Grundstonerna för konsthistorien går tillbaka tiotusentals år, när antika civilisationer använde tillgängliga tekniker och medel för att framställa kulturellt betydelsefulla teman. Från dessa tidiga exempel har många konstnärliga rörelser uppstått, var och en med distinkta stilar och karakteristika som speglar de politiska och sociala influenserna under sin tid.
Vad betyder fauvism och vad handlar konceptkonst om? Att prata om konst är en disciplin i sig själv, och om du är ny i denna värld har du sannolikt många frågor, särskilt om varje rörelse och de olika typerna av konst.
De inflytelserika konstgenrerna, från renässansen till framväxten av modernismen, har lämnat ett oförändrat avtryck i historien.
Genom att ha klara begrepp om historien och vikten av konstnärliga rörelser kommer vi att få en djupare förståelse för hur berömda konstnärer som Van Gogh, Picasso och Warhol revolutionerade konstvärlden.
Kuadros har förberett en lista över de viktigaste rörelserna för dig.
No.1 Italiensk Renässans (1400–1550)
Några framträdande: Ghibertis dörrar, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Michelangelo, Rafael.
Mot slutet av 1300-talet proklamerade en grupp italienska tänkare att de levde i en ny era. Den mörka och barbara "medeltiden" hade avslutats; en "rinascità" ("renässans") av lärande, litteratur, konst och kultur började. Detta var födelsen av den period som nu är känd som renässansen. Under århundraden har lärda enats om att den italienska renässansen skedde på detta sätt: mellan 1300- och 1600-talen ersattes gamla idéer av ett modernt sätt att tänka om världen och människans plats i den. Många av de vetenskapliga, konstnärliga och kulturella prestationerna från denna tid delar gemensamma teman, särskilt den humanistiska tron att människan är centrum i sitt eget universum.
Italien på 1400-talet var annorlunda än något annat ställe i Europa. Det var uppdelat i självständiga stadsstater, var och en med sin egen regering. Florens, där den italienska renässansen började, var en självständig republik och ett bank- och handelscentrum. De rika florentinarna visade sin makt genom att stödja konstnärer och intellektuella, vilket gjorde staden till Europas och renässansens kulturella centrum.
Renässansen delas upp i två huvudsakliga delar:
Under den tidiga renässansen började konstnärerna avvisa den bysantinska stilen för religiös målning och strävade efter att skapa realism i framställningen av mänsklig form och rum. Detta mål började med Cimabue och Giotto, och nådde sin höjdpunkt med konstnärer som Andrea Mantegna och Paolo Uccello. Även om religionen fortfarande var viktig i det dagliga livet, bröt också det mytologiska temat fram. Många pekar på Botticellis Födelse av Venus som den första panelmålningen av en mytologisk scen.
Den period som kallas högrenässansen representerar kulminationen av de tidiga renässansens mål. De mest framstående konstnärerna är Leonardo da Vinci, Rafael, Titian och Michelangelo. Deras målningar och fresker är några av de mest erkända verken i världen, som Den sista måltiden, Atenaskolan och takmålningarna i Sixtinska kapellet av Michelangelo.
Köp en reproduktion av La Mona Lisa i Kuadros onlinebutik
No.2 Barock (1600–1750)
Några framträdande: Rubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Versailles.
Termen barock härstammar sannolikt från det italienska "barocco", som användes under medeltiden för att beskriva logiska hinder. Senare kom det att betyda komplexa idéer eller snurriga tankegångar. En annan möjlig källa är det portugisiska "barroco" (spanska "barrueco"), som beskriver en pärla av oregelbunden eller ofullkomlig form. Barock är en rörelse inom konst och arkitektur som utvecklades i Europa från början av 1600-talet till mitten av 1700-talet. Den betonar dramatiska och överdrivna rörelser samt klara detaljer för att producera dramatik, spänning, överflöd och storhet.
De första manifestationerna skedde i Italien under de sista decennierna av 1500-talet, medan vissa framstående prestationer av barocken i regioner som Tyskland och koloniala Sydamerika inte skedde förrän på 1700-talet.
Konstnärer återupplivade skönhetsidealen från renässansen, vilket gav verken av konst, musik och arkitektur en ny extravagans och dekoration. Denna stil, känd som barock, kännetecknades av innovativa tekniker och utsökta detaljer som erbjöd ett överflödigt visuellt språk under en relativt måttlig period för konsten. Barocken spreds över hela Europa, drivet av påven i Rom och katolska härskare i Italien, Frankrike, Spanien och Flandern. Den spred sig ytterligare genom religiösa ordnar via kloster och nunnekloster.
