De 10 mest berømte malerier af Jesus

Jesu figur er en af ​​de mest ikoniske i historien. 

Kunsten omkring Jesu Kristi billede er blevet idealiseret af både amatørkunstnere og store lærere.

Hvordan er det muligt at vise på lærredet en figur, der er både umulig menneskelig og fuldstændig guddommelig? Denne type kunstnerisk dristighed er endda vovet at prøve.

Kunstnerne, der malede i den kristne tradition, har gjort nøjagtigt det i to årtusinder.

De 10 mest berømte malerier af Jesus

Dette er et kig på de 10 mest berømte Jesus -malerier gennem historien, ifølge klassificeringen foretaget af Kuadros -eksperter.

# 1 Den sidste aftensmad - Leonardo da Vinci

Det mest berømte maleri af Jesus Kristus er uden tvivl Leonardo da Vincis sidste middag.

Arbejdet genskaber det sidste påskemøde mellem Jesus og hans apostle, fra den historie, der er beskrevet i evangeliet om John, kapitel 13. Kunstneren forestillede sig og har formået at udtrykke, det ønske, der er omkring sindet i apostlene ved at vide, hvem der er forråde sin lærer.

Malet i slutningen af ​​det 15. århundrede som et vægmaleri på væggene i refektoren af ​​klosteret i Santa Maria delle Grazie i Milano.

Fresco -malerier oprettes normalt ved at anvende pigment på Intonaco, et tyndt lag våd rolig gips.

Dette er normalt den bedste teknik at bruge, da det giver freskoen mulighed for at tage sig af naturlig vejrtrækning eller sved, der gør en væg, når fugt bevæger sig mod overfladen.

Ved den sidste middag beslutter Da Vinci imidlertid at bruge olie -maling, da dette materiale tørrer meget langsommere, hvilket gjorde det muligt for ham at arbejde på billedet på en meget mere langsom og detaljeret måde.

Leonardo vidste, at den naturlige fugtighed, der trænger igennem de fleste af stenmurbygningerne, skulle forsegles, hvis han brugte olie -malerier, eller fugt ville ende med at ødelægge hans arbejde.

Derefter tilføjede kunstneren et dobbelt lag af gips, kitt og bryder for at bekæmpe fugtforringelse.

På trods af dette har kunstværket været nødt til at gendannes mange gange i sin lange historie.

I dag er der meget lidt af det indledende øverste lag olie -maling som et resultat af miljømæssige og også bevidst skade.

#2 Transfiguration - Rafael

Rafael Transfiguration Det er det sidste værk af den store renæssancekunstner Rafael, der blev bestilt af kardinal Giulio de Medici fra Medici Banqueros -dynastiet.

Oprindeligt blev kunstværket udtænkt til at hænge som et centralt altertavle i Narbonne -katedralen i Frankrig og hænger nu på Vatikanet Pinacoteca i Vatikanets by.

Efter Rafaels død blev maleriet aldrig sendt til Frankrig, og kardinal hængt det i stedet i hovedalteret i den velsignede Amadeo -kirke San Pietro i Montorio, Rom i 1523.

I 1797 blev maleriet imidlertid taget af de franske tropper som en del af den italienske kampagne for Napoleon og derefter hængt i Louvre.

Det kan overvejes, at maleriet afspejler en dikotomi på det enkleste niveau: Kristi forløsende kraft, symboliseret af renheden og symmetrien i den øverste halvdel af maleriet. Dette står i kontrast til menneskets mangler, symboliseret i den nedre halvdel af dystre og kaotiske scener.

Transfiguration er relateret til successive historier om Matthew -evangeliet. Den øverste del af maleriet repræsenterer forhøjet Kristus foran bølgende og oplyste skyer, og begge sider af det er profeterne Elijah og Moses. I den nederste del af maleriet er apostlene repræsenteret og prøver uden succes at ride det barn, der var besat af dæmoner. Den øverste del viser til Kristus transfigureret, der ser ud til at gøre et mirakel, helbrede barnet og frigøre ham fra det onde.

