艺术史的基础可以追溯到数万年，直到古代文明使用这些技术和手段代表了文化上重要的主题。从这些第一个例子中，他们遵循了许多艺术运动，每个运动都具有自己的不同风格和特征，反映了他们出现的时期的政治和社会影响。
野蛮的含义是什么，概念艺术是什么？谈论艺术似乎本身就是一门学科，如果您是艺术界的新手，那么您可能会有很多问题，尤其是关于艺术和不同类型的艺术运动的问题。
从文艺复兴到现代主义的出现，有影响力的艺术流派无疑在历史上留下了自己的印记。
我们将对历史及其艺术运动的重要性有清晰的概念，我们将对梵高，毕加索和沃霍尔等著名艺术家如何彻底改变艺术世界有更清楚的了解。
卡德罗斯（Kadros）列出了最重要的动作。
意大利文艺复兴1号（1400-1550）
一些指数：Giberti Doors，Brunelleschi，Donatello，Botticelli，Leonardo，Miguelángel，Rafael。
到十四世纪末d。 C.，少数意大利思想家宣布他们生活在一个新时代。芭芭拉（Barbara）没有照亮“中世纪”。新的将是学习和文学，艺术和文化的“Rinincità”（“文艺复兴”）。这是现在被称为文艺复兴时期的诞生。几个世纪以来，学者们都同意，意大利的重生（“重生”的另一个词）是这样发生的：在十四世纪至十七世纪之间，这是一种新的现代思考世界的思考世界和人类的地位，他取代了旧的想法。实际上，所谓的文艺复兴时期的许多科学，艺术和文化成就具有共同的问题，尤其是人文主义的信念，即人是他自己宇宙的中心。
意大利在15世纪意大利的意大利文艺复兴与欧洲的任何其他地方都不同。它被分为独立的城市国家，每个国家都有不同形式的政府。意大利重生开始的佛罗伦萨是一个独立的共和国。它也是银行和商业资本，仅次于伦敦和君士坦丁堡，欧洲第三大城市。富裕的佛罗伦萨炫耀自己的钱，并能够成为艺术家和知识分子的赞助人或支持者。这样，这座城市成为欧洲的文化中心和文艺复兴时期。
可以说，文艺复兴时期分为两个部分：
在早期重生期间，艺术家开始拒绝拜占庭的宗教绘画风格，并努力在人类形态和空间的代表中创造现实主义。实现现实主义的目标始于Cimabue和Giotto，并在“完美”艺术家的艺术中达到了顶峰，例如Andrea Mantegna和Paolo Uccello。宗教是在文艺复兴时期生活的人们的日常生活中的重要元素，但我们也看到了一条新的通向GASP：神话主题的路线。许多学者指出 金星的诞生 波蒂切利（Botticelli）是神话场景的第一幅面板绘画。
被称为高重生的时期代表了早期重生目标的高潮。这个阶段最好的艺术家是莱昂纳多·达·芬奇，拉斐尔，蒂齐亚诺和米格尔·Ángel。他的绘画和新鲜是最著名的艺术品之一。 最后的晚餐 达芬奇， 雅典学校 拉斐尔（Rafael）和米格尔·阿格尔（Miguelángel）西斯汀教堂（Sistine Chapel）屋顶的绘画是这一时期的杰作，体现了高文艺复兴时期的元素。
2号巴罗科（1600–1750）
一些指数：Reubens，Rembrandt，Caravaggio，Velázquez，Palacio de Versailles。
巴洛克式的术语最终源自意大利语Barocco，哲学家在中世纪使用该单词来描述示意性逻辑中的障碍。随后，这个词表示所涉及的任何扭曲的思想或思想过程。另一个可能的消息来源是巴洛克葡萄牙语（西班牙barrueco），用于描述不规则或不完美的珍珠，这种用途仍然可以在珠宝商的巴洛克珍珠术语中幸存下来。巴洛克式是从十七世纪初到18世纪中叶在欧洲开发的艺术和建筑运动。它强调了戏剧性和夸张的运动，以及清晰而易于解释的细节，远非超现实主义，产生戏剧，紧张，旺盛和伟大。
最初发生的表现发生在意大利，其历史是从16世纪的最后几十年来，而在某些地区，尤其是在德国和南美殖民地，达到18世纪的某些最终成就才能达到18世纪。
艺术家继续恢复文艺复兴时期的美景，灌输到当时的艺术品，音乐和建筑的作品中，眨眼地恢复了古典主义，这更加受到新的充满奢侈的奢侈和倾向，使其更加改善。这种高度装饰的风格被认为是巴洛克式的，其特征是其创新的技术和细节，在相对减弱的艺术时期提供了一种新的郁郁葱葱的视觉语言。巴洛克式蔓延在整个欧洲，主要由罗马教皇和意大利，法国，西班牙和法兰德斯的天主教统治者执导。它通过其广泛的修道院和修道院网络通过强大的宗教秩序传播。该风格迅速延伸到法国，意大利北部，西班牙和葡萄牙，然后延伸到奥地利和德国南部。
