10 Nejslavnějších Abstraktních Maleb'

V Bez názvu - Prvním abstraktním akvarelu nacházíme dobrou záplavu barev, jak je obvyklé u většiny jeho obrazů, ale použití akvarelů místo olejů dává viditelně jiný povrch, který činí toto umělecké dílo zajímavé a pro jeho produkci z roku 1910 poměrně jedinečné. Dílo se zdá být dokončeno rychle, což je pro tuto formu umění typické, protože barva rychle schne. Také pracuje expresivně, aniž by se příliš staral o přesnost, a více se soustředí na výběr barev a zaplňování plátna různými tvary a liniemi. Bylo to skutečně abstraktní a toto se objevovalo čím dál více, jak postupoval ve své kariéře, jak se čím dál více vzdával reality ve tvarech, které používal.

Kandinsky se specializoval na oleje, ale občas pracoval s akvarely. Považoval by tuto techniku za snadnou a také takovou, která se dobře hodila pro rychlé studijní kousky, kde usiloval o pochopení designu pro budoucí kus. Také využíval litografie, dřevoryty a leptání v jiných obdobích, zejména v raných fázích své kariéry, kdy byl obzvlášť experimentální.

Pracující s akvarely, Kandinsky dokázal tuto malbu dokončit za pouhé tři dny. I přes svůj spěch však Kandinsky provedl několik studií pro toto umělecké dílo předtím, než začal konečnou kompozici. To, co přispělo k rychlosti, kterou lze interpretovat v Bez názvu, byl jeho výběr barev, jelikož Kandinsky důmyslně vybral barvy, o nichž věděl, že věrně vyjadřují jeho emoce v té době. Linie a tvary, které byly vykresleny, také přispívají a zdůrazňují chaos a naléhavost, které se projevují při pohledu na tuto malbu.

Abstrakce se také jasně projevuje v tomto uměleckém díle prostřednictvím volných a vágních linek, které byly znázorněny, což vzbudilo značný zájem mezi uměleckým publikem v té době. Bez názvu existuje jako důležitý iniciátor hnutí abstraktního umění, jelikož to byla poprvé, kdy byl něco vzdáleného a neomezeného akceptováno jako vhodné téma v uměleckých dílech v té době. Bez názvu označilo určující bod v evropském umění, jak se odklonilo od tradičních uměleckých děl směrem k abstraktnějším a neomezeným kusům umění.

Období mezi roky 1910 a 1914 bylo považováno za vrchol Kandinského kariéry a vrchol jeho největších uměleckých úspěchů. Proto Bez názvu existovalo jako jedno z prvních uměleckých děl, které bezostyšně odmítly všechny odkazy na rozpoznatelné formy a vyvstaly z omezení, která kladly konvence reprezentace evropského malířství.

Tato představa o úplné svobodě se stala výrazným rysem většiny děl vytvořených Kandinským během tohoto období.

Č. 2 Dospělost # 7 - Hilma AF Klint

I když nebyla tak známá jako mnozí muži umělci její doby, švédská umělkyně Hilma af Klint byla pionýrkou abstraktního umění, jejíž radikální malby jsou starší než mnozí její mužští současníci. Požádala, aby její velké dílo, většina z nějž nikdy nebyla během jejího života vystavena, zůstalo skryto po dobu 20 let po její smrti.

Kolekce představuje fáze života, včetně dětství, mládí, dospělosti a stáří. Kombinují botanické prvky a rozpoznatelné organické objekty, které odkazují na narození a růst.

Kolekce Dospělost č. 7 Hilma Klint je obrovské plátno, 3 metry vysoké a 2 metry široké, namalováno na papíře na podlaze ateliéru a poté nalepené na plátno.

Af Klint interpretuje dospělost v plném květu malováním několika tvarů, které volně proudí v různých velikostech a barvách na lila pozadí. Centrální žlutý symbol připomíná květ, zatímco spirály a biomorfní formy jsou symboly růstu a plodnosti.

Č. 3 Senecio - Paul Klee

Dokončeno v roce 1922, malba Senecio je projevem smyslu pro humor a africké kultury Paula. Paul využívá jednoduché barvy a tvary, používá různé odstíny oranžové, červené a žluté k odhalení portrétu starého muže. Umělecké použití tvarů dává falešný dojem, že se zvedá oko. Jeho levé obočí je znázorněno trojúhelníkem, zatímco to druhé je tvořeno jednoduchou zakřivenou čarou. Portrét je také nazýván Hlava muže, který se stává senilním a záměrně napodobuje dětské umění prostřednictvím použití nejasných tvarů a forem s minimálními obličejovými detaily.

