För att upptäcka de verkliga rötter och betydelsen av lyrisk abstraktion och förstå hur de interagerar med sina trender inom konst, måste vi titta på de första dagarna av abstrakt konst.

Lyrisk abstraktion är en till synes enkel term och ändå har dess ursprung och betydelse diskuterats. Den amerikanska konstsamlaren Larry Aldrich använde termen 1969 för att definiera arten av flera verk som han nyligen hade samlat in och som enligt hans åsikt indikerade en återgång till personligt uttryck och experiment efter minimalism.

Men den franska konstkritikern Jean José Marchand använde en variation av termen, Abstraktion Lyrique, decennier innan, 1947, för att hänvisa till en växande europeisk trend i att måla som liknar abstrakt expressionism i USA som de hänvisade till konst som kännetecknades av att vara fri, Känslomässiga och personliga kompositioner utanför den objektiva verkligheten.

Men dessa trender kan vandra längre tillbaka, åtminstone fram till det första decenniet av det tjugonde århundradet i arbetet med Wassily Kandinsky. 

Lyrisk abstraktion - Första stegen

Vassily Kandinsky 1911, komposition nr 4

Även om det kan sägas att den ryska målaren Wassily Kandinsky (1866-1944) var en pionjär i den eleganta kombinationen av berättelse, form och färg som är grunden för lyrisk abstraktion, trenden uppstod i en utställning med titeln "L'Imaginaire", som hölls i Gallery du Luxemburg i Paris, 1947 och inkluderade verk av Hans Hartung, Wols (Alfred Otto Wolfgang Schulze) och Jean-Paul Riotle, bland andra.

Den nuvarande termen "Abstraktion Lyrique" myntades av den franska målaren och koorganisatorn av utställningen Georges Mathieu (1921-2012), medan hans kurator Jose-Jean-Marchand skrev att några av de exponerade verken visade "en lirism frånkopplad från all servitör. .. ", vilket innebär att målningarna inte härleddes eller vägdes av vikten av intellektuell teori.

Letar efter lyrik i lyrisk abstraktion

På 1910 -talet flirtade flera olika grupper av konstnärer med begreppet lyrisk abstraktion, var och en ur ett unikt perspektiv. Kubistiska och futuristiska konstnärer arbetade med bilder i verkliga världen och modifierade dem konceptuellt för att uttrycka abstrakta idéer. Högsta och konstruktivistiska konstnärer arbetade med igenkännliga former i sin konst, men använde dem på tvetydigt eller symboliskt sätt, eller på ett sätt som försökte överföra universalitet.

Men en annan grupp konstnärer närmade sig abstraktionen ur ett helt annat perspektiv till resten.

Denna grupp, personifierad av Wassily Kandinsky, han talade om abstraktion ur perspektivet att de inte visste vilken mening som kunde ha det de målade. De hoppades att helt enkelt måla fritt, utan förutfattade uppfattningar om estetik eller den objektiva världen, något okänt kunde uttryckas genom deras arbete. Kandinsky jämförde sina målningar med musikaliska kompositioner, som kommunicerade känslor på ett helt abstrakt sätt. Hans abstrakta målningar var fantasifulla, emotionella, uttrycksfulla, personliga, passionerade och helt subjektiva; Med andra ord, lyriska.

Egenskaper för lyrisk abstraktion: Stilar förvirring

"Men on", Taro Okamoto (1955), National Museum of Modern Art, Tokyo

I teorin var Art Reportl den huvudsakliga rörelsen som täckte många substils och undergrupper, såsom krafter nouvelles, cobra, tachisme, konstbrut, konst icke -figuratif och lyrisk abstraktion. Alla dessa skolor var abstrakta eller åtminstone semi-abstrakt, alla avvisade geometrisk abstraktion samt naturalism och figurativa genrer. Alla konstnärer försökte skapa en ny och spontan färgstil, fri från tidigare teorier eller konventioner närvarande. Trots allt detta var många abstrakta målare av tiden medlemmar i en eller flera av dessa undergångar och som ett resultat är det nästan omöjligt att identifiera sig med myndighet de målningar som tillhör var och en av dessa rörelser.

Lyrisk abstraktion efter kriget

Av stijl, medium

Den lyriska abstraktionen av Kandinsky Han kontrasterade med många av de andra trenderna för abstrakt konst på 1920- och 1930 -talet. Hans konst var inte specifikt förknippad med någon religion, men det var något öppet andligt i honom. Andra konstnärer associerade med stilar som STIJL, konstkonkret och surrealism skapade konst som var sekulär och lånade sig till en objektiv akademisk tolkning. Kandinsky letade efter något som aldrig kunde definieras helt eller förklaras. Han uttryckte öppet sin personliga koppling till universums mysterier. Det var som om han hade uppfunnit en slags andlig existentialism.

