välimeren maisemassa. Miguel Ángelin vaikutusvalta on jälleen ilmeinen lapsen Kristuksen kaivojen rakennetussa hahmossa.

Tämä kuuluisa kuva sai vakavia vahinkoja 1500 -luvun lopulla rakennuksen romahtamisen vuoksi, missä se oli. Hän kärsi vakavista vaurioista, kuten syvät ja pitkät leikkaukset, jotka olivat vääristäneet puisen paneelin. Monet palautukset seurasivat vuosisatojen ajan, mutta vain viimeisen (valmistettu vuonna 2008) ansiosta työ palasi alkuperäiseen loistoonsa. Siksi Virgen del Jilgueroa voidaan rakastaa ja ihailla jälleen yhtenä kauneimmista esimerkeistä Rafaelin suuresta maalarista "jumalallisesta".

Osta kopio Virgen del Jilguero - Rafael Kadrosin verkkokaupasta

No.10 San Juan de la Cruzin Kristus - Salvador Dali (1951)

 Espanjalainen surrealistinen maalari Salvador Dalí maalasi San Juan de la Cruzin Kristus vuonna 1951 aikaan, jolloin hän syntyi nuoruutensa voimakkaasta uskonnollisesta ateismista ja halasi katolisen uskon uudelleen.

Dalín tunnetuin uskonnollinen työ on epäilemättä hänen "San Juan de la Cruzin Kristuksen", jonka luku hallitsee Port Lligat Bayä. Maalausta inspiroi piirustus, joka säilytettiin Ávilassa, Espanjassa, ja teki itse San Juan de la Cruzin itse nähtyään tämän Kristuksen näkemyksen ekstaasin aikana.

Dalin maalauksessa laivan vieressä olevat ihmiset ovat peräisin Le Nainin kuvasta ja Diego Velázquezin piirustuksesta Bredan antautumiseen. Dalí kirjoitti Kristuksen opintojensa lopussa: "Ensinnäkin vuonna 1950 minulla oli" kosminen unelma ", jossa näin tämän värikuvan ja että unessani edusti atomin ytimiä. Tämä ydin Myöhemmin hankkin metafyysisen merkityksen: Harkitsin "maailmankaikkeuden yhtenäisyydessä" Kristuksen! Toiseksi, kun isän Brunon ohjeiden ansiosta karmeliitti, näin Kristuksen, jonka Pyhän Johanneksen Ristillä oli, työskentelin, työskentelin, työskentelin Geometrisesti kolmio ja ympyrä, joka esteettisesti tiivisti kaikki aiemmat kokeiluni ja ilmoittautui Kristukseen tähän kolmioon. "

Muotokuvassa Salvador Dalí käytti nerokkaasti kahta erilaista realistista väriä, jotka sisältävät sinisen ja vihreän, kuvaamaan meren hämmästyttävää maisemaa, luultavasti allegooria Galilean merelle. Maalari käytti ainutlaatuista tekniikkaa maalatakseen meren silmien tasolla, kun Kristuksen ruumis roikkuu ristin ilmassa. Ristin takana maalari käytti mustaa öljymaalia. Tämän tarkoituksena oli tehdä Kristuksen ruumiista huomion keskipiste.

Dalí pystyi kuvaamaan Kristuksen lihaksia hienolla sävyllä. Lisäksi hän onnistui maalaamaan varjoja, jotka loivat syvyyden. Lisäksi Salvador maalasi kaukaiset vuoret silmien korkeuteen. Kuvan alaosassa voit nähdä yksinäisen miehen seisovan laiturilla hänen veneellä. Tunnettu maalari pystyi yhdistämään realistiset värit ja järjestäytyneen suunnittelun luodakseen vaikuttavan surrealistisen muotokuvan uskonnollisesta hahmosta.

On sanottu, että alkuperäinen 1500 -luvun versio kuvaa ristiinnaulaa kulmasta, jossa kuoleva ihminen näkee sen, kun hän osoittaa sen kunnioittavan sitä.

Dalí saa meidät näkemään Kristuksen ja ristin suoraan ylhäältä ja katsomaan alas pilvien sarjaan ja maapallon alla. Se on taivaallinen näkökulma, itse asiassa Isän Jumalan näkökulma. On mielenkiintoista, että Poika, Kristus jakaa saman näkökulman kuin Isä: hänen näkökulmansa seuraa ja jatkaa Isän näkökulmaa. Neljäs evankeliumi korostaa, että poika tulee Isästä ja on yksi hänen kanssaan, nähdessään ja tekemällä kaiken, mitä isä käskee hänen tekevän. Isä tarjoaa tavallaan myös pojan maailmalle pelastaakseen hänet.

San Juanin Kristuksen maalauksessa Jeesuksen pyhä sydän ei heijastu ulkoisesti, vaan se osallistuu voiman taiteelliseen käyttöönottoon, joka voittaa ristien epämääräisen. Dalí maalaa meille voittavan Kristuksen. Se osoittaa, että San Juan de la Cruzin Kristus vanhenee kuolemaan rakkaudesta.

Dalín San Juan de la Cruzin Kristuksessa Jeesus ripustettiin risteyksestä aseistavat voimat ja viranomaiset ja tehnyt heistä julkisen spektaakkelin, voittaen heidät rakkautensa voimalla ristillä (Kol. 2: 15).

Siten risti on paikka, jossa hyvä vanhenee pahaan, missä valo kukistaa pimeyden, jossa naisen siemen lopulta murskaa käärmeen pään (1. Moos. 3:15), missä syytökset maailmaa vastaan ​​on tuhottu ja naulattu ylittäessään. Ennen kaikkea siellä rakkaus valloittaa vihaa ja kaikenlaisia ​​pahoinpitelyä.

Tärkeä taidekriitikko piti tätä kuuluisaa Dalí -teosta banaalina, kun se esiteltiin ensimmäisen kerran Lontoossa. Useita vuosia myöhemmin fani leikkasi hänet, kun hänet ripustettiin Glasgow -museoon, mikä on todisteita hämmästyttävästä vastakkaisesta vaikutuksesta katsojiin.

Maalauksessa on useita näkökulmia, merkki Dalín ilmiömäisestä kyvystä.

Koska Dalín teokset eivät ole vielä julkisesti, Kadros ei tee kopioita tästä maalarista, ei lopeta häntä tietenkin ihailua. 

Kuadros ©, kuuluisa maali seinällesi.