Základy dějin umění sahají desítky tisíc let zpět, kdy starověké civilizace používaly dostupné techniky a média k reprezentaci kulturně významných témat. Od těchto prvních příkladů vzniklo mnoho uměleckých hnutí, z nichž každé mělo charakteristické styly a rysy, které odrážely politické a sociální vlivy své doby.
Co znamená fauvismus a o čem je konceptuální umění? Mluvit o umění je disciplína sama o sobě, a pokud jste v tomto světě noví, pravděpodobně máte mnoho otázek, zejména ohledně jednotlivých hnutí a různých typů umění.
Vlivné umělecké žánry, od renesance až po vznik modernismu, zanechaly nesmazatelnou stopu v historii.
Pokud budeme mít jasné pojmy o historii a významu uměleckých hnutí, získáme hlubší porozumění tomu, jak slavní umělci jako Van Gogh, Picasso a Warhol revolučními způsoby změnili svět umění.
Kuadros pro vás připravil seznam nejvýznamnějších hnutí.
Č. 1 Italská renesance (1400–1550)
Někteří představitelé: Ghibertiho brány, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Michelangelo, Raffael.
Na konci 14. století skupina italských myslitelů prohlásila, že žijí v nové éře. Tmavé a barbarské "středověké" období skončilo; začal "rinascità" ("renesance") učení, literatury, umění a kultury. Toto bylo narození období nyní známého jako renesance. Po staletí se badatelé shodli, že italská renesance probíhala tímto způsobem: mezi 14. a 17. stoletím moderní způsob myšlení o světě a místě člověka v něm nahradil staré ideje. Mnoho vědeckých, uměleckých a kulturních úspěchů tohoto období sdílí společné témata, zejména humanistickou víru, že člověk je středem svého vlastního vesmíru.
Itálie v 15. století byla odlišná od jakéhokoli jiného místa v Evropě. Byla rozdělena na nezávislé městské státy, z nichž každé mělo vlastní vládu. Florencie, kde začala italská renesance, byla nezávislou republikou a bankovním a obchodním centrem. Bohatí florentinští občané ukazovali svou moc tím, že podporovali umělce a intelektuály, čímž se město stalo kulturním centrem Evropy a renesance.
Renesance je rozdělena na dvě hlavní části:
Během rané renesance umělci začali odmítat byzantský styl náboženského malířství a usilovali o realistické zobrazení lidské formy a prostoru. Tento cíl začal s Cimabue a Giottem a dosáhl svého vrcholu s umělci jako Andrea Mantegna a Paolo Uccello. Ačkoliv náboženství zůstávalo důležité v každodenním životě, také se prosadil mytologický téma. Mnoho lidí označuje Zrození Venuše od Botticelliho jako první plátno s mytologickou scénou.
Období známé jako Vysoká renesance představuje vyvrcholení cílů rané renesance. Mezi nejvýznamnější umělce patří Leonardo da Vinci, Raffael, Tizian a Michelangelo. Jejich malby a fresky jsou některými z nejuznávanějších děl světa, jako Poslední večeře, Škola athénská a malby stropu Sixtinské kaple od Michelangela.
Koupit reprodukci La Mona Lisa v online obchodě Kuadros
Č. 2 Baroko (1600–1750)
Někteří představitelé: Rubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Versailleský palác.
Termín baroko pravděpodobně vychází z italského "barocco", používaného ve středověku k popisu logických překážek. Postupně začal znamenat složité myšlenky nebo zkroucené myšlenkové procesy. Jiným možným zdrojem je portugalské "barroco" (španělské "barrueco"), které popisuje perlu nepravidelného nebo necudného tvaru. Baroko je hnutí v umění a architektuře, které se vyvíjelo v Evropě od počátku 17. století do poloviny 18. století. Zdůrazňuje dramatický a přehnaný pohyb a jasné detaily, aby produkovalo drama, napětí, přepych a velkolepost.
První projevy se objevily v Itálii v posledních desetiletích 16. století, zatímco v regionech jako Německo a kolonní Jižní Amerika, některé vrcholné úspěchy baroka nenastaly až do 18. století.
Umělci oživili ideály krásy renesance, infundující do uměleckých děl, hudby a architektury novou extravaganci a výzdobu. Tento styl, známý jako baroko, se vyznačoval inovativními technikami a složitými detaily a nabídl bujné vizuální vyjadřování v relativně mírném období pro umění. Baroko se rozšířilo po celé Evropě, podporováno papežem v Římě a katolickými vládci v Itálii, Francii, Španělsku a Flandrech. Dále se rozšiřovalo prostřednictvím náboženských objednávek skrze kláštery a conventy.
