Det finns ofta mer i en bild än vad som verkar, och många av världens mest kända konstverk har dolda hemligheter under ytan. Du kan studera din favoritmålning om och om igen och ändå upptäcka en ny kryptisk symbol eller dolda detaljer. Några av världens mest kända konstnärer lämnar medvetet hemliga meddelanden i sina målningar, och några har till och med väckt populära konspirationsteorier, antingen för att undergräva auktoritet, utmana allmänheten eller avslöja något om sig själva. Hundratals år senare, tack vare teknologiska framsteg, upptäckts många av dessa hemliga meddelanden för första gången. Kuadros har velat avslöja dessa mysterier för dig. Här är de kända målningar som vi har ansett vara de mest gåtfulla.
No.1 Den sista måltiden - Leonardo Da Vinci
Leonardo da Vincis kända framställning av Jesus och hans lärjungar vid den sista måltiden har stått i centrum av några populära teorier under de senaste åren, som beskrivs i Dan Browns roman från 2003 "Da Vinci-koden" och filmadaptionen av boken från 2006 med Tom Hanks i huvudrollen. Brown föreslog att lärjungen till höger om Jesus faktiskt är Maria Magdalena utklädd till Johannes evangelisten. Han antyder också att "V"-formen som bildas mellan Jesus och "Johannes" representerar en kvinnlig livmoder, vilket implicerar att Jesus och Maria Magdalena fick ett barn tillsammans. Konsthistoriker är dock skeptiska. Da Vincis sista måltid är viktig för sin uttrycksfulla komposition och användningen av perspektiv, vilket var en innovation på den tiden. Da Vinci linjerade figurerna och väggarna i det målade rummet med snören som sträcker sig från en spik på väggen där originalet är målat, ovanför en matsal i ett kloster i Milano. Många föreslår att Johannes utseende är kvinnligt bara för att det är så han har framställts. Experten Mario Taddei sade till Artnet.com: "Leonardo var tvungen att kopiera de tidigare sista måltiderna, och Johannes ser ut som en kvinna." Men ett mycket mer övertygande hemligt meddelande upptäcktes av den italienske datateknikern Giovanni Maria Pala. Han hävdar att Da Vinci gömde musiknoter i "Den sista måltiden" som, när de läses från vänster till höger, motsvarar en 40-sekunders hymn som låter som ett requiem.
När abboten i klostret klagade över att målningen tog för lång tid, sades det att den rasande konstnären hotade att använda abbotens ansikte som modell för förrädaren Judas. I slutändan besökte Da Vinci Milanos fängelser för att hitta det perfekta skurkansiktet för Judas, som sitter femte från vänster. Professionella konsthistoriker säger att det inte finns några bevis för konspirationsteorierna om den sista måltiden som presenteras i "Da Vinci-koden" och andra böcker som tar upp ämnet; och avvisar identifieringen av figuren till vänster om Jesus som hans följeslagare Maria Magdalena, istället för aposteln Johannes.
Köp en reproduktion av Den sista måltiden i Kuadros webbshop
No.2 Adams skapelse - Michelangelo
"Adams skapelse" är antagligen den mest kända av de nio bibliska panelerna som Michelangelo målade i taket i Sixtinska kapellet. Men visste du att scenen innehöll en mänsklig hjärna? Det dolda meddelandet finns i duken där man påstås kunna särskilja formen av hjärnan. Tydligen införde konstnären detta i sin fresk eftersom obduktioner då var förbjudna av kyrkan. Det visar sig att Michelangelo var en expert på mänsklig anatomi. Vid 17 års ålder hade han en något makaber arbetsuppgift med att dissekera kroppar på kyrkogården. Därför tror vissa att han skulle ha velat presentera denna passion för anatomi i ett av sina största verk, i taket i Sixtinska kapellet. Enligt neuroanatomi-experterna Ian Suk och Rafael Tamargo placerade målaren några noga dolda illustrationer av vissa kroppsdelar i taket på Sixtinska kapellet. Och om du observerar omslaget som omger Gud i "Adams skapelse", finner du att det skapar en anatomisk illustration av den mänskliga hjärnan. Suk och Tamargo tror att Michelangelo avsåg att hjärnan skulle representera idén att Gud ger Adam inte bara liv, utan även mänsklig kunskap.
En läkare säger att Michelangelo var mycket bekant med den mänskliga hjärnan och att han använde sin kunskap om neuroanatomi för att symboliskt representera hjärnan i sin "Adams skapelse". Andra tolkningar går ännu längre, denna målning går emot den religiösa ideologin och förmedlar budskapet att allt föds från mannen, snarare än tvärtom. Vad en faktiskt hädisk tanke. Ett så berömt konstverk, och ändå hittar vi dolda hemligheter århundraden efter dess tillkomst.