Den barockstil som uppstod var både sinnlig och andlig. En naturalistisk behandling gjorde att religiösa bilder blev mer tillgängliga, medan dramatiska och illusionistiska effekter stimulerade fromhet och förmedlade gudomlig prakt. Kyrkornas tak upplöstes i målade scener som riktade sinnena mot det himmelska.
Även om ämnet och stilen kan variera mellan barockmålningar, har de flesta dramatik som ett gemensamt inslag. I verk av konstnärer som Caravaggio och Rembrandt manifesteras intresset för dramatik i intensiva kontraster mellan ljus och skugga.
Den stora mästaren i den katolska region som styrdes av spanjorerna var målaren Peter Paul Rubens, vars dynamiska kompositioner och kraftfulla figurer är själva epitomet av barockmåleri. De eleganta porträtten av Anthony van Dyck och de solida verken av Jacob Jordaens följde hans exempel. Konsten i Nederländerna påverkades av medelskiktets realistiska smak, så målarna som Rembrandt och Frans Hals förblev oberoende av barockstilen i viktiga avseenden. Ändå hade barocken en anmärkningsvärd påverkan i England, särskilt i de kyrkor och palats som designades av Sir Christopher Wren och Sir John Vanbrugh.
Precis som renässansens statyer, som den ikoniska David av Michelangelo, var barockskulpturer ofta avsedda att pryda majestätiska byggnader och andra storslagna scener, som interiörer i kyrkor och kungliga trädgårdar.
Den sista blomstringen av barocken skedde i södra Tyskland och Österrike, där inhemska arkitekter avvek från de italienska modellerna under 1720-talet.
Köp en reproduktion av Las Meninas i Kuadros onlinebutik
No.3 Realism (1848–1900)
Några framträdande: Corot, Courbet, Daumier, Millet.
Realismen är den precisa, detaljerade och odekorerade framställningen av naturen eller det samtida livet. Den avvisar idealisering till förmån för en nära observation av de yttre utseendena. Som sådant har realism omfattat många konstnärliga strömningar i olika civilisationer. Inom de visuella konsterna kan det till exempel hittas i hellenistiska grekiska skulpturer som avbildar boxare och gamla kvinnor. Verk av 1600-talskonstnärer som Caravaggio, de holländska genremålarna, de spanska José de Ribera, Diego Velázquez och Francisco de Zurbarán, samt bröderna Le Nain i Frankrike, har en realistisk inriktning. Verk av engelska romanförfattare från 1700-talet som Daniel Defoe och Henry Fielding kan också kallas realistiska.
Realismen uppstod i Frankrike under 1850-talet, efter revolutionen 1848, vilken etablerade "rättighet till arbete" i landet. Den introducerade idén om de vanliga människorna, samtida scenarier och vardagsscener som artistiskt värdiga ämnen.
Den spred sig över Europa, från Alexander II:s Ryssland till drottning Victorias Storbritannien, genom Wilhelm I:s Tyskland, Risorgimento i Italien och längre bort. År 1855 var betydande för etableringen av realism i Europa.
Gustave Courbet anses vara den centrala figuren inom realism. Han lade grunden för rörelsen under 1840-talet genom att avbilda bönder och arbetare utan att glorifiera dem, vilket presenterade dem på ett djärvt och strängt sätt, vilket skapade kontrovers.
Courbets stil och tema baserades på arbetet av målarna i Barbizon-skolan. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet och andra bosatte sig i den franska byn Barbizon med målet att troget reproducera den lokala karaktären av landskapet.
Pictorial realism utanför Frankrike var väl representerat under 1800-talet i USA. De kraftfulla och uttrycksfulla målningarna av Winslow Homer om marina teman och verken av Thomas Eakins är ärliga och mycket observerade skildringar av det samtida livet. Realismen var en distinkt strömning i 1900-talets konst, härledd från konstnärernas önskan att presentera mer ärliga och icke-idealiserade visioner av vardagslivet eller att använda konsten som ett medel för social och politisk kritik.
