Die 10 berühmtesten Gemälde von Jesus

Die Figur von Jesus ist eine der ikonischsten in der Geschichte.

Die Kunst rund um das Bildnis Jesu Christi wurde sowohl von Amateurkünstlern als auch von großen Meistern idealisiert.

Wie ist es möglich, auf der Leinwand eine Figur darzustellen, die sowohl vollständig menschlich als auch vollkommen göttlich ist? Diese Art von künstlerischer Kühnheit ist etwas, das sogar gewagt ist zu versuchen.

Die Künstler, die in der christlichen Tradition malten, haben genau das seit zwei Jahrtausenden getan.

Die 10 berühmtesten Gemälde von Jesus

Dies ist ein Blick auf die 10 berühmtesten Gemälde von Jesus im Laufe der Geschichte, basierend auf der Rangliste der Experten von Kuadros.

# 1 Das letzte Abendmahl - Leonardo Da Vinci

Das berühmteste Gemälde Jesu Christi ist zweifellos Das letzte Abendmahl von Leonardo Da Vinci.

Das Werk rekreiert das letzte Passahmahl zwischen Jesus und seinen Aposteln, basierend auf dem Bericht im Evangelium von Johannes, Kapitel 13. Der Künstler stellte sich vor und brachte den Wunsch zum Ausdruck, der den Aposteln durch den Kopf ging zu erfahren, wer ihren Meister verrät.

Es wurde Ende des 15. Jahrhunderts als Wandmalerei im Speisesaal des Klosters Santa Maria delle Grazie in Mailand gemalt.

Fresken werden normalerweise erstellt, indem Pigment auf Intonaco aufgetragen wird, einer dünnen Schicht aus feuchtem Kalkgips.

Dies ist normalerweise die beste Technik, da sie es dem Fresko ermöglicht, von der natürlichen Atmung oder Schwitzen der Wand zu profitieren, während sich die Feuchtigkeit an die Oberfläche bewegt.

In Das letzte Abendmahl entschied sich Da Vinci jedoch, Ölfarbe zu verwenden, da dieses Material viel langsamer trocknet, was ihm erlaubte, an dem Bild in einem viel langsameren und detaillierteren Tempo zu arbeiten.

Leonardo wusste, dass die natürliche Feuchtigkeit, die durch die meisten Gebäude mit Steinwänden eindringt, versiegelt werden müsste, wenn er Ölfarben verwenden würde, oder die Feuchtigkeit würde letztendlich sein Werk ruinieren.

Also fügte der Künstler eine doppelte Schicht aus Gips, Mörtel und Pech hinzu, um die Schäden durch Feuchtigkeit zu bekämpfen.

Trotzdem musste das Kunstwerk in seiner langen Geschichte viele Male restauriert werden.

Heute bleibt von der ursprünglichen oberen Schicht der Ölfarbe sehr wenig übrig, als Folge von Umwelt- und auch absichtlichen Schäden.

#2 Die Verklärung - Rafael

Die Verklärung von Rafael ist das letzte Werk des großartigen Renaissance-Künstlers Rafael, das vom Kardinal Giulio de Medici der Medici-Banker-Dynastie in Auftrag gegeben wurde.

Ursprünglich wurde das Kunstwerk konzipiert, um als Hauptaltarbild in der Kathedrale von Narbonne in Frankreich aufgehängt zu werden und hängt jetzt in der Vatikanischen Pinakothek im Vatikan.

Nach Rafels Tod wurde das Gemälde nie nach Frankreich geschickt, und der Kardinal hängte es stattdessen 1523 am Hochaltar der Kirche des seligen Amadeus von San Pietro in Montorio in Rom auf.

Im Jahr 1797 wurde das Gemälde jedoch von französischen Truppen im Rahmen von Napoleons Italien-Kampagne mitgenommen und anschließend im Louvre aufgehängt.

Es kann gesagt werden, dass das Gemälde eine Dichotomie auf der einfachsten Ebene widerspiegelt: die erlösende Kraft Christi, symbolisiert durch die Reinheit und Symmetrie der oberen Hälfte des Gemäldes. Dies steht im Kontrast zu den Mängeln des Menschen, die in der unteren Hälfte durch düstere und chaotische Szenen symbolisiert werden.