从矛盾的，感性和精神上，从该计划发展的巴洛克风格是。尽管一种自然主义的待遇导致平均教区居民更容易获得宗教形象，但使用戏剧性和虚幻的效果来刺激虔诚，奉献并传递对神的辉煌的印象。巴洛克式教堂的屋顶溶解在彩绘的场景中，这些场景向观察者展示了无限的生动视野，并将感官引向了天体的关注点。
尽管主题甚至风格在巴洛克式的画之间都会有所不同，但此时期的大多数作品都有共同的事情：戏剧。在被称为画家的作品中 卡拉瓦乔 和 伦勃朗，对戏剧的兴趣是辐射光和迫在眉睫的阴影之间的强烈对比。
画家是西班牙人的那个天主教地区的伟大老师 彼得·保罗·鲁本斯巴洛克式油漆的缩影是暴风雨的对角线组成和宽阔的全血。安东尼·范·戴克（Anthony Van Dyck）的优雅肖像和雅各布·乔达恩斯（Jacob Jordaens）的强大比喻作品模仿了鲁本斯（Rubens）的例子。荷兰的艺术以其主要的中产阶级模式的现实口味为条件，因此，无数的流派和该国的景观画家以及伦勃朗和弗兰斯·哈尔斯（Rembrandt）和弗朗斯·哈尔斯（Frans Hals）等雄心勃勃的老师仍然独立于风格的巴洛克式。 。但是，巴洛克式对英格兰的影响很大，尤其是在克里斯托弗·雷恩爵士和约翰·范布鲁克爵士设计的教堂和宫殿中。
就像文艺复兴时期的雕像一样，包括米格尔·Ángel的标志性大卫，巴洛克雕塑通常注定要装饰雄伟的建筑。他们还受到其他伟大场景的委托，例如金教堂和真正的花园的内部。
最后一个巴洛克式的开花是德国南部和奥地利的大部分天主教罗马人，那里的土著建筑师与1720年代的意大利建筑模型分开。
第3号现实主义（1848–1900）
一些指数：Corot，Court，Daumier，Millet。
现实主义，在艺术中，精确，详细的代表性，没有自然或当代生活的装饰。现实主义拒绝富有想象力的理想化，而倾向于对外观进行仔细观察。因此，从广义上讲，现实主义涵盖了不同文明中的许多艺术潮流。例如，在视觉艺术中，可以在古老的希腊希腊雕塑中找到现实主义，这些雕塑准确地描绘了拳击手和旧的衰老。 17世纪画家的作品，例如卡拉瓦乔（Caravaggio），荷兰类型的画家，西班牙画家何塞·德·里贝拉（JosédeRibera），迭戈·维拉兹克斯（DiegoVelázquez）和弗朗西斯科·德·佐尔巴拉（Francisco deZurbarán）以及法国的Le Nain兄弟是现实的方法。 18世纪的英国小说家丹尼尔·迪福（Daniel DeFoe），亨利·菲尔丁（Henry Fielding）和托比亚斯·斯莫勒特（Tobias Smollett）的作品也可以称为现实。
现实主义在1850年代出现。在1848年革命之后，这一事件立即建立了该国的“工作权”，该运动引入了平均水平，工人阶级，现代场景，现代场景和日常场景的思想作为体面的艺术主题。
现实主义从亚历杭德罗二世的俄罗斯延伸到维多利亚女王的英国，从吉列尔莫一世的德国到意大利的意大利，从哈布斯堡的帝国到斯堪的纳维亚半岛及以后的国家。 1855年在欧洲建立现实主义方面很重要。
古斯塔夫·库贝特（Gustave Coubet） 它通常被认为是现实主义的主要人物。他在1840年代开始描绘农民和工人时为运动奠定了基础。库尔贝（Courbet）并没有荣耀他们，而是他大胆地介绍了他们，并在艺术界严重产生了暴力反应。
Courbet的风格和工作是在Barbizon学校的画家打破的领域中建造的。 ThéodoreRousseau，Charles-FrançoisDaubigny，Jean-FrançoisMillet和其他1830年代初在法国巴比州（Barbizon）建立了，目的是忠实地重现了景观的当地特征。
法国以外的绘画现实主义可能在19世纪更好地代表了美国。在那里，温斯洛·荷马（Winslow Homer）在海洋问题和肖像，导航场景和托马斯·埃金斯（Thomas Eakins）的其他作品上的强大而富有表现力的绘画是坦率的，没有吸引力的，并且非常观察到了当代生活的记录。现实主义是二十世纪艺术中的不同潮流，通常源于艺术家渴望提出更真诚，真诚的愿望，而没有对日常生活的理想意识或他们尝试将艺术用作批评社会和政治批评的工具。
