El toque femenino en el arte - KUADROS

Como en muchos otros campos, históricamente se desalentó a las mujeres de seguir una carrera en las artes, sin embargo, hay muchas mujeres increíbles que perseveraron. Por supuesto, estas mujeres probablemente estarían molestas de ser incluidas en una lista de pintores femeninas, prefiriendo ser valoradas como artistas fuera de su género. Desafortunadamente, a medida que las mujeres continúan luchando por la igualdad en todos los campos, estas artistas excepcionales a menudo se mencionan en términos de su género.
Sin entrar en controversia, Kuadros ha querído rendir homenaje a ese toque femenino en la historia del arte, recordando a estas virtuosas del arte.

Sofonisba Anguissola - 1532 – 1625

Sofonisba Anguissola, (nacida hacia 1532, Cremona (Italia), fallecida en noviembre de 1625, Palermo), pintor del Renacimiento tardío. Nacida en una familia noble relativamente pobre, su padre se aseguró de que ella y sus hermanas tuvieran una educación integral que incorporara las bellas artes. Esto incluyó aprendizajes con pintores locales respetados. Esto sentó un precedente para futuras artistas femeninas, que hasta ese momento generalmente solo aprendían si un miembro de la familia tenía un taller. El talento de Anguissola llamó la atención de Miguel Ángel, con quien realizó una tutoría informal a través del intercambio de dibujos. Aunque, como artista femenina, no se le permitió estudiar anatomía o practicar el dibujo de modelos debido a su vulgaridad percibida, aun así logró tener una carrera exitosa.
Anguissola experimentó con nuevos estilos de retratos, estableciendo sujetos, a menudo ella y su familia, de manera informal, lo que era muy inusual. Sus pinturas dieron a los espectadores una visión de la vida cotidiana aristocrática. Se hizo conocida por este estilo y recibió comisiones de toda Italia.
En 1558, era una pintora establecida y a los 26 años dejó Italia al recibir una invitación de Felipe II, rey de España, para unirse a la corte española. Sirvió en Madrid como pintor de la corte y dama de honor de la reina Isabel de Valois. Ella se ganó la admiración de la joven reina y pasó los años siguientes pintando muchos retratos oficiales de la corte. Durante su residencia de 14 años, guió el desarrollo artístico de la reina Isabel e influyó en el arte realizado por las hijas de la reina. Una vez que la joven reina murió en 1568, Felipe II decidió organizar el matrimonio de Anguissola. En 1571, se casó con el noble siciliano Fabrizio Moncada Pignatelli, de quien se decía que apoyaba su pintura.
En lo que habría sido su cumpleaños número 100, su esposo grabó su tumba con un texto que incluye esta dedicación: Sofonisba, mi esposa, que está registrada entre las mujeres ilustres del mundo, sobresaliente en retratar las imágenes del hombre. Orazio Lomellino, triste por la pérdida de su gran amor Orazio Lomellino, Inscripción en la tumba de Anguissola. El feminismo de la segunda ola en la década de 1970 vio redescubrir la importancia de Anguissola. Su éxito abrió puertas para mujeres, como Lavinia Fontana y Artemisia Gentileschi, para seguir carreras profesionales como artistas.
Sus pinturas son conocidas por capturar el espíritu y la vitalidad de sus modelos y ahora se pueden encontrar en colecciones de todo el mundo.

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Artemisia Gentileschi - 1593 – 1654  o después

