Art Deco on suosittu muotoilutyylit 1920- ja 1930-luvuilla, joka tunnetaan erityisesti elegantista geometrisista tai tyylitellyistä muodoista ja ihmisen valmistamien materiaalien käytöstä.
Art Decon tyylin piirteet syntyivät Ranskassa 1910-luvun puolivälin ja lopun aikana, kypsyivät vuonna 1925 Pariisissa järjestetyn Kansainvälisen koriste- ja teollisuustaiteen näyttelyn aikana, ja siitä tuli tärkeä tyyli Länsi-Euroopassa ja Yhdysvalloissa 1930-luvulla.
Art Decon tunnusomaiset piirteet heijastavat ihailua koneen modernisuutta kohtaan sekä koneellisesti valmistettujen esineiden suunnitteluun liittyviä ominaisuuksia, kuten suhteellista yksinkertaisuutta, tasaisuutta, symmetriaa ja muuttumatonta elementtien toistoa. Art Deco -esineet esittelevät usein yksinkertaisia ja puhtaita muotoja, yleensä "tyyliteltynä"; geometrisia tai tyyliteltyjä koristeita, jotka ovat peräisin figuratiivisista muodoista, kuten kukista, eläimistä ja auringonsäteistä; ja ihmisen valmistettujen aineiden käyttöä, mukaan lukien muovit, vitamiinilasi ja rautabetoni, usein yhdistettyinä luonnollisiin materiaaleihin, kuten jadeen, hopeaan, norsunluuhun ja kromiin.
Art Deco - juliste
Art Decon muotoutumiseen vaikuttivat muun muassa Art Nouveau, Bauhaus, kubismi ja Serge Diaghilevin Ballets Russes. Art Decon harjoittajat löysivät myös inspiraatiota Amerikan intiaanien, Egyptin ja aikaisempien klassisten lähteiden sekä luonnon parista.
Samoin kuin Art Deco, art nouveau on koristeellinen tyyli, jota sovelletaan medioihin, kuten arkkitehtuuriin, sisustussuunnitteluun, koruihin ja kuvastoon. Molemmat tyylit olivat suosittuja Euroopassa ja Yhdysvalloissa, mutta Art Nouveau kukoisti aiemmin, 1890-1910.
Art Deco saavutti huippunsa 1920-luvun lopulla ja 1930-luvun alussa. Art Nouveau korosti luontoa, ja esineet erottuivat erityisesti epäsymmetrisistä, kaarevista viivoista, jotka usein muistuttivat kukkien varsia ja nuppuja, köynnöksiä, hyönteisten siipiä ja muita herkkiä luonnon esineitä. Art Deco, toisaalta, juhli modernia konetta ja edisti geometrisia linjoja ja elegantteja muotoja.
Sen pääasiallinen ero art nouvauksen kanssa on kubismin vaikutus, joka antaa Art Deco -suunnittelulle enemmän sirpaleista geometriaa. Kuitenkin kasvi- ja kaarevien muotojen perusteella pohjautuvat kuvat pysyivät joissakin Art Deco -suunnitelmissa, esimerkiksi brittiläisen Clarice Cliffin teoksissa. Art Deco oli hyvin vaihteleva vaikuttimissaan, inspiroituneena muinaisegyptiläisestä taiteesta, atsteekkitaiteesta ja muusta muinaisesta keski-amerikkalaisesta taiteesta sekä modernien alusten, junien ja autojen suunnittelusta. Se sai myös vaikutteita Bauhausin modernista arkkitehtuurista ja suunnittelusta sekä kuten Le Corbusier ja Mies van der Rohe.
Art Deco sai nimensä Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes -näyttelystä, joka pidettiin Pariisissa vuonna 1925, jossa tyyli esiteltiin ensimmäistä kertaa. Art Deco -suunnittelu edustaa modernismia, joka on muuttunut muodiksi. Sen tuotteet sisälsivät sekä käsintehtyjä luksustuotteita että massatuotettuja esineitä, mutta joka tapauksessa tarkoituksena oli luoda elegantti ja epäperinteinen eleganssi, joka symboloi rikkautta ja hienostuneisuutta.