Emergentní barokní styl byl jak smyslný, tak duchovní. Naturalistické zpracování učinilo náboženské obrazy dostupnějšími, zatímco dramatické a iluzivní efekty stimulovaly zbožnost a přenášely božskou nádheru. Stropy kostelů se rozplývaly v malovaných scénách, které vedly smysly k nebeskému.
Jak témata, tak styly se mohou lišit mezi barokními malbami, většina sdílí drama jako společný prvek. U děl umělců jako Caravaggio a Rembrandt se zájem o drama projevuje v intenzivních kontrastech světla a stínu.
Velkým mistrem oblasti katolického vládnutého Španěly byl malíř Peter Paul Rubens, jehož dynamické kompozice a energické postavy jsou ztělesněním barokní malby. Elegantní portréty Anthonyho van Dycka a mohutná díla Jacoba Jordaense následují jeho příkladu. Umění v Nizozemí bylo ovlivněno realistickými vkusy střední třídy, takže malíři jako Rembrandt a Frans Hals se ve významných aspektech udržovali mimo barokní styl. Nicméně baroko mělo významný dopad v Anglii, zejména v kostelích a palácích navržených Sirem Christopherem Wrenem a Sirem Johnem Vanbrugh.
Stejně jako sochy renesance, jako ikonická David od Michelangela, byly barokní sochy často určeny k ozdobě majestátních budov a dalších velkolepých scén, jako jsou interiéry kostelů a královské zahrady.
Poslední rozkvět baroka nastal na jihu Německa a Rakouska, kde se místní architekti v 20. letech 18. století odchýlili od italských vzorů.
Koupit reprodukci Las Meninas v online obchodě Kuadros
Č. 3 Realismus (1848–1900)
Někteří představitelé: Corot, Courbet, Daumier, Millet.
Realismus je přesné, detailní a nezdobené zobrazení přírody nebo současného života. Odmítá idealizaci ve prospěch blízkého pozorování vnějších vzhledů. Jako takový, realismus zahrnoval mnoho uměleckých směrů v různých civilizacích. Ve vizuálním umění, například, je možné jej nalézt ve helénistických řeckých sochách, které zobrazují boxery a staré ženy. Díla malířů 17. století, jako Caravaggio, holandských žánrových malířů, Španělů José de Ribera, Diega Velázqueze a Francisca de Zurbarána, a bratrů Le Nain ve Francii, mají realistický přístup. Díla anglických románopisců 18. století, jako Daniel Defoe a Henry Fielding, mohou být také nazvána realistickými.
Realismus vznikl ve Francii v padesátých letech 19. století, po revoluci v roce 1848, která ustanovila "právo na práci" v zemi. Zavedl myšlenku obyčejných lidí, současných scénářů a každodenních scén jako důstojných uměleckých témat.
Rozšířil se po Evropě, od Ruska Alexandra II. až po Británii královny Viktorie, přes Německo Viléma I., Itálii Risorgimenta a dál. Rok 1855 byl významný pro ustavení realismu v Evropě.
Gustave Courbet je považován za hlavní postavu realismu. Položil základy hnutí v 40. letech tím, že portrétoval sedláky a dělníky bez jejich glorifikace, prezentujíc je odvážně a tvrdě, což vyvolalo kontroverzi.
Styl a téma Courbeta vycházely z práce malířů Barbizonské školy. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet a další se usadili v francouzské vesnici Barbizon za účelem věrného reprodukce místního charakteru krajiny.
Malířský realismus mimo Francii byl dobře reprezentován v 19. století v USA. Mocné a výmluvné malby Winslowa Homera na námořní témata a díla Thomase Eakinse jsou upřímné a velmi pozorované záznamy současného života. Realismus byl v 20. století jakožto zvláštní proud uměleckým směrem, odvozeným z touhy umělců odhalit upřímnější a neidealizované vize každodenního života nebo použít umění jako vozidlo pro sociální a politickou kritiku.
Hrubé a téměř novinářské scény městského života skupiny známé jako The Eight (Osm) spadají do této kategorie. Německý proud Neue Sachlichkeit (Nová objektivita) pracoval v realistickém stylu, aby vyjádřil cynismus a zklamání po první světové válce v Německu. Socialistický realismus v Sovětském svazu používal techniky naturalistické idealizace k vytvoření portrétů statečných pracujících a inženýrů.