Die Verklärung steht im Zusammenhang mit aufeinander folgenden Geschichten im Evangelium von Matthäus. Die obere Hälfte des Gemäldes zeigt Christus, der vor gewellten und erleuchteten Wolken erhöht ist, und auf beiden Seiten von den Propheten Elia und Mose flankiert wird. In der unteren Hälfte des Gemäldes sind die Apostel dargestellt, die erfolglos versuchen, den besessenen Jungen von den Dämonen zu befreien. Die obere Hälfte zeigt Christus in Verklärung, der anscheinend ein Wunder vollbringt, indem er den Jungen heilt und ihn vom Bösen befreit.

Die Abmessungen von Die Verklärung sind kolossal, 410 x 279 cm. Rafael bevorzugte es, auf Leinwand zu malen, aber dieses Bild wurde mit Ölfarben auf Holz als gewählten Medien geschaffen. Rafael zeigte in Wirklichkeit fortgeschrittene Anzeichen von Manierismus und Techniken des Barockzeitalters in diesem Gemälde.

Die stilisierten und verzerrten Posen der unteren Halbfelder deuten auf Manierismus hin. Die dramatische Spannung innerhalb dieser Figuren und der großzügige Einsatz von Licht und Dunkelheit oder Hell-Dunkel-Kontrasten repräsentieren die barocke Zeit des übertriebenen Bewegungsdramas, um Drama, Spannung, Üppigkeit oder Beleuchtung zu erzeugen. Tatsächlich war Die Verklärung ihrer Zeit weit voraus, ebenso wie Rafels Tod, der viel zu früh kam.

Dieses Werk wäre Rafels letztes Gemälde, an dem er bis zu seinem Tod im April 1520 arbeiten würde.

Die Reinigung des Gemäldes von 1972 bis 1976 zeigte, dass nur einige der unteren linken Figuren von Mitarbeitern vollendet wurden, während der größte Teil des Gemäldes vom Künstler selbst stammt.

#3 Das Jüngste Gericht - Michelangelo

Das Jüngste Gericht von Michelangelo befindet sich an der Wand hinter dem Altar in der Sixtinischen Kapelle. Seine Darstellung der Wiederkunft Christi im "Jüngsten Gericht" erzeugte sofortige Kontroversen seitens der katholischen Kirche der Gegenreformation.

Michelangelo sollte das Ende der Zeit malen, den Beginn der Ewigkeit, wenn das Sterbliche unsterblich wird, wenn die Auserwählten zu Christus in sein himmlisches Reich kommen und die Verurteilten in die endlosen Qualen der Hölle geworfen werden.

Kein Künstler im Italien des 16. Jahrhunderts war besser für diese Aufgabe geeignet als Michelangelo, dessen letztes Werk seinen Ruf als größten Meister der menschlichen Figur, insbesondere des männlichen Körpers, festigte. Papst Paul III. war sich dessen sehr bewusst, als er Michelangelo beschuldigte, die Wand des Altars der Kapelle mit dem Jüngsten Gericht neu zu gestalten. Mit seinem Fokus auf die Auferstehung des Körpers war dies das perfekte Thema für Michelangelo.

Die kraftvolle Komposition konzentriert sich auf die dominante Figur Christi, die im Moment kurz vor dem gesprochenen Urteil des Jüngsten Gerichts festgehalten wird.

Seine ruhige und imperative Geste scheint Aufmerksamkeit zu erregen und die umgebende Aufregung zu besänftigen. In dem Bild beginnt sich eine breite langsame Drehbewegung zu entwickeln, in der alle Figuren involviert sind. Die beiden oberen Lunetten mit Engelgruppen, die die Symbole der Passion in der Luft tragen (links das Kreuz, die Nägel und die Dornenkrone; rechts die Geißelkolonne, die Leiter und die Lanze mit dem in Essig getränkten Schwamm) sind ausgeschlossen.

In der Mitte des unteren Abschnitts befinden sich die Engel der Apokalypse, die die Toten mit dem Klang langer Trompeten aufwecken. Links erlangen die Auferstandenen ihre Körper zurück, während sie in den Himmel aufsteigen (Auferstehung des Fleisches), rechts kämpfen Engel und Dämonen, um die Verurteilten in die Hölle zu bringen. Schließlich steht im Hintergrund Charon mit seinen Rudern, zusammen mit seinen Dämonen, und zwingt die Verurteilten, aus seinem Boot auszusteigen, um sie vor den infernalischen Richter Minos zu bringen, dessen Körper in den Spiralen einer Schlange gehüllt ist.

