Las 10 Pinturas Más Famosas de Jesús

La figura de Jesús es una de las más icónicas de la historia. 

El arte en torno a la imagen de Jesucristo ha sido idealizado tanto por artistas aficionados como por grandes maestros.

¿Cómo es posible mostrar en el lienzo una figura que es a la vez ompletamente humana y completamente divina? Este tipo de osadía artística es algo incluso atrevido intentarla.

Los artistas que pintaron en la tradición cristiana han hecho exactamente eso durante dos milenios.

Las 10 Pinturas más famosas de Jesús

Esta es una mirada a las 10 pinturas de Jesús más famosas a lo largo de la historia, según la clasificación realizada por los expertos de Kuadros.

# 1 La última Cena - Leonardo Da Vinci

La pintura más famosa de Jesucristo es sin duda La Última Cena de Leonardo Da Vinci.

La obra recrea la última reunión de Pascua entre Jesús y sus apóstoles, a partir del relato descrito en el evangelio de Juan, capítulo 13. El artista imaginó, y ha logrado expresar, el deseo que ronda la mente de los apóstoles de saber quién está traicionando a su Maestro.

Pintado a finales del siglo XV como mural en las paredes del refectorio del Convento de Santa Maria delle Grazie en Milán.

Las pinturas al fresco generalmente se crean aplicando pigmento sobre intonaco, una capa delgada de yeso de cal húmedo.

Esta es normalmente la mejor técnica para usar, ya que permite que el fresco se ocupe de la respiración natural o la sudoración que hace una pared a medida que la humedad se mueve hacia la superficie.

Sin embargo, en La Última Cena, da Vinci decide usar pintura al óleo ya que este material se seca mucho más lento, lo que le permitía trabajar en la imagen de una manera mucho más lenta y detallada.

Leonardo sabía que la humedad natural que penetra a través de la mayoría de los edificios de paredes de piedra tendría que sellarse si usara pinturas al óleo, o la humedad terminaría por arruinar su trabajo.

Entonces el artista agregó una doble capa de yeso, masilla y brea para combatir la deterioración por humedad.

A pesar de ello, la obra de arte ha tenido que ser restaurada muchas veces en su larga historia.

A hoy, queda muy poco de la capa superior inicial de la pintura al óleo como consecuencia del daño ambiental y también deliberado.

#2 La Transfiguración - Rafael

La Transfiguración de Rafael es la obra final del gran artista renacentista Rafael que fue encargada por el cardenal Giulio de Medici de la dinastía de banqueros Medici.

Originalmente la obra de arte fue concebida para colgarse como retablo central de la Catedral de Narbona en Francia y ahora cuelga en la Pinacoteca Vaticana en la Ciudad del Vaticano.

Después de la muerte de Rafael, la pintura nunca fue enviada a Francia y el Cardenal la colgó en cambio en el altar mayor de la iglesia del Beato Amadeo de San Pietro in Montorio, Roma en 1523.

Sin embargo, en 1797 la pintura fue tomada por las tropas francesas como parte de la campaña italiana de Napoleón y posteriormente colgada en el Louvre.

Se puede considerar que la pintura refleja una dicotomía en el nivel más simple: la fuerza redentora de Cristo, simbolizada por la pureza y la simetría de la mitad superior de la pintura. Esto contrasta con las deficiencias del Hombre, simbolizadas en la mitad inferior por escenas sombrías y caóticas.

La Transfiguración se relaciona con historias sucesivas del Evangelio de Mateo. La parte superior de la pintura representa a Cristo elevado frente a nubes ondulantes e iluminadas, ya ambos lados de él están los profetas Elías y Moisés. En la parte inferior de la pintura, los Apóstoles están representados, tratando sin éxito, de librar al niño poseído de los demonios. La parte superior muestra a Cristo transfigurado, que parece estar realizando un milagro, curando al niño y liberándolo del mal.

Las dimensiones de La Transfiguration son colosales, 410 x 279 cm. Rafael prefería pintar sobre lienzo, pero esta pintura se hizo con pinturas al óleo sobre madera como medios elegidos. Rafael en realidad mostró indicaciones avanzadas de manierismo y técnicas del período barroco en esta pintura.