艰难，概述的，几乎是新闻的城市生活场景，与美国画家的接缝称为八（8）（8）属于第一类。德国艺术运动被称为Neue Sachlichkeit。在苏联正式赞助的社会主义现实主义使用自然主义的理想化技术来创建无畏工人和工程师的肖像，他们在英雄实证主义和缺乏真正的信誉方面都非常相似。
此外，现实主义直接启发了当代艺术的重要运动，例如光真相和超现实主义。在现实主义的现代方法的基础上，这些流派证明了创新运动的持久和进化遗产。
第4号印象派（1865-1885）
一些指数：Monet，Manet，Renoir，Pissarro，Cassatt，Cassatt，Morisot，Degas。
法国印象派是一个重要的运动，首先是绘画，然后是音乐，它主要在19世纪和20世纪初在法国发展。印象派在绘画中的最显着特征是试图精确，客观地注册，以对周围环境的倒立印象的现实表示，这些象征通常在外面。在音乐中，它是通过清洗而不是严格的形式结构来传递想法或效果。
在1860年代末，艺术 马奈 它反映了一种新的美学，这应该是印象派作品中的指导力量，其中传统主题的重要性减少了，并且注意力转移到了艺术家的颜色，音调和质地的操纵上。它以自己结束。
1874年，一群名为画家，雕塑家，唱片人等的艺术家。他在巴黎组织了一个展览，该展览发起了该运动，称为印象派。它的创始成员包括克劳德·莫奈（Claude Monet），埃德加·德加斯（Edgar Degas）和卡米尔·皮萨罗（Camille Pissarro）等。该小组举办了第一场演出，独立于法国学院的官方大厅，该大厅一直拒绝其大部分作品。莫奈的画 升起的阳光印刷 （1872年）为他们赢得了记者路易斯·勒罗伊（Louis Leroy）最初嘲笑的名字“印象派”的名字，他在1874年在讽刺杂志Le Charivari中写道。艺术家很快将这个名字描述为他们的意图，以准确传播“视觉印象”。尽管保守派批评者批评他们的工作不完整，但最进步的作家对他对现代生活的描述表示赞赏。例如，埃德蒙·杜兰蒂（Edmond Duranty）在他的1876年文章《诺维尔·皮特勒（Nouvelle Peinture）》（Nouvelle Peinture）（新画）中写道，他以充分创新的风格表示了他对当代主题的代表，这是一场绘画的革命。
自从其构想以来，印象派已由一组特征定义。其中包括：绘画笔触，独特的颜色，常见问题的表示形式，重点是受摄影启发的光和构图。
在-1880年代中期，随着每位画家追求越来越多的审美利益和原则，印象派群体已经开始解散。但是，在短暂的存在中，它在艺术史上实现了革命，为后印象主义艺术家提供了技术起点 塞赞, 气体, 保罗·高加（Paul Gauguin）, 文森特 - 梵高 和乔治·塞拉特（Georges Seurat），并释放了所有传统技术的西方绘画。和对象的方法。
当今的继承和印象主义的存在
自然，作为现代主义的起点，印象派影响了许多随后的运动。后印象派主义者采用了他们的绘画笔触；抽象表现主义者在非常规的方法上找到了灵感 莫奈;许多当代艺术家甚至继续以新印象派风格工作。
第5号邮政 - 印象派（1885-1910）
一些指数：梵高，高加因，塞尚，苏拉特
后印象主义是一种用来描述1880年代反应反应反对印象主义的术语。它由PaulCézanne，Paul Gauguin，Vincent Van Gogh和Georges Seurat执导。后 - 印象派拒绝了印象派对光和颜色的自然和自然主义表示的关注。
除了梵高之外，所有这些画家都是法国人，其中大多数是作为印象派的。他们每个人都放弃了这种风格，形成了自己的高度个人艺术。
像印象派主义者一样，他们强调了图像的人为性。帖子 - 印象派还认为，颜色可以独立于形式和构图作为意义的情感和美学承载者。印象派和后印象主义都包括一些最著名的现代艺术作品，例如 莫奈水百合，一系列水生景观和 星空之夜 梵高。
帖子 - 印象派通过整个巴黎的独立展览与公众分享了他们的作品。 1910年，著名的艺术评论家，历史学家和策展人罗杰·弗莱（Roger Fry）用他的表演，马奈和后印象派创造了“后印象主义”一词。像邮政 - 印象派本身一样，弗莱也相信艺术的美本质上是源于感知的。弗莱在美学论文中解释说：“艺术是一种富有想象力的生活的表达和刺激，而不是现实生活的副本。”