Kromě toho realismus přímo inspiroval současné umělecké pohyby, jako je fotorealismus a hyperrealismus, což ukazuje na jeho trvalé a evoluční dědictví.
Koupit reprodukci Las Espigadoras v online obchodě Kuadros
Č. 4 Impresionismus (1865–1885)
Někteří představitelé: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
Francouzský impresionismus je důležitý ruch, který se vyvinul převážně ve Francii na konci 19. a na začátku 20. století. Jeho nejvýraznějším rysem byl pokus přesně a objektivně zaznamenat vizuální realitu ve smyslu přechodných efektů světla a barvy. Impresionističtí umělci ukázali nový způsob, jak pozorovat a reprezentovat svět, vzdávajíce se realistických zobrazení ve prospěch prchavých dojmů svého okolí, často venku. V hudbě se snažil vyjádřit myšlenku nebo efekt prostřednictvím zvukového omývání namísto přísné formální struktury.
Na konci 60. let 19. století umění Maneta odráželo novou estetiku, která se stala vedoucí silou v impresionistické práci, kde se důležitost tradičního tématu snížila a pozornost se přesunula na manipulaci s barvou, tónem a texturou.
V roce 1874 uspořádala skupina umělců nazvaná Anonymní společnost malířů, sochařů, grafiků atd. výstavu v Paříži, která zahájila hnutí nazvané impresionismus. Mezi zakládajícími členy byli Claude Monet, Edgar Degas a Camille Pissarro. Monetova malba Imprese, Východ slunce (1872) jim vynesla jméno, které jim novinář Louis Leroy zpočátku posmíval jako "impresionisté". Umělci se brzy tento název přijali jako popis jejich záměru přesně předat "vizuální dojmy". Zatímco konzervativní kritici kritizovali jejich práci za nedokončený a náčrtkový vzhled, pokrokovější spisovatelé je chválili za jejich popis moderního života.
Od svého vzniku byl impresionismus definován vlastnostmi, jako jsou volné štětce, charakteristické barvy, zobrazení běžných témat, zaměření na světlo a kompozice inspirované fotografií.
V polovině 80. let 19. století se impresionistická skupina začala rozpadat, když každý malíř sledoval své vlastní zájmy a estetické principy. Nicméně dosáhli revoluce v historii umění, poskytujíc technický výchozí bod pro postimpresionistické umělce jako Cézanne, Degas, Gauguin, Van Gogh a Georges Seurat, osvobozujíc západní malbu od tradičních technik a přístupů.
Dědictví a přítomnost impresionismu dnes
Jako výchozí bod modernismu měl impresionismus vliv na mnoho následných hnutí. Postimpresionisté přijali jejich volné tahy; abstraktní expresionisté našli inspiraci v nekonvenčním přístupu Moneta; a mnoho současných umělců stále pracuje v neoimpresionistickém stylu.
Koupit reprodukci Mujer con Sombrilla v online obchodě Kuadros
Č. 5 Postimpresionismus (1885–1910)
Někteří představitelé: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat.
Postimpresionismus je termín používaný k popisu reakce na impresionismus v osmdesátých letech 19. století. Vedli jej Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh a Georges Seurat. Postimpresionisté odmítli zaměření impresionismu na spontánní a naturalistické ztvárnění světla a barvy.
Tito malíři, s výjimkou Van Gogha, byli francouzští a většina začala jako impresionisté; každý z nich opustil styl, aby vytvořil své vlastní vysoce osobní umění.
Stejně jako impresionisté zdůraznili uměleckou umělost. Věřili, že barva může být nezávislá na formě a kompozici jako emocionální a estetický nositel významu. Jak impresionismus, tak postimpresionismus zahrnují některá z nejznámějších moderních uměleckých děl, jako jsou lekníny Monet a La Noche Estrellada od Van Gogha.
Svou práci sdíleli s veřejností prostřednictvím nezávislých výstav v Paříži. V roce 1910 umělecký kritik Roger Fry vytvořil pojem "postimpresionismus" se svou výstavou "Manet a postimpresionisté". Fry věřil, že krása umění je zakořeněna ve vnímání. "Umění je výraz a podnět pro imaginativní život místo toho, aby bylo kopií skutečného života," vysvětlil v "Eseji o estetikách".
Postimpresionisté věřili, že umělecké dílo by nemělo být zaměřeno na styl, proces nebo estetický přístup, ale mělo by zdůraznit symbolismus, komunikující zprávy ze podvědomí umělce.
