Die 10 berühmtesten Gemälde Jesu

Die Figur Jesu ist eine der bekanntesten in der Geschichte. 

Die Kunst um das Bild Jesu Christi wurde sowohl von Amateurkünstlern als auch von großen Lehrern idealisiert.

Wie ist es möglich, auf der Leinwand eine Figur zu zeigen, die sowohl menschlich als auch völlig göttlich ist? Diese Art von künstlerischer Kühnheit wagt es sogar zu versuchen.

Die Künstler, die in der christlichen Tradition gemalt haben, haben genau das seit zwei Jahrtausenden getan.

Die 10 berühmtesten Gemälde Jesu

Dies ist ein Blick auf die 10 berühmtesten Jesus -Gemälde im Laufe der Geschichte, so die Klassifizierung von Kuadros -Experten.

# 1 Das letzte Abendmahl - Leonardo da Vinci

Das berühmteste Gemälde Jesu Christi ist zweifellos Leonardo da Vincis letztes Abendessen.

Die Arbeit stellt das letzte Ostertreffen zwischen Jesus und seinen Aposteln aus, aus der Geschichte, die im Johannes -Evangelium beschrieben wurde, Kapitel 13. Der Künstler stellte sich vor und hat es geschafft, den Wunsch auszudrücken, der sich um die Köpfe der Apostel des Wissens befindet, wer ist seinen Lehrer verraten.

Am Ende des 15. Jahrhunderts als Wandbild an den Wänden des Reflektoros des Klosters von Santa Maria Delle Grazie in Mailand gemalt.

Freskomalereien werden normalerweise durch Auftragen von Pigment auf Intonaco erzeugt, eine dünne Schicht nass ruhiger Gips.

Dies ist normalerweise die beste Technik, da es dem Fresko ermöglicht, sich um natürliches Atmen oder Schwitzen zu kümmern, das eine Wand macht, wenn sich die Feuchtigkeit zur Oberfläche bewegt.

Beim letzten Abendessen beschließt Da Vinci jedoch, Ölfarbe zu verwenden, da dieses Material viel langsamer trocknet, was es ihm ermöglichte, im Bild viel langsamer und detaillierter zu arbeiten.

Leonardo wusste, dass die natürliche Luftfeuchtigkeit, die durch die meisten Steinmauergebäude eindringt, versiegelt werden müsste, wenn er Ölgemälde benutzte, oder Feuchtigkeit seine Arbeiten ruinieren würde.

Dann fügte der Künstler eine doppelte Schicht Gips, Kitt und Bruch hinzu, um die Verschlechterung der Feuchtigkeit zu bekämpfen.

Trotzdem musste das Kunstwerk in seiner langen Geschichte oft wiederhergestellt werden.

Heutzutage gibt es aufgrund von Umwelt- und absichtlichen Schäden nur sehr wenig von der anfänglichen oberen Ölfarbe.

#2 Transfiguration - Rafael

Rafael -Verklärung Es ist die letzte Arbeit des großen Renaissance -Künstlers Rafael, der von Kardinal Giulio de Medici von der Medici Banqueros -Dynastie beauftragt wurde.

Ursprünglich wurde das Kunstwerk als zentrales Altarbild der Narbonne -Kathedrale in Frankreich aufgehängt und hängt jetzt an der Vatikan Pinacoteca in der Stadt des Vatikans.

Nach Rafaels Tod wurde das Gemälde nie nach Frankreich geschickt und der Kardinal hängte es stattdessen im Hauptaltar der gesegneten Amadeo -Kirche von San Pietro in Montorio, Rom, 1523.

1797 wurde das Gemälde jedoch von den französischen Truppen als Teil der italienischen Kampagne von Napoleon aufgenommen und anschließend im Louvre hängt.

Es kann angenommen werden, dass das Gemälde eine Dichotomie auf einfachster Ebene widerspiegelt: die Erlösungskraft Christi, symbolisiert durch die Reinheit und Symmetrie der oberen Hälfte des Gemäldes. Dies steht im Gegensatz zu den Mängel des Menschen, die in der unteren Hälfte durch düstere und chaotische Szenen symbolisiert werden.