Las poses estilizadas y contorsionadas de las medias figuras inferiores indican manierismo. La tensión dramática dentro de estas figuras, y el uso liberal de la luz y la oscuridad, o contrastes de claroscuro, representan el período barroco de movimiento exagerado para producir drama, tensión, exuberancia o iluminación. En realidad La Transfiguración se adelantó a su tiempo, al igual que la muerte de Rafael, que llegó demasiado pronto.

Esta obra sería la última pintura de Rafael, quien trabajaría en ella hasta su muerte en abril de 1520.

La limpieza de la pintura de 1972 a 1976 mostró que solo algunas de las figuras inferiores izquierdas fueron completadas por asistentes, mientras que la mayor parte de la pintura fue del propio artista.

#3 El Juicio Final - Miguel Ángel

El Juicio Final de Miguel Ángel se encuentra en la pared detrás del altar en la Capilla Sixtina. Su representación de la Segunda Venida de Cristo en "El juicio final" generó controversia inmediata por parte de la iglesia católica de la Contrarreforma.

Miguel Angel debía pintar el fin del tiempo, el comienzo de la eternidad, cuando lo mortal se vuelve inmortal, cuando los elegidos se unen a Cristo en su reino celestial y los condenados son arrojados a los tormentos interminables del infierno. 

Ningún artista en la Italia del siglo XVI estaba mejor posicionado para esta tarea que Miguel Ángel, cuya obra final selló su reputación como el mayor maestro de la figura humana, especialmente el desnudo masculino. El Papa Pablo III era muy consciente de esto cuando acusó a Miguel Ángel de volver a pintar el muro del altar de la capilla con el Juicio Final. Con su enfoque en la resurrección del cuerpo, este fue el tema perfecto para Miguel Ángel.

La poderosa composición, se centra en la figura dominante de Cristo, capturada en el momento previo al que se pronuncia el veredicto del Juicio Final.

Su gesto tranquilo e imperioso parece llamar la atención y aplacar la agitación circundante. En la imagen se inicia un amplio movimiento rotatorio lento en el que intervienen todas las figuras. Se excluyen las dos lunetas superiores con grupos de ángeles portando en vuelo los símbolos de la Pasión (a la izquierda la Cruz, los clavos y la corona de espinas; a la derecha la columna de la flagelación, las escaleras y la lanza con la esponja empapado en vinagre).

En el centro de la sección inferior están los ángeles del Apocalipsis que se encuentran despertando a los muertos con el sonido de largas trompetas. A la izquierda los resucitados recuperan sus cuerpos mientras ascienden hacia el cielo (Resurrección de la carne), a la derecha ángeles y demonios luchan por hacer caer a los condenados al infierno. Finalmente, en el fondo Caronte con sus remos, junto con sus demonios, hace que los condenados salgan de su bote para conducirlos ante el juez infernal Minos, cuyo cuerpo está envuelto en las espirales de la serpiente.

La referencia en esta parte al Infierno de la Divina Commedia de Dante Alighieri es clara. Además de elogios, el Juicio Final también provocó reacciones violentas entre los contemporáneos. Por ejemplo, el Maestro de Ceremonias Biagio da Cesena dijo que "fue de lo más deshonesto en un lugar tan honrado haber pintado tantas figuras desnudas que muestran tan deshonestamente su vergüenza y que no era una obra para una Capilla del Papa sino para estufas y tabernas "(G. Vasari, Le Vite). Las controversias, que continuaron durante años, llevaron en 1564 a la decisión de la Congregación del Concilio de Trento de tener cubiertas algunas de las figuras del Juicio que fueron consideradas "obscenas".

La tarea de pintar las cortinas de la cubierta, el llamado "braghe" (pantalones) fue encomendada a Daniele da Volterra, desde entonces conocido como el "braghettone". Los "braghe" de Daniele fueron solo los primeros que se realizaron. De hecho, en los siglos venideros se agregaron varios más.

#4 Cristo Cargando la Cruz - El Greco

Durante su larga trayectoria en España, El Greco realizó numerosas pinturas de Cristo cargando la cruz. Cristo Cargando la Cruz es una imagen de humanidad perfecta. La obra se destaca por las características pinceladas con las que el pintor utiliza el color para modelar los volúmenes y distorsiona los cuerpos para reflejar el anhelo espiritual del personaje.

