Historien bakom de 10 mest kända religiösa målningarna inom västerländsk konst

Under århundradena har Christian Art presenterat många olika typer av målning, utförd i ett brett spektrum av media.

Religiös konst använder religiösa frågor och motiv som i allmänhet har en igenkännbar moralisk berättelse eller försöker inducera starka andliga känslor hos betraktaren. I den västra världen kan religiös konst definieras som alla konstverk som har ett kristet tema. Västra religiös målning domineras av scener från Gamla testamentet och Jesu Kristi liv.

Bland de mest representerade teman är representationerna av Jungfru Maria med barnet Jesus och Kristus på korset. Många av de mest berömda religiösa målningarna skapades under renässansen, en inflytelserik kulturrörelse som har sitt ursprung i Italien.

De tre stora mästarna i Renaissance Leonardo da Vinci, Miguel Ángel och Rafael visas flera gånger på denna lista. Kadros ger dig de 10 mest kända religiösa målningarna.

No.1 Skapandet av Adam - Miguel Ángel (1512)

Den mest berömda delen av taket i det sixtinska kapellet är skapandet av Adam av Miguel Ángel. Den här scenen ligger bredvid skapandet av Eva, som är panelen i mitten av rummet, och församlingen av vattnet, som är närmare altaret.

Det arbete som Miguel Ángel utför, är en hörnsten i renässanskonst. Målningen illustrerar den bibliska berättelsen om skapandet av boken om 1 Mosebok där Gud insuger livet till Adam, den första mannen.

Skapandet av Adam skiljer sig från de typiska skapelsescenerna målade hittills. Här dominerar två figurer scenen: Gud till höger och Adam till vänster. Gud visas i en flytande nebula -form som består av gardiner och andra figurer. Formen är baserad på änglar som flyger utan vingar, men vars flygning tydligt ses av gardinerna som groddar under dem. Gud representeras som en gammal man, men muskulös, med grått hår och ett långt skägg som reagerar på flygets framåtrörelse. Detta är långt ifrån de kejserliga bilderna av Gud som annars hade skapat i väst och datum tillbaka till tiden för den sena antiken. Istället för att använda riktiga kläder och representeras som en Allsmäktig härskare, använder han bara en lätt mantel som lämnar mycket av hans armar och ben utsatta. Du kan säga att det är ett mycket mer intimt porträtt av Gud eftersom det visas i ett tillstånd som inte är orörligt och borta från människan, men tillgänglig för honom.

Till skillnad från Guds figur, som är utökad och hög, representeras Adam som en lat figur som svarar likgiltigt på Guds överhängande beröring. Denna beröring kommer inte bara att ge liv till Adam, utan kommer att ge liv till hela mänskligheten. Det är därför mänsklighetens födelse. Adams kropp har en konkav form som ekar formen av Guds kropp, som är i en konvex hållning inom nebulan och flytande form. Denna korrespondens på ett sätt med det andra verkar understryka den bredare idén att människan motsvarar Gud; Det vill säga, det verkar återspegla idén att människan har skapats i Guds bild och likhet, en idé som Michelangelo var tvungen att vara bekant med.

Färgen har analyserats mycket och bland annat har det upptäckts att kanterna på färgen korrelerar med spåren på den inre och yttre ytan av hjärnan, hjärnstammen, den basilära artären, hypofysen och hypan och hyporna Optisk chiasma. Guds hand berör inte Adam, men Adam lever redan som om livets gnista överfördes genom en synaptisk klyftan. Under Guds högra arm finns en sorglig ängel i ett område i hjärnan som ibland aktiveras i husdjursutforskningar (tomografier) ​​när någon upplever en sorglig tanke. Gud överlappar det limbiska systemet, hjärnans känslomässiga centrum och eventuellt den anatomiska motsvarigheten till den mänskliga själen. Guds högra arm sträcker sig till den prefrontala cortex, den mest kreativa och unika mänskliga hjärnregionen; Det röda tyget som omger Gud har formen av en mänsklig livmoder; Och det tros att den gröna halsduken är en nyskuren navelsträng. Adams skapelse är kanske den mest kända målningen efter Mona Lisa; Och tillsammans med den sista middagen är det den mest replikerade religiösa målningen genom tiderna. Bilden av de nästan berörda händerna på Gud och Adam har blivit en ikon för mänskligheten och har imiterats och parodierade otaliga tider.

Taket i det sixtinska kapellet drabbades av de skadliga effekterna av århundraden av rök som hade fått taket att mörkna avsevärt. Det var först 1977 som takrengöringen började. Rengöringen var fantastisk efter avslutad 1989; Det som tidigare var mörkt och monotont har blivit levande. Förändringen i tidigare rengöring av efterföljande rengöring var så stor att vissa ursprungligen vägrade att tro att Miguel Ángel målade. Idag förstår vi Michelangelos färgade palett mycket bättre och den värld han målade, vackert fångad på taket i det sixtinska kapellet.

Köp en reproduktion av skapandet av Adam av Miguel Ángel i onlinebutiken i Kadros

 Nr 2 The Last Supper - Leonardo da Vinci (1495-1498)

Sista kvällsmat, eller den italienska Cenacolo, ett av de mest berömda konstverken, målade av Leonardo da Vinci troligen mellan 1495 och 1498 för Dominikanska klostret Santa Maria delle Grazie i Milan.

Denna berömda målning representerar den dramatiska scenen som beskrivs i flera ögonblick som är nära besläktade i evangelierna, inklusive Matteus 26: 21-28, där Jesus förklarar att en av apostlarna kommer att förråda honom och sedan införa eukaristin. Enligt Leonardos övertygelse om att positionen, gesten och uttrycket måste manifestera "uppfattningarna om sinnet", reagerar var och en av de 12 lärjungarna på ett sådant sätt att Leonardo ansåg vara tillräcklig för apostlarnas personlighet. Resultatet är en komplex studie av olika mänskliga känslor, uttryckt i en bedrägligt enkel komposition.