Useimmat Art Decon merkittävistä luojista suunnittelivat käsintehtyjä tai rajoitetun tuotannon esineitä. Heidän joukossaan olivat huonekalusuunnittelijat Jacques Ruhlmann ja Maurice Dufrène; arkkitehti Eliel Saarinen; kultaseppä Jean Puiforcat; koru- ja kristallisuunnittelija René Lalique; muotisuunnittelija Erté; taiteilijat-kultasepät Raymond Templier, HG Murphy ja Wiwen Nilsson; ja figuuri veistäjä Chiparus.
Art Deco - huonekalu Jacques Ruhlmannilta
Art Deco kultaseppä Jean Puiforcatilta
Art Decon alkuvaiheet
1900-luvun lopulla Ranskassa monet merkittävät taiteilijat, arkkitehdit ja muotoilijat, jotka olivat näytelleet tärkeää roolia Art Nouveau -tyylin kehittämisessä, tunnustivat, että siitä oli tulossa yhä enemmän vanhanaikainen. Vuosisadan lopussa, jolloin teollinen vallankumous oli vakiintumassa, nykyaikainen elämä muuttui hyvin erilaiseksi verrattuna muutamiin vuosikymmeniin aikaisemmin. Oli aika uudelle, jotain, joka huusi "20. vuosisataa" modernististen ja hyvän maun kattojen yltä.
Ranskan koriste-taiteilijoiden seura
Tämän halun edetä kohti uutta vuosisataa innovaatioiden vauhdissa sen sijaan, että se pysäytettäisiin nostalgian varjolla, joukko ranskalaisia taiteilijauudistajia perusti organisaation, jota kutsuttiin Societé des Artistes Décorateursiksi (Koriste-taiteilijoiden seura). Ryhmä koostui tunnetuista henkilöistä, kuten Art Nouveau -muotoilija ja kaivertaja Eugene Grasset sekä Art Nouveau -arkkitehti Hector Guimard, yhdessä nousevien koriste-taiteilijoiden, kuten Pierre Chareau ja Francis Jourdain, kanssa. Ranskan valtio tuki ja edisti tätä suuntausta taiteellisessa toiminnassa.
Art Deco - Koriste-taiteilijoiden seura
Uuden ryhmän yksi tärkeimmistä tavoitteista oli kyseenalaistaa visuaalisten taiteiden hierarkkinen rakenne, joka alensi koriste-taiteilijoita alhaisempaan asemaan verrattuna klassisiin maalaus- ja veistosmedioihin. Jourdainin on kuuluisa lainaama: "Siksi päätimme palauttaa koriste-taiteen, jota on kohdeltu välinpitämättömästi kuin Tuhkimoa tai köyhää sukulaista, jonka on sallittu syödä palvelijoiden kanssa, siihen tärkeään, melkein hallitsevaan asemaan, joka sillä oli aikaisemmin, kaikissa aikakausissa ja kaikissa aikakausissa" kaikissa maailman maissa".
Suurelle näyttelylle, joka esittelee uudenlaista koriste-taidetta, laadittiin alkuperäinen suunnitelma vuodelle 1914, mutta se jouduttiin keskeyttämään ensimmäisen maailmansodan päättymiseen saakka ja viivästytettiin sitten useista syistä vuoteen 1925 saakka.
Näyttely, joka virallisesti käynnisti Art Deco -liikkeen
Ranskan hallitus, joka isännöi näyttelyä Les Invalidesin kultakupolien ja Petit Palaisin ja Grand Palaisin sisäänkäyntien välillä Senaan molemmilla puolilla, pyrki esittelemään uutta tyyliä. Yli 15 000 taiteilijaa, arkkitehtiä ja muotoilijaa esitteli teoksiaan näyttelyssä. Näyttelyn seitsemän kuukauden aikana yli 16 miljoonaa ihmistä kävi monilla yksittäisillä esittelyillä. Tämä näyttely oli liikkeen käynnistäjä.