正如弗莱（Fry）所解释的那样，后印象派主义者认为，艺术品不应围绕风格，过程或审美方法展开。取而代之的是，您必须强调象征意义，传达艺术家潜意识的信息。
邮政 - 印象派经常会一起展出，但与印象派不同，最初是一个非常团结和亲切的团体，主要是独自绘画的。塞桑（Cézanne）在法国南部的Aix-en-Provence中孤立地绘制；他的孤独感与保罗·加林（Paul Gauguin）的孤独相匹配，保罗·加林（Paul Gauguin）于1891年安装在大溪地，而梵高（Van Gogh）则在阿尔斯（Arles）的田野里绘画。高加因和梵高都拒绝了印象派的冷漠客观性，而倾向于更个人的精神表达。
“多么深而神秘的色彩！
与努力捕捉自然光对色调的影响的印象派主义者不同，印象派主义者是故意使用人造调色板，作为描绘他们对世界周围世界的看法的一种方式。在大多数后印象派画作中，饱和色调，彩色阴影和丰富的色彩范围都是明显的，展示了艺术家的创新和富有想象力的代表。
一般而言，后印象主义摆脱了一种自然主义的方法，并转向了20世纪初的艺术的两个主要运动，取代了它：立体主义和野蛮主义，试图通过色彩和线条唤起情感。
第6号武士和表现主义（1900-1935）
绘画以厚实的色彩从页面和反自然的音调出现：野牛主义和表现主义是赋予这些特征生命的两种动作。那么，如果它们可以以相同的方式描述，它们有什么区别？首先，我们将自己解释野蛮主义和表现主义。
野兽派
一些指数：matisse，derain，signac
Fauvismo或多或少地占领了1905年至1910年的艺术场景，其特征是浓烈的颜色和大胆的笔触。在某些情况下，这一时期的艺术家直接从瓶子上涂了油漆。颜色不必忠于自然。他们可以改变以表现出情感。他们选择了简单的问题，因此，这些绘画似乎几乎是抽象的。艺术评论家路易·沃克斯（Louis Vauxcelles）在描述了亨利·马蒂斯（Henri Matisse）和安德烈·德拉恩（Andre derain）的作品之后创造了这个词，例如“ les fauves”或野兽在1905年在巴黎的D'Am Automne展览中。 Matisse和Derain展览中的作品充满了不自然的色彩选择和画布上的野生油漆污渍。这将是野蛮主义的开始。
野牛艺术家对19世纪颜色的科学理论深感感兴趣。具体而言，使用互补的颜色，Fauvistas理解了如何使颜色看起来更明亮，大胆以结合这些理论。
亨利·马蒂斯（Henri Matisse）的画作“戴帽子的女人”。女人脸上的反天然色彩批评了它。保罗·西纳克（Paul Signac）（1863-1935）以其观点而闻名。他还是亨利·马蒂斯（Henri Matisse）的导师。 Puntillismo是一种将原色点放在一起的技术。当您移开时，将其组合成一个图像。可以将其与计算机屏幕上的像素进行比较。每个单独的像素都是不同的颜色，但是当您看到一小段距离时，它们会创建图像。 Rill的点风格展示了艺术家可以用原色做些什么，以及他们如何在工作中使用光学幻觉。
除了马蒂斯（Matisse）和德兰（Derain）外，其他重要的野蛮艺术家还包括乔治·布拉克（Georges Braque），拉乌尔·杜菲（Raoul Dufy），乔治·鲁（Georges Rouault）和莫里斯·德·弗拉姆克（Maurice de Vlaminck）。
表现主义
一些指数：Munch，Carr，Kandinsky，Klee
表现主义是任何艺术品的一般术语，它扭曲了现实，以与艺术家的内部感觉，观点或思想相吻合。简而言之，这是一种表达外界内部现实的艺术。这是一个相当普遍的定义，但是表现主义有一些独特的特征。特别是，表现主义中使用的颜色将是强烈的，而且通常是不自然主义者，这意味着某人的皮肤可以被涂成蓝色，而不是棕褐色或棕色。油漆也经常以表现主义风格大量使用，这在画布上产生了许多质感。
表现主义来自“从内部”，这反映了艺术家的感受，而不是对场景的代表。两位有影响力的表现主义艺术家是艾米丽·卡尔（Emily Carr）和 爱德华·蒙克（Edvard Munch）.