Leonardo hade inte arbetat i en så stor målning och hade ingen erfarenhet av freskomens vanliga väggmålning. Färgen utfördes med användning av experimentella pigment direkt på den torra gipsväggen och, till skillnad från freskerna, där pigment blandas med den fuktiga gipsen, har tidens gång inte motstått väl. Redan innan den var klar fanns det problem med väggens damerfärg och Leonardo var tvungen att reparera den. Under åren har det kollapsat har det varit föremål för vandalism, bombarderat och återställt. Idag ser vi förmodligen väldigt lite av den ursprungliga målningen.

Temat för den sista måltiden är Kristi sista mat med sina apostlar innan Judas identifierar Kristus inför de myndigheter som arresterar honom. Den sista måltiden (det tros motsvarar sederen av judisk påsk), det kommer ihåg för två händelser: Kristus säger till sina apostlar "En av er kommer att förråda mig", och apostlarna reagerar, var och en enligt deras personlighet. Med hänvisning till evangelierna representerar Leonardo Felipe som frågar "Herre, är det jag?" Kristus svarar: "Den som lägger handen med mig på plattan kommer att ge mig" (Matteus 26). Vi ser att Kristus och Judas sprider sig samtidigt mot en maträtt som är bland dem, även när Judas går tillbaka till defensiven. Leonardo representerar också samtidigt Kristus välsignar brödet och berättar för apostlarna ”ta, äta; Det här är min kropp "och välsigna vinet och säga" att dricka allt; Eftersom detta är mitt blod från pakten, som är utgjuten för förlåtelse för synder ”(Matteus 26). Dessa ord är det grundande ögonblicket för eukaristins sakrament (den mirakulösa omvandlingen av bröd och vin i Kristi kropp och blod).

Den balanserade sammansättningen är förankrad av en liksidig triangel som bildas av Kristi kropp. Han sitter under ett välvt pediment som, om den är klar, drar en cirkel. Dessa idealiska geometriska former hänvisar till renässansintresse i neoplatonism (ett element i den humanistiska återfödelsen som förenar aspekter av grekisk filosofi med kristen teologi). I sin allegori, "La Cueva", betonade den grekiska filosofen Platon bristen på det jordiska riket. Geometri, som används av grekerna för att uttrycka himmelsk perfektion, har använts av Leonardo för att fira Kristus som himmelens inkarnation på jorden. Leonardo drog ett grönt landskap bortom fönstren. Ofta tolkas som ett paradis, har det föreslagits att denna himmelska fristad endast kan uppnås genom Kristus. De tolv apostlarna är arrangerade i fyra grupper om tre och det finns också tre fönster. Nummer tre är ofta en hänvisning till den heliga treenigheten i katolsk konst. Däremot är nummer fyra viktigt i den klassiska traditionen (till exempel Platons fyra dygder).

Sedan den sista middagen avslutades, när han förklarades som ett mästerverk, har väggmålningen fått beröm av konstnärer som Rembrandt van Rijn och Peter Paul Rubens och författare som Johann Wolfgang von Goethe och Mary Wollstonecraft Shelley. Han har också inspirerat otaliga reproduktioner, tolkningar, konspirationsteorier och fiktion. Det känsliga tillståndet för den sista middagen har inte minskat målningens attraktivitet; Istället har det blivit en del av arvet från konstverket. 

Köp en reproduktion av Leonardo da Vincis sista middag på Kadros onlinebutik 

No.3 Återlämnandet av den förlorade sonen - Rembrandt (1669)

I liknelsen om den förlorade sonen har en far två barn; Den yngsta ber om sin arv, slösade bort sin förmögenhet och återvände hem efter att ha stannat kvar i elände. Han avser att be sin far att göra honom till en av sina tjänare, men fadern firar å andra sidan hans återkomst. När hans äldsta son motsätter sig berättar fadern honom att de firar för att hans bror, som hade gått förlorad, nu har återfått mening.

Rembrandts sista ord förekommer i hans monumentala målning av den förlorade sonens återkomst. Här tolkar han den kristna idén om barmhärtighet med extraordinär högtidlighet, som om detta var hans andliga vilja till världen. Det går utöver alla andra barockkonstnärer i utvecklingen av religiös humor och mänsklig sympati. Den äldre konstnärens kraft minskar inte, men ökar med psykologisk uppfattning och andligt medvetande. Belysningen och den uttrycksfulla färgen och det magiska förslaget om dess teknik, tillsammans med en selektiv enkelhet i inställningen, hjälper oss att känna hela inverkan av evenemanget.

Faderns huvudgrupp och den förlorade sonen sticker ut i ljuset mot en enorm mörk yta. Särskilt levande är sonens trasiga klänning och äldre ärmar, som är färgade ockra med gyllene oliv; Ocher -färgen i kombination med en intensiv skarlakansröd i faderns mantel bildar en oförglömlig koloristharmoni. Observatören vaknar upp till känslan av en extraordinär händelse. Sonen, förstörd och motbjudande, med ett skalligt huvud och utseendet på en utstationerad, återvänder till sin fars hus efter långa äventyr och många vicissitud. Han har slösat bort sin arv i främmande länder och har sjunkit i villkoret av Vagabund.