Art Nouveau ja Art Déco
Art Deco oli esteettinen ja filosofinen suora vastaus Art Nouveau -tyylille ja laajemmalle kulttuurilaiselle modernismille. Art Nouveau alkoi jäädä pois muodista ensimmäisen maailmansodan aikana, koska monet kriitikot katsoivat, että tyylin monimutkaiset yksityiskohdat, hienot muotoilut, usein kalliit materiaalit ja tuotantomenetelmät eivät sopineet yhä haastavammalle, epävakaammalle ja yhä mekaanisemmalle nykyaikaiselle maailmalle. Kun Art Nouveau -liike kehitti monimutkaisia ja tyyliteltyjä muotoja luonnosta ja ylisti käsintehdyissä esineissä piileviä hyveitä, Art Decon esteetiikka korosti koneen aikakauden aerodynamiikkaa ja eleganttia geometriaa.
Art Deco ja modernismi
Kansainvälinen näyttely esitteli ei vain Art Deco -tyylin teoksia, vaan asetti käsityöesineitä lähelle kunnianhimoisten maalauksien ja veistosten esimerkkejä, kuten kubismi, konstruktivismi, Bauhaus, De Stijl ja futurismi. 1920-luvulla Art Deco oli ylellinen, mutta suurelta osin perinteinen vastaus Bauhausin ja De Stijlin älykkäämpään esteettiseen ympäristöön. Kaikilla kolmella oli korostus puhtailla ja voimakkailla linjoilla järjestäytyvänä suunnitteluperiaatteena. Art Deco -harjoittajat omaksuivat teknologiset innovaatiot, modernit materiaalit ja mekanisoinnin ja yrittivät korostaa niitä tyylinsä kokonaisuudessa. Harjoittajat myös lainasivat ja oppivat muista modernistisista liikkeistä. Art Deco alkoi saada tunnustusta ihailijoilta, jotka olivat ajan edistyksellisten liikkeiden tulevaisuuden näkymien kanssa ajan tasalla. Ironisesti modernistinen maalaus ja veistos olivat näytöksessä toissijaisia, vain harvoissa poikkeuksissa, kuten Neuvostoliiton paviljonki ja Le Corbusierin Esprit Nouveau -paviljonki.
Art Deco Suuren laman jälkeen
Art Decon toisen vaiheen alkaminen sattui yhteen Suuren laman alkamisen kanssa. Austeriteetti voisi itse asiassa olla keskeinen esteettinen syy sekä käytännöllisistä että käsitteellisistä syistä tämän Art Decon toisen kehitysvaiheen aikana. Esimerkiksi Art Deco -arkkitehtuuri oli ollut pystysuora, kun taas myöhemmät Art Deco -rakennukset, joissa oli pääasiassa koristelemattomat pinnat, kauniit kaaret ja vaakasuora korostus, symboloivat voimakkuutta, rauhallista arvokkuutta ja kestävyyttä. Huonoimpina vuosina taloudellisessa katastrofissa 1929-1931 amerikkalainen Art Deco siirtyi trendien seuraamisesta trendien luomiseen.
Streamline Moderne
Streamline Moderne muodostui Yhdysvalloissa Art Deco -liikkeen jatkoksi. Taloudellisten ja filosofisten vakavien vaikutusten ohella Streamline Modernen varhaisten rakenteiden esteettinen inspiraatio muodostui rakennuksista, jotka oli suunnitellut Uuden objektiivisuuden liikkujat Saksassa, joka syntyi epävirallisesta saksalaisten arkkitehtien, muotoilijoiden ja taiteilijoiden seurasta, joka oli perustettu 1900-luvun alussa.
Art Deco - Streamline Moderne
Uuden objektiivisuuden taiteilijat ja arkkitehdit saivat inspiraatiota samasta vakavasti käytännöllisestä pragmatismista, joka pakotti Streamline Modernen puolustajat poistamaan ylimääräisyyksiä, mukaan lukien ekspressionismin tunnusomaisuus. Uuden objektiivisuuden arkkitehdit keskittyivät tuotamaan rakenteita, joita voitaisiin pitää käytännöllisinä, heijastaen todellisia elämän vaatimuksia. Heidän suunnitelmansa olivat tarkoitettuja sopeutumaan todelliseen maailmaan sen sijaan, että muiden pitäisi sovittaa itseään epäkäytännölliseen estetiikkaan. Tämän tavoitteen mukaisesti Uuden objektiivisuuden arkkitehdit olivat jopa pioneerina prefabrikointiteknologiassa (auttaen majoittamaan Saksassa nopeasti ja tehokkaasti köyhiä).