De grova och nästan journalistiska scenerna av det urbana livet från gruppen känd som The Eight (De Åtta) faller inom denna kategori. Den tyska rörelsen Neue Sachlichkeit (Ny Objektivitet) arbetade i en realistisk stil för att uttrycka cynismen och besvikelsen efter första världskriget i Tyskland. Socialismen i Sovjetunionen använde tekniker för naturalistisk idealisering för att skapa porträtt av orädda arbetare och ingenjörer.
Vidare inspirerade realismen direkt samtida konstnärliga rörelser som fotorealism och hyperrealism, vilket visar dess bestående och evolutiva arv.
Köp en reproduktion av Las Espigadoras i Kuadros onlinebutik
No.4 Impressionism (1865–1885)
Några framträdande: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
Fransk impressionism är en viktig rörelse som främst utvecklades i Frankrike i slutet av 1800-talet och början av 1900-talet. Dess mest anmärkningsvärda kännetecken var strävan efter att exakt och objektivt registrera den visuella verkligheten i termer av övergående ljus- och färgeffekter. Impressionistiska konstnärer visade ett nytt sätt att iaktta och avbilda världen, avstå från realistiska framställningar till förmån för flyktiga intryck av sin omgivning, ofta utomhus. Inom musiken strävade det efter att förmedla en idé eller en effekt genom ett ljudtvätt istället för en strikt formell struktur.
I slutet av 1860-talet speglade Konstverket av Manet en ny estetik som skulle bli en vägledande kraft i impressionistisk konst, där betydelsen av traditionell ämnes- och tema-uppfattningen minskade och uppmärksamheten flyttades till manipulation av färg, ton och textur.
År 1874 organiserade en grupp konstnärer som kallades Société Anonyme des Artistes, Peintres, Sculpteurs, etc. en utställning i Paris som lanserade rörelsen som kallas Impressionism. Dess grundande medlemmar inkluderade Claude Monet, Edgar Degas och Camille Pissarro. Monets målning Impression, soluppgång (1872) gav dem den initialt hånfulla namnet "Impressionister" av journalisten Louis Leroy. Konstnärerna antog snart namnet som en beskrivning av sitt syfte att exakt förmedla "visuella intryck". Medan konservativa kritiker kritiserade deras arbete för sitt ofullständiga och skissartade utseende, berömde mer progressiva skribenter det för dess skildring av det moderna livet.
Från sitt första uttryck har impressionismen definierats av egenskaper som lösa penseldrag, distinkta färger, avbildningar av vanliga teman, ett fokus på ljus och kompositioner inspirerade av fotografi.
Mitten av 1880-talet såg att den impressionistiska gruppen började upplösas när varje målare följde sina egna intressen och estetiska principer. Trots detta åstadkom de en revolution i konsthistorien och gav en teknisk utgångspunkt för postimpressionistiska konstnärer som Cézanne, Degas, Gauguin, Van Gogh och Georges Seurat, vilket frigjorde västerländsk måleri från traditionella tekniker och tillvägagångssätt.
Arv och närvaro av impressionismen idag
Som en utgångspunkt för modernismen påverkade impressionismen många efterföljande rörelser. Postimpressionisterna antog deras lösa penseldrag; de abstrakta expressionisterna fann inspiration i den okonventionella inställningen hos Monet; och många samtida konstnärer fortsätter att arbeta i en neo-impressionistisk stil.
Köp en reproduktion av Mujer con Sombrilla i Kuadros onlinebutik
No.5 Postimpressionism (1885–1910)
Några framträdande: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat.
Postimpressionism är en term som används för att beskriva reaktionen på 1880-talet mot impressionismen. Den leddes av Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh och Georges Seurat. Postimpressionisterna avvisade impressionismens fokus på spontan och naturalistisk representation av ljus och färg.
Dessa målare, med undantag för Van Gogh, var fransmän och de flesta började som impressionister; var och en övergav stilen för att bilda sin egen högt personliga konst.
Precis som impressionisterna betonade de bildens konstgjordhet. De trodde att färg kunde vara oberoende av form och komposition som en emotionell och estetisk bärande betydelse. Såväl impressionismen som postimpressionismen inkluderar några av de mest kända moderna konstverken, såsom Monets näckrosor och La Noche Estrellada av Van Gogh.
De delade sina verk med allmänheten genom oberoende utställningar i Paris. År 1910 myntade konstkritikern Roger Fry termen "postimpressionism" med sin utställning "Manet och postimpressionisterna". Fry trodde att skönheten i konsten är rotad i uppfattningen. "Konst är ett uttryck och en stimulans för det imaginära livet snarare än en kopia av det verkliga livet", förklarade han i "An Essay in Aesthetics".