El Greco pinta los ojos de Cristo con lágrimas dramáticas y exageradas en ellos. Sus ojos son el elemento clave de la pintura, ya que expresan mucha emoción.

Hay un delicado contraste entre sus hombros robustos y la belleza femenina de sus manos. Sin embargo, no hay signos de dolor en su rostro. Así como sus manos pasivas no expresan angustia ni esfuerzo por llevar la cruz.

El Greco transformó la imagen de Cristo agobiado y dolorido de la pesada cruz a uno que está tranquilo y listo para enfrentar su destino. La serenidad de Cristo ante su sacrificio invita al espectador a aceptar su propio destino en momentos de miedo y duda. 

#5 Cristo Crucificado - Diego Velázquez

Esta imagen intensamente poderosa de Jesús en la cruz fue pintada durante el período creativo que siguió al primer viaje estimulante de Velázquez a Italia. A diferencia de sus otros desnudos masculinos que aparecieron en pinturas como el Apolo en la Fragua de Vulcano y la Túnica de José, su Cristo en la Cruz es un cuerpo muerto o moribundo. que no va acompañado de otros elementos narrativos a excepción de la propia cruz. No obstante, el artista consigue dotar a la obra de una gran dignidad y serenidad.

Se cree que la obra fue un encargo para la sacristía del Convento de San Plácido, la postura austera del Cristo Crucificado presenta cuatro clavos, los pies juntos y aparentemente sostenidos por una pequeña repisa de madera, lo que permite que los brazos formen una sutil curva, en lugar de un triángulo. La cabeza está coronada por una aureola, mientras que el rostro se apoya sobre el pecho, dejándonos entrever sus facciones. Su cabello lacio y lacio cuelga sobre el lado derecho de su rostro, su camino posterior está trazado por la sangre que gotea de la herida en su lado derecho.

La imagen es inusualmente autobiográfica en el sentido de que ilustra todas las principales influencias en la pintura de Velázquez. Para empezar recuerda el tono devocional y la iconografía de las pinturas absorbidas durante sus primeros años en Sevilla bajo Francisco Pacheco, miembro activo de la Inquisición española.

En segundo lugar, refleja su habilidad en la pintura de figuras adquirida en España a partir del estudio de los artistas del Renacimiento español y, en Italia, del arte de la antigüedad clásica , del arte del Alto Renacimiento en Roma y Venecia, y de las obras de Caravaggio en Roma y Nápoles. 

La influencia del clasicismo en la obra se muestra en la calma general del cuerpo y su postura idealizada. La influencia del caravaggismo se hace patente en el tenebrismo dramático que centra toda la atención en el cuerpo pálido de Cristo.

Es cierto que la imagen no tiene el dramatismo característico de la pintura barroca, que se ve en obras religiosas como La crucifixión de San Pedro o el Descenso de la Cruz. En cambio, posee una calidad escultórica monumental que lo eleva, de acuerdo con la espiritualidad del tema. La composición es absolutamente simple pero con un vívido contraste entre el cuerpo blanco y el fondo oscuro, y hay naturalismo en la forma en que la cabeza de Cristo cae sobre su pecho. El pelo enmarañado está pintado con la soltura que Velázquez había visto y admirado de primera mano en ejemplos de la pintura veneciana.

Velázquez se ganó la reputación de ser uno de los mejores retratistas de España, convirtiéndose en el pintor oficial de Felipe IV (reinó entre 1621 y 1640) y, en última instancia, en el mayor representante de la pintura española del período barroco. Sin embargo, a pesar del hecho de que el arte religioso era especialmente importante en España, un país cuya monarquía gobernante se enorgullecía de ser uno de los principales patrocinadores del arte de la Contrarreforma católica, Velázquez pintó comparativamente pocas pinturas religiosas notables.