至于这个主题，表现主义艺术往往是情感上的，有时甚至是神话，假设表现主义是浪漫主义的延伸。由于表现主义是如此广义，因此很容易开始将其归因于任何时候的艺术。然后，在大多数情况下，表现主义通常适用于20世纪的艺术。据说它始于文森特·梵高（Vincent Van Gogh）的作品，并延伸到我们今天所知道的现代艺术。
表现主义运动的主要纳税人是Matisse，Rouault，Oskar Kokoschka，Paul Klee，Max Beckmann，Pablo Picasso，Francis Bacon，Ernst Ludwig Kirchner，Graham Sutherland，Edvard Munch等。
野蛮主义可以看作是表现主义的一部分。表现主义可以包括如此广泛的艺术和动作，几乎不可能将它们分开而分开。他们使用相同的技术，并按照相同的特征进行分类，唯一的实际差异是野牛主义的特定性质与表现主义的一般本质相反。
可以认为是野牛的东西也可能是表现主义领域的一部分。但是，被认为是表现主义者的东西并不一定是野蛮风格的。野蛮主义更加疯狂，但主题更为简单。
因此，野蛮主义与表现主义不是一回事。他们没有互相竞争，因为一个只是另一个版本的一个版本。
第7号立体主义（1905-1920）
一些指数： Pablo Picasso，Georges Braque
立体主义是二十世纪非常有影响力的视觉艺术风格，主要是由艺术家帕勃罗·毕加索（Pablo Picasso）和乔治·布拉克（Georges braque 。从透视图中，Scorzo，建模和清晰，并驳斥艺术应该模仿自然的古老理论。立体派认为西方艺术的传统已经精疲力尽并振兴了他们的作品，他们诉诸其他文化的艺术的表现力，尤其是非洲艺术。
立体主义的名字来自评论家路易斯·沃克斯（Louis Vauxcelles）的评论，后者在1908年在L'Estaque的房屋中卖掉了布拉克（Braque）的作品。在布拉克（Braque）的绘画中，房屋的数量，树木的圆柱形形状和棕色和绿色的计划都记得保罗·塞桑（PaulCézanne）的景观，这在开发的第一阶段（直到1909年）深深地启发了Cobists。但是，是毕加索（Picasso）于1907年绘制的是莱斯·德莫伊塞尔（Les Demoiselles d'Avignon），他预示着新风格。在这项工作中，五个女性裸体的形式变成了角度和骨折的形式。
可以看出，立体主义分为两个不同的阶段：初始和更严格的分析立体主义，以及被称为合成立体主义的立体主义的后阶段。分析立体主义是在1908 - 12年之间开发的。他的艺术品看起来更加严重，并通过黑色，灰色和ocher的平面和线条结合在一起。合成立体主义是立体主义的后阶段，通常认为它的历史可追溯到1912年至1914年，其特征是形状更简单和鲜艳的颜色。合成的立体主义者的作品通常还包括合并的真实元素，例如报纸。直接将真实物体纳入艺术是现代艺术最重要思想之一的开始。
虽然这种新的视觉语言的创建归因于毕加索和布拉克（Picasso and Braque），但它被许多画家采用和开发，包括费尔南德·莱格（FernandLéger），罗伯特（Robert）和索尼亚·德劳尼（Sonia Delaunay），胡安·格里斯（Juan Gris），罗杰·德拉·弗雷斯纳（Roger de la Fresnaye），马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp），艾伯特·杜尚（Marcel Duchamp），艾伯特·格莱兹（Albert Gleizes）和让·梅辛格（Jean Metzinger）。尽管它主要与绘画有关，但立体主义也对20世纪的雕塑和建筑产生了深远的影响。主要的立体主义雕塑家是亚历山大·阿奇科科（Alexander Archipenko），雷蒙德·杜尚（Raymond Duchamp-Villon）和雅克·利普奇兹（Jacques Lipchitz）。瑞士建筑师Le Corbusier采用立体主义美学的采用反映在他在1920年代设计的房屋的形式中。