Dimensionerne på transfigurationen er kolossale, 410 x 279 cm. Rafael foretrak at male på lærred, men dette maleri blev lavet med olie -malerier på træ som valgte medier. Rafael viste faktisk avancerede mannerismindikationer og teknikker i den barokke periode i dette maleri.

De stiliserede og forvrængede positioner af de mellemstore figurer indikerer mannerisme. Den dramatiske spænding inden for disse figurer og den liberale brug af lys og mørke eller kontraster af Chiaroscuro repræsenterer den barokke periode med overdrevet bevægelse for at producere drama, spænding, spredning eller belysning. Faktisk blev transfigurationen fremskaffet til hans tid såvel som Rafaels død, der kom for tidligt.

Dette arbejde ville være Rafaels sidste maleri, der ville arbejde på hende indtil hendes død i april 1520.

Rengøringen af ​​maleriet fra 1972 til 1976 viste, at kun nogle af de nederste venstre figurer blev afsluttet af deltagere, mens det meste af maleriet var fra kunstneren selv.

#3 Endelig dom - Miguel ángel

Miguel ángels endelige dom Det er på væggen bag alteret i det sixtinske kapel. Hans repræsentation af Kristi andet komme i "den endelige dom" skabte øjeblikkelig kontrovers af den katolske kirke i tælleren -reformation.

Miguel Angel var nødt til at male slutningen af ​​tiden, begyndelsen af ​​evigheden, når den dødelige bliver udødelig, når de valgte slutter sig til Kristus i deres himmelske rige, og de dømte kastes i helvede uendelige pine. 

Ingen kunstner i det sekstende århundrede Italien var bedre placeret til denne opgave end Miguel ángel, hvis sidste arbejde forseglede sit omdømme som den største lærer i den menneskelige figur, især den mandlige nøgen. Pave Paul III var meget opmærksom på dette, da han beskyldte Miguel ángel for at re -male muren i kapellets alter med den endelige dom. Med sit fokus på kroppens opstandelse var dette det perfekte tema for Miguel ángel.

Den magtfulde sammensætning, der fokuserer på Kristi dominerende figur, der er fanget på det tidspunkt før den, der blev udtalt af dommen om den endelige dom.

Hans stille og imperative gestus ser ud til at tiltrække opmærksomhed og placering omkring agitation. På billedet begynder en bred langsom roterende bevægelse, hvor alle figurer griber ind. De to øverste vinduer er udelukket med grupper af engle, der bærer i flyvning symbolerne på lidenskaben (til venstre korset, neglene og tornens krone; til højre kolonnen i flagellationen, trappen og spydet med svampen målrettet i eddike).

I midten af ​​det nedre afsnit er Apocalypse -englene, der vågner de døde med lyden af ​​lange trompeter. Til venstre gendannede den opstandne deres kroppe, mens de stiger op til himlen (kødets opstandelse), til højre engle og dæmoner kæmper for at få dem, der er dømt til helvede. Endelig, dybt nede med deres årer, sammen med deres dæmoner, får det den dømte til at forlade deres båd til at drive dem inden den infernale dommer Minos, hvis krop er pakket ind i spiralerne i slangen.

Henvisningen i denne del til helvede af Dante Alighieris Divine Commedia er klar. Ud over ros forårsagede den endelige dom også voldelige reaktioner blandt samtidige. F.eks For komfurer og taverner "(G. Vasari, Vite). Kontroverserne, der fortsatte i årevis, tog i 1564 beslutningen fra menigheden for Trent Council om at have dækket nogle af tallene i retssagen, der blev betragtet som "uanstændige."

Opgaven med at male gardinerne på taget, den såkaldte "Braghe" (bukser) blev overdraget til Daniele da Volterra, siden dengang kendt som "Braghettone". Danieles "Braghe" var kun de første, der blev lavet. Faktisk blev flere flere tilføjet i de kommende århundreder.

#4 Kristus indlæser korset - El Greco

I løbet af sin lange karriere i Spanien lavede Greco adskillige malerier af Kristus, der bærer korset. Kristus indlæser korset Det er et billede af perfekt menneskehed. Arbejdet skiller sig ud for de slagkarakteristika, som maleren bruger farven til at modellere mængderne og forvrænger kropperne for at afspejle karakterens åndelige ønske.