Die Verklärung bezieht sich auf aufeinanderfolgende Geschichten des Matthew -Evangeliums. Der obere Teil des Gemäldes repräsentiert erhöhten Christus vor welligen und beleuchteten Wolken, und beide Seiten davon sind die Propheten Elijah und Moses. Im unteren Teil des Gemäldes sind die Apostel dargestellt, die ohne Erfolg versuchen, das von Dämonen besessene Kind zu reiten. Der obere Teil zeigt Christus, das transfiguriert ist, der ein Wunder zu tun scheint, das Kind heilt und es vom Bösen befreit.

Die Abmessungen der Transfiguration sind kolossal, 410 x 279 cm. Rafael zog es vor, Leinwand zu malen, aber dieses Gemälde wurde mit Ölgemälden auf Holz als ausgewählte Medien hergestellt. Rafael zeigte in diesem Gemälde tatsächlich Indikationen und Techniken der Barockzeit.

Die stilisierten und verzerrten Posen der mittleren Figuren weisen auf Manierismus hin. Die dramatische Spannung innerhalb dieser Figuren und die liberale Verwendung von Licht und Dunkelheit oder Kontraste von Chiaroscuro stellen die Barockzeit der übertriebenen Bewegung dar, um Drama, Spannung, Überschwang oder Beleuchtung zu erzeugen. Tatsächlich wurde die Verklärung zu seiner Zeit sowie Rafaels Tod vorgebracht, was zu früh kam.

Diese Arbeit wäre Rafaels letztes Gemälde, das bis zu ihrem Tod im April 1520 an ihr arbeiten würde.

Die Reinigung des Gemäldes von 1972 bis 1976 zeigte, dass nur einige der unteren linken Figuren von den Teilnehmern abgeschlossen wurden, während der größte Teil des Gemäldes selbst vom Künstler stammte.

#3 endgültiges Urteil - Miguel Ángel

Miguel Ángels endgültiges Urteil Es liegt an der Wand hinter dem Altar in der Sixtinischen Kapelle. Seine Darstellung des zweiten Kommens Christi in "The Final Acess" erzeugte durch die katholische Kirche der Counter -Reformation eine sofortige Kontroverse.

Miguel Angel musste das Ende der Zeit, den Beginn der Ewigkeit, malen, wenn der Sterbliche unsterblich wird, als die Auserwählten sich Christus in ihrem himmlischen Reich und den Verurteilten in die endlosen Hölle geworfen werden. 

Kein Künstler im Italien des 16. Jahrhunderts war besser für diese Aufgabe positioniert als Miguel Ángel, dessen endgültige Arbeit seinen Ruf als größter Lehrer der menschlichen Figur, insbesondere des männlichen Nude, besiegelte. Papst Paul III. War sich dessen sehr bewusst, als er Miguel Ángel beschuldigte, die Mauer des Altars der Kapelle mit dem endgültigen Urteil neu zu lackieren. Mit seinem Fokus auf die Auferstehung des Körpers war dies das perfekte Thema für Miguel Ángel.

Die kraftvolle Komposition konzentriert sich auf die dominante Figur Christi, die zu der Zeit vor dem durch das Urteil des endgültigen Urteils ausgesprochen wurde.

Seine ruhige und imperative Geste scheint Aufmerksamkeit zu erregen und die umgebende Agitation zu beruhigen. Im Bild beginnt eine breite langsame Drehbewegung, in der alle Figuren eingreifen. Die beiden oberen Fenster sind mit Gruppen von Engeln ausgeschlossen, die die Symbole der Leidenschaft im Flug tragen auf Essig gezielt).

In der Mitte des unteren Abschnitts befinden sich die Engel der Apokalypse, die die Toten mit dem Klang langer Trompeten wecken. Auf der linken Seite erholen sich die auferstandenen Körper, während sie am Himmel (Auferstehung des Fleisches) aufstieg, zu den rechten Engeln und Dämonen, um die zur Hölle verurteilten Herbst zu machen. Schließlich lässt es tief mit ihren Rudern zusammen mit ihren Dämonen das verurteilte verlassen, um sie vor dem höllischen Richter Minos zu fahren, dessen Körper in die Spiralen der Schlange gewickelt ist.