Hans gamla far, klädd i rika kläder, som assistentfigurerna, har rusat för att ta emot honom vid dörren och tar emot den förlorade sonen med den största faderliga kärleken. Evenemanget saknar varje tillfällig våldsam känsla, men stiger till en högtidlig lugn som ger figurerna några av statyerna och ger känslor en varaktig karaktär, som inte längre är föremål för förändringar i tid. Oförglömlig är bilden av den ångrande syndaren som stöds av sin fars bröst och den gamla utformade fadern på sin son. Faderns funktioner talar om en sublim och augusti godhet; Så gör deras utökade händer, inte fria från styvheten i ålderdom. Hela representerar en symbol för varje återkomsthem, av mörkret i mänsklig existens som är upplyst av ömhet, av den trött och syndiga mänskligheten som leder tillflykt vid tillflyktsorten av Guds barmhärtighet.

Det inneboende budskapet om att denna berömda målning överför är tydligt. Gud kommer alltid att förlåta en ångrande syndare, vad som händer.

Den religiösa ikonoklasi som inträffade efter frisläppandet av Nederländerna i det koloniala ok av Spanien och den katolska kyrkan, omvandlade de kalvinistiska kyrkorna till nakna skal, tillägnad dyrkan, predikning och bön. Holländska myndigheter hade ingen önskan att dekorera sina platser för tillbedjan med altarstycken, färskt eller någon annan typ av religiös konst att tala.

Å andra sidan blev Holland berömd för holländsk realism, en typ av målningsstil och småskaliga könsporträtt, detaljerade och mycket realistiska, av vilka många innehöll moralistiska meddelanden av olika typer.

En tredje typ av konst där holländska realistiska konstnärer stod ut var målningen av en död natur (särskilt Vanitas målning), som också innehöll ett moraliskt budskap, ibland religiöst. Detta var det närmaste som många holländska kom till den "protestantiska konsten."

Därför är det ännu mer överraskande att en holländsk protestantisk målare som Rembrandt blir en så insiktsfull tolk av bibliska scener.

Köp en reproduktion av återkomsten av den förlorade sonen - Rembrandt i onlinebutiken i Kuadros

Nr.4 The Weddings of Cana - Paolo Veronese (1562-1563)

Temat för denna berömda målning är baserad på den bibliska historien som berättas i evangeliet av St. John (Johannes 2: 1-11), på ett äktenskap som hölls i Cana, Galilea, där Maria, Jesus och hennes lärjungar deltog. Mot slutet av bröllopsfesten, när vinet börjar ta slut, ber Jesus att stenburkar fylls med vatten, som läraren sedan förvandlas till vin. Det här avsnittet, det första av de sju tecknen på Johannesevangeliet som vittnar om Jesu gudomliga tillstånd, är en föregångare till eukaristin.

Canas bröllop (eller Canas bröllopsbankett) av Paolo Veronese är en olja på duk som målades 1563 för Benedictine Monastery i San Giorgio Maggiore i Venedig. Veronese transponerade den bibliska berättelsen till det modernaste stadiet i ett typiskt extravagant venetianskt bröllop.
Canas bröllop kombinerar element i flera olika stilar och anpassar sig till kompositionen avstängningen av den höga renässansen - exemplifierad av verk av Leonardo, Rafael och Miguel Ángel. Till detta tillagda en eller två egenskaper hos manism, såväl som en mängd allegoriska och symboliska drag.

Innehållet i målningen består också av en komplex blandning av den heliga och profane, religiösa och sekulära, teatraliska och vardagliga, europeiska och östra. Banketten representeras i den stora stilen i det samtida venetianska samhället och äger rum i en uteplats flankerad av doriska och korintiska kolumner och gränsar till en låg balustrad. På avstånd kan du se ett portiskt torn, designat av arkitekten född i Padua Andrea Palladio. I förgrunden berör en grupp musiker flera lutar och stränginstrument. De musikaliska figurerna inkluderar de fyra stora målarna i Venedig: Veronese själv (klädd i vitt, spelar Viola da Gamba), Jacopo Bassano (i flöjt), Tintoretto (fiol) och Tiziano (klädd röd, berör cello).

Mästarna på brudbordet, alla väntar på dem, tillsammans med en oroande variation av royaltymedlemmar, ädla, tjänstemän, anställda, tjänare och andra, som representerar ett representativt urval av det venetianska samhället och klänningar på olika sätt med bibliska, venetianska eller orientaliska tjänare och prydda kostymer prydda med överdådiga frisyrer och juvelerartiklar. Många historiska figurer förekommer i bröllopet i Cana, inklusive: kejsaren Carlos V, Leonor de Österrike, Francisco I i Frankrike, María I i England, Solimán den magnifika, Vittoria Colonna, Giulia Gonzaga, Cardenal Pole och Sokollu Mehmet passerar. Totalt representeras cirka 130 unika siffror i denna berömda pålitliga målning.

I arbetet ingår de religiösa symbolerna för passion tillsammans med lyxiga silverfartyg från 1500 -talet. Möblerna, de bekväma, kannan och glasglasögonen och vaserna avslöjar festen i all sin prakt. Varje gäst till bordet har en individuell plats, komplett med servett, gaffel och kniv. I denna duplicering av mening undgår ingen detalj konstnärens öga.
Målaren valde dyra pigment som importerades från öster av venetianska köpmän: orange gula, intensiva röda och lapislázuli används allmänt i gardiner och i himlen. Dessa färger spelar en viktig roll i målbarheten i målningen; De bidrar, för sina kontraster, till individualiseringen av var och en av siffrorna.

Obs! Även om många siffror i bilden interagerar med varandra, pratar ingen av dem verkligen. Detta är för att möta koden för tystnad som observerats av alla benediktinska munkar i refektoriet där bilden skulle hängas.