Greco maler Kristi øjne med dramatiske og overdrevne tårer i dem. Hans øjne er det centrale element i maleriet, da de udtrykker en masse følelser.

Der er en delikat kontrast mellem hans robuste skuldre og hans feminine skønhed i hans hænder. Der er dog ingen tegn på smerter i hans ansigt. Ligesom deres passive hænder ikke udtrykker kvaler eller kræfter på at bære korset.

Greco forvandlede billedet af Kristus overvældede og ømme fra det tunge kors til en, der er rolig og klar til at møde sin skæbne. Kristi sindsro inden hans offer inviterer seeren til at acceptere sin egen skæbne i øjeblikke af frygt og tvivl. 

#5 korsfæstet Kristus - Diego Velázquez

Dette intenst magtfulde billede af Jesus på korset blev malet i den kreative periode, der fulgte Velázquezs første stimulerende tur til Italien. I modsætning til hans andre mandlige nøgenheder, der dukkede op i malerier som Apollo i smeden af ​​Vulcano og Tunikaen fra Joseph, er hans Kristus på korset en død eller døende krop. Det er ikke ledsaget af andre fortællingselementer undtagen for selve korset. Kunstneren formår imidlertid at give værket af stor værdighed og sindsro.

Det antages, at arbejdet var en kommission for sakristiet af klosteret i San Plácido, den stramme position af Korsfæstet Kristus Det præsenterer fire negle, fødderne sammen og tilsyneladende understøttet af en lille træhylde, som gør det muligt for armene at danne en subtil kurve i stedet for en trekant. Hovedet er kronet af en glorie, mens ansigtet hviler på brystet og lader os skimte. Hans lige og lige hår hænger på højre side af hans ansigt, hans bageste sti trækkes af blodet, der drypper såret på hans højre side.

Billedet er usædvanligt selvbiografisk i den forstand, at det illustrerer alle de vigtigste påvirkninger i Velázquezs maleri. Til at begynde med skal du huske den hengivne tone og ikonografi af de malinger, der blev optaget i deres tidlige år i Sevilla under Francisco Pacheco, et aktivt medlem af den spanske inkvisition.

For det andet afspejler det sin evne til at male figurer, der er erhvervet i Spanien fra studiet af kunstnerne i den spanske renæssance og i Italien af ​​kunsten at klassisk antik, af kunsten ved den høje renæssance i Rom og Venedig og af campinggio Arbejder i Rom og Napoli. 

Klassismens indflydelse i værket er vist i den generelle ro i kroppen og dens idealiserede position. Indflydelsen af ​​campinggisme bliver tydelig i dramatisk mørke, der fokuserer al den blege Kristi legeme.

Det er sandt, at billedet ikke har det karakteristiske drama af barokkemaleri, der ses i religiøse værker såsom korsfæstelsen af ​​St. Peter eller Kryds nedstigning. I stedet har den en monumental skulpturel kvalitet, der hæver den i henhold til emnets spiritualitet. Sammensætningen er absolut enkel, men med en levende kontrast mellem den hvide krop og den mørke baggrund, og der er naturalisme på den måde, Kristi hoved falder på brystet. Tangled hår er malet med den lethed, som Velázquez havde set og beundret førstehånds i eksempler på venetiansk maleri.

Velázquez vandt ry for at være en af ​​de bedste portrætister i Spanien og blev den officielle maler af Felipe IV (regerede mellem 1621 og 1640) og i sidste ende i den største repræsentant for det spanske maleri i den barokke periode. På trods af det faktum, at religiøs kunst var især vigtig i Spanien, et land, hvis herskende monarki var stolt over at være en af ​​hovedsponsorerne for kunsten i den katolske tæller -reform, malede Velázquez relativt få bemærkelsesværdige religiøse malerier.

I stedet malede kunstneren verden omkring ham med speciale i portrætkunsten, noget kønsmaleri (stadig liv) og noget andet historiemaleri. Ironisk nok, i betragtning af manglen på sine religiøse værker, var han mere påvirket af det italienske geni campinggio, der hovedsageligt skiller sig ud for sin bibelske kunst, henrettet i en aggressiv realistisk stil. Velázquez var også stærkt påvirket af ideerne om den italienske genfødelse, der blev opnået fra sin Sevillian -lærer Francisco Pacheco.