Často vystavovali společně, ale na rozdíl od impresionistů, kteří začali jako jednotná skupina, malovali především osamoceně. Cézanne maloval izolovaný v Aix-en-Provence; Gauguin se usadil v Tahiti v roce 1891; a Van Gogh maloval na poli v Arles. Oba Gauguin a Van Gogh odmítli objektivitu impresionismu ve prospěch osobnější duchovní výrazu.
"Barva! Jaký hluboký a tajemný jazyk, jazyk snů." - Paul Gauguin
Na rozdíl od impresionistů, kteří se snažili zachytit efekt přirozeného světla, postimpresionisté používali umělou paletu barev k reprezentaci svých vnímání světa. Syté tóny a vícerozměrné stíny jsou viditelné v jejich malbách, což dokazuje jejich inovativní přístup.
Postimpresionismus se odklonil od naturalistického přístupu a zamířil ke hnutím, jako je kubismus a fauvismus, které se snažily vyvolat emoce prostřednictvím barvy a linie.
Koupit reprodukci La Noche Estrellada v online obchodě Kuadros
Č. 6 Fauvismus a expresionismus (1900–1935)
Malba umístěná v silných, barvách vycházejících z plátna a antinaturálních tónech: fauvismus a expresionismus jsou dvě z hnutí, která oživila tyto rysy. Takže, jaký je mezi nimi rozdíl, pokud se dají popsat stejným způsobem? Nejprve vysvětlíme fauvismus a expresionismus samostatně.
Fauvismus
Někteří představitelé: Matisse, Derain, Signac
Fauvismus ovládl uměleckou scénu od roku 1905 do 1910, charakterizovaný intenzivními barvami a odvážnými tahy štětce. V některých případech umělci nanášeli barvu přímo z tuby. Barvy nemusely být věrné přírodě; mohly být upraveny, aby ukázaly emoci. Volili jednoduchá témata a díky tomu se malby zdály téměř abstraktní. Umělecký kritik Louis Vauxcelles zavedl tento termín poté, co popsal práce Henri Matisse a André Deraina jako "les fauves" nebo "bestie" během výstavy v Salon d’Automne v Paříži v roce 1905. Jejich práce byla plná antinaturálních barev a divokých skvrn malby na plátně. Byl to začátek fauvismu.
Fauvisté byli hluboce zainteresováni ve vědecké teorii barev 19. století. Konkrétně s použitím komplementárních barev, chápali, jak udělat barvy vypadat jasněji a odvážněji prostřednictvím těchto teorií.
Malba Matisse "Žena s kloboukem" byla kritizována za antinaturální barvy na obličeji ženy. Paul Signac je známý pro svůj puntillismus a byl mentorem Matisse. Puntillismus je technika, při které se spojují malé body primárních barev; z dálky se kombinují v jediný obrázek. To lze srovnat s pixely na počítačové obrazovce.
Kromě Matisse a Deraina patří mezi další významné fauvistické umělce Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault a Maurice de Vlaminck.
Expresionismus
Někteří představitelé: Munch, Kandinsky, Klee
Expresionismus je obecný termín pro jakékoli umělecké dílo, které zkresluje realitu, aby odpovídalo vnitřním pocitům, pohledům nebo myšlenkám umělce. Stručně řečeno, je to umění, které vyjadřuje vnitřní reality ve vnějším světě. Existují charakteristické rysy expresionismu: intenzivní a nenaturalistické barvy, malba nanášená ve velkých množstvích, vytvářející texturu na plátně.
Expresionismus vyšel "uvnitř", odrážející pocity umělce spíše než zobrazení scény. Dva vlivní expresionističtí umělci byli Emil Nolde a Edvard Munch.
Pokud jde o téma, expresionistické umění má tendenci být emocionální a někdy dokonce mytické. Vzhledem k tomu, že expresionismus je tak široký termín, snadno se může přiřadit k umění jakéhokoli období, ale obecně se vztahuje k umění 20. století. Říká se, že začal s prací Vincenta van Gogha a rozkládá se na moderní umění, jak ho známe dnes.
Mezi hlavní přispěvatele k expresionistickému hnutí patří umělci jako Wassily Kandinsky, Paul Klee, Max Beckmann, Ernst Ludwig Kirchner a další.