Postimpressionisterna trodde att ett konstverk inte borde kretsa kring stil, process eller estetisk inriktning, utan framhäva symbolismen och kommunicera budskap från konstnärens undermedvetna.
De ställde ofta ut tillsammans, men till skillnad från impressionisterna, som började som en enad grupp, målade de främst ensamma. Cézanne målade isolerad i Aix-en-Provence; Gauguin bosatte sig på Tahiti 1891; och Van Gogh målade på landsbygden i Arles. Både Gauguin och Van Gogh avvisade impressionismens objektivitet till förmån för en mer personlig andlig uttryck.
"Färg! Vilket djupt och mystiskt språk, drömmarnas språk." - Paul Gauguin
Till skillnad från impressionisterna, som strävade efter att fånga effekten av naturligt ljus, använde postimpressionisterna en konstgjord palett för att avbilda sina uppfattningar om världen. Mättade toner och flerfärgade skuggor är uppenbara i deras målningar, vilket visar deras innovativa förhållningssätt.
Postimpressionismen avvek från en naturalistisk inriktning och gick mot rörelser som kubism och fauvism, som strävade efter att framkalla känslor genom färg och linje.
Köp en reproduktion av La Noche Estrellada i Kuadros onlinebutik
No.6 Fauvism och Expressionism (1900–1935)
Målning lagd i tjocka, färger som sprutar ur sidan och antinaturala nyanser: fauvism och expressionism är två av de rörelser som gav liv åt dessa kännetecken. Så, vad är skillnaden mellan dem, om de kan beskrivas på samma sätt? Först kommer vi att förklara fauvism och expressionism var för sig.
Fauvism
Några framträdande: Matisse, Derain, Signac
Fauvism tog över den konstnärliga scenen mellan 1905 och 1910, kännetecknas av intensiva färger och djärva penseldrag. I vissa fall applicerade konstnärerna färg direkt från tuben. Färgerna behövde inte vara trogna naturen; de kunde ändras för att visa känsla. De valde enkla teman och på grund av detta verkade målningarna nästan abstrakta. Konstkritikern Louis Vauxcelles myntade termen efter att ha beskrivit arbetet av Henri Matisse och André Derain som "les fauves" eller "bestiariet" under en utställning på Salon d’Automne i Paris 1905. Deras arbete var fullt av antinaturala färger och vilda fläckar av färg på duken. Det skulle bli början på fauvism.
Fauvisterna var djupt intresserade av den 1800-tals vetenskapliga färgteorin. Specifikt, genom användningen av komplementfärger, förstod de hur man kunde få färger att verka mer ljusa och djärva genom att införa dessa teorier.
Matisse målning "Kvinna med hatt" kritiserades för de antinaturala färgerna i kvinnans ansikte. Paul Signac är känd för sin pointillism och var mentor till Matisse. Pointillism är en teknik där små punkter av primära färger placeras tillsammans; när man drar sig tillbaka kombineras de till en enda bild. Detta kan jämföras med pixlar på en datorskärm.
Förutom Matisse och Derain, inkluderar andra viktiga fauvister Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault och Maurice de Vlaminck.
Expressionism
Några framträdande: Munch, Kandinsky, Klee
Expressionism är en allmän term för varje konstverk som förvränger verkligheten för att överensstämma med konstnärens inre känslor, synsätt eller idéer. Sammanfattningsvis är det en konst som uttrycker inre verkligheter i den yttre världen. Det finns distinkta kännetecken på expressionism: intensiva och icke-naturalistiska färger, färg applicerad i stora mängder som skapar textur på duken.
Expressionismen kom "inifrån", som en reflektion av konstnärens känslor mer än en representation av en scen. Två inflytelserika expressionistiska konstnärer var Emil Nolde och Edvard Munch.
När det kommer till ämnet tenderar expressionistisk konst att vara emotionell och ibland till och med mytisk. Eftersom expressionism är en så bred term är det lätt att tilldela det till konsten från vilken tid som helst, men den tillämpas oftast på 1900-talets konst. Den sägs ha börjat med Vincent van Goghs arbete och sträcker sig till den moderna konsten som vi känner den idag.