Canas bröllopsfest innehåller mycket symbolik. Hela arbetet symboliserar till exempel samspelet mellan jordiskt nöje och jordisk dödlighet. Bakom balustraden, på Jesu figur, offras ett djur, i hänvisning till nästa uppoffring av Jesus, till exempel Guds lamm, en referens som förlitar sig på hunden som tuggar ett ben vid foten av målningen. Samtidigt, till vänster om Jesus, jungfruliga Mary Ahueca hennes händer för att representera ett glas som kommer att innehålla det nya vinet från mänskligheten, det vill säga Kristi blod. Dessutom, framför musiker, finns en sandklocka, en standard hänvisning till övergången till jordiska nöjen, inklusive mänsklig fåfänga.

Benediktinerna i klostret San Giorgio Maggiore de Venice beställde denna enorma bild 1562 för att dekorera sin nya refektorium. Kontraktet som begick Veronese i förverkligandet av bröllopsbanketten var extremt exakt. Munkarna insisterade på att arbetet skulle vara monumentalt för att fylla hela väggen i refektoriet. Hängde på en höjd av 2,5 meter från marken, den var utformad för att skapa en illusion av utökat utrymme. Detta arbete på 70 m² ockuperade Veronese i 15 månader, troligen med hjälp av sin bror Benedetto Caliari. Kommissionen var en vändpunkt i Veroneses karriär; Efter målningen skulle andra religiösa samhällen gråta för ett liknande arbete i sina egna kloster. Trots dess exceptionella dimensioner konfiskerades, registrerades och skickades till Paris av Napoleons trupper 1797.

Köp en reproduktion av bröllop i Cana de Paolo Veronese i onlinebutiken i Kadros

 No.5 The Athens School - Rafael (1509-1511)

Miljontals ögon har förundrat sig över det eviga mötet med tidigare filosofer och matematiker, statsmän och astronomer som Rafel föreställer sig ljust i hans berömda fresco.

I synnerhet har Rafaels fresco, Aten -skolan kommit att symbolisera föreningen av konst, filosofi och vetenskap som var en distinkt tätning av den italienska återfödelsen. Målad mellan 1509 och 1511 ligger den i den första av de fyra rummen designade av Rafael, strofen della Segnatura. Vid den tiden var en kommission av påven cusp i alla konstnärers karriär. För Rafel var det valideringen av en redan blomstrande karriär.

Rafael levde upp till utmaningen och skapade en omfattande katalog över förberedande skisser för alla hans fresker. Dessa skulle sedan utvidgas till stora skala tecknade filmer för att överföra designen till den våta gips. När Miguel Ángel arbetade på taket på det sixtinska kapellet tros det att detta hjälpte till att öka och inspirera Rafael genom att stimulera hans konkurrenss karaktär.

Rafel förde idén till en helt ny nivå med masskompositioner som återspeglade filosofi, teologi, litteratur och rättspraxis. Läs som helhet överförde de omedelbart påvens intellekt och skulle ha orsakat en diskussion mellan utbildade sinnen som hade turen att komma in i detta privata utrymme. Aten -skolan var den tredje bilden som Rafael slutförde efter tvist (som representerar teologi) och Parnassus (som representerar litteratur). Det placeras mot tvist och symboliserar filosofi och skapar en kontrast mellan religiösa och sekulära övertygelser.

I en enorm arkitektonisk illusion är Athens School ett mästerverk som visuellt representerar ett intellektuellt koncept. I en målning använde Rafael grupper av figurer för att presentera en komplex lektion om filosofins historia och de olika övertygelserna som utvecklats av de stora grekiska filosoferna. Rafael skulle säkert ha varit medveten om de privata utställningarna i det sixtinska kapellet i Progreso som organiserades av Bramante.

Vem är siffrorna i Athens School?
De två tänkarna i själva centret, Aristoteles, till höger och Platon, till vänster, på pekande, har varit mycket viktiga för västerländskt tänkande i allmänhet. På olika sätt införlivades deras olika filosofier i kristendomen.

Till Platons vänster är Sokrates igenkännande tack vare hans distinkta funktioner. Det sägs att Raphael kunde använda ett gammalt bystporträtt av filosofen som en guide. Han identifieras också av gesten i sin hand, som Giorgio Vasari påpekar i konstnärernas liv.

I förgrunden sitter Pythagoras med en bok och en bläckbrunn, också omgiven av studenter. Även om Pythagoras är välkänd för sina matematiska och vetenskapliga upptäckter, trodde den också fast på metempsykos.
Återspeglar Pythagoras position på andra sidan, är Euclid benägen att demonstrera något med en kompass. Deras unga studenter försöker fånga de lektioner de undervisar.

Den stora matematikern och astronomen Ptolemy ligger precis intill Euclid, med ryggen till tittaren. Med en gul mantel har han en landballong i handen. Det tros att den skäggiga mannen stannade framför honom och innehöll en himmelballong är Zoroastro -astronomen. Intressant nog är den unga stående bredvid Zoroaster, som tittar på tittaren, ingen annan än Raphael själv. Införlivandet av denna typ av självporträtt är inte något okänt vid den tiden, även om det var en djärv rörelse för konstnären att integrera sin likhet med ett verk av en sådan intellektuell komplexitet.

Det är allmänt accepterat att den äldre Herren som ligger på trappan är Diogenes. Grundare av den cyniska filosofin var en kontroversiell figur i sin tid, levde ett enkelt liv och kritiserade kulturella konventioner.
En av de mest slående figurerna i kompositionen är en tankeväckande man som sitter i förgrunden, med handen i huvudet i en klassisk position av "Thinker".

Inom filosofer är han Heraclitus, en pionjär av självutbildad visdom. Han var en melankolisk karaktär och tyckte inte om andras sällskap, vilket gjorde honom till en av de få karaktärerna isolerade från fresco.