Der Verweis auf das Inferno der Göttlichen Komödie von Dante Alighieri ist klar. Neben Lob erregte das Jüngste Gericht auch heftige Reaktionen unter den Zeitgenossen. Beispielsweise sagte der Zeremonienmeister Biagio da Cesena, dass "es das Unanständigste war, in einem so ehrwürdigen Ort so viele nackte Figuren zu malen, die so unanständig ihre Scham zeigen, und dass dies kein Werk für eine Papstkapelle, sondern für Öfen und Tavernen war" (G. Vasari, Le Vite). Die Kontroversen, die über Jahre andauerten, führten 1564 zur Entscheidung der Kongregation des Konzils von Trient, einige der Figuren des Gerichts zu verhüllen, die als "obszön" angesehen wurden.

Die Aufgabe, die Vorhänge zu malen, die die sogenannten "braghe" (Hosen) darstellen, wurde Daniele da Volterra übertragen, der von da an als "braghettone" bekannt wurde. Die "braghe" von Daniele waren nur die ersten, die gemacht wurden. Tatsächlich wurden im Laufe der Jahrhunderte viele weitere hinzugefügt.

#4 Christus trägt das Kreuz - El Greco

Während seiner langen Zeit in Spanien malte El Greco zahlreiche Bilder von Christus, der das Kreuz trägt. Christus trägt das Kreuz ist ein Bild vollkommener Menschlichkeit. Das Werk zeichnet sich durch die charakteristischen Pinselstriche aus, mit denen der Maler Farben verwendet, um Volumen zu modellieren und die Körper zu verzerren, um den spirituellen Drang der Figur widerzuspiegeln.

El Greco malt die Augen Christi mit dramatischen und übertriebenen Tränen. Seine Augen sind das Schlüsselmoment des Gemäldes, da sie viel Emotion ausdrücken.

Es gibt einen zarten Kontrast zwischen seinen robusten Schultern und der weiblichen Schönheit seiner Hände. Dennoch gibt es keine Anzeichen von Schmerz in seinem Gesicht. Ebenso drücken seine passiven Hände weder Angst noch Anstrengung beim Tragen des Kreuzes aus.

El Greco verwandelte das Bild von Christus, der unter dem schweren Kreuz leidet, in ein Bild, das ruhig und bereit ist, seinem Schicksal zu begegnen. Die Gelassenheit Christi vor seinem Opfer lädt den Betrachter ein, sein eigenes Schicksal in Momenten der Angst und des Zweifels zu akzeptieren.

#5 Christus am Kreuz - Diego Velázquez

Dieses intensiv kraftvolle Bild von Jesus am Kreuz wurde während der kreativen Phase gemalt, die auf Velázquez' ersten inspirierenden Besuch in Italien folgte. Im Gegensatz zu seinen anderen männlichen Aktmalereien, die in Gemälden wie Apollon in der Schmiede von Vulkan und das Hemd von Joseph auftauchten, ist sein Christus am Kreuz ein toter oder sterbender Körper, der nicht von anderen narrativen Elementen begleitet wird, außer dem Kreuz selbst. Dennoch gelingt es dem Künstler, dem Werk eine große Würde und Gelassenheit zu verleihen.

Es wird angenommen, dass das Werk ein Auftrag für die Sakristei des Klosters San Plácido war, die ernste Haltung des Christus am Kreuz zeigt vier Nägel, die Füße zusammen und scheinbar von einer kleinen Holzablage gehalten, was es erlaubt, dass die Arme eine subtile Kurve bilden, anstatt ein Dreieck. Der Kopf ist von einer Aureole gekrönt, während das Gesicht auf der Brust ruht, was uns einen Blick auf seine Züge ermöglicht. Sein glattes und langes Haar hängt auf der rechten Seite seines Gesichts, sein zurückgekehrter Weg ist mit Blut von der Wunde auf seiner rechten Seite beschriftet.

Das Bild ist ungewöhnlich autobiografisch, da es alle wichtigen Einflüsse in Velázquez' Malerei illustriert. Zunächst erinnert es an den frommen Ton und die Ikonographie der Gemälde, die er in seinen frühen Jahren in Sevilla unter Francisco Pacheco, einem aktiven Mitglied der spanischen Inquisition, absorbierte.