在1912 - 13年冬季，毕加索执行了大量纸纸。借助这种新技术，将毕加索和布拉克的颜色或印刷纸粘贴在一起，席卷了三维空间（幻觉）的最后一个遗迹，这些遗迹仍然留在其“高”分析工作中。
立体主义发起的正式解放概念对达达和超现实主义以及在德国，荷兰，意大利，英国，美国，美国和俄罗斯进行抽象的所有艺术家也产生了很大的影响。
第8号达达和超现实主义（1917- 1950年）
达达主义者
一些指数：Hugo Ball，Marcel Duchamp，Emmy Hennings，Hans Arp，Raoul Hausmann，HannahHöch，Francis Picabia，George Grosz
给定和超现实主义的国际范围和多样化的艺术作品都是二十世纪初的艺术，文学和知识运动，这对于定义现代主义至关重要。诗人和艺术家（例如特里斯坦·塔扎拉（Tristan Tzara）和汉斯·阿普（Hans Arp））在苏黎世发起的给定运动是对第一次世界大战的屠杀，宣传和疯狂的直接反应。纽约不久后不久就出现了与共同思想相关的独立团体。 ，柏林，巴黎和其他地方。这些各个群体没有共同的风格，而是因为他们拒绝了理想主义，过时的艺术和智力惯例以及现代社会的不受控制的拥抱与“理性主义”和“进步”有关。
鉴于它是欧洲前卫艺术运动，在苏黎世，瑞士和纽约的早期中心。
这个名字于1916年从苏黎世的一部词典中提取，意为法语中的“摇摆马”或罗马尼亚语和俄语中的“是”。但是，作为动作的名称，实际上根本没有任何意义。鉴于它挑战了所有神圣的牛，厌倦了产生第一次世界大战屠杀的文化，从窗户上抛出了表情和作者身份，并庆祝机会和荒谬。
在战前的Avant -Garde中发现了Dada的根。 1913年左右，马塞尔·杜尚（Marcel Duchamp）为达达（Dada）的前身安提亚尔特（Antiarte）一词来表征挑战公认的艺术限制的作品。
达达主义运动包括公开会议，示威和艺术 /文学杂志的出版；在各种媒体中经常讨论对艺术，政治和文化的热情报道。
该运动影响了后部风格，例如Avant -Garde和Central Music运动，以及包括超现实主义和波普艺术在内的团体。
然后，超现实主义到达了达达主义者（Marcel Duchamp）等达达主义者的反派徒体能，这引发了巨大的成功但疯狂的运动，这在战争之间摧毁了欧洲，并拥抱了许多媒体。
超现实主义
一些指数：Max Ernst，AndréMasson，Salvador Dali，RenéMagritte
超现实主义是二十世纪最重要，最颠覆性的运动之一，尤其是在1920年代和1930年代蓬勃发展，并为立体主义的理性和形式特质提供了一种根本性的替代方法。二十世纪的文学，哲学和艺术运动探讨了思想的功能，捍卫了非理性，诗意和革命者。
与达达（Dada）不同的是，它在许多方面都强调了积极的拒绝，而不是对以前传统的悲观。
“超现实主义者”一词（暗示“超越现实”）是由法国前卫 - 加德的诗人吉拉姆·阿波莱尔（Guillaume Apollinaire）在1903年写的作品中，并于1917年代表。但是，这是安德烈·布雷顿（AndréBreton在巴黎，在他的超现实宣言（1924）中，将超现实主义定义为：纯粹的心理自动化，通过它，以书面形式，书面或任何其他方式表达出来的真实性。在没有任何审美和道德关注之外，没有任何控制权的控制，对思想的命令。
在超现实主义的视觉表现中可以区分几个不同的线程。诸如Max Ernst和AndréMasson之类的艺术家赞成自动化的自动化，在这种自动主义中，有意识的控制并允许潜意识控制。相反，萨尔瓦多·达利（SalvadorDalí）和雷内·马格里特（RenéMagritte）追求一种惊人的超现实感，其中所代表的场景没有真正的意义。第三个变化是无关元素的并置，在正常现实的范围之外建立了无法实现的现实。超现实主义最初起源于巴黎。它的影响力通过一系列国际杂志和展览扩大，是后者在新伯灵顿，伦敦和奇幻艺术的国际超现实展览中最重要的例子，纽约现代艺术博物馆的超现实主义，都制作了1936年。随着第二次世界大战的爆发，超现实主义活动的中心被转移到纽约，在战争结束时，该运动失去了连贯性。但是，它保留了强大的影响，在抽象表现主义和二十世纪下半叶的其他艺术表现方面显而易见。
