10 самых известных абстрактных картин

В Без названия - Первой абстрактной акварели мы находим хорошую вспышку цвета, как это бывает в большинстве его картин, но использование акварелей вместо масляных красок придает видимо различное покрытие, что делает это произведение искусства интересным и довольно уникальным для его работ в 1910 году. Работа крупным планом выглядит так, будто она была закончена быстро, что типично для этой формы искусства, так как краска очень быстро сохнет. Он также работает экспрессивно, не сильно беспокоясь о точности, а больше сосредотачиваясь на выборе цветов и заполняя холст различными формами и линиями. Она была действительно абстрактной, и это становилось все более заметным по мере того, как он продвигался в своей карьере, отходя все дальше от реальности в используемых формах.

Кандинский специализировался на масляных красках, но иногда работал с акварелью. Он, вероятно, нашел этот материал легким для работы и тем, что также хорошо подходило для быстрых этюдов, когда он пытался понять дизайн для будущей работы. Он также использовал литографии, гравюры и акватинты в другие времена, особенно на ранних этапах своей карьеры, когда он был особенно экспериментальным.

Работая с акварелями, Кандинский смог завершить эту картину всего за три дня. Однако, несмотря на свою спешку, Кандинский сделал несколько исследований для этого произведения искусства перед тем, как начать окончательную композицию. То, что добавило скорости, которую можно интерпретировать в Без названия, было его выбором цвета, так как Кандинский искусно выбрал цвета, которые, как он знал, правдиво отразят его эмоции в тот момент. Линии и формы, которые были нарисованы, также добавляют и подчеркивают хаос и срочность, которые можно ощутить, смотря на эту картину.

Абстракция также явно демонстрируется в этом произведении искусства через свободные и неопределенные линии, что вызвало значительный интерес среди художественной аудитории в то время. Без названия существует как важный инициатор движения абстрактного искусства, так как это был первый раз, когда что-то отдаленно отделенное и неприкрытое было признано уместной темой в произведениях искусства в то время. Без названия означило определяющую точку в европейском искусстве, как переход от традиционных произведений искусства к более абстрактным и раскрепощенным произведениям.

Период с 1910 по 1914 год считается пиком карьеры Кандинского и вершиной его лучших художественных достижений. Поэтому Без названия существовало как одно из первых произведений искусства, которые откровенно отвергли все отсылки к распознаваемым формам и выбрались из ограничений, которые накладывали конвенции представления в живописи Западной Европы.

Это понятие полной свободы стало основной мыслью в большинстве произведений, созданных Кандинским в этот период.

No. 2 Взрослая жизнь # 7 - Хильма Аф Клинт

Хотя она не так известна, как многие мужчины-художники своего времени, шведская художница Хильма Аф Клинт была пионером абстрактного искусства, чьи радикальные картины предшествовали многим ее современникам-мужчинам. Она попросила, чтобы ее великое произведение, большинство из которого никогда не выставлялось при ее жизни, оставалось скрытым до 20 лет после ее смерти. 

Эта коллекция представляет собой этапы жизни, включая детство, молодость, зрелость и старость. Они сочетают в себе ботанические элементы и узнаваемые органические объекты, которые ссылаются на рождение и рост.

Возраст Взрослой Номер 7 Хильмы Клинт является огромным холстом высотой 3 метра и шириной 2 метра, написанным на бумаге, на полу студии, а затем приклеенном на холст.

Аф Клинт интерпретирует взрослую жизнь в полной цвете, рисуя различные формы, которые свободно текут в разных размерах и цветах на лиловом фоне. Центральный желтый символ напоминает цветок, в то время как спирали и биоморфные формы символизируют рост и плодородие.

No. 3 Сенеций - Пауль Клее

Завершенная в 1922 году, картина Сенеций является проявлением чувства юмора и африканской культуры Паула. Цвета и простые формы, Пауль использует различные оттенки оранжевого, красного и желтого, чтобы показать портрет пожилого человека. Художественное использование форм создает ложное впечатление, что поднимается глаз. Его левая бровь представлена треугольником, в то время как другая сформирована простой кривой линией. Портрет также называется "Голова мужчины, который стал старым" и намеренно имитирует детские художественные произведения, используя неопределенные формы с минимальными лицевыми деталями.

Эта адаптация человеческого лица разбита по цвету на прямоугольники. Плоские геометрические квадраты сохраняются в круге, который представляет маскированное лицо и показывает многоцветный костюм арлекина. Портрет исполнителя Сенеций можно считать символом меняющейся связи между искусством, иллюзией и миром драмы. Эта картина демонстрирует принципы искусства Клее, в которых графические элементы линий, цветовые плоскости и пространство приводятся в движение энергией ума художника. В своих воображаемых набросках он любил, по собственным словам, "взять линию на прогулку".