Die Referenz in diesem Teil zur Hölle von Dante Alighieris göttliche Commedia ist klar. Zusätzlich zu Lob verursachte das endgültige Urteil auch gewaltsame Reaktionen unter Zeitgenossen. Zum Beispiel sagte der Meister der Zeremonien, Biagio da Cesena, dass "es am unehrlichsten war, so viele nackte Figuren gemalt zu haben für Öfen und Tavernen "(G. Vasari, vite). Die Kontroversen, die jahrelang fortfuhr, nahmen 1564 die Entscheidung der Gemeinde des Rates von Trent ein, einige der Zahlen des Prozesses, die als "obszön" galten, behandelt zu haben.

Die Aufgabe, die Vorhänge des Daches zu malen, wurde Daniele da Volterra, seitdem als "Braghettone" bekannt, anvertraut. Danieles "Braghe" war nur die ersten, die gemacht wurden. Tatsächlich wurden in den kommenden Jahrhunderten einige weitere hinzugefügt.

#4 Christus laden das Kreuz - El Greco

Während seiner langen Karriere in Spanien machte das Griechen zahlreiche Gemälde von Christus, die das Kreuz trugen. Christus lädt das Kreuz Es ist ein Bild der perfekten Menschheit. Die Arbeit fällt auf die Schlaganfalleigenschaften auf, mit denen der Maler die Farbe verwendet, um die Bände zu modellieren, und verzerrt die Körper, um das spirituelle Verlangen des Charakters widerzuspiegeln.

Die Griechenmilde malt die Augen Christi mit dramatischen und übertriebenen Tränen in ihnen. Seine Augen sind das Schlüsselelement des Malerei, da sie viel Emotionen ausdrücken.

Es gibt einen zarten Kontrast zwischen seinen robusten Schultern und der weiblichen Schönheit seiner Hände. Es gibt jedoch keine Anzeichen von Schmerz im Gesicht. So wie ihre passiven Hände keine Angst oder Anstrengungen ausdrücken, das Kreuz zu tragen.

Die Griechen verwandelte das Bild Christi überfordert und wund vom schweren Kreuz zu jemandem, der ruhig und bereit ist, sich seinem Schicksal zu stellen. Die Gelassenheit Christi vor seinem Opfer lädt den Betrachter ein, sein eigenes Schicksal in Momenten der Angst und des Zweifels zu akzeptieren. 

#5 gekreuzigt Christus - Diego Velázquez

Dieses sehr starke Bild von Jesus am Kreuz wurde während der kreativen Zeit gemalt, die Velázquez 'erste anregende Reise nach Italien folgte. Im Gegensatz zu seinen anderen männlichen Akten, die in Gemälden wie dem Apollo in der Schmiede von Vulcano und der Tunika von Joseph auftraten, ist sein Christus am Kreuz ein toter oder sterbender Körper. Das wird nicht von anderen narrativen Elementen außer dem Kreuz selbst begleitet. Der Künstler schafft es jedoch, die Arbeit von großer Würde und Gelassenheit zu liefern.

Es wird angenommen, dass die Arbeit eine Kommission für die Sakristei des Klosters von San Plácido war, der strengen Position der Gekreuzigt Christus Es präsentiert vier Nägel, die Füße zusammen und anscheinend von einem kleinen Holzregal getragen, wodurch die Arme anstelle eines Dreiecks eine subtile Kurve bilden können. Der Kopf wird von einem Heiligenschein gekrönt, während das Gesicht auf der Brust ruht und uns einen Blick darauf werfen lässt. Sein gerader und gerade Haare hängt auf der rechten Seite seines Gesichts, sein hinterer Pfad wird durch das Blut gezeichnet, das die Wunde auf seiner rechten Seite trocknet.

Das Bild ist ungewöhnlich autobiografisch in dem Sinne, dass es alle Haupteinflüsse in Velázquez 'Gemälde veranschaulicht. Erinnern Sie sich zunächst an den Andachtston und die Ikonographie der Farben, die in ihren frühen Jahren in Sevilla unter Francisco Pacheco, einem aktiven Mitglied der spanischen Inquisition, absorbiert wurden.