Artemisia Gentileschi, (nacida el 8 de julio de 1593, Roma, Estados Pontificios (Italia), fallecida en 1652/53, Nápoles, Reino de Nápoles), pintor italiano, hija de Orazio Gentileschi, quien fue un gran seguidor del revolucionario pintor barroco Caravaggio.
Como hija de un pintor consumado, Artemisia Gentileschi tuvo acceso al mundo del arte a una edad temprana. Al principio ella estaba en el taller de su padre mezclando pinturas y él apoyó su carrera cuando notó que ella era excepcionalmente talentosa. Como un notable pintor del período barroco italiano, Artemisia Gentileschi no dejó que su género la detuviera de su tema. Pintó pinturas bíblicas y mitológicas a gran escala, al igual que sus homólogos masculinos y fue la primera mujer aceptada en la prestigiosa Academia de Bellas Artes de Florencia.
Su primer trabajo conocido es Susanna Y Los Viejos (1610), un trabajo realizado atribuido durante mucho tiempo a su padre. También pintó dos versiones de una escena ya ensayada por Caravaggio (pero nunca intentada por su padre), Judith Decapitando A Holofernes (c. 1612–13; c. 1620). Ella fue violada por Tassi y, cuando no cumplió su promesa de casarse con ella, Orazio Gentileschi en 1612 lo llevó a juicio. Durante ese evento, ella misma se vio obligada a declarar bajo tortura.
Su legado a veces se ve eclipsado por su biografía, con sus representaciones sangrientas de Judith y Holofernes a menudo interpretadas a través de la lente de su violación. Sin embargo, su talento es innegable y continúa siendo reconocida por su representación realista de la forma femenina, la profundidad de sus colores y su llamativo uso de la luz y la sombra.
Artemisia es la pintora más famosa del siglo XVII. Trabajó en Roma, Florencia, Venecia, Nápoles y Londres, para los niveles más altos de la sociedad europea, incluidos el Gran Duque de Toscana y Felipe IV de España.
A partir de 1630 se instaló en Nápoles, donde dirigió un exitoso estudio hasta su muerte. Visitó brevemente Londres en 1639, tal vez para ayudar a su padre enfermo en la pintura del techo de la Casa de la Reina en Greenwich (ahora en Marlborough House en Londres), pero regresó a Nápoles al año siguiente. Se desconoce la fecha exacta de su muerte, pero un documento recientemente descubierto registra que todavía vivía en Nápoles en agosto de 1654.

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Judith Leyster - 1609 – 1660

Judith Leyster, (bautizada el 28 de julio de 1609, Haarlem, Neth.-enterrada el 10 de febrero de 1660, Heemstede, cerca de Amsterdam), pintor holandes, una de las pocas artistas femeninas de la época que salió de la oscuridad, ademas de ser un personaje destacado durante la Edad de Oro holandesa. Típico de los artistas holandeses durante este período. Comenzó a pintar cuando aún era muy joven, y a los 24 años se había convertido en miembro del gremio de pintores de Haarlem. Su tema abarcaba un rango mayor que el típico de los pintores holandeses de la época, y fue una de las primeras en explotar la escena del género doméstico.
Leyster se especializó en pinturas de género, bodegones y retratos. Los detalles detrás de su formación artística no están claros.
Más tarde dirigió un exitoso taller con varios aprendices masculinos y fue conocida por la naturaleza relajada e informal de sus retratos.
Puede haber trabajado en la tienda de Frans Hals o, según el poeta Samuel Ampzing, pasó tiempo con el retratista Frans Pieterszoon de Grebber. Sin embargo, la influencia de Hals en su trabajo es clara. También estaba interesada en el estilo tenebrista de la escuela de Utrecht. Ella introdujo fuentes de luz en sus pinturas. La mayoría de sus obras fechadas fueron pintadas entre 1629 y 1635. En 1636 se casó con el pintor de género Jan Miense Molenaer y se mudó con él a Amsterdam.
Si bien tuvo bastante éxito durante su vida, su reputación sufrió después de su muerte debido a circunstancias desafortunadas. Toda su obra fue pasada como trabajo por su contemporáneo Frans Hals o por su esposo. En muchos casos, su firma fue cubierta por coleccionistas que buscaban obtener ganancias debido al alto valor de mercado del trabajo de Frans Hals. Solo a fines del siglo XIX se descubrieron estos errores y los académicos comenzaron a obtener una apreciación renovada de la habilidad de Leyster como artista.

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Elisabeth Vigée Le Brun - 1755 – 1842