Koristelemattomana Streamline Moderne -arkkitehtuuri esitteli puhtaita kaarteita, pitkiä vaakasuoria linjoja (mukaan lukien ikkunarivit), lasitiiliä, porthole-ikkunoita ja joskus merenkulkuun liittyviä, sylinterimäisiä muotoja. Yhä enemmän, korostus oli aerodynamiikassa ja muissa modernin teknologian ilmentymissä. Art Decon kalliimpaa ja usein eksoottista materiaalia jäi Streamline Modernessa konkreettisten, lasin ja kromin laitteiden alle. Väriä käytettiin maltillisesti, kun vaaleat, beige ja maanläheiset sävyt korvasivat Art Decon eloisia värejä. Tyyli toi ensin arkkitehtuurin esiin ja laajeni sitten muihin esineisiin samalla tavalla kuin perinteinen Art Deco -tyyli.
Art Deco nimettiin retroaktiivisesti
Alunperin termi "Art Deco" käytettiin moittivassa merkityksessä tunnetun kriitikosa, modernistinen arkkitehti Le Corbusier, kirjoituksissaan, jossa hän kritisoi tyyliä sen koristeellisuuden vuoksi, ominaisuutta, jota hän piti tarpeettomana modernissa arkkitehtuurissa. Kun tyylin puolustajat ylistivät sitä modernistiseksi ja yksinkertaistetuksi vastaukseksi liialliseen koristeellisuuteen, erityisesti verrattuna lähimpään edeltäjäänsä Art Nouveauhon, koska Le Corbusierille mikä tahansa koristelu oli ylimääräistä. Vasta 1960-luvun lopulla, kun kiinnostus tyyliin elpyi, brittiläinen historian ja taidekriitikko Bevis Hillier käytti termiä "Art Deco" myönteisessä merkityksessä.
Art Deco Yhdysvalloissa
Yhdysvalloissa Art Deco -liikkeen vastaanotto kehittyi eri polkua. Herbert Hoover, tuolloin Yhdysvaltojen kaupintaministeri, määräsi, että amerikkalaiset suunnittelijat ja arkkitehdit eivät voineet esitellä teoksiaan Kansainvälisessä näyttelyssä, koska hän väitti, että maa oli yhä kehitettävä selkeästi "riittävän uusi" taidetyylin. Vaihtoehtona hän lähetti delegaation Ranskaan arvioimaan näyttelyn tarjontaa ja soveltamaan heidän näkemäänsä nykyaikaiseen amerikkalaiseen taideteollisuuteen ja -arkkitehtuuriin. Hooverin lähettämien esteettisten lähetysten joukkoon kuului tärkeitä henkilöitä Amerikkalaisesta arkkitehtuurin instituutista, Metropolitan-taidemuseosta ja The New York Timesista. Tehtävä innoitti lähes välittömästi Yhdysvalloissa taiteellisen innovaation nousun.
Vuoteen 1926 mennessä pienempi versio ranskalaisesta näyttelystä nimeltään "Valikoima esineitä Kansainvälisestä modernin, teollisen ja koriste-taiteen näyttelystä" kiersi monissa Yhdysvaltojen kaupungeissa, kuten New Yorkissa, Clevelandissa, Chicagossa, Detroitissa, St. Louisissa, Bostorissa, Minneapolisissa ja Filadelfiassa. Yhdysvalloissa järjestetyt maailmannäyttelyt Chicago:ssa (1933) ja New Yorkissa (1939) korostivat Art Deco -suunnittelua, kun taas Hollywood omaksui estetiikan ja teki siitä glamouria koko maassa. Jopa amerikkalaiset yritykset kuten General Motors ja Ford rakensivat paviljonkeja New Yorkin maailmannäyttelyssä.
