艺术史的基础可以追溯到数万年前，当时古代文明利用可用的技术和媒介来表现具有文化意义的主题。从这些早期实例中，出现了众多艺术运动，每个运动都有反映其时代政治和社会影响的独特风格和特征。
野兽派是什么意思，概念艺术又是关于什么的？谈论艺术本身就是一门学科，如果你对这个世界还不熟悉，可能会有很多问题，尤其是关于每个运动和不同类型的艺术。
从文艺复兴到现代主义的影响艺术流派在历史上留下了不可磨灭的印记。
当我们清晰了解艺术史和艺术运动重要性的概念时，我们将更深入地理解像梵高、毕加索和沃霍尔等著名艺术家如何颠覆艺术世界。
Kuadros为您准备了一份最重要运动的列表。
第1号 意大利文艺复兴 (1400–1550)
一些代表性人物：吉贝尔蒂的门、布鲁内莱斯基、唐纳泰罗、波提切利、达·芬奇、米开朗基罗、拉斐尔。
14世纪末，一群意大利思想家宣布他们生活在一个新时代。黑暗而野蛮的“中世纪”已经结束；一个学习、文学、艺术和文化的“复兴”开始了。这是现在所称的文艺复兴时期的诞生。几个世纪以来，学者们一致认为意大利文艺复兴是这样发生的：在14至17世纪之间，关于世界及人类在其中地位的新思维方式取代了旧观念。这个时期的许多科学、艺术和文化成就共享共同主题，特别是人文主义信仰，即人是自己宇宙的中心。
15世纪的意大利与欧洲其他地方截然不同。它被分成独立的城邦，各自拥有自己的政府。文艺复兴的发源地佛罗伦萨是一个独立的共和国和银行及商业中心。富有的佛罗伦萨人通过支持艺术家和知识分子展示他们的权力，使这座城市成为欧洲和文艺复兴的文化中心。
文艺复兴分为两个主要部分：
在早期文艺复兴时期，艺术家开始拒绝拜占庭风格的宗教绘画，并努力在表现人的形态和空间方面创造现实主义。这个目标始于奇马布埃和乔托，达到了安德烈亚·曼特尼亚和保罗·乌切洛等艺术家的顶峰。尽管宗教在日常生活中依然重要，但神话主题也逐渐崭露头角。许多人指出波提切利的《维纳斯的诞生》是第一幅描绘神话场景的面板画。
被称为高文艺复兴的时期代表了早期文艺复兴目标的巅峰。最著名的艺术家包括达·芬奇、拉斐尔、提香和米开朗基罗。他们的画作和壁画是世界上最知名的作品之一，如《最后的晚餐》、《雅典学院》以及米开朗基罗的西斯廷礼拜堂天顶画。
第2号 巴洛克 (1600–1750)
一些代表性人物：鲁本斯、伦勃朗、卡拉瓦乔、贝拉斯克斯、凡尔赛宫。
巴洛克这个词可能源于意大利的“barocco”，在中世纪用于描述逻辑障碍。后来，它开始意味复杂的思想或扭曲的思维过程。另一种可能来源是葡萄牙的“barroco”（西班牙语的“barrueco”），指一种形状不规则或不完美的珍珠。巴洛克是一种在欧洲于17世纪初到18世纪中期发展起来的艺术和建筑运动。它强调戏剧性的运动和夸张的细节，以产生戏剧、紧张感、奢华和宏伟感。
最早的表现发生在意大利的16世纪最后几十年，而在德国和南美殖民地等地区，某些巴洛克的巅峰成就直到18世纪才出现。
艺术家们复兴了文艺复兴的美学理想，将一种新的奢华和装饰融入艺术、音乐和建筑中。这种风格，称为巴洛克，具有创新的技术和精致的细节，在相对温和的艺术时期提供了一种奢华的视觉语言。巴洛克风靡整个欧洲，由教皇和意大利、法国、西班牙及弗兰德地区的天主教统治者推动。它更通过修道院和教堂的宗教命令进一步传播。
新兴的巴洛克风格既是感性的又是精神的。自然主义的处理使宗教图像更为平易近人，而戏剧性和幻觉效果激发了虔诚，并传达了神圣的光辉。教堂的天花板化为绘画场景，引导人们的感官走向天国。
尽管巴洛克画作的主题和风格可能各有不同，但大多数作品都有共同的戏剧性元素。在诸如卡拉瓦乔和伦勃朗等艺术家的作品中，戏剧性的兴趣通过光与影的强烈对比表达出来。