Darüber hinaus spiegelt es seine Fähigkeiten in der Figurenmalerei wider, die er in Spanien durch das Studium der spanischen Renaissancekünstler und in Italien durch die Antike, die Hochrenaissance in Rom und Venedig und die Werke von Caravaggio in Rom und Neapel erwarb.

Der Einfluss des Klassizismus in dem Werk zeigt sich in der allgemeinen Ruhe des Körpers und seiner idealisierten Haltung. Der Einfluss des Caravaggismus wird evident durch das dramatische Tenebrismus, das die gesamte Aufmerksamkeit auf den bleichen Körper Christi lenkt.

Es ist wahr, dass das Bild nicht den charakteristischen Dramatismus der barocken Malerei hat, die in religiösen Werken wie der Kreuzigung des hl. Petrus oder dem Die Kreuzabnahme zu sehen ist. Im Gegensatz dazu besitzt es eine monumentale skulptural Qualität, die es entsprechend der Spiritualität des Themas erhebt. Die Komposition ist absolut einfach, aber mit einem lebhaften Kontrast zwischen dem weißen Körper und dem dunklen Hintergrund, und es gibt einen Naturalismus in der Weise, wie der Kopf Christi auf seiner Brust sinkt. Das wirre Haar ist mit der Lockerheit gemalt, die Velázquez aus erster Hand in Beispielen der venezianischen Malerei gesehen und bewundert hatte.

Velázquez erwarb den Ruf, einer der besten Porträtmaler Spaniens zu sein, wurde der offizielle Maler von Philipp IV. (der von 1621 bis 1640 regierte) und schließlich der größte Vertreter der spanischen Malerei des Barockzeitalters. Doch trotz der Tatsache, dass religiöse Kunst in Spanien von besonderer Bedeutung war, einem Land, dessen regierende Monarchie stolz darauf war, einer der führenden Förderer der Kunst der katholischen Gegenreformation zu sein, malte Velázquez vergleichsweise wenige bemerkenswerte religiöse Gemälde.

Stattdessen malte der Künstler die Welt, die er um sich herum sah, spezialisierte sich auf die Porträtmalerei, etwas Genremalerei (Stilleben) und einige historische Malereien. Ironischerweise war Velázquez, angesichts der Knappheit seiner religiösen Werke, stärker vom italienischen Genie Caravaggio beeinflusst, der vor allem durch seine biblische Kunst hervorsticht, die in einem aggressiv realistischen Stil ausgeführt ist. Velázquez wurde auch stark von den Ideen der italienischen Renaissance inspiriert, die er von seinem sevillanischen Meister Francisco Pacheco erhielt.

#6 Christus trägt das Kreuz - Tizian

Um das Jahr 1508 oder 1509 malte Tizian ein Ölgemälde, das als Christus trägt das Kreuz bekannt ist. Die wahren Ursprünge des Gemäldes sind etwas mysteriös, und sogar mehrere Kunsthistoriker haben es gelegentlich einem anderen italienischen Maler, Giorgione, zugeschrieben. Beide Maler gehörten einer Künstlervereinigung an, die mit Schule und Kirche verbunden war, beide agierten zur gleichen Zeit und am gleichen Ort, und es ist wahrscheinlich, dass das Werk speziell für die Institution gemalt wurde. Ein weiteres Rätsel über das Ölgemälde ist, dass es angeblich wunderbare heilende Fähigkeiten hatte, über die in vielen historischen Berichten geschrieben wurde. Die Pilger beteten in der Kirche an einem Seitenaltar, wo das Gemälde aufgehängt war, und berichteten, dass sie von Beschwerden geheilt wurden.

Die allgemeine Stimmung des Werks ist düster und dunkel. Die hellsten Farben sind die gedämpften Hauttöne, und die Palette wird von verschiedenen Brauntönen dominiert. Vor einem fast schwarzen Hintergrund erscheint Christus im Halbprofil mit dem Kreuz auf der Schulter. Während er nach links schaut, zieht ein wütend aussehender Henker ein Seil um seinen Hals, und eine andere Figur leicht hinter dem Henker schaut von hinten in die Szene. Die Komposition hat einen Stil, der zu dieser Zeit innovativ war, eine Nahaufnahme, die Perspektive und Tiefe zugunsten von Intimität und Detail vermied. Charakteristisch für Tizian ist, dass das Gemälde voller Bewegung ist und Ruhe für die dargestellten Figuren fern scheint.