Élisabeth Vigée-Lebrun, en su totalidad Marie-Louise-Élisabeth Vigée-Lebrun, Lebrun también LeBrun o Le Brun, (nacido el 16 de abril de 1755, París, Francia, murió el 30 de marzo de 1842, París), pintor francés, una de las artistas femeninas más exitosas (inusualmente para su tiempo), particularmente notable por sus retratos de mujeres.
Como hija de un pintor, recibió instrucciones tempranas de su padre y estaba pintando retratos profesionalmente cuando era una adolescente. Su gran oportunidad profesional llegó cuando fue nombrada retratista de María Antonieta. Las dos mujeres se hicieron amigas, y en los años posteriores Vigée-Lebrun pintó más de 20 retratos de María Antonieta en una gran variedad de poses y disfraces. También pintó una gran cantidad de autorretratos, al estilo de varios artistas cuyo trabajo admiraba. En 1783, debido a su amistad con la reina, Vigée-Lebrun fue aceptada a regañadientes en la Real Academia.
Al estallar la Revolución en 1789, abandonó Francia y durante 12 años vivió en el extranjero, viajando a Roma, Nápoles, Viena, Berlín, San Petersburgo y Moscú, pintando retratos y jugando un papel de liderazgo en la sociedad. En 1801 regresó a París, pero, no le gustaba la vida social parisina bajo Napoleón, pronto se fue a Londres, donde pintó retratos de la corte y de Lord Byron. Más tarde fue a Suiza (y pintó un retrato de Mme de Staël) y luego nuevamente (hacia 1810) a París, donde continuó pintando hasta su muerte. Vigée-Lebrun era una mujer con mucho ingenio y encanto, y sus memorias, Souvenirs de ma vie, proporcionan un relato animado de su vida. Era una de las retratistas técnicamente más fluidas de su época, y sus imágenes destacan por su frescura, encanto y sensibilidad de presentación. Durante su carrera, según su propia cuenta, pintó 900 cuadros, incluidos unos 600 retratos y unos 200 paisajes.
Sus pinturas cierran la brecha entre el estilo teatral rococó y el período neoclásico más sobrio. Ella disfrutó de un éxito continuo en su carrera, incluso en el exilio después de la Revolución Francesa, ya que era un pintor favorito de la aristocracia en toda Europa. Los asistentes disfrutaron de su habilidad para tranquilizarlos, lo que condujo a retratos que eran vivos y carecían de rigidez. La forma natural y relajada de sus retratos se consideraba revolucionaria en un momento en que el retrato a menudo requería representaciones formales de las clases altas.

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Frida Kahlo - 1907 – 1954

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, 6 de julio de 1907- Coyoacán,13 de julio de 1954)
La artista mexicana Frida Kahlo es recordada por sus autorretratos, dolor y pasión, y colores vivos y audaces. Ella es celebrada en México por su atención a la cultura mexicana e indígena y por las feministas por su descripción de la experiencia y la forma femenina.
Con su trabajo profundamente personal y simbólico, se ha convertido en una de las artistas más famosas del siglo XX. Durante gran parte de su carrera, a menudo se la pasó por alto simplemente como la esposa de Diego Rivera, pero la apreciación de sus pinturas solo ha crecido desde la década de 1970 en adelante. Ferozmente orgullosa de su identidad mexicana, a menudo incorporó símbolos precolombinos en sus pinturas y es conocida por su colorido vestido mexicano. Kahlo, que sufrió problemas de salud a lo largo de su vida debido a un accidente de autobús en su juventud, sufrió múltiples fracturas de su columna vertebral, clavícula y costillas, una pelvis destrozada, un pie roto y un hombro dislocado. Ella comenzó a concentrarse mucho en la pintura mientras se recuperaba con un yeso en el cuerpo. En su vida, tuvo 30 operaciones. La experiencia de la vida es un tema común en las aproximadamente 200 pinturas, bocetos y dibujos de Kahlo. Su dolor físico y emocional se muestran claramente en los lienzos, al igual que su turbulenta relación con su esposo, el compañero artista Diego Rivera, con quien se casó dos veces. De sus 143 pinturas, 55 son autorretratos. La devastación de su cuerpo por el accidente del autobús se muestra con gran detalle en La columna rota. Kahlo se representa casi desnuda, dividida por la mitad, con su columna vertebral presentada como una columna decorativa rota. Su piel está salpicada de uñas. Ella también está equipada con un aparato quirúrgico.
Ampliamente conocida por sus inclinaciones marxistas, Frida, junto con el marxista revolucionario Che Guevara y una pequeña banda de figuras contemporáneas, se ha convertido en un símbolo contracultural del siglo XX y creó un legado en la pintura que continúa inspirando la imaginación y la mente.
Vio su floreciente carrera interrumpida debido a su prematura muerte a los 47 años. Su legado sigue vivo y sigue siendo un ícono de muchos movimientos feministas y políticos.

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