Art Deco - New Yorkin maailmannäyttely
Yhdysvaltojen tunnetuimpien Art Deco -tyylin esimerkkien joukossa ovat taivaanrannan halkovia pilvenpiirtäjiä ja muut suuret rakennukset. Itse asiassa Art Decon amerikkalainen ilmentymä rakennussuunnitelmissa on nimeltään Zigzag Modern sen kulmikkaiden ja geometristen kuvioiden, kuten monimutkaisina arkkitehtonisesti valmistettuna julkisivuna. Kuitenkin amerikkalainen Art Deco on yleensä paljon vähemmän koristeellinen kuin eurooppalainen edeltäjänsä. Suorien linjojen ja voimakkaiden kaarevuuksien lisäksi, rohkeat geometriset muodot, intensiiviset värit ja joskus ylellinen koristelu, amerikkalainen versio on yksinkertaisempi. Kun merkittävät vaikutteet, kuten Uusi objektiivisuus ja Kansainvälinen tyyli arkkitehtuurissa, sekä vakavat taloudelliset takaiskut 1920-luvun lopussa ja 1930-luvun alussa alkoivat vaikuttaa Art Deco -esteettisyyteen, tyylistä tuli paljon vähemmän ylellinen.
Art Deco - Zig Zag Modern
Art Deco -tyyli Amerikkalaisista kehittyi teknologisen kehityksen juhlistamisena, mukaan lukien massatuotannon, ja palautettuna uskona sosiaaliseen edistykseen. Pohjimmiltaan nämä saavutukset voitaisiin nähdä kansallisuuden ylpeyden kuvastajina. 1930-luvulla Rooseveltin Works Progress Administration (WPA) loi useita Art Deco -teoksia, alkaen kunnallisista rakenteista, kuten kirjastoista ja kouluista, aina massiivisiin julkisiin muraaliin. WPA:n tarkoituksena oli elvyttää Yhdysvaltojen sodanjälkeistä taloutta luomalla julkisia työllisyyttä ja pyrki palvelemaan yhteisöä työllistämisen ja amerikkalaisten arvojen juurruttamisen kautta suunnittelussa. Näin Art Deco -tyylin käyttö toi demokratiasta ilmaisun suunnittelun kautta. Jotkut materiaalit, joita käytettiin usein Art Deco -luonnoksissa, olivat kalliita ja siksi tavallisten ihmisten ulottumattomissa. Kuitenkin uusien tai halpojen materiaalien käyttö teki mahdolliseksi tuottaa laajan valikoiman edullisia tuotteita ja toi siten kauneuden julkiseen sfääriin uudella tavalla.
Art Decon globaali kasvu
Art Deco -tyyli asettui vakiintuneisiin pääkaupunkeihin, kuten Havannaan, Kuubassa, Mumbain ja Jakartaan. Havannassa on kokonainen kaupunginosa rakennettu Art Deco -tyylillä. Lontoon metrojärjestelmä omaksuu laajalti tyyliä. Shanghain satama sisältää yli viisikymmentä Art Deco -rakennusta, joista suurin osa on suunnitellut unkarilainen Laszlo Hudec. Taideteollisuuden monumenteista sairaaloihin, jopa kaupunkeihin lainasta kuin Sydney ja Melbourne Australiassa, ovat myös omaksuneet tämän ilmiön.
Art Deco - Laszlo Hudec
Art Decolla on selkeä visuaalinen erityispiirre, johon kuuluu lineaaristen ja geometristen muotojen toistuva käyttö, kuten kolmiot, sakarat, trapezoidit ja chevron-kuviot. Kuten sen edeltäjä Art Nouveau, kun esineitä, kuten kukkia, eläimiä tai ihmishahmoja esitetään, niitä tyylitellään ja yksinkertaistetaan suuresti säilyttääkseen Art Decon kokonaisesteettisen. Tyylin alueellinen iterointi vaihtelee tyylittelyn ja yksinkertaistamisen tai yksinkertaisuuden luonteen ja laajuuden mukaan. Esimerkiksi kuten Ranskassa Rene Lalique'n suunnittelema Fig. "Tulip Bird" (1922) on elegantti ja ohut, kun taas Lee Lawrien Atlas (1937) Rockefeller Centerin edessä on jämäkkä ja tukeva, jonka lihakset ovat nimenomaisesti lineaarisia, vaikka molemmat pidetään hyviksi esityksiksi Deco-tyylistä.