#7 Salvator Mundi - Leonardo Da Vinci

Dieses berühmte Gemälde, obwohl es nach wie vor sehr ansprechend ist, wird nicht mehr als Werk von Leonardo da Vinci angesehen und hat seinen Platz auf unserer Liste der 100 berühmtesten Gemälde der Geschichte verloren.

Ursprünglich wurde angenommen, dass Leonardo da Vinci Salvator Mundi für König Ludwig XII. von Frankreich und seine Gemahlin Anna von Bretagne malte. Heute stellen Experten die Zuschreibung des Gemäldes an den italienischen Meister in Frage, obwohl es im November 2017 bei einer Auktion für 450.312.500 $ verkauft wurde, einem Rekordpreis für ein Kunstwerk.

Salvator Mundi war einst Teil unserer Liste von berühmten Gemälden, wurde jedoch durch ein anderes Gemälde ersetzt, das vom Publikum und unseren Künstlern gewählt wurde.

#8 Die Jünger von Emmaus - Caravaggio

Dieses Werk des Meister Caravaggio ist auch bekannt als Die Pilgerfahrt unseres Herrn nach Emmaus oder einfach Das Abendmahl von Emmaus. Das Gemälde zeigt den Moment, in dem die beiden Apostel, die ihn begleiten, realisieren, dass derjenige, der ihnen den ganzen Tag über gesprochen hat, ihr geliebter Meister war.

Gemalt auf dem Höhepunkt des Ruhms des Künstlers, Die Jünger von Emmaus ist eines der beeindruckendsten religiösen Gemälde in der Kunstgeschichte. In diesem Gemälde fängt Caravaggio brillant den dramatischen Höhepunkt des Moments ein, die Sekunde, in der die Jünger plötzlich verstehen, wer ihnen seit Beginn gegenüberstand. Ihre Aktionen und natürliche Reaktion vermitteln ihr dramatisches Staunen: einer ist gerade dabei, aus seinem Stuhl zu springen, während der andere die Arme in einem Unglaubensgestus ausstreckt. Das grelle Licht unterstreicht die Intensität der ganzen Szene.

In dem Werk zeigt Caravaggio die Jünger als gewöhnliche Arbeiter mit bärtigen, zerknitterten Gesichtern und zerlumpten Kleidern, im Kontrast zu dem jungen Christus ohne Bart, der scheint, als käme er aus einer anderen Welt.

Es gibt einige Geheimnisse, die an verschiedenen Punkten verborgen sind. Im Werk hat der Künstler ein Osterei versteckt, zum Beispiel. Der Schatten, der von der Obstschale auf dem Tisch projiziert wird, scheint ebenfalls einen Fisch darzustellen, was eine Anspielung auf das große Wunder sein könnte.

Und es gibt noch mehr versteckte Schätze in diesem Meisterwerk. Manchmal ist ein Fehler überhaupt kein Fehler, sondern ein Schlag der Genialität. Lassen Sie uns zum Beispiel auf das Gewebe des Weidenkorb eingehen, das am Rand des Tisches im Zentrum des Gemäldes schwingt.

Obwohl unzählige Augen das geheimnisvolle Drama bewundert haben, das sich im düsteren Inneren jener Herberge entfaltet, blieb die Bedeutung eines fast unmerklichen Makels über die Jahrhunderte hinweg unbemerkt.

Ein loses Zweiglein, das aus dem Geflecht herausragt, verwandelt das berühmte Leinwandbild von Caravaggio in ein kühnes Werk, eine spirituelle Herausforderung für den Betrachter.

Um alle Implikationen dieses kleinen Details zu würdigen, sollte man sich die Umrisse der allgemeinen Atmosphäre in Erinnerung rufen, die Caravaggio in seinem Werk heraufbeschwor.

Das Thema von Das Abendmahl von Emmaus hat große Meister der Geschichte, von Rembrandt bis Velázquez, inspiriert. Der entscheidende Moment wird im Evangelium von Lukas im Neuen Testament erzählt. Dort wird die Geschichte des intimen Essens Christi mit den beiden Jüngern, Lukas und Cleopas, erzählt, die die wahre Identität des Begleiters nicht erkennen. In dem Bild ist das Brot bereits gebrochen und gesegnet worden, und es ist der Moment gekommen, gemäß dem Bericht des Evangeliums, dass Christus die Augen seiner Jünger "öffnet" und "von ihrem Blick" verschwindet.