西班牙统治的天主教地区的大师是画家彼得·保罗·鲁本斯
就像文艺复兴的雕塑一样，例如米开朗基罗的标志性大卫，巴洛克雕塑通常旨在装饰宏伟建筑和其他宏大场景，例如教堂内部和皇家花园。
巴洛克的最后繁荣发生在德国南部和奥地利，当时本土建筑师在1720年代偏离了意大利模式。
第3号 现实主义 (1848–1900)
一些代表性人物：科罗、库尔贝、道米埃、米勒。
现实主义是对自然或当代生活的准确、详细且无修饰的表现。它拒绝理想化，而是密切观察外部表象。因此，现实主义涵盖了不同文明中的许多艺术流派。在视觉艺术中，例如可以在描绘拳击手和老妇人的希腊希腊化雕塑中找到。17世纪画家如卡拉瓦乔、荷兰的风俗画家、西班牙的何塞·德·里贝拉、迭戈·委拉斯开兹和弗朗西斯科·德·苏巴朗，以及法国的莱内兄弟等的作品也都采用现实主义的方法。18世纪英国小说家如丹尼尔·笛福和亨利·菲尔丁的作品也可以被称为现实主义。
现实主义在1850年代的法国兴起，背景是1848年革命之后，确立了“工作权”。它引入了普通人、当代场景和日常生活场景作为艺术主题的概念。
它传播到整个欧洲，从亚历山大二世的俄罗斯到维多利亚女王统治下的英国，再到威廉一世的德国、意大利的复兴等。1855年在欧洲确保现实主义上具有重要意义。
古斯塔夫·库尔贝被认为是现实主义的主要人物。19世纪40年代他为这一运动奠定了基础，描绘农民和工人，而不将他们神化，而是以大胆而严厉的方式呈现他们，引发了争议。
库尔贝的风格和主题基于巴比松画派画家的工作。特奥多尔·鲁索、查尔斯-弗朗索瓦·多比尼、让-弗朗索瓦·米勒等人选择在法国巴比松村定居，目标是在忠实再现当地景观的特点。
在法国以外的现实主义绘画在19世纪得到很好的体现，特别是在美国。温斯洛·霍默关于海洋主题的强烈且富有表现力的画作，以及托马斯·艾金斯的作品，都是当代生活的真实而细致的记录。现实主义也是20世纪艺术中的一个重要流派，由于艺术家们渴望展现日常生活的诚实与真实，或将艺术作为社会与政治批评的工具。
被称为“八个新派人物”（The Eight）团体的粗糙、几乎是新闻性的都市生活场景属于这一类别。德国的新客观主义运动（Neue Sachlichkeit）以现实主义风格工作，表达第一次世界大战后德国的愤世嫉俗和失望。苏联的社会主义现实主义使用自然主义理想化技巧，创作出大胆的工人和工程师的肖像。
此外，现实主义还直接启发了当代艺术运动，如照片现实主义和超现实主义，展示了其持久和演变的遗产。
第4号 印象派 (1865–1885)
一些代表性人物：莫奈、马奈、雷诺阿、皮萨罗、卡萨特、莫里索、德加。
法国印象派是19世纪末和20世纪初在法国发展的一个重要运动。其最显著的特征是努力准确客观地记录视觉现实，尤其是光与色彩的短暂效果。印象派艺术家展示了观察和表现世界的新方法，放弃了现实主义的表现，以捕捉其环境的瞬时印象，通常是在户外进行的。在音乐中，这是通过声音的洗礼来传达一种概念或效果，而不是严格的形式结构。
在1860年代末，马奈的艺术反映出一种新的美学，这将成为印象派作品的指导力量，传统主题的重要性减弱，关注焦点转向了颜色、色调和质感的处理。
在1874年，一群艺术家组成的“匿名画家、雕塑家、版画家协会”等组织在巴黎举办的展览开启了印象派运动。其创始成员包括克劳德·莫奈、埃德加·德加和卡米尔·皮萨罗。莫奈的画作《印象，日出》（1872）使他们获得了最早的嘲讽性名称“印象派”，这是记者路易·勒鲁所赋予的。艺术家们很快接受了这个名称，作为他们准确传达“视觉印象”的意图的描述。尽管保守批评家因其作品的未完成和草率外观而对他们进行抨击，但更具前瞻性的作家称赞它们在描绘现代生活方面的贡献。