许多人认为，作为一种可识别的文化运动，超现实主义以1966年的布雷顿去世而告终。其他人认为这仍然是当今至关重要的和相关的力量。
第9号抽象表现主义（1940- 1950年）
一些指数：杰克逊·波洛克（Jackson Pollock），Kooning Willem，Franz Kline
“抽象表现主义”从来都不是运动的理想标签，该标签是在1940年代和1950年代在纽约开发的。从某种意义上说，它注定不仅涵盖了画家的作品，这些画家用田地上的田野填充了田野的颜色和抽象形状，以及那些以剧烈的手势表达攻击画布的人。所有人都致力于艺术，作为自我的表达，是由深厚的情感和普遍主题出生的，大多数是由超现实主义的遗产形成的，超现实主义的遗产转化为一种新风格，适应了焦虑和创伤的帖子情绪。在他们的成功中，这些纽约画家将巴黎偷走了现代艺术领袖的地幔，并为在国际艺术世界中掌握美国的掌握准备了舞台。抽象表现主义标志着纽约市作为西方艺术世界的中心的影响的开始。抽象表现主义艺术家的世界牢固地植根于低曼哈顿。沿着第8街散步将从华尔道夫自助餐厅带走，那里没有钱用热水和免费番茄酱制成“番茄汤”的艺术家；汉斯·霍夫曼（Hans Hofmann）塑料艺术家学校之后，由同名画家创立。到俱乐部，一个阁楼，关于艺术的会议和激烈的争论一直持续到深夜。杰克逊·波洛克（Jackson Pollock）的研究是在东8街，库宁（Kooning）和菲利普·古斯顿·威廉（Philip Guston Willem）的，尽管弗朗兹·克莱恩大学网站。
该运动包括许多不同的绘画样式，这些样式在技术和表达质量上都不同。他们经常使用抽象程度。也就是说，它们代表不现实的或以极端形式的形式，不是从可见世界中提取的（非目标）。他们强调自由，自发和个人的情感表达，并强调实现这一目标的技术和执行自由，并特别强调剥削绘画的可变物理特征以引起表现力的特质（例如，感性，动态，动态性，动态性）。 ，暴力，神秘，抒情）。
与1930年代成熟的抽象表现主义相关的大多数艺术家都受到当时左派政策的影响，并根据个人经验重视艺术。很少有人能保持他们以前的激进政治观点，但许多人继续采用弗兰克·阿德·纳德（Frank -Garde）的立场。
尽管抽象表现主义运动的多样性，但仍可以区分三种一般的方法。一种动作绘画的特征是在扫描或切割笔触中对油漆的松散，快速，动态或充满活力的处理以及部分由偶然性决定的技术，例如直接滴入或直接将油漆洒在画布上。艺术家：Pollock，Kooning。
抽象表现主义中的平均术语由多种风格表示，范围从更抒情，精致和流体形式。艺术家：Guston，Frankenthaler，Motherwell，Gottlieb。
第三种不太表现力的方法是Rothko，Newman和Reinhardt的方法。这些画家使用了较大的区域或田野，平坦的油漆和透射式，以实现无声，微妙和几乎冥想的效果。
尽管该运动在整个历史文献中大部分都代表着属于绘画的英雄男性艺术家，但在1940年代和1950年代，有几位重要的女性抽象表现主义者从纽约和旧金山出现，现在获得了学分，这些信贷是作为基本成员费用。
第10号波普艺术（1960）
一些指数：安迪·沃霍尔，罗伊·利希滕斯坦，詹姆斯·罗森奎斯特和克莱斯·奥尔登堡
波普艺术始于纽约艺术家安迪·沃霍尔（Andy Warhol），罗伊·利希滕斯坦（Roy Lichtenstein），詹姆斯·罗森奎斯特（James Rosenquist）和克莱斯·奥尔登堡（Claes Oldenburg），他们受到了流行的图像的启发，实际上是国际现象的一部分。
这是反对艺术和文化的主要方法，以及关于艺术应该是什么的传统观点。年轻的艺术家认为，他们在艺术学院教他们的知识以及在博物馆中看到的与他们的生活或每天在周围看到的事物无关。取而代之的是，诸如好莱坞电影，广告，产品包装，流行音乐和漫画之类的资料来获取图像。在抽象表现主义者的流行之后，通过流行音乐重新引入了可识别的图像（从媒体和流行文化中提取）是现代主义方向的重要变化。