Tato adaptace lidské tváře je rozčleněna podle barev do obdélníků. Ploché geometrické čtverce jsou udržovány uvnitř kruhu, který představuje zakrytou tvář a ukazuje multibarevný kostýmší arlekýna. Portrét performera umělce Senecio může být vnímán jako symbol měnícího se vztahu mezi uměním, iluzí a světem dramatu. Tato malba ukazuje principy Kleeova umění, ve kterých jsou grafické prvky linií, barevných ploch a prostoru uvedeny do pohybu energií umělecké mysli. Ve svých imaginativních čmáranicích rád, podle svých vlastních slov, "vezme čáru na procházku".

Č. 4 Etoile Bleue - Joan Miró

Malba Etoile Bleue byla přechodem Miróa mezi figurativním a abstraktním uměním.

Tato malba je známá jako jedno z nejdůležitějších děl v kariéře Miróa. Zvláště sálavá modrá, která byla použita, se objevuje v několika jeho budoucích pracích a dokonce ovlivnila malíře jako Mark Rothko a Yves Klein.

Etoile Bleue je velká malba, ale je to spíše malba otázek než odpovědí.

Miró byl velkým syntetizátorem období mnoha různých myšlenek, něco jako dnes, ale umělecké myšlenky tehdejší doby byly mnohem složitější než ty dnešní.

Malba kombinuje fauvistické barvy, kubistické formy a surrealistické úmysly v díle, které si divák může vizuálně procházet znovu a znovu. Mezi tolika věcmi zůstává mnoho otázek, jejichž odpovědi jsou tak snové jako samotný obraz.

Pokud se podíváte na modrou formu v levém horním rohu. Je to pták. Je pravděpodobné, že to je, ale jaký pták není jasné. Při pohledu na to delší dobu se určitě dá říct, že se jedná o dynamickou formu, ale dá se snadno argumentovat, že letí vlevo nebo vpravo nebo dokonce dolů k nám.

Velký červený kus ve spodní části uprostřed. Je to noha? Rozhodně vypadá tak stabilně a zakotveně, jak je modrý kus dynamický.

Tato malba je klenot pro své milovníky. Na první pohled se trochu kýve a pohybuje, ale na moment se pohybuje proti tomu elastickému tvaru v pravém dolním rohu.

Miró, katalánský umělec narozený v Barceloně v roce 1893, nazval svou surrealistickou snovou krajinu Peinture (Étoile Bleue) z roku 1927 klíčovým obrazem, který obsahuje symboly, které by opakovaně používal v následujících letech, a dokonce sálavá modrá ovlivnila pozdější malíře, včetně Marka Rothka a Yvesa Kleina.

Č. 5. Kompozice VII - Wassily Kandinsky

Malba Kompozice VII od Wassilyho Kandinského je podle mnoha milovníků abstraktního umění považována za nejnáročnější dílo 20. století, možná dokonce za nejdůležitější abstraktní malbu, která byla kdy vytvořena.

Toto dílo je logickým pokračováním Kompozice V a Kompozice VI . Tři malby jsou spojeny tématem Apokalypsy. Takové prvky z Kompozice VI, jako jsou Potopa a Vzkříšení, lze v tomto díle sledovat. Hlavním tématem je soudný den, ale není vnímán jako katastrofa, ale jako osvobození, přechod z materiálního světa do duchovního. Proto Kompozice VII vyniká mezi ostatními díly série svými jasnými barvami a třpytivými kontrastními liniemi.

Kandinsky navrhl každou ze svých kompozic tak, aby divák mohl vstoupit do obrazu, jako by se v něm otáčel. Vytvořil těžší dolní okraj kompozice, čímž ji posunul dopředu, zatímco horní část zůstává lehčí a vzdálenější pro diváka. Jedním z hlavních kontrastů umělce jsou modrá a žlutá, které tvoří centrální zónu aktivního pohybu dovnitř a ven.

Kandinsky strávil mnoho měsíců přípravou své Kompozice VII, ale maloval ji pouze čtyři dny. Umělec provedl asi 30 studií této malby. Některé z nich připomínají Caravaggia nebo Leonardo da Vinci s jejich podrobnými studiemi záhybů látky, listů stromů nebo lidských končetin. V této sérii některá díla opakovaně představují stejnou křivku, jiná schematicky ukazují základní strukturní prvky kompozice a některé obsahují podrobný plán kompozice. Navíc existuje asi 15 různých obrazů, které souvisejí s Kompozicí VII: jedná se o olejové nebo tužkové skici, akvarely, malby na skle a grafiky.

Gabrielle Munter, která byla svědkem vzniku této malby, napsala ve svém deníku 25. listopadu 1913, že plátno pro Kompozici VII bylo doručeno do jejího domu v Murnau, a Kandinsky začal pracovat té noci. Další ráno udělal první fotografii obrazu a po obědě druhou. Záznam 28. listopadu v Munterově deníku říkal, že obraz byl dokončen. 29. listopadu udělala fotografii hotového díla. Tak byl zaznamenán vznik velkého mistrovského díla.