Genom att slutföra Rafaels program sitter två fantastiska statyer i nischer på baksidan av skolan. Till höger ser vi Apollo, medan till vänster om Aristoteles är Minerva. Minerva, gudinnan för visdom och rättvisa, är en adekvat representant på sidan av freskomens moralfilosofi. Intressant nog tar dess position också den närmare Rafaels fresco om rättspraxis, som utvecklas direkt till vänster.

Köp en uppspelning från Rafael Athens School i Kuadros onlinebutik

No.6 Transfiguration - Rafael (1520)

 

Ansvarig 1517 av kardinal Giulio de 'Medici (1478-1534) (av den florentinska Medici-familjen), som snart skulle bli påven Clemente VII (1523-34), som ett altarstycke i den franska katedralen i Narbonne (i tävling med tävling Uppståndelsen av Lázaro från Sebastiano del Piombo) som han var ärkebiskop, detta berömda verk av religiös konst oavslutade av Rafael till hans död 1520 och slutfördes av hans assistenter Giulio Romano (1499-1546) och GIOVANNI Francesco Penni (1496 - 1536).

När allt kommer omkring behöll kardinal målningen i Rom och genom att komma åt pavedomen 1523 gav han den till kyrkan San Pietro i Montorio, Rom. 1774 beordrade den nya påven Pius VI (1775-99) en kopia i Mosaic och installerade den i basilikan i San Pedro. Själva målningen plundrades av Napoleon 1797 och fördes till Paris, varifrån den återlämnades 1815.

Detta arbete berättar två oberoende bibliska händelser. Ovanför är historien om Kristi transfiguration. I den nedre delen är historien om en ung man som är besatt av en demon.

Jesus visar på toppen av Mount Tabor (Israel) med en vit mantel som den glänsande snön och bredvid honom profeterna Moses till höger och Elija till vänster. Molnen bakom Jesus är upplysta. Jesus lyfter sina armar och ser mot Gud.

Under Jesus finns tre av hans lärjungar, från vänster till höger, Santiago, Pedro och John. De täcker ansiktet med händerna eftersom himlen är för ljus för hans ögon. De två figurerna till vänster är förmodligen Justus och pastor. Dessa är två kristna martyrer som kyrkan är tillägnad där målningen ursprungligen var avsedd att placera.

Nedan kan du se de nio lärjungarna till Jesus som inte gick upp till berget placerade på vänster sida. De försöker bota en ung man som är besatt av en ond ande. Figuren av den blå tuniken längst ner till vänster är förmodligen Mateo. Kontakta en bok men hitta inte lösningen för att bota den unga mannen. Den unga lärjunge av gul tunika är Felipe. Till höger om Felipe, med den röda manteln, finns det Andrés. Mannen bakom Andrés, som pekar på det sjuka barnet, är Judas Tadeo, och den äldsta mannen till vänster är Simon. Mannen till vänster är förmodligen Judas Iscariot. Lärjungarna kan inte bota den unge mannen. Detta kan förklara varför den röda lärjungen pekar på Jesus på toppen av berget. Den sjuka unga mannen till höger har ett blått tyg lindat runt midjan och ser väldigt blek ut genom att göra en vild gest. Du kan se att dina ögon ser i olika riktningar. Mannen bakom honom med den gröna manteln är hans far som håller honom och tittar på lärjungarna med hopp och rädsla samtidigt. Framför den unga mannen tittar två kvinnor på lärjungarna medan de pekar på den unga mannen.

Båda berättelserna beskrivs i Matteus 17, Marcos 9 och Luke 9. Bibelns historia beskriver hur Jesus överför till en strålande härlighet när han ber med tre av sina lärjungar i ett berg. Jesus talar med Mose och Elijah och lyssnar också på Guds röst. Transfigurationspartiet firas fortfarande i många kyrkor, antingen den 6 augusti eller 19 augusti.

Dimensionerna på transfigurationen är 403x276 cm. Rafael föredrog att måla på duk, men den här målningen gjordes med oljemålningar på trä som utvalda medier. Rafael visade faktiskt avancerad manism och tekniker från barockperioden i denna målning. De stiliserade och tvinnade poseringarna av figurerna i den nedre halvan indikerar Mannerism. Den dramatiska spänningen inom dessa figurer och den liberala användningen av ljus till mörker, eller kontraster av chiaroscuro, representerar barockperioden med överdriven rörelse för att producera drama, spänning, överflöd eller belysning. De Omvandling Han avancerade till sin tid, precis som Raphaels död kom för snart.

De Transfiguration var uLasto Great Work of Rafael och ett utan tvekan mästerverk av Alto italienska renässansen, finns nu i den apostoliska Pinacoteca, ett av Vatikanmuseerna. Som ett resultat av en viktig restaurering som genomfördes 1977 av Vatikanens bevarandeexperter är Rafael Renaissance Color Palette nu helt synlig och målningen har återhämtat sin orörda prakt. Återställningen försvann också alla ihållande frågor om skaparen av målningen. Även om det är oavslutat var detta stora mästerverk helt produkten från Rafaels geni.

Köp en reproduktion Rafael Transfiguration i onlinebutiken i Kadros

No.7 Den slutliga domen - Miguel Ángel (1475-1564)

 

Kuadros ger läsaren en närmare titt på historien för denna ikoniska fresco för att bättre förstå hur den slutliga domen har haft en varaktig inverkan på religiös konstvärld.

Västra profetiska religioner (det vill säga Zoroastrismo, judendomen, kristendomen och islam) utvecklade begrepp om den slutliga domen som är rika på bilder.

"Det kommer att döma levande och döda" (från apostlarnas tros, ett av de första uttalandena från den kristna tron).