从其诞生开始，印象派以特征如松散的笔触、鲜明的色彩、对普通主题的描绘、对光的关注和受摄影启发的构图而被定义。
到1885年中叶，印象派团体开始解散，各艺术家继续追求自己的兴趣和审美原则。然而，他们对艺术历史的革命性影响，为后印象派艺术家如塞尚、德加、高更、梵高和乔治·修拉等提供了一个技术起点，解放了西方绘画传统的技术和方法。
印象派的遗产和现在的存在
作为现代主义的起点，印象派对后来的许多运动产生了影响。后印象派艺术家采用了它的松散笔触；抽象表现主义者在莫奈的非传统方法中找到了灵感；许多当代艺术家继续以新印象主义风格创作。
第5号 后印象派 (1885–1910)
一些代表性人物：梵高、高更、塞尚、修拉。
后印象派是一个用于描述20世纪80年代反对印象派的反应的术语。它由保罗·塞尚、保罗·高更、文森特·梵高和乔治·修拉主导。后印象派艺术家拒绝了印象派对光和色彩自发和自然表现的关注。
这些画家，除了梵高，都是法国人，大多数最初都是印象派艺术家；他们每个人都放弃了这一风格，形成自己高度个人化的艺术。
与印象派一样，他们强调图像的人工性。他们相信颜色可以独立于形式和构图，作为情感和审美意义的载体。印象派和后印象派都包含了一些最著名的现代艺术作品，如莫奈的睡莲和梵高的《星夜》。
他们通过在巴黎的独立展览与公众分享他们的作品。1910年，艺术评论家罗杰·弗莱在其“马奈与后印象派”展览中创造了“后印象派”这一术语。弗莱认为艺术的美根植于感知中。他在《美学散文》中解释道：“艺术是想象生活的表达和激励，而不是现实生活的复制。”
后印象派艺术家认为，一件艺术作品不应围绕风格、过程或审美方法旋转，而应强调象征主义，从艺术家的潜意识中传达信息。
他们通常一起展出，但与作为一个统一团体开始的印象派不同，他们主要单独作画。塞尚在艾克斯-普罗旺斯独自绘画；高更在1891年定居于塔希提岛；而梵高则在阿尔勒的乡村绘画。高更和梵高都放弃了印象派的客观性，追求更加个人化的精神表达。
“颜色！多么深刻而神秘的语言，梦的语言。” - 保罗·高更
与印象派寻求捕捉自然光的效果不同，后印象派使用人工调色板来描绘他们对世界的感知。饱和的色调和多色阴影在他们的画作中显而易见，展示了他们的创新方法。
后印象派远离自然主义的方法，朝向如立体主义和野兽派等运动发展，这些运动旨在通过颜色和线条唤起情感。
第6号 野兽派与表现主义 (1900–1935)
厚涂的画作、跃出画面的颜色和不自然的色调：野兽派和表现主义是两个赋予这些特征生命的运动。那么，如果可以同样描述它们，它们之间有什么区别呢？首先，我们将单独解释野兽派和表现主义。
野兽派
一些代表性人物：马蒂斯、德雷恩、辛亚克
野兽派主导了1905年至1910年的艺术舞台，其特征为强烈的色彩和大胆的笔触。在某些情况下，艺术家们直接从管中涂抹颜料。颜色不必贴合自然；可以调整以表现情感。他们选择简单的主题，因此，作品看起来几乎是抽象的。艺术评论家路易斯·沃克尔在1905年于巴黎的秋季沙龙展中将亨利·马蒂斯和安德烈·德雷恩的作品描述为“les fauves”即“野兽”，由此创造了这个术语。它的作品充满了不自然的颜色和在画布上狂野的涂抹。这将是野兽派的开始。
野兽派艺术家对19世纪的色彩科学理论有着深厚的兴趣。特别是使用互补色，他们理解如何通过融入这些理论使颜色看起来更加鲜艳和大胆。
马蒂斯的画作《拿着帽子的女人》因女人脸上不自然的颜色而受到批评。保罗·辛亚克以点彩法闻名，并且是马蒂斯的导师。点彩法是一种将小点的原色放置在一起的技巧；当人们后退时，它们会组合成一幅完整的图像。这可与计算机屏幕上的像素相比较。
除了马蒂斯和德雷恩之外，其他重要的野兽派艺术家还包括乔治·布拉克、拉乌尔·迪菲、乔治·鲁奥和莫里斯·德·弗拉芒克。