Kompozice VII se umístila na č. 100 v našem seznamu slavných maleb

Č. 6 Kompozice X - Kandinsky

Považován za jednoho z prvních obhájců abstraktní malby, Wassily Kandinsky byl nejen ruským malířem, ale také teoretikem umění. Jeho vliv na svět umění a abstrakci byl ohromný, protože spoluzaložil uměleckou skupinu Phalanx a Novou skupinu umělců a během svého působení organizoval výstavy pro své současníky. Během své kariéry vytvořil přes 600 děl, přičemž jeho jedno dílo z roku 1913 dosáhlo rekordní aukční ceny 41,6 milionu dolarů v roce 2017.

I přes tento ohromující rekord bylo jeho možná nejvýznamnějším dílem Kompozice X. Bylo posledním dílem v jeho celoživotní sérii 'Kompozice'. Chtěl tímto dílem završit svůj výzkum o čistotě formy a vyjádření prostřednictvím této práce. Přestože v dosavadní praxi používal černou barvu střídmě, byla mu tato práce kritizována za to, že evokuje jak kosmos, tak temnotu předzvěsti, které přicházejí na konci jeho života. 

Původně byla tvorba Kompozice X ovlivněna biomorfními formami surrealismu.

Nicméně, Wassily Kandinsky později použil umění použití organických tvarů ve svých malbách. Tento styl pak používal ve svých malbách.

Styl dal jeho práci jedinečnost. Bylo snadné a téměř nemožné nespozorovat obrazy vytvořené Wassilym Kandinským, když byly vystaveny na výstavách nebo jinde.

Kromě toho byla Kompozice X vytvořena ve Francii. Při bližším pohledu na obraz je zřejmé, že malíř použil černé pozadí. Hlavním důvodem použití černého pozadí bylo, aby barvy v popředí byly jasně viditelné.

Č. 7 Konvergence - Jackson Pollock

Konvergence —malba v černobílé, na kterou Pollock házel primární barvy— reflektuje krizi studené války. Je to jedno z jeho mistrovských děl a mohlo by to být nejznámější malba expresionisty. V roce 1964 vydala Springbok Editions puzzle z malby, které bylo propagováno jako "nejtěžší puzzle na světě", a stovky tisíc Američanů si ho koupily.

V roce 1951 Pollock řekl: “Myslím, že moderní malíř nemůže vyjádřit svoji dobu, letadlo, atomovou bombu, rádio, ve starých formách renesance nebo jakékoli jiné minulosti. Každá doba si najde svou vlastní techniku.” Pollock našel svou techniku v malování domů a kapání a použil ji k vyjádření své vlastní doby.

O velikosti 237 x 394 centimetrů je Konvergence jedním z nejambicióznějších obrazů Pollocka. Je známá svou vizuální brilancí a evokováním hlubokých emocí ve divákovi. I když jsou Jacksonova díla stále obtížně dekódovatelná i pro znalce umění, jeho malby jsou považovány za projevy svobody vyjádření. Konvergence, která je v tomto ohledu znamenitým příkladem, zůstává jedním z jeho nejslavnějších mistrovských děl.

Č. 8 Elegie na španělskou republiku - Robert Motherwell

I když bylo Robertu Motherwellovi pouze 21 let, když vypukla španělská občanská válka, jeho brutalita ho v následujících letech velmi zasáhla. To ho vedlo k vytvoření série více než 200 maleb jako reakci na ni. Série 'Elegie na španělskou republiku' slouží jako množství připomínek lidského utrpení, stejně jako "abstraktní a poetické symboly pro neúprosný cyklus života a smrti".

K pokrčení Elegie , Motherwell prohlásil, že “Po určitém období jejich malování jsem objevil černou jako jedno ze svých témat a s černou, kontrastní bílou, pocit života a smrti, který je pro mě dosti španělský. Jsou to v podstatě španělská černá smrt v kontrastu s oslněním slunečního světla jako Matisse.”

Jeho Elegie představují rozšířenou abstraktní meditaci o životě a smrti. V celé sérii jsou horizontální bílé plátna rytmicky rozděleny dvěma nebo třemi volně nakreslenými vertikálními pruhy a různě na intervaly s oválnými tvary. Malby bývají zcela složeny z černé a bílé, barev smutku a záře, smrti a života. Motherwell komentoval splétání těchto sil jako metaforu svého chápání zkušenosti života.