 

#6 Kristus indlæser korset - Titian 

I 1508 eller 1509 malede Tiziano en olie, der er kendt som Kristus indlæser korset. Maleriets virkelige oprindelse er noget mystisk, og endda flere kunsthistorikere har undertiden tilskrevet det til en anden italiensk maler, Giorgione. Begge malere tilhørte en kunstnergilde, der var knyttet til skolen og kirken, begge handlede på samme tid og sted, og det er sandsynligt, at arbejdet udtrykkeligt blev malet for institutionen. Et andet mysterium om oljemaleri er, at det blev sagt, at det havde mirakuløse helbredelsesevner, som det er skrevet i mange historiske fortællinger. Pilgrimme bad i kirken på et sidealter, hvor malingen blev hængt og rapporterede, at de havde helbredet for lidelser.

Arbejdets generelle stemning er dyster og mørk. De lyseste farver er de kød -off -toner, og paletten domineres af flere brune toner. På en næsten sort baggrund vises Kristus fra Semiperfil, der bærer korset på hans skulder. Mens du ser til venstre, presses en vred -se bøddel et reb rundt om hans hals, og en anden figur lidt bag bødlen ser inde i scenen. Sammensætningen har en stil, der var innovativ på det tidspunkt, en nær -op -visning, der undgik perspektiv og dybde for intimitet og detaljer. Karakteristisk for Tiziano er maleri fuld af handling, og hvile virker fjernt for de repræsenterede figurer.

#7 Salvator Mundi - Leonardo da Vinci

Dette berømte maleri, selv om det stadig er meget attraktivt, betragtes ikke længere som et værk af Leonardo da Vinci og mistede sin plads mellem vores liste over de 100 mest berømte malerier i historien.

Oprindeligt troede man, at Leonardo da Vinci malede Salvator Mundi for kong Louis Xii fra Frankrig og hans konsort, Ana de Storbritannien. Eksperterne sætter i dag spørgsmålstegn ved tilskrivningen af ​​det italienske lærermaleri, skønt det blev solgt på en auktion i november 2017 for $ 450.312.500, en rekordpris for et kunstværk.

Salvator Mundi plejede at være en del af os listen over Berømte malerier, men overlod sit sted til et andet maleri, der blev stemt af offentligheden og vores kunstnere.

#8 Emaus Disciples - Caravaggio

 

Dette arbejde fra Master Caravaggio er også kendt som pilgrimsrejsen for vores Herre til Emaus eller blot Emaus middag. Maleriet viser det øjeblik, hvor de to apostle, der ledsager ham, er klar over, at hvem der har talt med dem hele dagen, har været hans elskede lærer.

Malet i apogee af kunstnerens berømmelse, Emaus disciple Det er et af de mest imponerende religiøse malerier i kunsthistorien. I dette maleri fanger Caravaggio strålende det dramatiske klimaks i øjeblikket, den anden exaxt, hvor disciplerne pludselig forstår, hvem der har været foran dem fra starten. Hans handlinger og naturlige reaktion overfører hans dramatiske forbløffelse: den ene er ved at hoppe fra sin stol, mens den anden udvider armene i en gestus af vantro. Den rå belysning understreger intensiteten af ​​hele scenen.

I arbejdet viser Caravaggio disciplene som almindelige arbejdstagere med skæggede ansigter, rynket og spredt tøj i modsætning til den unge Kristus uden skæg, der ser ud til at være kommet fra en anden verden.

Der er nogle hemmeligheder skjult på forskellige punkter. I værket skjulte kunstneren for eksempel et påskeæg. Den skygge, der projiceres af frugtkurven på bordet, ser også ud til at fremstille en fisk, som kunne være en hentydning til det store mirakel.

Og der er flere skatte skjult i dette mesterværk. Nogle gange er en defekt overhovedet ikke en mangel, men et genialt slag. Lad os for eksempel tage stoffet i den kurvkurv, der vugger ved kanten af ​​bordet i midten af ​​malingen.