De viktigaste bidragsgivarna till den expressionistiska rörelsen inkluderar konstnärer som Wassily Kandinsky, Paul Klee, Max Beckmann, Ernst Ludwig Kirchner och andra.
Köp en reproduktion av El Grito i Kuadros onlinebutik
Fauvism kan ses som en delmängd av expressionism. De använder liknande tekniker och klassificeras av samma egenskaper; den verkliga skillnaden är den specifika naturen hos fauvism i kontrast till expressionismens allmängiltighet.
Något som kan betraktas som fauvistiskt kan också ingå i expressionismens område, men inte all expressionism är fauvism. Fauvism är lite vildare, men med enklare teman.
No.7 Kubism (1905–1920)
Några framträdande: Pablo Picasso, Georges Braque
Kubism är en mycket inflytelserik stil inom visuell konst från 1900-talet, skapad främst av Pablo Picasso och Georges Braque i Paris mellan 1907 och 1914. Den kubistiska stilen betonade den platta och tvådimensionella ytan av bildplanet och avvisade traditionella tekniker för perspektiv, förkortning, modellering och chiaroscuro, och förkastade de gamla teorierna om att konsten ska imitera naturen. Kubisterna trodde att traditionerna inom västerländsk konst var uttömda och för att återuppliva sitt arbete vände de sig till den uttrycksfulla energin från konsten i andra kulturer, särskilt afrikansk konst.
Kubismen får sitt namn från kommentarerna från kritikern Louis Vauxcelles, som nedsättande beskrev Braques arbete 1908 som bestående av kuber. I Braques målningar påminner husens volymer, de cylindriska formerna av träden och färgskemat om Paul Cézannes landskap, som påverkade kubisterna djupt under deras första utvecklingsstadium (upp till 1909). Det var dock Les Demoiselles d'Avignon, målad av Picasso 1907, som förutsåg den nya stilen; i detta arbete förvandlas formerna av fem kvinnoakt till kantiga och fragmenterade figurer.
Kubismen utvecklades i två distinkta faser: analytisk kubism och syntetisk kubism. Den analytiska kubismen (1908–1912) är strängare och kännetecknas av en kombination av plana ytor och linjer i dämpade toner. Den syntetiska kubismen (1912–1914) kännetecknas av enklare former och ljusare färger, samt den inkluderade verkliga element, såsom tidningar. Inkluderingen av verkliga objekt direkt i konsten var början på en av de viktigaste idéerna inom modern konst.
Även om skapandet av detta nya visuella språk tillskrivs Picasso och Braque, antogs och utvecklades det av många målares, inklusive Fernand Léger, Robert och Sonia Delaunay, Juan Gris och andra. Kubismen påverkade också djupt skulptur och arkitektur under 1900-talet.
De formella koncept som frisläpptes av kubismen fick betydande konsekvenser för rörelser som Dada och surrealism, såväl som för konstnärer som sökte abstraktion över hela världen.
No.8 Dada och Surrealism (1917–1950)
Dada
Några framträdande: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
Dada var en avantgardistisk konstnärlig rörelse i Europa, med centra i Zürich och New York. Den uppstod som en direkt reaktion på massakern, propaganda och galenskapen under första världskriget. Oberoende grupper bundna av gemensamma idéer uppstod i Berlin, Paris och andra platser. De delade inte en universell stil, utan var kopplade genom sitt avvisande av idealism och föråldrade konstnärliga och intellektuella konventioner.
Namn "Dada", som slumpmässigt togs från en ordbok 1916, betyder "gungställ" på franska eller "ja ja" på rumänska och ryska. Men som namn på en rörelse betyder det egentligen inget. Trötta på den kultur som hade producerat slaktandet under första världskriget, utmanade dadaisterna alla konventioner, och firade slump och absurditet.
Dadas rötter finns i det avantgardistiska före kriget. Termen "anti-konst", föregångare till Dada, myntades av Marcel Duchamp omkring 1913 för att karakterisera verk som utmanade konstens accepterade restriktioner.
Dada-rörelsen inkluderade offentliga möten, demonstrationer och publicering av konst- och litteraturtidningar. Konst, politik och kultur var teman som ofta diskuterades i en mängd olika medier.
Surrealism
Några framträdande: Max Ernst, André Masson, Salvador Dalí, René Magritte
Surrealismen var en av de mest betydelsefulla och subversiva rörelserna under 1900-talet. Den uppstod på 1920-talet och erbjöd en radikal alternativ till de rationella och formella egenskaperna hos kubismen. Det var en litterär, filosofisk och konstnärlig rörelse som utforskade hur sinnet fungerar, och försvarade det irrationella, poetiska och revolutionära.