Köp en reproduktion av Adams skapelse i Kuadros webbshop
No.3 Mona Lisa - Leonardo Da Vinci
Det vill säga, Mona Lisa, den mest kända målningen bland de kända målningarna, det mest besökta verket på Louvren. Denna gåtfulla dam har faktiskt mer att se här än det beryktade halvmansleendet. För det första spekuleras det att hon är gravid, med tanke på hur hennes armar är placerade över magen och slöjan runt axlarna, som gravida kvinnor ofta bar under den italienska renässansen. Men de senaste fynden finns i hennes ögon. År 2011 hävdade den italienska forskaren Silvano Vinceti att han hittade mikro-målad text och siffror i dem. Han berättade för Associated Press att "L"-en över hennes högra öga sannolikt representerar konstnärens namn. Men innebörden av bokstaven "S" som ses i hennes vänstra öga och numret "72" under den bågformade bron i bakgrunden är mindre tydliga. Vinceti tror att "S" skulle kunna referera till en kvinna i Sforza-dynastin som styrde Milano, vilket innebär att kvinna i målningen kanske inte är Lisa Gherardini, som länge har antagits. När det gäller "72", argumenterar Vinceti att det kan bero på vikten av siffror både i kristendomen och judendomen. Till exempel, "7" hänvisar till världens skapelse, och numret "2" kan hänvisa till dualismen mellan män och kvinnor.
Ännu mer överraskande, år 2015, påstod en fransk forskare som använde reflekterande ljusteknik att han hade hittat en annan porträtt av en kvinna under bilden vi ser idag. Konsensus är att detta var Da Vincis "första utkast", och att han målade det för att skapa sitt mästerverk.
Köp en reproduktion av Mona Lisa i Kuadros webbshop
No.4 Café Terrass på Natten - Vincent Van Gogh
Denna målning med färgglada utomhusvy är ett pittoreskt verk, en vision av en avslappnad åskådare som njuter av sin omgivning utan några moraliska bekymmer. Det påminner om Van Goghs humör när han skrev att "natten är mer levande och färgrik än dagen". Vid första anblick ser Vincent van Goghs oljemålning från 1888 ut att helt enkelt vara vad titeln beskriver: en pittoresk caféterrass i en färgglad fransk stad. Men, år 2015, föreslog Van Gogh-experten Jared Baxter teorin att målningen faktiskt är konstnärens version av "Den sista måltiden". En detaljerad studie visar en central figur med långt hår omgiven av 12 individer, varav en verkar glida in i skuggorna som Judas. Det finns också små kors som ser ut som dolda genom hela målningen, inklusive ett ovanför den centrala figuren som liknar Jesus.
En religiös anspelning skulle inte vara för mycket att vänta från Van Gogh. Innan han ägnade sin uppmärksamhet åt målning ville den berömda nederländska konstnären "predika evangeliet vart som helst", och hans far, Theodorus van Gogh, var pastor i en reformert nederländsk kyrka. Under tiden han arbetade med Café Terrass på Natten, skrev Van Gogh till sin bror, Theo van Gogh, och förklarade att han hade ett "enormt behov av, jag måste säga ordet, religion," med direkt referens till målningen.
Van Gogh signerade aldrig "Café Terrass på Natten". Han nämnde dock specifikt målningen i tre brev, så konsthistorikerna är övertygade om att han målade den.
Köp en reproduktion av Café Terrass på Natten i Kuadros webbshop
No.5 Arnolfinis porträtt - Jan Van Eyck
Bildens hängande i National Gallery i London representerar troligen Giovanni di Nicolao Arnolfini och hans fru Costanza Trenta. Identiteten av paret har reducerats från bara några få möjligheter, men de var de enda som bodde i Brygge tillräckligt länge för att känna konstnären väl. Den första ledtråden till målningens betydelse är miljön, i ett ganska rikt hem fullt av vackra föremål och kläder. Symbolerna i målningen är omöjliga att förbise, även om de inte har en enda tolkning. Betydelsen av bilden är inte heller helt tydlig. Under århundradena har den tolkats som ett porträtt av ett nygift par, med symboler hämtade från en bröllopsceremoni, med början från den uppenbara symbolen för fertilitet av Constanzas kroppsställning, som visades vara bara en modefluga. Faktum är att paret senare inte fick några barn. Andra symboler för fertilitet är den röda sängen och mattan. De skor som låg på trägolvet hade också betydelse som vanliga bröllopsgåvor från en brudgum till en brud. Apelsiner symboliserar fertilitet och kärlek, hundens lojalitet. Men om du tittar noga på spegeln i rummets mitt kommer du att se att det finns två figurer som går in i rummet. Det tros allmänt att en av dem ska vara själva Van Eyck. Du kommer också att märka att det finns en latinsk inskription i mycket vackert skrivsätt på väggen ovanför spegeln, som översätts till "Jan van Eyck var här. 1434".