En cambio, el artista pintó el mundo que veía a su alrededor, especializándose en el arte del retrato, algo de pintura de género (bodegones ) y alguna que otra pintura de historia. Irónicamente, dada la escasez de sus obras religiosas, estuvo más influenciado por el genio italiano Caravaggio, quien se destaca sobre todo por su arte bíblico, ejecutado en un estilo agresivamente realista. Velázquez también estuvo fuertemente influenciado por las ideas del Renacimiento italiano obtenidas de su maestro sevillano Francisco Pacheco.

 

#6 Cristo Cargando La Cruz - Tiziano 

Hacia el año 1508 o 1509, Tiziano pintó un óleo que se conoce como Cristo Cargando la Cruz. Los orígenes reales de la pintura son algo misteriosos, e incluso varios historiadores del arte la han atribuido en ocasiones a otro pintor italiano, Giorgione. Ambos pintores pertenecían a un gremio de artistas vinculado a la escuela y la iglesia, ambos actuaban en la misma época y lugar, y es probable que la obra fuera pintada expresamente para la institución. Otro misterio sobre la pintura al óleo es que se decía que tenía habilidades curativas milagrosas, sobre las que se ha escrito en muchas narraciones históricas. Los peregrinos rezaban en la iglesia en un altar lateral donde se colgaba la pintura e informaban que se habían curado de dolencias.

El estado de ánimo general de la obra es sombrío y oscuro. Los colores más brillantes son los tonos carne apagados, y la paleta está dominada por varios tonos de marrón. Sobre un fondo casi negro, Cristo aparece de semiperfil llevando la cruz al hombro. Mientras mira hacia la izquierda, un verdugo de aspecto enojado aprieta una soga alrededor de su cuello, y otra figura ligeramente detrás del verdugo mira hacia adentro detrás de la escena. La composición tiene un estilo que fue innovador en ese momento, una vista de primer plano que evitó la perspectiva y la profundidad por intimidad y detalle. Característicamente para Tiziano, la pintura está llena de acción y el reposo parece lejano para los personajes representados.

#7 Salvator Mundi - Leonardo Da Vinci

Esta pintura famosa, aunque sigue siendo muy atractiva, ya no es considerada una obra de Leonardo da Vinci y perdió su lugar entre nuestra lista de las 100 pintuas más famosas de la historia.

Originalmente se pensó que Leonardo da Vinci pintó a Salvator Mundi para el rey Luis xII de Francia y su consorte, Ana de Bretaña.  Los expertos hoy cuestionan la atribución de la pintura l maestro italiano, a pesar de que ésta se vendiera en una subasta en noviembre de 2017 por $450,312,500, un precio récord para una obra de arte.

Salvator Mundi solía ser parte de nuestra la lista de pinturas famosas, pero dejó su lugar a otra pintura votada por el público y nuestros artistas.

#8 Los Discípulos de Emaús - Caravaggio

 

Esta obra del maestro Caravaggio es también conocida como La Peregrinación de Nuestro Señor a Emaús o simplemente La Cena de Emaús. La pintura muestra el momento en que los dos apóstoles que lo acompañan se dan cuenta de que quién les ha estado hablando todo el día ha sido su amado maestro.

Pintado en el apogeo de la fama del artista, Los Discípulos de Emaús es uno de los cuadros religiosos más impresionantes de la historia del arte. En esta pintura, Caravaggio captura brillantemente el clímax dramático del momento, el segundo exaxto en que los discípulos de repente comprenden quien ha estado frente a ellos desde el inicio. Sus acciones y reacción natural transmiten su asombro dramático: uno está a punto de saltar de su silla mientras el otro extiende los brazos en un gesto de incredulidad. La cruda iluminación subraya la intensidad de toda la escena.

En la obra, Caravaggio muestra a los discípulos como trabajadores ordinarios, con caras barbudas, arrugadas y ropas andrajosas, en contraste con el joven Cristo sin barba, que parece haber llegado desde un mundo diferente.

Hay algunos secretos escondidos en varios puntos. En la obra el artista escondió un huevo de Pascua, por ejmplo. La sombra proyectada por la canasta de frutas en la mesa también parece retratar un pez, lo que podría ser una alusión al gran milagro.

Y hay más tesoros escondidos en esta obra maestra. A veces, un defecto no es un defecto en absoluto, sino un golpe de genialidad. Tomemos, por ejemplo, el tejido de la cesta de mimbre que se tambalea en el borde de la mesa en el centro de la pintura.