表现主义
一些代表性人物：穆恩、康定斯基、克列。
表现主义是一个一般性术语，指任何扭曲现实以适应艺术家内心感受、观念或想法的艺术作品。简而言之，它是一种在外部世界中表达内部现实的艺术。有几个表现主义的显著特征：强烈而非自然的色彩，应用大量油漆以在画布上创造质感。
表现主义“来自内心”，反映了艺术家的感受，而不是对场景的再现。两位有影响力的表现主义艺术家是埃米尔·诺尔德和埃德瓦尔德·穆恩。
在主题上，表现主义艺术往往是情感化的，有时甚至是神话般的。由于表现主义是一个如此广泛的术语，很容易将其归因于任何时代的艺术，但通常应用于20世纪的艺术。人们说，它始于文森特·梵高的作品，并延续到我们今天所知的现代艺术。
表现主义运动的主要贡献者包括像瓦西里·康定斯基、保罗·克列、马克斯·贝克曼、恩斯特·路德维希·基尔希纳等艺术家。
野兽派可以被视为表现主义的一个子集。它们使用相似的技巧，并因相同的特征而分类；真正的差异在于野兽派与表现主义的通用性之间的具体性质。
可以被认为是野兽派的东西也可能属于表现主义领域，但并非所有表现主义都是野兽派。野兽派稍微更狂野，但主题更简单。
第7号 立体主义 (1905–1920)
一些代表性人物：巴勃罗·毕加索、乔治·布拉克
立体主义是20世纪一种非常有影响力的视觉艺术风格，主要由巴勃罗·毕加索和乔治·布拉克在1907年至1914年间在巴黎创建。立体主义风格强调图像平面和二维表面，拒绝传统透视法、缩尺法、造型和明暗法，否定了艺术应模仿自然的古老理论。立体主义者认为，西方艺术的传统已耗尽，为了重振他们的工作，转向其他文化艺术的表现性力量，特别是非洲艺术。
立体主义的名称源于评论家路易·沃克尔对布拉克在1908年作品的贬损描述，称其由立方体组成。在布拉克的绘画中，房屋的体积、树的圆柱形状及其色调使人联想起保罗·塞尚的风景，塞尚对立体主义的第一次发展阶段（直到1909年）产生了深远的影响。然而，毕加索在1907年创作的《阿维尼翁的少女》预示了这一新风格；在这幅作品中，五个女性裸体的形状变为角度分明和破碎的形象。
立体主义分为两个不同的阶段：分析立体主义和综合立体主义。分析立体主义（1908–1912年）更为严谨，其特征是使用沉闷色调组合平面和线条。综合立体主义（1912–1914年）则以更简单的形状和更鲜艳的颜色为特征，包括像报纸这样的实际元素的结合。将实际物体直接纳入艺术创作是现代艺术最重要观念之一的开始。
虽然毕加索和布拉克被认为创造了这种新视觉语言，但许多画家，包括费尔南·莱杰、罗伯特和索尼亚·德劳奈、胡安·格里斯等人也采用并发展了这一风格。立体主义还深刻影响了20世纪的雕塑和建筑。
立体主义所开启的形式观念的解放，给达达主义和超现实主义等运动以及世界各地追求抽象的艺术家带来了深远的影响。
第8号 达达与超现实主义 (1917–1950)
达达
一些代表性人物：雨果·巴尔、马塞尔·杜尚、艾米·亨宁斯、汉斯·阿普、拉乌尔·豪斯曼、汉娜·霍赫、弗朗西斯·皮卡比亚、乔治·格罗斯
达达是一个欧洲先锋艺术运动，主要中心在苏黎世和纽约。它作为对一战期间屠杀、宣传和疯狂的直接反应而兴起。由共同思想联系的独立团体出现在柏林、巴黎和其他地方。他们不共享一个普遍风格，而是因拒绝过时的艺术和知识理想而紧密相连。
“达达”这个名字是1916年从字典中随机抽取的，法语意味着“摇摆马”，罗马尼亚和俄语也可以理解为“是是”。但作为一个运动的名称，它实际上并不意味着什么。厌倦了造成一战屠杀的文化，达达主义者挑战所有规范，庆祝随机和荒谬。
达达的根源可以追溯到战前的先锋。《反艺术》一词是达达的先驱，约在1913年由马塞尔·杜尚创造，以描述那些挑战艺术公认限制的作品。