Men den viktigaste delen av målningen, som inte visas, är tidsdiskrepansen. Målningen, som nämndes ovan, daterades till 1434, medan Costanza Trenta dog 1433. Målningen skulle också kunna haft en annan kontext än den som den var färdigställd i. Som det har visats genom en röntgen, gjorde Jan van Eyck flera ändringar, och frågan om dessa var relaterade till en sådan händelse eller inte är omtvistad.
Köp en reproduktion av Arnolfinis porträtt i Kuadros webbshop
No.6 Ambassadörerna - Hans Holbein Den yngre
Mycket innan 3D-glasögon eller att leta efter påskägg blev populärt, lyckades renässansmålare få sin publik att se sina verk ur nya vinklar genom att leka med perspektivet. Ett av de mest kända exemplen på tekniken är Hans Holbeins dubbelporträtt, Ambassadörerna, som har en historia så rik som de många dolda detaljerna i sina penseldrag.
Tolkningen av målningen som en allegori till det politiska och religiösa tumultet i det kätterska England under Henry VIII, där de olyckliga ambassadörerna är fångade, har varit allmänt accepterad i över hundra år.
Målningen ger en ganska imponerande illusion i sin bas. Om du tittar på den sneda bilden i målandets nedre del från högra till vänstra sidan ser det ut som en anamorfisk skalle. Akademiker tror att det ska vara en påminnelse om att döden alltid ligger runt hörnet.
I det övre vänstra hörnet, bakom den gröna och frodiga gardinen, finner du Jesus i en ikonisk pose. Vissa konsthistoriker tror att denna gudomliga cameo är kopplad till skallen och ansluter till ett ställe bortom dödligheten. Det är en symbol avsedd att antyda att det finns mer än bara död, nämligen ett framtida liv genom Kristus. Andra tror att den dolda ikonen representerar kyrkans splittring som Henry VIII åstadkom med sina landsmän.
Figuren till vänster i Ambassadörerna är Jean de Dinteville, den franske ambassadören i England. Han skulle fylla 30 år vid tidpunkten för detta dubbelporträtt. Hans vän och diplomatiska kollega Georges de Selve, på bilden till höger, var bara 25 år gammal då och hade redan tjänstgjort som fransk ambassadör i Venedig vid ett flertal tillfällen.
Det oljemålade porträttet på ek var gjort för att hängas i Dintevilles korridorer. Men National Gallery har ställt ut Holbeins fantastiska målning sedan 1890. Under mer än 125 år har den varit en av museets mest värderade utställningar i London.
Köp en reproduktion av Ambassadörerna i Kuadros webbshop
No.7 Venus födelse - Sandro Botticelli
Detta nakna i Botticellis berömda målning var ganska innovativt för sent 1400-tal. Men det slutar inte där med konstnärens djärvhet. Vissa konsthistoriker tror att snäcksvalningen som Venus rider på havsvågorna faktiskt är avsedd att symbolisera kvinnliga könsorgan och därmed anspela på fertilitet, vilket skapar en födelsescen som speglar Venus ursprung från havet samtidigt som det symboliskt kopplar till människans födelse.
Venus, kärlekens gudinna, är blygsam i snäckskalet, dragande mot stranden av Zephyr, västanvinden. Där, är en av Horae, årstidernas gudinnor, redo med en mantel för att klä den nyfödda gudinnan. Den fjärde figuren som Zephyr bär är avsedd att vara en Aura (vindnymfer) eller Chloris, en nymf som är kopplad till våren och de blommor som flyter genom bilden.
Kristen inspiration var dominerande i medeltiden, så nakenhet beskrevs sällan. Men framväxten av humanismen ledde till ett förnyat intresse för forromerska myter, vilket också återuppväckte nakenheten.
Under denna tid av tidig renässans var målning på träpanel populärt. Men populariteten av duk ökade, särskilt i fuktiga områden där trä tenderade att deformeras. Eftersom duken var billigare än trä så var dess upplevda status något lägre, varför den var reserverad för verk som inte var avsedda för stora offentliga utställningar. Målningen framstår som det första verket på duk i Toscana.
Venus födelse var avsedd att hänga i ett rum. Nakenheten i verket får en mer sensuell ton när man vet att det var avsett att hänga över en äktenskaplig säng. Denna plats och dess djärva representation bidrog till att Venus födelse var gömd för allmänheten under ungefär 50 år. Målningen har en komposition som döljer. Även om den slutfördes fyra år före sin syster, Våren kan ses som en slags uppföljare till Venus födelse. Medan den andra representerar Venus ankomst till en värld på gränsen till blomning, visar den första världen i blom runt den nu klädda moderfiguren. Det sägs att paret av målningar hade för avsikt att kommunicera hur "kärleken triumferar över brutaliteten".