Art Deco - Atlas Lee Lawrien Rockefeller Centerin rakennuksessa
Liikkeen nykyaikaiselle teknologialle antaman painotuksen mukaisesti Art Deco -taiteilijat ja -suunnittelijat hyödynsivät moderneja materiaaleja, kuten muoveja, baikeliitteitä ja ruostumatonta terästä. Mutta kun tarvittiin rikkautta ja hienostuneisuutta, suunnittelijat sisällyttivät eksoottisempia materiaaleja, kuten norsunluuta, sarvea ja seepra-nahkaa. Kuten Art Nouveau ja Arts and Crafts -liikkeet, Art Deco -tyyliä sovellettiin paljon vähemmän korkeimman tason visuaalisesti ilmentävien taiteellisten muotojen, kuten maalausten ja veistosten, ilmaisemiseen.
Art Deco -suunnittelu
Art Deco -tyyli vaikutti graafiseen taiteeseen tavalla, joka paljastaa italian futurismin vaikuttavan rakkauden nopeuteen ja koneen palvontaan. Futuristiset taiteilijat käyttivät viivoja liikkuvuuden osoittamiseen, niin kutsuttuja "nopeusviiksiä", jotka tulivat nopeasti liikkuvista autoista ja junista. Lisäksi Art Deco -harjoittajat käyttivät rinnakkaisia viivoja ja kartiomuotoja, jotka ehdottavat symmetriaa ja aerodynamiikkaa. Typografiaan vaikutti kansainvälinen Art Deco -vaikutus, ja Bifur, Broadway ja Peignot -fontit muistuttavat välittömästi tyyliä.
Art Deco - fontti Bifur
Kuvastoissa yksinkertaiset muodot ja suuret kiinteät värit muistuttavat japanilaisia puuleikkauksia, jotka olivat nousseet merkittäviksi vaikuttaviksi tekijöiksi lännen taiteilijoille, erityisesti Ranskassa, Edo-eristyksen päättymisen jälkeen vuonna 1868. Japanilaista taidetta seurannut virta eurooppaan vaikutti valtavasti. Erityisesti taiteilijat löysivät puuleikkauksista muodollisesti yksinkertaiselta mallilta, jonka avulla he saattoivat kehittää omia tunnistettavan modernistisia tyylejään, alkaen impressionistisista.
Art Deco -huonekalut
1920-luvun loppuun asti Ranskassa huonekalumuotoilu koostui pääasiassa Art Nouveau -tyylin variaatioista, mutta yksinkertaistettuna ja vähemmän kaarrettuna. Kun vuosikymmen eteni, Émile-Jacques Ruhlmann nousi huonekalusuunnittelun merkittävimmäksi hahmoksi (Ruhlmannilla oli oma paviljonki vuonna 1925). Vaikka hänen suunnitelmansa saivat pääasiassa inspiraatiota 1700-luvun neoklassisista tyyleistä, hän poisti suuren osan koristeista, mutta käytti silti eksoottisia materiaaleja, joita Art Nouveau -suunnittelijat suosivat, kuten mahonkia, ebeneä, ruusupuisia, norsunluuta ja kilpikonnakuoria. Tietenkin hänen teoksensa olivat usein liian kalliita mahdolliseksi muille kuin rikkaille.
Ruhlmannin ylellisiä suunnitelmia vastaan, jotka näyttivät olevan Art Nouveau- ja Art Deco-tyylien rajamailla, ehdottomasti Art Deco -tyyliin kuuluva huonekalusuunnittelija Ranskassa oli Jules Leleu. Hän oli ollut perinteinen muotoilija siihen asti, kun uusi tyyli syrjäytti Art Nouveaun, ja hänet tunnetaan Élysée-palatsin suuren ruokasalin ja elegantin Normandie-aluksen ensimmäisen luokan hyttien suunnittelusta.