Zweitens spiegelt es seine Fähigkeit wider, Figuren zu malen, die in Spanien aus der Untersuchung der Künstler der spanischen Renaissance und in Italien der Kunst der klassischen Antike, der Kunst der hohen Renaissance in Rom und Venedig und des Caravaggio erworben wurden arbeitet in Rom und Neapel. 

Der Einfluss des Klassizismus in der Arbeit zeigt sich in der allgemeinen Ruhe des Körpers und seiner idealisierten Position. Der Einfluss des Wohnwagens wird in einer dramatischen Dunkelheit offensichtlich, die den ganzen blassen Leib Christi konzentriert.

Es ist wahr, dass das Bild nicht das charakteristische Drama der Barockmalerei hat, das in religiösen Werken wie der Kreuzigung des heiligen Petrus oder der Querabstich. Stattdessen hat es eine monumentale skulpturale Qualität, die sie gemäß der Spiritualität des Subjekts erhöht. Die Komposition ist absolut einfach, aber mit einem lebhaften Kontrast zwischen dem weißen Körper und dem dunklen Hintergrund, und es gibt Naturalismus in der Art und Weise, wie der Kopf Christi auf seine Brust fällt. Gekröntes Haar ist mit der Leichtigkeit gemalt, die Velázquez in Beispielen für venezianische Malerei aus erster Hand gesehen und bewundert hat.

Velázquez gewann den Ruf, einer der besten Porträtisten in Spanien zu sein, der offizielle Maler von Felipe IV (zwischen 1621 und 1640 regiert) und letztendlich im größten Vertreter des spanischen Gemäldes der Barockzeit. Trotz der Tatsache, dass die religiöse Kunst in Spanien besonders wichtig war, einem Land, dessen herrschende Monarchie stolz war, einer der Hauptsponsoren der Kunst der katholischen Gegenreform zu sein, malte Velázquez vergleichsweise wenige bemerkenswerte religiöse Gemälde.

Stattdessen malte der Künstler die Welt um ihn herum und spezialisierte sich auf die Kunst des Porträts, einige Geschlechtsmalereien (still Leben) und ein anderes Geschichtsmalerei. Ironischerweise wurde er angesichts des Mangels an seinen religiösen Werken eher vom italienischen Genie Caravaggio beeinflusst, der hauptsächlich für seine biblische Kunst auffällt, die in einem aggressiv realistischen Stil hingerichtet wurde. Velázquez wurde auch stark von den Ideen der italienischen Wiedergeburt von seiner sevillischen Lehrerin Francisco Pacheco beeinflusst.

 

#6 Christus laden das Kreuz - Tizian 

Um 1508 oder 1509 malte Tiziano ein Öl, das als bekannt ist Christus lädt das Kreuz. Die wirklichen Ursprünge der Malerei sind etwas mysteriös, und selbst mehrere Kunsthistoriker haben es manchmal einem anderen italienischen Maler, Giorgione, zugeschrieben. Beide Maler gehörten einer Künstlergilde an, die mit der Schule und der Kirche verbunden war. Beide handelten gleichzeitig und gleicher Stelle, und es ist wahrscheinlich, dass die Arbeit für die Institution ausdrücklich gemalt wurde. Ein weiteres Rätsel über die Ölgemälde ist, dass es gesagt wurde, dass es wundersame Heilungsfähigkeiten hatte, über die es in vielen historischen Erzählungen geschrieben wurde. Die Pilger beteten in der Kirche auf einem Seitenaltar, in dem die Farbe aufgehängt wurde, und berichteten, dass sie von Beschwerden geheilt hatten.

Die allgemeine Stimmung der Arbeit ist düster und dunkel. Die hellsten Farben sind die Fleisch -Off -Töne, und die Palette wird von mehreren Brauntönen dominiert. Auf einem fast schwarzen Hintergrund erscheint Christus aus Semiperfil mit dem Kreuz auf seiner Schulter. Während er nach links schaut, drückt ein wütend aussehender Henker ein Seil um den Hals, und eine andere Figur, die leicht hinter dem Henker in die Szene schaut. Die Komposition hat einen Stil, der zu dieser Zeit innovativ war, eine enge Ansicht, die Perspektive und Tiefe für Intimität und Details vermieden hat. Charakteristisch für Tiziano ist die Malerei voller Action und Ruhe scheint für die dargestellten Charaktere entfernt zu sein.