Den slutliga domen var en av de första konstverk som Paul III fick i uppdrag att bli vald till pavedomen 1534. Kyrkan som han ärvde var i kris; Looting of Rom (1527) var fortfarande ett nyligen minne. Paulus försökte inte bara ta itu med de många missbruk som hade orsakat den protestantiska reformen, utan också bekräftar legitimiteten i den katolska kyrkan och ortodoxin i hans doktriner (inklusive pavationens institution). Den visuella konsten skulle spela en nyckelroll i deras agenda, med början med meddelandet som han riktade sig till sin intima cirkel när han beställde den slutliga domen.

Målad när Miguel Ángel var helt i sin mogna stil, hade konstverket en omedelbar inverkan och orsakade kontroverser. Medan denna slutliga dom av mänskligheten inte var ett ovanligt tema för en konstnär av renässansen, gjorde Miguel Ángel det uteslutande genom att använda en stil som uppskattades och förminskades.

Denna nya vägg i det sixtinska kapellet skulle ha ett specifikt tema: den slutliga domen. Beskrivningen av Jesu Kristi andra ankomst och Guds slutliga dom var ett populärt tema under hela renässansen. Miguel Ángels vision om ämnet har över tid blivit ikonisk. I fresco ser vi mer än 300 figurer målade av experter för att utföra denna berättelse. Kristus sitter i mitten, med handen upp för att bedöma den dömda som sjunker in i helvetets djup. Med böljande muskler är denna Kristus en imponerande figur. Till vänster sitter Jungfru Maria. Han har antagit ett publicerat besittning och ser mot dem som har räddats. Omedelbart runt detta centrala par finns en grupp viktiga helgon. San Pedro, som har himmelens nycklar, och St. John the Baptist visas i samma skala som Kristus. Caronte och de dömda själarna. Den allmänna sammansättningen kretsar i en flytande rörelse, med de som räddas till vänster om Kristus på fotot som stiger upp från deras gravar medan de dömda skjuts in i helvetet. I den nedre delen av fresco ser vi Caronte, en mytologisk figur. I grekisk och romersk mytologi transporterade han själar till underjorden. Här tar han dem direkt till helvetet, som är full av makabra karaktärer.

Som Dante i sin stora episka dikt, den gudomliga komedi, försökte Miguel Ángel att skapa en episk målning, värdig ögonblickens storhet. Han använde metaforer och antydningar för att dekorera sitt ämne. Hans utbildade publik skulle glädja sig med sina visuella och litterära referenser. Ursprungligen avsedd för en begränsad publik, spridning av fresco reproduktion av fresco spridde den snabbt överallt och placerade den i de animerade centrumdebatterna om religiös konstens meriter och missbruk.

Medan vissa jublade denna berömda målning som toppen av konstnärliga prestationer, ansåg andra det på symbolen på allt som kunde gå fel med religiös konst och bad om deras förstörelse. I slutändan uppnåddes ett åtagande. Strax efter konstnärens död 1564 anställdes Daniele da Volterra för att täcka nalger och engelska nakna med bitar av gardiner och målade om hennes stålkammar (vad som väger (vad som väger (vad som väger väger (vad som väger. !).

Till skillnad från sin begränsade publik på 1500 -talet ser nu tusentals turister den slutliga domen dagligen. Men under de påvliga avslutningarna blir återigen en kraftfull påminnelse för kardinalhögskolan på hans plats i frälsningshistorien, eftersom de träffas för att välja Kristi jordiska vicar (nästa påven), personen som han kommer att vara ansvarig för bete de trogna. i gemenskapen av de utvalda.

Köp en reproduktion av Miguel Ángels slutliga dom i onlinebutiken i Kadros

No.8 Tower of Babel - Pieter Bruegel El Viejo (1563)

Enligt Gamla testamentets historia straffade Gud mänskligheten på tre sätt.

Den första var utvisning av Adam och Eva från Eden, efter original synd. Sedan kom den stora översvämningen, straffet för mångfalden av mänskliga orättigheter. Och den tredje var när Gud, misstroande av stoltheten och antagandet av medborgarna i den våldsamma nya staden Babylon, "förvirrade alla tal och spridde dem genom jordens breda ansikte."

Vad hade babylonierna gjort det inflammatoriska? I Guds ögon hade de utmanat ordningen på saker med sin förklarade önskan att bli ett "stort folk", representerat av byggandet av ett enormt torn, "med en cusp som når himlen." Människor skulle sträva efter så höga höjder, vare sig det är fysiskt eller metaforiskt. Den straff som Gud valt för detta var att avsluta det gemensamma språket som brukade förena alla människor och skapa en mångfald av olika språk, "så att de inte kan förstås." Den resulterande förvirringen innebar att "stadens byggande slutade." Enligt Bibeln "Det var därför staden kallades Babel" eller Babylon. Av alla konstrepresentationer av detta stora torn som hade förolämpat Gud så mycket, är det mest minnesvärda tornet i Babel av Pieter Bruegel El Viejo (1563).

Denna berömda målning, en av de många målningarna tillägnad religiös konst, var den andra av tre versioner av Babel Tower målade av Pieter Bruegel. Den första versionen (nu förlorad), var en elfenbensminiatyr, som var i inventeringen av den italienska miniatyristen född i Kroatien Giulio Clovio (1498-1578), med vilken Bruegel samarbetade i Rom 1553. Den tredje versionen var en olja mindre målad på Wood, daterad 1564, som nu ligger vid Boijmans Van Beuningen -museet i Rotterdam. Det tros i allmänhet att Rotterdams målning är från ungefär ett år efter Wiens bild. Det "stora" wieniska tornet är nästan dubbelt stort än det "lilla" Rotterdam -tornet och kännetecknas av en mer traditionell behandling av ämnet. Baserat på 1 Mosebok 11: 1-9, där Herren förvirrar de människor som började bygga "ett torn vars topp kan nå himlen", inkluderar, som den andra versionen inte gör, scenen för kung Nimrod och hans entourage. Innan mängden knäande arbetare. Denna händelse nämns inte i Bibeln, men föreslogs i antikviteter av judarna i Flavio Josephus.