Art Deco - huonekalu Jules Leleulta
Leleun ja Ruhlmannin kontrastina Le Corbusier oli puolustaja hyvin vähäiselle, koristelemattomalle Art Deco -tyylille, luoden usein huonekaluja, jotka sopivat hänen omiin karuihin arkkitehtonisiin rakenteisiinsa. Hänen tarkoituksensa oli suunnitella prototyyppejä, erityisesti tuoleja, joita voitaisiin massatuottaa ja näin ollen, saada ne kohtuuhintaisiksi laajemmalle markkinalle. On myös huomioitavaa, että Donald Deskeyn sisustussuunnittelu New Yorkin kuuluisassa nähtävyydessä, Radio City Music Hall, on erinomainen esimerkki amerikkalaisesta Art Deco -huonekalusuunnittelusta, joka on edelleen täydellisesti alkuperäisessä muodossaan tänä päivänä.
Art Deco - huonekalu Le Corbusierilta
Art Deco -arkkitehtuuri
Art Deco -arkkitehtuuri tunnetaan teräviä reunat, usein runsaasti koristeltuja, kirkkaiden metallisten yksityiskohtien tulokset. Monet näistä rakennuksista painottavat pystysuoraan, rakennettu siten, että ne vetävät katseita kohti ylös. Suorakulmaiset muodot, usein lohkoissa, on järjestetty geometrisesti lisättynä neuloilla katolla ja/tai kaarevilla koriste-elementeillä, jotka luovat aerodynaamisen efektin. New Yorkin pilvenpiirtäjät ja pastelliväriset rakennukset Miamissa ovat ohjelmoinut tunnetuimpia amerikkalaisia esimerkkejä, vaikka tyyliä täydennettiin monilla eri rakennuksilla maailmalla.
Yhdysvalloissa Works Progress Administration auttoi Art Deco -arkkitehtuurin yleistymisessä. Kiinnostavaa on, että monilla lama-ajan julkisilla töillä, joissa on Art Deco- ja Beaux-Arts klassikkollisuuden yhdistelmiä tunnetaan nimellä PWA Moderne tai Depression Moderne.
Art Deco PWA Moderne - Depression Moderne
Myöhemmät kehitykset: Art Decon jälkeen
Art Deco joutui huonoon muotiin toisen maailmansodan aikana Euroopassa ja Pohjois-Amerikassa, sodan aikaisen austereisuuden takia, jolloin tyyli vaikutti yhä voimakkaammin silmiinpistävältä ja rappeutuneelta. Metallit kerättiin käytettäväksi aseiden rakentamisessa eikä rakennusten tai sisätilojen koristelussa. Huonekalut eivät olleet enää statussymboleita. Muut teknologiset edistysaskeleet mahdollistivat peruskulutustuotteiden tuotannon halpenevat, mikä poisti tahdon ja suosion Art Deco -suunnittelijoilta.
Liike, joka monin tavoin pyrki katkaisemaan menneisyyden, on nyt muuttunut klassiseksi, joka herättää ylimääräistä nostalgiaa ja muistuttaa mielihyvällä. 1960-luvulta lähtien on ollut jatkuva ja jatkuva kiinnostus tähän tyyliin. Art Deco -kaikujen voidaan nähdä olevan keskivälin modernin suunnittelun, joka vie eteenpäin Deco-aerodynaamista estetiikkaa ja tarkastelee Bauhausin puhtaata yksinkertaisuutta. Deco auttoi myös inspiroimaan Memphis-ryhmää, Milanoon keskittynyttä suunnittelu- ja arkkitehtuuriliikettä 1980-luvulla. Memphis käytti myös pop-taidetta ja kitschiä värikkäiden ja tietoisesti postmodernien suunnitelmiensa lähteinä.
KUADROS ©, kuuluisa maalaus seinälläsi.