Elegie na španělskou republiku popisuje majestátní přechod mezi organickým a geometrickým, náhodným a záměrným. Jako další expresionisté se Motherwell cítil přitahován k surrealistickému principu automatismu — metod, které unikly vědomé intenci umělce — a jeho tah má emotivní náboj, ale v rámci určité obecné struktury. Odtud Motherwell považoval pečlivé uspořádání barvy a formy za srdce abstraktního umění, které, jak uvedl, "se zbavuje dalších věcí, aby to posílilo, jeho rytmy, prostorové intervaly a strukturu barvy".

Č. 9 Černý Iris – Georgia O'Keeffe

Tato monumentální malba květin je jedním z prvních mistrovských děl O'Keeffe. Enormní zvětšení okvětních lístků nad rozměry přirozené velikosti donutí diváka pozorovat malé detaily, které by jinak mohly být přehlédnuty. Když se tyto malby této skupiny poprvé vystavily v roce 1924, dokonce i Alfred Stieglitz, její manžel a obchodník, byl její odvahou ohromen.

Černý iris od Georgie O'Keeffe je příkladem jednoho z jejích mnoha děl na téma květin, a zejména iris, květu bohatého na symboliku. Nicméně, v Černém Irisu III O'Keeffe neměla v úmyslu odkazovat na tuto symboliku ani ji přidávat, nýbrž více povzbudit diváka, aby se díval a viděl květ a zvažoval různé způsoby, jak lidé vnímají. Tak se stává hlubokou meditací o umění pohledu, nejen na umění, ale i na život. V tomto článku se Singulart podívá na symboliku, která se projevuje v O'Keeffeové malbě, stejně jako na její vlastní záměry při vytváření Černého Irisu III.

Georgia O'Keeffe se celou řadu let zajímala o téma malby iris, zejména černý iris, který byl těžší najít a byl k dispozici pouze po několik týdnů v roce v New Yorku. Iris je v západním světě běžným symbolem: v řecké mytologii personifikuje bohyně Iris duhu a spojení mezi nebem a zemí; v křesťanství iris symbolizuje vášeň Krista a vzkříšení, stejně jako utrpení Marie. Na straně Lindy Nochlin, historik umění, převedla O'Keeffeovy irisy na feministický symbol, když je popsala jako “morfologickou metaforu” ženských genitálií, odrážející “jednotu ženského a přírodního pořádku”. Popis Nochlin Černého Irisu III a dalších irisových maleb O'Keeffe zafixoval v historii umění i v historii feminismu a feministického umění.

Nicméně, O'Keeffe tuto charakterizaci odmítla a uvedla: “Nikdo nevidí květinu, skutečně, je tak malá. Nemáme čas a vidět trvá čas, jako mít přítele trvá čas. Kdybych mohla malovat květinu stejně, jak ji vidím, nikdo by neviděl, co vidím, protože bych ji namalovala malou, jak květina je malá. Tak jsem si řekla: namaluji to, co vidím, co je květina pro mě, ale namaluji ji velkou a budete překvapeni, že si uděláte čas na to, abyste se na ni podívali, budu moci dokonce Newyorčany zaneprázdněné nevnímat, když se podívají na to, co vidím u květin. Přiměla jsem tě vzít si čas, aby ses podíval na to, co jsem viděla a když jsi si vzal čas, abys skutečně všiml mé květiny, dal jsi všechny své vlastní asociace s květinami do mé květiny a napsal jsi o mé květině, jako bych si myslela a viděla, co si myslíš a vidíš. květinu, a já ne.

Č. 10 Výměna - William de Kooning

V roce 1955 Willem de Kooning dokončil dílo Výměna. Dlouho se soustředil na přepracovávání studií figur, které se týkaly žen, které začal v roce 1948. Tyto byly spojeny s jeho individuální výstavou v roce 1953, malbami na téma žen, které byly v té době otevřeny v New Yorku. Některé názvy těchto děl zahrnují Žena I, Žena III a Žena V, stejně jako Dvě ženy s přírodou mrtvých.

Do roku 1955 de Kooning přestal malovat lidské postavy a pokračoval v používání abstraktních reprezentací architektury a komunit v New Yorku.

Willem de Kooning použil rychlé gestické tahy na plátno. Obraz zobrazuje ženu sedící na židli, ale ženy se objevují pouze jako hromada hrotů. Při pojmenovávání svých obrazů vždy upřednostňoval odkaz na oblast, kde bydlel. Výměna získala název podle okolí, jádra New Yorku, místo, kde žil v té době.

Obraz byl původně prodán umělcem v roce 1955 za 4 000 dolarů.

Následně byl prodán Nadaci David Geffen Kennethovi C. Griffinovi za 300 milionů dolarů v září 2015, což jej umístilo na druhé místo v seznamu nejdražších obrazů, pouze předčilo Salvator Mundi od Leonarda da Vinci, který byl prodán za 450,3 milionu dolarů v listopadu 2017.

KUADROS ©, slavný obraz na tvé zdi.