Das Meisterwerk erfasst einen mystischen Schwellenmoment zwischen Schatten und Licht, den magischen Sekundenbruchteil, bevor Christus, der von der Silhouette eines Fremden hinter ihm umhüllt ist, die Welt verlässt. In diesem unermesslichen Moment zwischen Offenbarung und Verschwinden webt Caravaggio sein Gewebe, das meisterhafte Treffen zweier Welten.

Als die Wahrheit offenbart wird, springt der Onkel Christi, Cleopas, aus seinem Stuhl, gefangen von Panik und Staunen über die Offenbarung: Seine Ellbogen heben sich dynamisch durch die Ärmel seines Mantels.

Auf der anderen Seite des Weidenkorbs, rechts, breitet Lukas die Arme weit aus, als wolle er die Ungeheuerlichkeit der Szene geltend machen, die dieselbe Haltung am Kreuz in dem Moment seines schmerzhaften Todes zeichnet. Währenddessen bleibt der Wirt ungerührt und beobachtet, ohne zu verstehen, während er die Worte hört, die Christus seinen erstaunten Jüngern gesprochen hat, unfähig, die Bedeutung eines für die Menschheit entscheidenden Moments zu erfassen.

Die Jünger von Emmaus steht auf Platz 82 der Liste von berühmten Gemälden

#9 Der Christus Pantokrator

Der Christus Pantokrator ist ein bemaltes Holzpaneel, das aus dem 6. Jahrhundert stammt, aus dem Kloster St. Katharina im Sinai, Ägypten. Dieses Gemälde gilt als eines der ältesten byzantinischen religiösen Ikonen und ist das älteste bekannte Werk des Pantokrator-Stils.

Das bemalte Paneel hat eine Höhe von 84 cm, eine Breite von 45,5 cm und eine Tiefe von 1,2 cm. Man glaubt, dass das Gemälde ursprünglich größer war, es aber irgendwann, aus unbekannten Gründen, an der Oberseite und an den Seiten zugeschnitten wurde, um die heutigen Dimensionen zu produzieren. In dem Werk wird Christus in einem purpurnen Gewand dargestellt.- eine Farbe, die häufig gewählt wurde, um Personen von kaiserlichem Status und königlichem Blut darzustellen. Diese Farbwahl für sein Gewand ist ein Symbol seines Status und seiner Bedeutung. Christus wird dargestellt, wie er die linke Hand in einem Segen erhebt und mit der rechten ein Buch hält.

Wir können annehmen, dass dieses Buch wahrscheinlich ein Evangelium ist, da es mit kreuzförmigen Juwelen verziert ist. Das Gemälde ist absichtlich asymmetrisch, um die duale Natur Christi zu symbolisieren. Die linke Seite Christi symbolisiert seine menschliche Natur, mit seinen Zügen, die viel sanfter und leichter dargestellt sind. Während die rechte Seite Christi seine Göttlichkeit symbolisiert, mit einem strengen Blick und intensiven Zügen. Auch die Augen sind in Form und Größe unterschiedlich, und das Haar auf seiner linken Seite ist hinter seiner Schulter zusammengebunden.

Eine der wichtigsten christlichen Ikonen ist der Christus Pantokrator. Dieses Bild stellt Jesus als den souveränen Herrscher der Welt dar. Der Christus Pantokrator war eines der ältesten Bilder von Jesus und erscheint an den prominentesten Stellen in den Felsenkirchen.

Das Wort Pantokrator bedeutet "Allmächtig". In der griechischen Version des Alten Testaments (LXX) ist das Wort Pantokrator die Übersetzung von "Herr der Heerscharen" und "Gott der Allmächtige". Im Buch der Offenbarung erscheint Pantokrator neun Mal als Titel, der die Souveränität und Macht Gottes betont.

Das Icon Christus Pantokrator betont die Allmacht Jesu, seine Fähigkeit, alles zu tun. Jesus ist der "Herrscher über alles", der alle Dinge hält. Der Symbolismus von Christus Pantokrator (nachfolgend erklärt) ist inspiriert von der kaiserlichen römischen Imagery, um seine souveräne Macht zu projizieren. Die frühen Christen verwendeten kulturelle Symbole, um die souveräne Macht des auferstandenen Christus zu verkünden.