#7 Salvator Mundi - Leonardo da Vinci

Dieses berühmte Gemälde ist, obwohl es immer noch sehr attraktiv ist, nicht mehr als Arbeit von Leonardo da Vinci angesehen und hat seinen Platz zwischen unserer Liste der 100 berühmtesten Gemälde in der Geschichte verloren.

Ursprünglich war es angenommen, dass Leonardo da Vinci Salvator Mundi für König Louis XII. Von Frankreich und seine Gemahlin Ana de Großbritannien bemalte. Die heutigen Experten in Frage stellen die Zuordnung des italienischen Lehrergemäldes, obwohl es im November 2017 bei einer Auktion für 450.312.500 USD verkauft wurde, ein Rekordpreis für ein Kunstwerk.

Salvator mundi war früher Teil von uns die Liste von Berühmte Gemäldeließ seinen Platz aber einem anderen Gemälde überlassen, der von der Öffentlichkeit und unseren Künstlern gewählt wurde.

#8 Emaus Jünger - Caravaggio

 

Diese Arbeit von Master Caravaggio ist auch als Pilgerreise unseres Herrn zu Emaus oder einfach Emaus -Abendessen bekannt. Das Gemälde zeigt den Moment, in dem die beiden Apostel, die ihn begleiten, erkennen, dass wer den ganzen Tag mit ihnen gesprochen hat, war sein geliebter Lehrer.

Im Vorhaben des Ruhms des Künstlers gemalt, Emaus -Jünger Es ist eines der beeindruckendsten religiösen Gemälde in der Kunstgeschichte. In diesem Gemälde fängt Caravaggio den dramatischen Höhepunkt des Augenblicks brillant ein, die zweite Exaxt, in der die Jünger plötzlich verstehen, wer von Anfang an vor ihnen stand. Seine Handlungen und seine natürliche Reaktion übertragen sein dramatisches Erstaunen: Einer ist kurz davor, von seinem Stuhl zu springen, während der andere seine Arme in einer Geste des Unglaubens ausdehnt. Die rohe Beleuchtung unterstreicht die Intensität der gesamten Szene.

In der Arbeit zeigt Caravaggio den Jüngern als gewöhnliche Arbeiter mit bärtigen Gesichtern, faltigen und zerfetzten Kleidung im Gegensatz zu dem jungen Christus ohne Bart, der aus einer anderen Welt gekommen zu sein scheint.

Es gibt einige Geheimnisse, die in verschiedenen Punkten versteckt sind. In der Arbeit versteckte der Künstler zum Beispiel ein Osterei. Der Schatten, den der Obstkorb auf dem Tisch projiziert, scheint auch einen Fisch darzustellen, was eine Anspielung auf das große Wunder sein könnte.

Und es gibt mehr Schätze in diesem Meisterwerk. Manchmal ist ein Defekt überhaupt kein Defekt, sondern ein Genieschlag. Nehmen wir zum Beispiel den Stoff des Korbkorbs, der am Rand des Tisches in der Mitte der Farbe wackelt.

Obwohl unzählige Augen das mysteriöse Drama, das sich in diesem Gasthaus entwickelt, gestaunt haben, ist die Bedeutung einer fast unmerklicher Unvollkommenheit im Laufe der Jahrhunderte so weit unbemerkt gestiegen.

Ein loser Zweig, der sich vom Gewebegeflecht abhebt, verwandelt die berühmte Leinwand von Caravaggio in eine gewagte Tat, eine spirituelle Herausforderung für den Beobachter.

Um alle Auswirkungen dieses kleinen Details zu schätzen, lohnt es sich, sich an die Konturen der allgemeinen Umgebung zu erinnern, die Caravaggio in seiner Arbeit hervorrief.

Das Thema des Emaus -Abendessens hat große Lehrer in der Geschichte inspiriert, von Rembrandt bis Velásquez. Der Schlüsselmoment wird im Lukaselvel im Neuen Testament erzählt. Es gibt die Geschichte des intimen Essens Christi mit den beiden Jüngern Lucas und Cleofás, die die Wahrheit des Begleiters ignorieren. Beim Malerei wurde das Brot bereits geteilt und gesegnet, und die Zeit ist nach der Geschichte des Evangeliums gekommen, dass Christus die Augen seiner Anhänger "öffnen" und "aus seinen Augen" "verschwinden".