Selvom utallige øjne har forundret sig over det mystiske drama, der udvikler sig inde i denne kro, er betydningen af ​​en næsten umærkelig ufuldkommenhed gået hidtil ubemærket gennem århundrederne.

En løs kvist, der skiller sig ud fra vævsfletningen, omdanner det berømte lærred af Caravaggio til en dristig handling, en åndelig udfordring for observatøren.

For at værdsætte alle konsekvenserne af denne lille detalje er det værd at huske konturerne af det generelle miljø, at Caravaggio fremkalder i sit arbejde.

Temaet for Emaus -middag er noget, der har inspireret store lærere i historien, fra Rembrandt til Velásquez. Det vigtigste øjeblik fortælles i Luke -evangeliet i Det Nye Testamente. Der er historien om Kristi intime mad med de to disciple, Lucas og Cleofás, der ignorerer ledsagerens sandhed. Ved maling er brødet allerede blevet delt og velsignet, og tiden er inde, ifølge evangeliets historie, at Kristus "åbner" øjnene på hans tilhængere og forsvinder "fra hans syn."

Mesterværket fanger en mystisk tærskel mellem skygger og lys, den anden magi før Kristus, der er indpakket af silhuetten af ​​en fremmed bag ham, forsvinder fra verden. I det umådelige øjeblik mellem åbenbaring og forsvinden, Caravaggio Hila hans plot, mestermødet mellem to verdener.

Når sandheden er den faderlige onkel til Kristus, stiger Cleofás, op fra sin formandsfanger for panik og forbløffelse til åbenbaring: hans albuer opdrages dynamisk gennem ærmerne på hans frakke.

På den anden side af den kurvede frugt, der til højre, åbner Lucas sine arme høje, som at hævde, at scanningen implausibles og trækker den samme holdning på korset på tidspunktet for hans smertefulde død. I mellemtiden er krovært uigenelig og observerer uden forståelse, mens han lytter til de ord, som Kristus har talt med hans bedøvede disciple, ikke i stand til at fange betydningen af ​​et transcendentalt øjeblik for menneskeheden.

Emaus disciple besætter positionsnr. 82 på listen over Berømte malerier 

#9 Pantocrador Kristus

Pantocrador Kristus Det er et malet træpanel, der stammer fra det syvende århundrede af Santa Catalina beliggende i Sinai, Egypten. Dette maleri betragtes som et af de ældste byzantinske religiøse ikoner og er det ældste kendte værk af den pantokrayanske stil.

Det malede panel har en højde på 84 cm med en bredde på 45,5 cm og en dybde på 1,2 cm. Det antages, at malingen oprindeligt var større, men den blev skåret øverst og siderne på et tidspunkt af ukendte grunde til at producere de aktuelle dimensioner. Værket viser Kristus klædt i en lilla kappe.- En farve, der ofte er valgt til at repræsentere dem med imperial status og royalty. Dette farvevalg til din tunika er et symbol på din status og betydning. Kristus er repræsenteret ved at hæve venstre hånd som et tegn på velsignelse og med højre har en bog.

Vi kan antage, at denne bog sandsynligvis er et evangelium, fordi den er pyntet med krydsformede juveler. Maleriet er bevidst asymmetrisk for at symbolisere Kristi dobbelte karakter. Venstre side af Kristus er et symbol på dens menneskelige natur med dens træk repræsenteret så meget blødere og mere lys. Mens højre side af Kristus symboliserer hans guddommelighed med hans alvorlige blik og intense træk. Øjnene selv er forskellige i form og størrelse, såvel som håret på sin venstre side opsamles bag din skulder.

Et af de vigtigste kristne ikoner er Pantocker Kristus. Dette billede skildrer Jesus som verdens suveræne hersker. Pantocker Kristus var et af Jesu ældste billeder og vises på de mest fremtrædende steder i klippekirkerne.