1957年，流行艺术家理查德·汉密尔顿（Richard Hamilton）在给建筑师彼得和艾莉森·史密森（Alison Smithson）的信中列出了“波普艺术的特征”：流行艺术是：流行（专为大众观众设计），跨性别者（短期解决方案），可消耗性。 （易于忘记），低成本，由群众产生，年轻（针对年轻人），巧妙，性感，tru脚，迷人，大型企业。现代主义的批评家使用这种“低”主题的流行艺术家以及对此几乎没有批判性待遇而感到震惊。实际上，流行音乐将艺术带入了新的主题领域，并开发了新的在艺术中展示它的方法，并被视为后现代主义的第一个表现。
尽管它们受到类似问题的启发，但英国流行音乐通常被视为独特的美国流行音乐。英国早期的波普艺术是由从远处看到的美国流行文化驱动的，而美国艺术家则受到他们在这种文化中生活和经历的经历的启发。在美国，流行风格是代表艺术的回归（艺术以可识别的方式代表了视觉世界），并且在抽象表现主义的绘画松弛之后使用硬边和不同形式。通过使用非人格和平凡的图像，流行艺术家还希望摆脱对个人感受和个人象征主义的重视，这些感觉和个人象征意义是抽象表现主义的特征。在英国，该运动的方法更为学术。在使用讽刺和模仿时，他更多地关注了美国流行的图像及其操纵人们的生活方式的力量。 50年代的艺术团体，独立团体（IG）被认为是英国流行艺术运动的先驱。波普艺术是达达的后代。
大多数流行艺术家在作品中都渴望过非人格化和城市的态度。然而，一些巧妙地表达社会批评的例子，例如，奥尔登堡的堕落对象和同一平庸形象的沃霍尔的单调重复无疑具有令人不安的效果，而有些则是神秘而孤独的西格尔·塞加尔（Segal Segal）的干预者，它们是公开的表现主义者。
也许由于商业图像的结合，波普艺术已成为现代艺术最知名的风格之一。
11号后现代主义（1970-）
一些指数：Gerhard Richter，Cindy Sherman，Anselm Kiefer，Frank Gehry，Zaha Hadid
玛丽莲在天空中 ©詹姆斯·吉尔
这种后现代性是不确定的。但是，它可以描述为一组批判性，战略性和修辞实践，它们使用诸如差异，重复，痕迹，模拟和超现实之类的概念，以破坏其他概念，例如存在，身份，历史进步，确定性认识论和意义单位。
“后现代主义艺术”一词是指大约1970年以来创作的广泛的当代艺术。 “后现代主义艺术”的独特印章是其对美学的拒绝，其前身“现代艺术”（1870-1970）是基于的。这些被拒绝的价值观之一是“艺术”是“特殊”的想法，应该是“流行口味”的高度。与一系列新的技术发展相吻合，后现代主义已通过新媒体和新的艺术形式进行了将近五十年的艺术实验，包括“概念艺术”，各种类型的“表演艺术”和“安装艺术”，并协助了诸如解构和投射艺术之类的运动。使用这些新形式，后现代艺术家将艺术的定义扩展到了“一切都值得”的地步。
文艺复兴时期的第一种重要艺术风格是学术艺术，这是学院教师教授的经典材料。学术艺术与传统的“西装和领带”相当。接下来，大约在1870年左右，“现代艺术”出现。这与“衬衫和裤子”或“夹克和裤子”相当。接下来，大约在1970年，是“后现代艺术”，这与“牛仔裤和T恤”相当。就像服装代码变得不那么正式，更多的“一切都值得”一样，今天的艺术家对艺术应该是什么的旧观念印象深刻，而更多地专注于创造某种东西（任何东西）。
反授权者本质上，后现代主义拒绝认识到任何艺术的权威或定义的权威。高文化和大众文化之间的区别在艺术与日常生活之间崩溃了。因为后现代性打破了关于风格的既定规则，所以引入了一个新的自由时代，以及“一切都值得”的感觉。通常很有趣，讽刺或荒谬；它可能是矛盾和争议的，挑战了品味的极限。但是最重要的是，它反映了对风格本身的自我意识。通常，将不同的风格和艺术和流行媒体混合在一起，后现代主义艺术也可以有意识或有意识地或具有讽刺意味的是，对过去的各种风格发表评论。因此，后现代的人认为他们的理论立场是异常包容性和民主的，因为它使他们能够以非精英群体的同样有效的观点认识到插图的话语的不公平霸权。
在1980年代和1990年代，以几个种族，文化，种族和宗教团体的名义的学术捍卫者采用了对当代西方社会的后现代批评，后现代主义成为了“身份政策”新运动的非正式哲学。
库德罗斯 ©，墙上著名的油漆。