Das Meisterwerk fängt eine mystische Schwelle zwischen Schatten und Licht ein, die zweite Magie vor Christus, die von der Silhouette eines Fremden hinter ihm verpackt wird, verschwindet aus der Welt. In diesem unermesslichen Moment zwischen Offenbarung und Verschwinden, Caravaggio Hila, seine Verschwörung, die Meister -Begegnung zwischen zwei Welten.

Wenn die Wahrheit der väterliche Onkel Christi, Cleofás, ist, steigt von seinem Stuhlgefangenen von Panik und Erstaunen zur Offenbarung auf: Seine Ellbogen werden dynamisch durch die Ärmel seines Mantels erhöht.

Auf der anderen Seite des Wicker -Früchte öffnet Lucas seine Arme groß, als die Unplausiität des Scans und zeichnet die gleiche Haltung am Kreuz zum Zeitpunkt seines schmerzhaften Todes. In der Zwischenzeit ist der Gasthaus unermüdlich und beobachtet ohne Verständnis, während er auf die Worte hört, die Christus mit seinen fassungslosen Jüngern gesprochen hat und nicht in der Lage ist, die Bedeutung eines transzendentalen Moments für die Menschheit zu erfassen.

Emaus -Jünger nehmen die Position Nr. 82 auf der Liste von Berühmte Gemälde 

#9 Der Pantocrador Christus

Der Pantocrador Christus Es ist eine gemalten Holzpanel aus dem siebten Jahrhundert Santa Catalina in Sinai, Ägypten. Dieses Gemälde gilt als eine der ältesten byzantinischen religiösen Ikonen und ist das älteste bekannte Werk des Pantocrayan -Stils.

Das bemalten Panel hat eine Höhe von 84 cm mit einer Breite von 45,5 cm und einer Tiefe von 1,2 cm. Es wird angenommen, dass die Farbe ursprünglich größer war, aber aus unbekannten Gründen an der Oberseite und an den Seiten geschnitten wurde, um die aktuellen Dimensionen zu erzeugen. Das Werk zeigt, wie Christus in einem lila Gewand gekleidet ist.- Eine Farbe, die üblicherweise ausgewählt wurde, um diejenigen des kaiserlichen Status und der Königen darzustellen. Diese Farbauswahl für Ihre Tunika ist ein Symbol für Ihren Status und Ihre Bedeutung. Christus wird dargestellt, indem er die linke Hand als Zeichen des Segens erhebt und mit dem Rechten ein Buch hält.

Wir können davon ausgehen, dass dieses Buch wahrscheinlich ein Evangelium ist, weil es mit kreuzförmigen Juwelen geschmückt ist. Das Gemälde ist absichtlich asymmetrisch, um die doppelte Natur Christi zu symbolisieren. Die linke Seite Christi ist ein Symbol seiner menschlichen Natur, wobei ihre Merkmale so viel weicher und heller darstellen. Während die rechte Seite Christi seine Göttlichkeit mit seinem starken Blick und intensiven Merkmalen symbolisiert. Die Augen selbst sind in Form und Größe unterschiedlich, und das Haar auf der linken Seite wird hinter Ihrer Schulter gesammelt.

Eine der wichtigsten christlichen Ikonen ist der Pantocker Christus. Dieses Bild zeigt Jesus als den souveränen Herrscher der Welt. Der Pantocker Christus war eines der ältesten Bilder Jesu und erscheint an den bekanntesten Orten der Felskirchen.

Das Wort Pantocker bedeutet "Allmächtig". In der griechischen Version des Alten Testaments (LXX) ist das Pantocker -Wort die Übersetzung von "Herr der Armeen" und "allmächtiger Gott". In Apocalypses Buch erscheint Pantocrador neunmal als Titel, der die Souveränität und Kraft Gottes betont.

Die Pantocrador -Christus -Ikone betont die Omnipotenz Jesu, seine Kraft, etwas zu tun. Jesus ist der "Herrscher von allem", der alle Dinge hält. Die Symbolik Christi Pantocrador (unten erklärt) ist von den römischen Imperialbildern inspiriert, um seine souveräne Kraft zu projizieren. Die ersten Christen verwendeten kulturelle Symbole, um die souveräne Kraft des auferstandenen Christus zu verkünden.