Aunque innumerables ojos se han maravillado ante el misterioso drama que se desarrolla en el interior sombrío de aquella posada, el significado de una imperfección casi imperceptible ha pasado hasta ahora desapercibido a través de los siglos.

Una ramita suelta, que sobresale de la trenza del tejido, transforma el célebre lienzo de Caravaggio en un acto atrevido, un desafío espiritual para el observador.

Para apreciar todas las implicaciones de este pequeño detalle, vale la pena recordar los contornos del ambiente general que Caravaggio estaba evocando en su obra.

El tema de La Cena de Emaús, es algo que ha inspirado a grandes maestros de la historia, desde Rembrandt a Velásquez. El momento clave es narrado en el Evangelio de Lucas en el Nuevo Testamento. Allí se cuenta la historia de la comida íntima de Cristo con los dos discípulos, Lucas y Cleofás, quienes ignoran la verdadeda identidad del acompañante. En la pintura el pan ya ha sido partido y bendecido, y ha llegado el momento, según el relato del Evangelio, de que Cristo "abra" los ojos de sus seguidores y desaparezca "de su vista".

La obra maestra captura un umbral místico entre las sombras y la luz, el segundo mágico antes de que Cristo, quien está envuelto por la silueta de un extraño detrás de él, desaparece del mundo. En ese inconmensurable instante entre la revelación y la desaparición, Caravaggio hila su trama, el encuentro magistral entre dos mundos.

Cuando la verdad se revela el tío paterno de Cristo, Cleofás, se levanta de su silla preso del pánico y asombro ante la revelación: sus codos se elevan dinámicamente a través de las mangas de su abrigo.

Al otro lado del frutero de mimbre, a la derecha, Lucas abre los brazos de par en par, como reclamando la inverosimilitud de la escana, dibujando la misma postura en la cruz al momento de su dolorosa muerte. Entre tanto, el posadero se muestra imperturbable, observando sin comprender mientras escucha las palabras que Cristo ha hablado a sus atónitos discípulos, incapaz de captar el significado de un momento trascendental para la humanidad.

Los Discípulos De Emaús ocupa el puesto no. 82 en la lista de pinturas famosas 

#9 El Cristo Pantocrátor

El Cristo Pantocrátor es un panel de madera pintada que data del siglo VI del Monasterio de Santa Catalina ubicado en Sinaí, Egipto. Esta pintura se considera uno de los iconos religiosos bizantinos más antiguos y es la obra más antigua conocida del estilo pantocrátor.

El panel pintado tiene una altura de 84 cm con un ancho de 45,5 cm y una profundidad de 1,2 cm. Se cree que la pintura originalmente era más grande, pero se cortó en la parte superior y los lados en algún momento, por razones desconocidas, para producir las dimensiones actuales. En la obra se muestra a Cristo vestido con una túnica púrpura.- un color comúnmente elegido para representar a los de estatus imperial y realeza. Esta elección de color para su túnica es un símbolo de su estatus e importancia. Se representa a Cristo levantando la mano izquierda en señal de bendición y con la derecha sujeta un libro.

Podemos suponer que este libro es probablemente un Evangelio porque está adornado con joyas en forma de cruz. La pintura es deliberadamente asimétrica para simbolizar la naturaleza dual de Cristo. El lado izquierdo de Cristo es un símbolo de su naturaleza humana con sus rasgos representados como mucho más suaves y ligeros. Mientras que el costado derecho de Cristo simboliza su divinidad con su mirada severa y rasgos intensos. Los ojos en sí mismos son diferentes en forma y tamaño, así como el cabello en su lado izquierdo está recogido detrás de su hombro.

Uno de los íconos cristianos más importante es el Cristo Pantocrátor. Esta imagen retrata a Jesús como el gobernante soberano del mundo. El Cristo Pantocrátor fue una de las imágenes más antiguas de Jesús y aparece en los lugares más destacados de las iglesias rupestres.

La palabra Pantocrátor significa "Todopoderoso". En la versión griega del Antiguo Testamento (LXX), la palabra pantocrátor es la traducción de “Señor de los ejércitos” y “Dios Todopoderoso”. En el libro de Apocalipsis, pantocrátor aparece nueve veces como un título que enfatiza la soberanía y el poder de Dios.