Außerdem hat die Position des Christus Pantokrator in der Apsis (der Wand des vorderen Heiligtums) auch eine theologische Bedeutung. Byzantinische Kirchen folgten dem Modell der römischen Basilika, dem königlichen Saal zur Feier des Hofes. Die Apsis war der Ort der Autorität, wo der regierende Beamte saß. Die Position Jesu in der Apsis erklärt, dass er der rechtmäßige Herrscher und souveräne Richter über alles ist.

Die Christen begannen, Jesus visuell darzustellen, Ende der 300er Jahre, als die Bedrohung der Verfolgung nicht mehr bestand. Diese frühen Bilder stellen Jesus als stoische Figur dar, die auf einem Thron mit einer Schriftrolle sitzt. Im 600. Jahrhundert entstand der Christus Pantokrator als eine Vereinfachung dieses frühen Bildes. Das Aussehen des Christus Pantokrator hat sich in den letzten 1.500 Jahren kaum verändert.

Die meisten frühen Bilder von Jesus wurden während der Ikonoklastenstreitigkeiten zerstört.

#10 Christus von San Juan de la Cruz

Von weitem ist das beliebteste aller religiösen Werke von Dalí ohne Zweifel sein "Christus von San Juan de la Cruz", dessen Figur die Bucht von Port Lligat dominiert. Das Gemälde wurde von einer Zeichnung inspiriert, die im Kloster der Inkarnation in Ávila, Spanien, erhalten ist und von San Juan de la Cruz selbst angefertigt wurde, nachdem er diese Vision von Christus während eines Ekstases gesehen hatte. Die Personen neben dem Schiff stammen von einem Gemälde von Le Nain und einer Zeichnung von Diego Velázquez aus Der Abgang von Breda.

Am Fuße seiner Studien für den Christus schrieb Dalí: "Zunächst hatte ich 1951 einen kosmischen Traum, in dem ich dieses Bild in Farbe sah und das in meinem Traum den Kern des Atoms darstellte. Dieser Kern erhielt später eine metaphysische Bedeutung: Ich betrachtete den Christus als 'die Einheit des Universums'! Zweitens, dank der Anweisungen von Pater Bruno, einem Karmeliter, sah ich den Christus, den San Juan de la Cruz zeichnete, entwarf geometrisch ein Dreieck und einen Kreis, die ästhetisch all meine vorherigen Experimente zusammenfassten, und schrieb meinen Christus in dieses Dreieck ein".

Dieses Werk wurde von einem bedeutenden Kunstkritiker als banal betrachtet, als es erstmals in London ausgestellt wurde.

Das Gemälde war einer der umstrittensten Käufe, die Dr. Tom Honeyman, damals Direktor der Museen von Glasgow, tätigte. Heute wird allgemein anerkannt, dass Dr. Honeyman eine sehr kluge Entscheidung traf, als er der damaligen Glasgow Corporation vorschlug, dass die Stadt das Gemälde kaufen sollte.

Honeyman erwarb das Gemälde nicht nur unter dem Katalogpreis, sondern kaufte auch die Urheberrechte des Werkes von Salvador Dalí, was so einen langfristigen Erbe des Kaufs sicherte.

Doch anfangs wurde das Gemälde nicht von allen gut aufgenommen, und die Studenten der Kunstschule von Glasgow argumentierten, dass das Geld auch für den Kauf von Werken schottischer oder glaswegian Künstler verwendet werden könnte.

Nach der Ausstellung in Kelvingrove im Jahr 1952 zog das Werk Dalí massenhaft Besucher an.

Das Gemälde in der Sammlung der Museen von Glasgow war nicht frei von Dramen, da es zweimal beschädigt wurde, am bekanntesten, als die Leinwand schwer von einem Besucher, der einen scharfen Stein schwang, zerrissen wurde. Die Konservatoren von Kelvingrove konnten das Gemälde so reparieren, dass der Schaden jetzt kaum sichtbar ist.

Mehr als 60 Jahre nach dem ursprünglichen Kauf zeigt die anhaltende Anziehungskraft des Gemäldes keine Anzeichen des Nachlassens und ist nun eine der beliebtesten Ausstellungen des Museums.

KUADROS ©, ein berühmtes Gemälde an deiner Wand.