Botticelli bad att få begravas vid fötterna av sin Venus. Inte målningen, kan tilläggas. Han ville ligga evigt vid sin jordiska inspiration, Simonetta Cattaneo de Vespucci. Kallad den vackraste kvinnan i Florens, samt den vackraste kvinnan under renässansen, Simonetta var musan som inspirerade flera av Botticellis verk, inklusive Venus födelse och Våren. När hon dog 1510, blev Botticelli begravd nära denna äktenskapen, som sägs ha haft en ogynnsam kärlek.
Köp en reproduktion av Venus födelse i Kuadros webbshop
No.8 Självporträtt - Rembrandt
Rembrandt målade, ritade och graverade så många självporträtt under sitt liv att förändringarna i hans utseende bjuder oss att utvärdera hans sinnesstämning genom att jämföra en bild med en annan. En sådan biografisk tolkning uppmuntras av sättet på vilket konstnären konfronterar betraktaren direkt. Rembrandt målade detta självporträtt 1659, efter att ha lidit ett ekonomiskt nederlag trots så många års framgång. Hans rymliga hus på Sint-Anthonisbreestraat och andra ägodelar hade sålts på auktion året innan för att tillfredsställa sina borgenärer. I detta sena arbete tycks hans djupt liggande ögon som fäster sig på betraktaren uttrycka inre styrka och värdighet. Men att tolka målningar baserat på en konstnärs biografi är riskabelt, särskilt med en konstnär vars liv har idealiserats i så hög grad som Rembrandts. Ljuset som effektivt lyser upp huvudet betonar också Rembrandts vänstra axel och, i mindre mån, hans breda välsignade händer.
År 2001 meddelade den brittiska konstnären David Hockney och den amerikanska fysikern Charles Falco att de hade funnit belägg för att Rembrandt och andra gamla mästare i stor utsträckning förlitade sig på användning av linser och böjda speglar för att skapa sina realistiska scenarier och porträtt. Och i augusti 2016 publicerade två forskare i Storbritannien, konstnären Francis O'Neil och fysikern Sofia Palazzo Corner, en studie i Journal of Optics som förklarade hur Rembrandt kan ha använt kombinationer av böjda speglar och linser för att skapa sina berömda självporträtt. Forskarna ser många detaljer i Rembrandts självporträtt som stöder deras teori, inklusive det starka ljuset i center av porträtten och den relativa mörkret i kanterna, vilket även ses i reflektioner projicerade av böjda speglar.
Kreatörer använder ständigt nya pigment och oljor för att framställa mer vibranta, lysande och intressanta färger. Rembrandt van Rijn var inte annorlunda. Den gamle nederländske mästaren hade teknik, kreativitet och omsorg om sin konst. Han hade också kemi. En ny analys av hans verk visar att han använde en sällsynt förening i vissa av sina målningar: en blykarbonatmineral kallad plumbonakrit, Pb5 (CO3) 3O (OH). Att känna till kompositionen av konstnärens palett kommer att hjälpa bevarare att upptäcka hur man bäst bevarar hans konstverk över tid.
Köp en reproduktion av Rembrandts självporträtt i Kuadros webbshop
No.9 Bacchus - Caravaggio
Caravaggios målning av Bacchus innehåller allt svallande liv som är förknippat med den mytologiska libertinen som bubblar under dess yta. Det är denna känsla av storm under lugnet som gör det till ett så kraftfullt konstverk. Bacchus, vinets gud, avbildas vanligtvis berusad; Caravaggios Bacchus är lugn och autonom. Han skildras ofta ridande på en triumfvagn dragen av tigrar, leoparder eller getter; i Caravaggios version är den báckiska processionen på väg att börja eller har avslutats. Eller kanske har denna Bacchus helt andra planer.
Första gången något dolt upptäcktes i detta verk var 1922, då en konstrestauratör städade duken av detta verk från 1595. När ansamlingen av smuts under århundraden försvann, blev en dold porträtt synlig. I vinflaskan av kristall i nedre vänstra hörnet sitter en liten Caravaggio i den lilla reflektionen av ljus på vinets yta.
Idag, nästan ett sekel senare, bekräftar forskare detta. Det verkar inte vara alltför dolt, men tack vare modern teknik som kallas reflektografi, kunde konstexperter 2009 upptäcka att bilden av en man faktiskt är gömd i vinflaskan i det nedre vänstra hörnet. Och det kan vara Caravaggio själv. "Caravaggio målade en person upprätt, med en arm sträckt ut mot en duk på ett staffli. Det verkar vara en porträtt av sig själv medan han målade", sade experten Mina Gregori till The Telegraph.
Köp en reproduktion av Bacchus i Kuadros webbshop
KUADROS ©, en berömd målning på din vägg.