Existentialism var en filosofi som hoppade till berömmelse efter andra världskriget, när människor kämpade för att förstå vad de uppfattade som livets nonsens. Kritiska tänkare kunde inte tro att det kunde finnas en överlägsen makt som tillät den typ av förstörelse som de just hade bevittnat. Men istället för att bli nihilister i den uppenbara frånvaron av Gud, försökte existentialisterna sig genom livets allmänna nonsens och sökte personlig mening. Som den existentiella författaren Jean-Paul Sartre skrev i sin bok The Being and Nothing 1943, ”Mannen fördöms för att vara fri; Han är ansvarig för allt han gör. "

Andra namn associerade med lyrisk abstraktion

Under 1940- och 1950 -talet uppstod många abstrakta konströrelser att på ett eller annat sätt involverade subjektivt personligt uttryck som grund för att uttrycka mening i konst. Abstraktion Lyrique, Art Reportl, Tachisme, Art Brut, Abstrakt expressionism, Färgfältkonst och till och med konceptuell och performancekonst, allt, till viss del, går tillbaka till samma allmänna existensiella sökning. En av de mest inflytelserika konstkritikerna i denna tid, Harold Rosenberg, förstod när han skrev: "Idag måste varje konstnär förbinda sig att uppfinna sig själv ... betydelsen av konst i vår tid flyter från denna funktion av självskapande"

Men när kulturen förändrades med nästa generation föll många av dessa existentiella trender inom konst ur skam. Och än en gång tog en geometrisk strategi, konkret och utan känslor av abstrakt konst, personifierad av minimalism, sin plats.

Men inte alla konstnärer övergav den lyriska traditionen. I slutet av 1960 -talet hade tidvattnet förändrats en gång till. Som Larry Aldrich påpekade, som återhämtade termen lyrisk abstraktion 1969, ”I början av förra säsongen blev det tydligt att det i målningen fanns en rörelse som rörde sig bort från det geometriska, det hårda och minimalistiska, mot mest Lyriska, sensuella abstraktioner, romantiska i mjukare och livliga färger ... konstnärens beröring är alltid synlig i denna typ av målning, även när målningarna är gjorda med vapen, svampar eller andra föremål. ”

Samtida lyrisk abstraktion

Jimenez-Balaguer, detalj

Det är uppenbart att, som vanligtvis händer med Konstnärliga rörelser, trenderna som definierar lyrisk abstraktion är före gruvdrift av termen. Under de första decennierna av det tjugonde århundradet Wassily Kandinsky, Alberto Giacometti, Jean Fautier, Paul Klee och Wols förkroppsligade för första gången de lyriska trenderna i abstraktion. Och decennier senare bar konstnärer som Georges Mathieu, Jean-Paul Riopelle, Pierre Soulages och Joan Mitchell dem framåt. Sedan, i slutet av sextio- och sjuttiotalet, och konstnärer som Helen Frankenthaler, Jules Olinski, Mark Rothko och dussintals mer återupplivade och utökade relevansen av positionen.

Under 2015 dog en av de mest fascinerande rösterna för samtida lyrisk abstraktion, den spanska konstnären Laurent Jiménez-Balaguer. Men deras begrepp, teorier och tekniker fortsätter att manifestera sig på ett kraftfullt sätt idag i konstnärer som Margaret Neill, vars instinktiva kompositioner av sammanflätade linjer bjuder tittaren till ett subjektivt deltagande av personlig betydelse och Ellen Priest, vars arbete ger liv till liv till hans estetiska konversation med jazzmusik. Det som förenar alla dessa konstnärer i ett gemensamt band är den grundläggande sökningen efter lyrisk abstraktion: att uttrycka något personligt, subjektivt och emotionellt och göra det på ett poetiskt och abstrakt sätt.

American Lyrical Abstraction (1960, 1970)

Helen Frankenthaler, Madame Butterfly

En rörelse som var känd som lyrisk abstraktion uppstod i USA under 1960- och 1970 -talet, som svar på tillväxten av minimalism och konceptkonst. Många målare började röra sig från de geometriska, precision, hårda kanterna och minimalistiska stilar, mot en mer harmonisk och bildstil, med rika och sensuella färger. De tänkte återställa estetiska principer istället för att fortsätta med en spontan socio -politisk ikonografi. Denna amerikanska form av lyrisk abstraktion exemplifieras i verk av Helen Frankenthaler (n. 1928) och Jules Olitski (1922-2007), bland andra. En utställning med titeln "Lyric Abstraction" genomfördes på American Art Art Museum i maj-juli 1971.

Under denna period fanns det dock en serie liknande varianter av Abstrakt expressionism Andra generationen (postpintoristisk abstraktion). Och även om det fanns tydliga teoretiska skillnader mellan fältmålning, hård kantmålning, fläckmålning och lyrisk abstraktionsfärg, bland andra, är dessa skillnader inte uppenbara för det blotta ögat.

Färger från den lyriska abstraktionsrörelsen hängs idag i världens bästa konstmuseer.

Lyrisk abstraktion - estetisk och filosofisk mening

Jean Paul Riopele

Lyrisk abstraktion var inte en specifik skola eller rörelse, snarare en trend inom Art Reportl. De anser att det är en balanserad, elegant abstrakt konststil (ibland animerad, ibland avkopplande) som nästan alltid är laddad med innehåll extraherat från den naturliga världen.

Det är ofta inramat av en överdådig färg, dess harmoniska och bildskönhet kan kontrasteras med de hårda, oroliga och dissonanta bilderna som produceras av andra konstrapporter som COBRA eller nyligen neoexpressionister.

Köp en kopia av Wassily Kandinsky, en av de bästa exponenterna för lyrisk abstraktion.

Kuadros ©, en berömd färg på din vägg.