达达运动包括公开会议、示威以及艺术和文学杂志的发行。艺术、政治和文化是各种媒体中经常讨论的主题。
超现实主义
一些代表性人物：马克斯·恩斯特、安德烈·马松、萨尔瓦多·达利、勒内·马格利特
超现实主义是20世纪最重要和颠覆性的运动之一。它在1920年代兴起，提供了一个对立体主义理性和形式特质的激进替代方案。它是一个文学、哲学和艺术的运动，探索心智的运作，倡导非理性、诗意和革命性。
与达达不同，超现实主义强调对传统的积极拒绝。安德烈·布勒东，在巴黎一个新组成的诗人和艺术家团体的首脑，定义了超现实主义，他在1924年的《超现实主义宣言》中表示：“纯粹的精神自动性，旨在表达...思维的真实运作。”
在超现实主义的视觉表现中可以区分出几个线索。艺术家们如马克斯·恩斯特和安德烈·马松更倾向于自动主义，抑制意识控制，让潜意识掌控。相反，萨尔瓦多·达利和勒内·马格利特追求一种幻觉般的超现实感，其描绘的场景没有任何真实的意义。另一种变体是将不相关元素并置，建立一种超越常规现实的现实。
超现实主义起源于巴黎，但它的影响通过杂志和国际展览扩展了。随着第二次世界大战的爆发，超现实主义活动的中心转移到纽约。尽管作为一个运动在战争后失去了连贯性，但它在当代艺术中仍然保留了强大的影响力。
第9号 抽象表现主义 (1940–1950)
一些代表性人物：杰克逊·波洛克、威廉·德·库宁、弗朗茨·克莱因
“抽象表现主义”是一个在1940和1950年代在纽约发展起来的运动。虽然这个术语并不理想，但它涵盖了用色彩和抽象形状填充画布的艺术家，以及用生动表现主义攻击画布的艺术家。所有艺术家都致力于艺术作为自我表达的表现，源于深刻的情感和普遍主题。
该运动包括许多不同的绘画风格。一些艺术家，如杰克逊·波洛克和威廉·德·库宁，特征是松散而动态的油漆处理。其他艺术家，如马克·罗斯科，则使用大片平坦的色彩来实现细腻和沉思的效果。
尽管这一运动主要由男性艺术家代表，但在这个时期也出现了几位重要的女性抽象表现主义者。
第10号 波普艺术 (1960)
一些代表性人物：安迪·沃霍尔、罗伊·利希滕斯坦、詹姆斯·罗森奎斯特、克拉斯·奥尔登堡
波普艺术始于来自纽约的艺术家，如安迪·沃霍尔、罗伊·利希滕斯坦、詹姆斯·罗森奎斯特和克拉斯·奥尔登堡，他们受到流行图像的启发，并成为一种国际现象的一部分。这是一场对主导艺术和文化的方法及对艺术应是什么的传统观念的反叛。年轻艺术家们感到艺术学校教给他们的东西与他们在博物馆里看到的没有任何关系。
在1957年，波普艺术家理查德·汉密尔顿在一封信中列出了波普艺术的特征：“波普艺术是：流行、瞬息、可有可无、廉价、大规模生产、年轻、独特、性感、耸人听闻、迷人、商业巨头。”
波普艺术把艺术带入新的主题领域，并开发新形式来呈现它，可以被视为后现代主义的最早表现之一。
第11号 后现代主义 (1970–)
一些代表性人物：格哈德·里希特、辛迪·舍曼、安塞尔姆·基弗、弗兰克·盖里、扎哈·哈迪德
天空中的玛丽莲由詹姆斯·吉尔创作
“后现代艺术”这一术语指的是大约从1970年及以后创作的一大类当代艺术。其标志是对其前任“现代艺术”所依赖的美学的拒绝。被拒绝的价值之一是艺术是应该与大众品味分开的“特殊”事物的想法。
后现代主义本质上是反权威的，拒绝承认任何风格或对艺术应该是什么的定义的权威。高文化与流行文化、艺术与日常生活之间的界限被打破。它引入了一个新的自由时代，让人们感觉“万事皆可行”。
后现代艺术经常混合不同的风格和媒介，也可能借用或讽刺地评论过去的风格。后现代主义者认为其理论立场是包容和民主的。
在1980年代和1990年代，后现代主义成为“身份政治”运动的非官方哲学。
KUADROS ©，你墙上的著名画作。