El icono Cristo Pantocrátor enfatiza la omnipotencia de Jesús, su poder para hacer cualquier cosa. Jesús es el “Gobernante de Todo” quien sostiene todas las cosas. El simbolismo de Cristo Pantocrátor (explicado a continuación) se inspira en la imaginería imperial romana para proyectar su poder soberano. Los primeros cristianos usaron símbolos culturales para proclamar el poder soberano del Cristo resucitado.

Además, la ubicación del Cristo Pantocrátor en el ábside (el muro del santuario frontal) también tiene un significado teológico. Las iglesias bizantinas tenían el modelo de la basílica romana, la cámara del rey para celebrar la corte. El ábside era el puesto de autoridad donde se sentaba el funcionario gobernante. La posición de Jesús en el ábside declara que él es el gobernante legítimo y juez soberano sobre todo. 

Los cristianos comenzaron a representar visualmente a Jesús a finales de los años 300, una vez que ya no existía la amenaza de persecución. Estas primeras imágenes presentan a Jesús como una figura estoica sentada en un trono con un pergamino. En los años 600, Cristo Pantocrátor surgió como una simplificación de esa imagen temprana. El aspecto del Cristo Pantocrátor apenas ha cambiado en los últimos 1.500 años.

La mayoría de las primeras imágenes de Jesús fueron destruidas durante la controversia iconoclasta.

#10 Cristo de San Juan de la Cruz

De lejos, la más popular de todas las obras religiosas de Dalí es sin duda su "Cristo de San Juan de la Cruz", cuya figura domina la bahía de Port Lligat. La pintura se inspiró en un dibujo, conservado en el Convento de la Encarnación de Ávila, España, y realizado por el mismo San Juan de la Cruz después de haber visto esta visión de Cristo durante un éxtasis. Las personas junto al barco se derivan de un cuadro de Le Nain y de un dibujo de Diego Velázquez para La rendición de Breda.

Al pie de sus estudios para el Cristo, Dalí escribió: "En primer lugar, en 1951, tuve un sueño cósmico en el que vi esta imagen en color y que en mi sueño representaba el núcleo del átomo. Este núcleo tomó después un sentido metafísico: ¡consideré en 'la unidad misma del universo' al Cristo! En segundo lugar, gracias a las instrucciones del padre Bruno, un carmelita, vi al Cristo dibujado por San Juan de la Cruz, elaboré geométricamente un triángulo y un círculo, que resumían estéticamente todos mis experimentos anteriores, y inscribí a mi Cristo en este triángulo".

Esta obra fue considerada banal por un importante crítico de arte cuando se expuso por primera vez en Londres. 

La pintura fue una de las compras más controvertidas realizadas por el Dr. Tom Honeyman, entonces Director de los Museos de Glasgow. Ahora se reconoce ampliamente que el Dr. Honeyman tomó una decisión muy astuta al proponer a la entonces Glasgow Corporation que la ciudad comprara la pintura.

Honeyman no solo consiguió la pintura por menos del precio de catálogo, sino que también compró los derechos de autor de la obra a Salvador Dalí, asegurando así un legado a largo plazo de la compra.

Sin embargo, inicialmente, la pintura no fue bien recibida por todos, y los estudiantes de la Escuela de Arte de Glasgow argumentaron que el dinero podría haberse utilizado para comprar obras de artistas escoceses o de Glasgow.

Después de exhibirse en Kelvingrove en 1952, el Dalí atrajo a los visitantes en masa.

La pintura en la colección de los Museos de Glasgow no ha estado exenta de drama, ya que ha sido dañada dos veces, la más famosa cuando el lienzo fue desgarrado gravemente por un visitante que empuñaba una piedra afilada. Los conservadores de Kelvingrove pudieron reparar la pintura hasta el punto de que el daño ahora es apenas visible.

Más de 60 años después de su compra original, el atractivo perdurable de la pintura no muestra signos de disminución y ahora es una de las exhibiciones más populares del museo.

KUADROS ©, una pintura famosa en tu pared.