Ordet Pantocker betyder "Almægtig." I den græske version af Det Gamle Testamente (LXX) er Pantocker -ordet oversættelsen af ​​"Lord of the Armies" og "Almægtige Gud." I Apocalypse's bog vises Pantocrador ni gange som en titel, der understreger Guds suverænitet og magt.

Pantocrador Christ -ikonet understreger Jesu almægtighed, hans magt til at gøre noget. Jesus er "hersker over alt", der holder alle ting. Symbolikken fra Kristus Pantocrador (forklaret nedenfor) er inspireret af de romerske kejserlige billeder til at projicere sin suveræne magt. De første kristne brugte kulturelle symboler til at forkynde den opstandne Kristi suveræne magt.

Derudover har placeringen af ​​Pantocrador Kristus i apsis (den forreste helligdomsvæg) også en teologisk betydning. De byzantinske kirker havde modellen af ​​den romerske basilika, kongens kammer for at fejre retten. APSE var den autoritetsstilling, hvor den herskende embedsmand sad. Jesu position i Apse erklærer, at han er den legitime hersker og suveræne dommer frem for alt. 

De kristne begyndte at visuelt repræsentere Jesus i slutningen af ​​300'erne, når der ikke længere var truslen om forfølgelse. Disse første billeder præsenterer Jesus som en stoisk figur, der sidder på en trone med en rulle. I 600'erne opstod Kristus Pantocrador som en forenkling af det tidlige billede. Aspektet af Pantocrador Kristus har næppe ændret sig i de sidste 1.500 år.

De fleste af Jesu første billeder blev ødelagt under Iconoclast -kontroversen.

#10 Kristus af San Juan de la Cruz

Langtafstand er den mest populære af alle de religiøse værker i Dalí uden tvivl hans "Kristus af San Juan de la Cruz", hvis figur dominerer Port Lligat -bugten. Maleriet blev inspireret af en tegning, bevaret i klosteret med inkarnationen af ​​ávila, Spanien, og lavet af San Juan de la Cruz selv efter at have set denne vision om Kristus under en ekstase. Folk ved siden af ​​skibet er afledt af et billede af Le Nain og en tegning af Diego Velázquez til overgivelse af Breda.

Ved foden af ​​sine studier for Kristus skrev Dalí: "I første omgang, i 1951, havde jeg en kosmisk drøm, hvor jeg så dette farvebillede, og at i min drøm repræsenterede atomets kerne. Denne kerne tog senere En metafysisk forstand: Jeg betragtes i 'universets enhed' til Kristus! For det andet takket være instruktionerne fra Fader Bruno, en karmelit, så jeg Kristus trukket af Saint John of the Cross, jeg geometrisk uddybet en trekant og en Circle, der opsummerede æstetisk alle mine tidligere eksperimenter og tilmeldte min Kristus i denne trekant. "

Dette arbejde blev betragtet som banalt af en vigtig kunstkritiker, da det først blev udstillet i London. 

Maleriet var et af de mest kontroversielle køb foretaget af Dr. Tom Honeyman, daværende direktør for Glasgow -museerne. Det er nu bredt anerkendt, at Dr. Honeyman tog en meget listig beslutning ved at foreslå det daværende Glasgow Corporation, at byen købte maleriet.

Honeyman fik ikke kun maleriet til mindre end katalogprisen, men købte også ophavsretten til værket til Salvador Dalí og sikrede således en langvarig arv fra købet.

Oprindeligt blev maleriet imidlertid ikke godt modtaget af alle, og studerende ved Glasgow School of Art hævdede, at penge kunne have været brugt til at købe værker af skotske kunstnere eller Glasgow.

Efter at have udstillet i Kelvingrove i 1952, tiltrækkede Dalí massebesøgende.

Maleriet i Glasgow Museum Collection er ikke fritaget for drama, da det er blevet beskadiget to gange, det mest berømte, da lærredet blev alvorligt revet af en besøgende, der havde en skarp sten. Kelvingrove -konservative var i stand til at reparere malingen til det punkt, at skaden næppe er synlig.

Mere end 60 år efter det oprindelige køb viser maleriets varige attraktivitet ikke tegn på fald og er nu en af ​​de mest populære udstillinger på museet.

Kuadros ©, en berømt maling på din væg.