Koupit reprodukci El Grito v online obchodě Kuadros
Fauvismus může být považován za podmnožinu expresionismu. Používají podobné techniky a jsou klasifikovány podle stejných charakteristik; skutečný rozdíl je v konkrétní povaze fauvismu v kontrastu s obecným charakterem expresionismu.
Něco, co může být považováno za fauvistické, může být také součástí oblasti expresionismu, ale ne každý expresionismus je fauvismus. Fauvismus je o něco divočejší, ale s jednodušším tématem.
Č. 7 Kubismus (1905–1920)
Někteří představitelé: Pablo Picasso, Georges Braque
Kubismus je velmi vlivný styl vizuálních umění 20. století, který byl vytvořen především Pablem Picassem a Georgem Braquem v Paříži mezi lety 1907 a 1914. Kubistický styl zdůraznil plochý a dvoudimenzionální povrch obrazu, odmítaje tradiční techniky perspektivy, zkracování, modelování a chiaroscuro, vyvracejíc staré teorie, že umění má napodobovat přírodu. Kubisté věřili, že tradice západního umění byly vyčerpány, a aby oživili svou práci, obrátili se k expresivní energii umění jiných kultur, zejména afrického umění.
Kubismus odvozuje svůj název od komentářů kritika Louisa Vauxcelles, který v roce 1908 posměšně popsal Braquovu práci jako složenou z kostek. V Braquově malbě objemy domů, válcovité tvary stromů a barevné schéma připomínají krajiny Paula Cézanna, který hluboce inspiroval kubisty v jejich první etapě vývoje (do roku 1909). Nicméně, Les Demoiselles d'Avignon, malované Picassem v roce 1907, předznamenalo nový styl; v této práci se formy pěti ženských aktů stávají úhlovými a rozbitými postavami.
Kubismus se vyvinul ve dvou odlišných fázích: analytický kubismus a syntetický kubismus. Analytický kubismus (1908–1912) je strohý a vyznačuje se kombinací ploch a linií v tlumených tónech. Syntetický kubismus (1912–1914) se vyznačuje jednoduššími formami a jasnějšími barvami, včetně skutečných kombinovaných elementů, jako jsou noviny. Začlenění skutečných objektů přímo do umění bylo počátkem jedné z nejdůležitějších myšlenek moderního umění.
Přestože se Picasso a Braque považují za tvůrce tohoto nového vizuálního jazyka, byl přijat a rozvinut mnoha malíři, včetně Fernanda Légera, Roberta a Sonie Delaunayovi, Juana Grise a dalších. Kubismus také hluboce ovlivnil sochařství a architekturu 20. století.
Osvobozující formální koncepty zahájené kubismem měly dalekosáhlé důsledky pro hnutí jako Dada a surrealismus, stejně jako pro umělce, kteří usilovali o abstrakci po celém světě.
Č. 8 Dada a surrealismus (1917–1950)
Dada
Někteří představitelé: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Dada bylo evropské avantgardní umělecké hnutí, jehož centra byla v Curychu a New Yorku. Vzniklo jako přímá reakce na masakry, propagandu a šílenství první světové války. V Berlíně, Paříži a dalších místech vznikly nezávislé skupiny spojované společnými myšlenkami. Nesdílely univerzální styl, ale byly spojeny odmítnutím idealismu a zastaralých uměleckých a intelektuálních konvencí.
Název "Dada", náhodně vybraný z jedné slovníku v roce 1916, znamená "houpací kůň" ve francouzštině nebo "ano, ano" v rumunštině a ruštině. Ale jako název hnutí ve skutečnosti nic neznamená. Unaveni kulturou, která produkovala masakr první světové války, dadaisté zpochybňovali všechny konvence, oslavující náhodnost a absurditu.
Kořeny dadaistů spadají do avantgardy před válkou. Termín "antiumění," předchůdce dada, byl zaveden Marcelem Duchampem kolem roku 1913, aby charakterizoval díla, která zpochybňují přijaté omezení umění.
Dada hnutí zahrnovalo veřejné schůzky, demonstrace a publikování časopisů o umění a literatuře. Témata jako umění, politika a kultura byla často diskutována v různých médiích.
Surrealismus
Někteří představitelé: Max Ernst, André Masson, Salvador Dalí, René Magritte
Surrealismus byl jedním z nejdůležitějších a subverzivních hnutí 20. století. Vznikl ve 20. letech 20. století a poskytl radikální alternativu k rozumným a formálním kvalitám kubismu. Bylo to literární, filozofické a umělecké hnutí, které zkoumalo fungování mysli, bráníc iracionální, poetické a revoluční.