Außerdem hat der Ort des Pantocrador -Christus in der Apsis (der vorderen Heiligtumsmauer) eine theologische Bedeutung. Die byzantinischen Kirchen hatten das Model der römischen Basilika, der Kammer des Königs, um den Hof zu feiern. Die Apsis war die Position der Autorität, in der der regierende Beamte saß. Die Position Jesu in der APSE erklärt, dass er vor allem der legitime Herrscher und souveräne Richter ist. 

Die Christen begannen, Jesus am Ende des 300er Jahre visuell zu repräsentieren, sobald es nicht mehr die Gefahr einer Verfolgung gab. Diese ersten Bilder präsentieren Jesus als stoische Figur mit einer Schriftrolle auf einem Thron. In den 600er Jahren entstand Christus Pantocrador als Vereinfachung dieses frühen Bildes. Der Aspekt des Pantocrador Christus hat sich in den letzten 1.500 Jahren kaum verändert.

Die meisten der ersten Bilder Jesu wurden während der Ikonoklasten -Kontroverse zerstört.

#10 Christus von San Juan de la Cruz

Aus der Ferne ist die beliebteste aller religiösen Werke von Dalí zweifellos sein "Christus von San Juan de la Cruz", dessen Figur die Bucht von Port Ligat dominiert. Das Gemälde wurde von einer Zeichnung inspiriert, die im Kloster der Inkarnation von Ávila, Spanien, aufbewahrt und von San Juan de la Cruz selbst gemacht wurde, nachdem er diese Vision Christi während eines Ekstases gesehen hatte. Die Menschen neben dem Schiff stammen aus einem Bild von Le Nain und einer Zeichnung von Diego Velázquez zur Übergabe von Breda.

Am Fuße seiner Studien für den Christus schrieb Dalí: "Erstens 1951 hatte ich einen kosmischen Traum, in dem ich dieses Farbbild sah und dass in meinem Traum den Kern des Atoms darstellte. Dieser Kern nahm später auf Ein metaphysischer Sinn: Ich habe in "The Unity of the Universe" an den Christus nachgedacht! Zweiten Circle, der ästhetisch alle meine früheren Experimente zusammenfasste und meinen Christus in diesem Dreieck eingeschrieben hat. "

Diese Arbeit wurde von einem wichtigen Kunstkritiker als banal angesehen, als es zum ersten Mal in London ausgestellt wurde. 

Das Gemälde war einer der umstrittensten Einkäufe von Dr. Tom Honeyman, damals Direktor der Glasgow Museen. Es ist jetzt allgemein anerkannt, dass Dr. Honeyman eine sehr listige Entscheidung getroffen hat, indem er dem damaligen Glasgow Corporation vorschlug, dass die Stadt das Gemälde gekauft hat.

Honeyman bekam das Gemälde nicht nur für weniger als den Katalogpreis, sondern kaufte auch das Urheberrecht der Arbeit an Salvador Dalí und stellte so ein langfristiges Erbe des Kaufs sicher.

Anfangs wurde das Gemälde jedoch nicht von allen gut aufgenommen, und die Schüler der Glasgow School of Art argumentierten, dass Geld für den Kauf von Werken von schottischen Künstlern oder Glasgow verwendet werden könnte.

Nachdem Dalí 1952 in Kelvingrove ausgestellt hatte, zog er Massenbesucher an.

Das Gemälde in der Sammlung von Glasgow Museum ist nicht von der Drama befreit, da es zweimal beschädigt wurde, das bekannteste, als die Leinwand von einem Besucher, der einen scharfen Stein ausführte, ernsthaft zerrissen wurde. Kelvingrove -Konservative konnten die Farbe so weit reparieren, dass der Schaden kaum sichtbar ist.

Mehr als 60 Jahre nach seinem ursprünglichen Kauf zeigt die dauerhafte Attraktivität des Gemäldes keine Anzeichen einer Rücknahme und ist heute eine der beliebtesten Ausstellungen des Museums.

Kuadros ©, eine berühmte Farbe an Ihrer Wand.