Till skillnad från Dada, som på många sätt uppstod ur den, betonade surrealismen en positiv avvisning av tidigare traditioner. André Breton, ledare för en ny sammanslutning av poeter och konstnärer i Paris, definierade surrealismen i sitt "Surrealistiska Manifest" (1924) som: "Rent psykiskt automatiskt, genom vilket det föreslås att uttrycka... den verkliga verksamheten i tanken".
Det går att särskilja flera trådar i den visuella manifestationen av surrealismen. Konstnärer som Max Ernst och André Masson föredrog automatiskt, där medvetet kontroll hade undertryckts och undermedvetet fick ta kontrollen. Å sin sida eftersträvade Salvador Dalí och René Magritte en hallucinerande känsla av öververklighet där de avbildade scenerna inte hade någon verklig mening. En tredje variation var juxtapositionen av orelaterade element, vilket skapade en verklighet bortom normala gränser.
Surrealismen hade sitt ursprung i Paris, men dess inflytande spred sig genom tidningar och internationella utställningar. Med utbrottet av andra världskriget flyttades den surrealistiska aktiviteten till New York. Även om rörelsen förlorade sin koherens efter kriget, har den behållit ett kraftfullt inflytande över samtida konst.
No.9 Abstrakt Expressionism (1940–1950)
Några framträdande: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline
"Abstrakt expressionism" var en rörelse som utvecklades i New York under 1940- och 1950-talet. Även om termen inte var idealisk, omfattade den konstnärer som fyllde sina dukar med färgfält och abstrakta former, samt dem som angriper sina dukar med kraftfull gestural expressionism. Alla var engagerade i konsten som en uttryck för jaget, födda ur djupa känslor och universella teman.
Rörelsen omfattade många olika målarstilar. Vissa konstnärer, som Jackson Pollock och Willem de Kooning, kännetecknades av en lös och dynamisk hantering av måleri. Andra, som Mark Rothko, använde stora områden av plan färg för att uppnå subtila och meditativa effekter.
Även om rörelsen huvudsakligen har framställts som tillhörande manliga konstnärer, fanns det flera viktiga kvinnliga abstrakta expressionister som framträdde under denna period.
No.10 Popkonst (1960)
Några framträdande: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Claes Oldenburg
Popkonsten började med konstnärer i New York som Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist och Claes Oldenburg, som inspirerades av populära bilder och utgjorde en internationell fenomen. Det var en revolt mot de dominerande tillvägagångssätten inom konst och kultur och de traditionella åsikterna om vad konsten borde vara. De unga konstnärerna kände att vad de lärde sig i konstskolan och vad de såg på museerna inte hade något att göra med deras liv.
År 1957 listade popkonstnären Richard Hamilton popkonstens kännetecken i ett brev: "Popkonst är: populär, övergående, försumbar, billig, massproducerad, ung, clever, sexig, fräck, glamorös, stor business".
Popkonsten förde konsten till nya tematiska områden och utvecklade nya sätt att presentera dem, och kan ses som en av de första manifestationerna av postmodernism.
No.11 Postmodernism (1970–)
Några framträdande: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn i himlen av James Gill
Termen "postmodern konst" syftar på en bred kategori av samtidskonst skapad från cirka 1970 och framåt. Den kännetecknas av sitt avvisande av den estetik som dess föregångare, "modern konst", var baserat på. Ett av de avvisade värdena är idén om att "konst" är något "speciellt" som borde separeras från populär smak.
Antiauktoritär till sin natur vägrade postmodernismen att erkänna auktoriteten av någon stil eller definition av vad konst borde vara. Skiljelinjen mellan högkultur och populärkultur, mellan konst och vardagsliv, rasade samman. Det introducerade en ny era av frihet och känslan av att "allt är tillåtet".
Genom att ofta blanda olika stilar och medier kan postmodern konst också låna eller kommentera stilar från det förflutna på ett ironiskt sätt. Postmodernisterna betraktar sin teoretiska position som inkluderande och demokratisk.
Under 1980- och 1990-talen blev postmodernismen den inofficiella filosofin för "identitetspolitik"-rörelsen.
KUADROS ©, en känd målning på din vägg.