Na rozdíl od dada, ze kterého v mnoha ohledech vzešel, zdůraznil pozitivní odmítnutí předchozích tradic. André Breton, vůdce nové skupiny básníků a umělců v Paříži, definoval surrealismus ve svém "Surrealistickém manifestu" (1924) jako: "Čistý psychický automatismus, prostřednictvím něhož se navrhuje vyjádřit... skutečné fungování myšlení".
Lze odlišit několik nití v vizuální manifestaci surrealismu. Umělci jako Max Ernst a André Masson dávali přednost automatismu, kde je vědomá kontrola potlačena a umožněno, aby podvědomí převzalo kontrolu. Na rozdíl od toho Salvador Dalí a René Magritte usilovali o halucinační pocit superrealismu, ve kterém zobrazené scény nedávají žádný skutečný smysl. Třetí variantou byla juxtapozice nesourodých prvků, která zakládala realitu mimo normální meze.
Surrealismus vznikl v Paříži, ale jeho vliv se rozšířil prostřednictvím časopisů a mezinárodních výstav. S vypuknutím druhé světové války se centrum surrealistické aktivity přesunulo do New Yorku. Přestože jako hnutí ztratilo koherenci po válce, zachovalo si silný vliv na současné umění.
Č. 9 Abstraktní expresionismus (1940–1950)
Někteří představitelé: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline
"Abstraktní expresionismus" byl hnutím, které se rozvinulo v New Yorku v 40. a 50. letech. Ačkoliv termín nebyl ideální, zahrnoval umělce, kteří zaplňovali svá plátna barevnými poli a abstraktními tvary, stejně jako ty, kteří útočili na svá plátna silným gestuálním expresionismem. Všichni byli oddáni umění jako vyjádření já, vykukující z hlubokých emocí a univerzálních témat.
Hnutí zahrnovalo mnoho různých malířských stylů. Někteří umělci, jako Jackson Pollock a Willem de Kooning, se vyznačovali volným a dynamickým zacházením s malbou. Jiní, jako Mark Rothko, používali velké oblasti ploché barvy, aby dosáhli jemných a meditativních efektů.
Ačkoliv se hnutí v převážné části reprezentovalo jako příslušné mužským umělcům, během této doby vyniklo několik významných ženských abstraktních expresionistek.
Č. 10 Pop Art (1960)
Někteří představitelé: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Claes Oldenburg
Pop art začal s umělci z New Yorku jako Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist a Claes Oldenburg, kteří se inspirovali populárními obrázky a byli součástí mezinárodního fenoménu. Bylo to povstání proti dominantním přístupům k umění a kultuře a tradičním názorům na to, jaké by mělo být umění. Mladí umělci cítili, že to, co je učili na uměleckých školách a co viděli v muzeích, nemělo s jejich životy nic společného.
V roce 1957 pop artový umělec Richard Hamilton vyjmenoval charakteristiky pop artu v dopise: "Pop art je: populární, přechodný, bezcenný, levný, hromadně vyráběný, mladý, vynalézavý, sexy, brutální, okouzlující, velký byznys".
Pop přenesl umění do nových tématických oblastí a vyvinul nové formy, jak je prezentovat, a může být považován za jedno z prvních projevů postmodernismu.
Č. 11 Postmodernismus (1970–)
Někteří představitelé: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn en el Cielo od James Gill
Termín "postmoderní umění" se vztahuje na širokou kategorii současného umění vytvářeného přibližně od roku 1970 dále. Významným prvkem je jeho odmítnutí estetiky, na které byla založena jeho předchůdce, "moderní umění". Jednou z odmítaných hodnot je myšlenka, že "umění" je něco "speciálního", co by mělo být odděleno od populárního vkusu.
Anti-authoritarian by nature, postmodernismus odmítl uznat autoritu jakéhokoliv stylu nebo definice toho, co by mělo být umění. Odloučení mezi vysokou kulturou a populární kulturou, mezi uměním a každodenním životem se zhroutilo. Zavedlo to novou éru svobody a pocit, že "všechno je možné".
Často míchají různé styly a média, postmoderní umění také může půjčovat nebo ironicky komentovat styly minulosti. Postmodernisté považují svou teoretickou pozici za inkluzivní a demokratickou.
V 80. a 90. letech se postmodernismus stal neoficiální filosofií hnutí "politiky identity".
KUADROS ©, slavný obraz na vaší stěně.