För Bruegel var det viktigt eftersom han underströk syndens synd och arrogans av kungen som är tänkt att lyfta fram bilden.

Detaljerad realism Tower of Babel presenterar en stor mängd noggranna detaljer, relaterade till byggandet av byggnaden, utan tvekan, av Bruegels komplicerade kunskap om konstruktionstekniker, förvärvade under genomförandet av flera målningar som illustrerar utgrävningen av Amberes-Buselas kanal. Till höger finns en enorm kran, mycket lik den som är synligt placerad på hamnen i Grimani Breviary.

Myror Liknande arbetare är upptagna med att bära den med enorma stenplattor som de har fått underifrån och kommer att passera till den övre rampen där andra är beredda att ta emot dem. En arbetare går upp en stege mot det avsnittet, som förvandlas från sten till arkitektur strukturerad av en mängd andra människor. Till vänster slutar en del av fasaden redan delvis; En kvinna kommer in genom en av dörrarna, en stege visas genom ett av de övre fönstren. Ovanför arbetar en annan stor mängd arbetare på taket och så vidare till oändligheten.

Oavsett rimligheten i dessa enskilda åtgärder, och denna punkt har ännu inte undersökts helt, känner åskådaren omedelbart den groteske otillräckligheten i ingenjörsmedier, liksom galenskapen hos hela byggföretaget.

Som hårt arbetande dessa "myror" står inför de desperata motgångar som är briljant demonstrerade. Inom samma nivå motsätter sig avslutningen av den sista detalj naken början, med mellanliggande stadier i mitten, som antyder en hektisk ras mot orubblig tid, medan den övre delen fortfarande invaderas av moln.

När vi tittade på Bruegels målning och försökte tolka den, är vi också nedsänkta i en översättningsövning: gav han helt enkelt visuellt uttryck för biblisk historia? Eller försökte jag göra något bredare? Eller helt enkelt en kombination av båda?

Det bör inte överraska oss att det i konstvärlden inte nödvändigtvis finns en överenskommelse om Bruegels avsikter. Istället för att vara öppet kontroversiellt, har läraren inbäddat sitt arbete med tecken och lämnar oss, hans trogna åskådare för att tolka dem för oss själva.

Köp en reproduktion av Torre de Babel av Pieter Bruegel El Viejo i online -butiken i Kuadros

No.9 Virgen del Jilguero - Rafael (1505-1506)

 

Virgen del Jilguero, en av Rafaels florentinska paneler, målades av Rafael för äktenskapet med hennes vän Lorenzo Nasi och Sandra di Matteo di Giovanni Canigiani. Målningen skadades allvarligt efter den partiella kollaps av NASI -huset 1547, som Vasari nämner. Därefter återställdes det troligen av Michele Di Ridolfo del Ghirlandio (Michele Tosini), en medarbetare i Ghirlandio -verkstaden, som var djupt påverkad av Rafael.

Barnet Jesus strök kärleksfullt en Jilguez -fågel som baptistbarnet just har gett honom. En symbol för passion (toppen, eftersom den matar mellan torn) kombineras således i en scen som på en första meningsnivå kan ses helt enkelt som barn som leker.

Rafael absorberade prestationerna med florentinsk konst som vid den tidpunkten var i framkant i Europa. Konstnären påverkades starkt av figuren av Leonardo. Påverkan av den stora konstnärsvetenskapliga, manifesteras i den vackra Madonna del Jilguero ("Madonna del Cardellino") (1506), nyligen återställt (2008) klokt och skicklig. Rafael accepterar den pyramidala sammansättningsmetoden, de mjuka effekterna av svagt ljus och emotionell dialog mellan karaktärerna, vilket avslöjar elementen i Leonardos målning. Trots detta är det också klart vad Rafaels personliga stil kommer att vara: ansiktsens extrema sötma, särskilt Madonnas, den mästerliga användningen av färger, den realistiska reproduktionen av landskapet och den djupa intimiteten mellan figurerna.

Jungfru Maria är klädd i rött och blått. Röd är en symbol för Kristi passion och blått är symbolen för kyrkan och Maria. Det var ett av de dyraste pigmenten och därför lämplig att använda i en viktig figur som Maria. Europeiska Jilguero är förknippad med korsfästelsen av Jesus. I denna målning överför St. John fågeln till Jesus som en varning för hans våldsamma död. Från boken som Mary har har experter identifierat orden "Sedes sapientiae". Detta är en av de hängivna titlarna som ges till Mary och betyder "visdomsäte." Det betonar att Maria födde Jesus (som representerar visdom). När Maria representeras i rollen som "visdomssäte" visas han vanligtvis på en tron ​​med Jesus i hans knä. I detta fall fungerar emellertid berget som Maria känner sig som en tron.

I målningen kan du se flera blommor. Även om inte alla blommor har identifierats slutgiltigt, tror många att blommorna är: anemoner (som representerar smärtan av Maria av Jesu passion), margaritas (som representerar barnets oskyldighet), bananer (som representerar vägen till Följ Jesus) och violer. (som representerar ödmjukhet).

I europeisk konst används toppen ofta som en symbol. Europeiska Jilguero, Carduelis carduelis, har ett rött ansikte och huvud i svartvitt. Hundratals återfödelsemålningar har representerat Jilguero. Den europeiska Jilguero är ofta förknippad med uppståndelsen, men också med själen, uppoffret och döden. Legenden säger att spelaren fick den röda platsen på huvudet under korsfästelsen av Jesus när han ville riva en torn från Jesu krona, och en droppe blod från Jesus plaskade huvudet. I själva verket är det känt att spelaren äter tistlar och taggar och därför har förknippats med tornkronan som Jesus använde i sin korsfästelse.

Landskapet, och särskilt de arkitektoniska formerna som den innehåller, återspeglar påverkan av flamencokonst, även om det fortfarande är strukturerat i vägen för parabia. Detta inflytande var lika levande i Florens som i Urbino under andra hälften av Quattrocento. Kanske är det mer synligt på lutande tak och höga nålar, ovanliga element i ett Medelhavslandskap. Miguel Ángels inflytande är tydligt igen i den välstrukturerade figuren av barnet Kristus.

Denna berömda bild fick allvarliga skador i slutet av 1500 -talet på grund av byggnadens kollaps där den var. Han fick allvarliga skador, till exempel de djupa och långa snitten som hade disfigurerat träpanelen. Många restaureringar följde under århundradena, men bara tack vare det sista (som gjordes 2008) återvände arbetet till sin ursprungliga prakt. Därför kan Virgen del Jilguero älskas och beundras igen som ett av de vackraste exemplen på Rafaels stora målare den "gudomliga".

Köp en reproduktion av Virgen del Jilguero - Rafael i onlinebutiken i Kadros

No.10 Kristus av San Juan de la Cruz - Salvador Dali (1951)

 Kristus av San Juan de la Cruz målades av den spanska surrealistiska målaren Salvador Dalí 1951 vid en tidpunkt då han kom ut från den starka anti -religiösa ateism från sin ungdom och kramade den katolska tron ​​igen.

Utan tvekan är Dalís mest kända religiösa verk hans "Kristus av San Juan de la Cruz", vars figur dominerar Port Lligat Bay. Målningen inspirerades av en ritning, bevarad i klostret för inkarnationen i Ávila, Spanien, och gjord av San Juan de la Cruz själv efter att ha sett denna vision om Kristus under en ecstasy.

I Dalis målning härstammar människor bredvid fartyget från en bild av Le Nain och en ritning av Diego Velázquez för Bredas överlämnande. I slutet av sina studier för Kristus skrev Dalí: "För det första, 1950, hade jag en" kosmisk dröm "där jag såg denna färgbild och att i min dröm representerade atomens kärna. Denna kärna Senare förvärvade en metafysisk känsla: Jag ansåg i "universums enhet", till Kristus! För det andra, när jag, tack vare instruktionerna från Father Bruno, en karmelit, såg jag Kristus ritad av Saint John of the Cross, arbetade jag Geometriskt en triangel och en cirkel, som estetiskt sammanfattade alla mina tidigare experiment och registrerade min Kristus i denna triangel. "

I porträttet använde Salvador Dalí genialt två olika realistiska färger som inkluderar blått och grönt för att framställa havets fantastiska landskap, förmodligen en allegori till Galileas hav. Målaren använde en unik teknik för att måla havet på ögonnivån medan Kristi kropp hänger i korsets luft. Bakom korset använde målaren svart oljefärg. Detta var för att göra Kristi kropp centrum för uppmärksamhet.

Dalí kunde framställa Kristi muskler i en fin ton. Bortsett från det lyckades han måla skuggor som skapade djupet. Dessutom målade Salvador avlägsna berg på ögonhöjden. Längst ner på bilden kan du se en ensam man stå på en brygga med sin båt. Den berömda målaren kunde kombinera realistiska färger och en ordnad design för att skapa ett imponerande surrealistiskt porträtt av den religiösa figuren.

Det har sagts att den ursprungliga 1500 -talsversionen skildrar ett korsfix från vinkeln där en döende person skulle se den när han visar den för att vera den.

Dalí får oss att se Kristus och korset direkt uppifrån och titta ner i uppsättningen av moln under och jorden under. Det är ett himmelskt perspektiv i själva verket, för Gud Fadern. Det är intressant att Sonen, Kristus delar samma perspektiv som Fadern: hans synvinkel följer och fortsätter till Faders. Det fjärde evangeliet betonar att sonen kommer från fadern och är en med honom, ser och gör allt som fadern säger att han skulle göra. På ett sätt erbjuder fadern också sonen till världen för att rädda honom.

I målningen av Kristus av San Juan återspeglas inte Jesu heliga hjärta externt, utan är involverad i den konstnärliga utplaceringen av en styrka som övervinner korset av korset. Dalí målar oss en segrande Kristus. Det visar att Kristus av San Juan de la Cruz löper ut till döden för kärlek.

I "Kristus av San Juan de la Cruz" av Dalí har Jesus hängt från korset avväpnat makterna och myndigheterna och har gjort dem till ett offentligt skådespel och segrar över dem med kraften i deras kärlek på korset (Kol 2: 15).

Således är korset platsen där Good går ut till det onda, där mörkret besegras av ljuset, där kvinnans frö äntligen krossar ormens huvud (1 Mos 3:15), där anklagelserna mot världen har förstörts och spikade när du korsar. Framför allt är det där kärleken erövrar hat och alla former av ondska.

Detta berömda Dalí -verk betraktades som banalt av en viktig konstkritiker när den först ställdes ut i London. Men flera år senare klipptes han av en fläkt medan han hängdes i Glasgow -museet, bevis på den fantastiska motsatta effekten på åskådarna.

I målningen finns det flera perspektiv, ett tecken på Dalís fenomenala talang.

Eftersom Dalís verk ännu inte är i det offentliga området, gör Kadros inte kopior av denna målare, slutar inte att beundra honom naturligtvis. 

Kuadros ©, en berömd färg på din vägg.