No. 4 Этуаль Блю - Жоан Миро

Картина Этуаль Блю была переходом для Миро между фигуративным и абстрактным искусством.

Эта картина известна как одна из самых важных в карьере Миро. В частности, используемый жгучий синий цвет можно увидеть в нескольких его будущих работах и даже оказал влияние на таких художников, как Марк Ротко и Ив Клайн.

Этуаль Блю - большая картина, но это картина вопросов, а не ответов.

Миро был великим синтезатором эпохи множества различных идей, что-то похожее на сегодня, но тогда художественные идеи были гораздо более сложными, чем сегодня.

Картина сочетает фовистские цвета, кубистские формы и сюрреалистические намерения в произведении, которое зритель может визуально исследовать снова и снова. Это множество вещей оставляет много вопросов, ответы на которые столь же сновиденчески, как и сама картина.

Если вы посмотрите на синюю форму в левом верхнем углу, это птица. Скорее всего, так и есть, но какая именно птица неясно. Смотря на это некоторое время, определенно можно сказать, что это динамичная форма, но можно легко утверждать, что она летит влево, вправо или даже вниз, к нам.

Большая красная часть в нижней центре. Это нога? Определенно она выглядит такой стабильной и привязанной, как эта синяя деталь динамична.

Эта картина - настоящая драгоценность для ее любителей. На первый взгляд, она немного шатается и движется, но на мгновение, она движется против той эластичной фигуры в правом нижнем углу.

Миро, каталонский художник, рожденный в Барселоне в 1893 году, назвал свой сюрреалистический ландшафт Peinture (Étoile Bleue) 1927 ключевым изображением, включая символы, которые он будет повторно использовать в последующие годы, и даже жгучий синий цвет оказал влияние на последующих художников, включая Марка Ротко и Ива Клайна.

No. 5. Композиция VII - Василий Кандинский

Картина Композиция VII Василия Кандинского считается многими поклонниками абстрактного искусства самой важной работой XX века, возможно, даже самой важной абстрактной картиной, когда-либо созданной.

Это произведение является логическим продолжением Композиции V и  Композиции VI . Все три картины объединены темой Апокалипсиса. Такие элементы Композиции VI, как Потоп и Воскрешение, можно проследить в этой работе. Ее основная тема - последний суд, но это не воспринимается как катастрофа, а как освобождение, переход от материального мира к духовному. Поэтому Композиция VII отличается от остальных произведений серии своими светлыми цветами и искрящимися контрастными линиями.

Кандинский создал каждую из своих композиций так, чтобы зритель мог войти в изображение, как если бы он вращался внутри него. Он сделал нижний край композиции тяжелее, выдвинув его вперед, в то время как верхняя часть остается легче и более отдаленной для зрителя. Один из основных контрастов художника, синий и желтый, образует центральную зону активного движения внутрь и наружу.

Кандинский провел много месяцев, подготавливая свою Композицию VII, но только четыре дня ушло на ее создание. Художник сделал около 30 этюдов к этой картине. Некоторые из них напоминают работы Караваджо или Леонардо да Винчи с их детальными изучениями складок ткани, листвы деревьев или человеческих конечностей. В этой серии некоторые работы повторяют одну и ту же кривую линию, другие схематически показывают основные структурные элементы композиции, а некоторые содержат подробный план композиции. Кроме того, имеется около 15 различных картин, связанных с Композицией VII: это масляные или карандашные эскизы, акварели, стеклянные картины и отпечатки.

Габриэль Мюнтер, которая была свидетелем создания этой картины, написала в своем дневнике 25 ноября 1913 года, что холст для Композиции VII был доставлен в ее дом в Мурнау, и Кандинский сразу же взялся за работу. Утром следующего дня он сделал первую фотографию картины, а после обеда - вторую. Запись от 28 ноября в дневнике Мюнтер гласила, что картина завершена. 29 ноября он снял фотографию завершенного произведения. Так был зафиксирован рождение великой шедевра.

Композиция VII занимает место номер 100 в нашем списке известных картин

No. 6 Композиция X - Кандинский

Цитируемый как один из первых защитников абстрактной живописи, Василий Кандинский был не только русским художником, но и теоретиком искусства. Влияние, которое он оказал на мир искусства и абстракцию, было огромным, так как он стал соучредителем художественной группы Фаланга и Новой группы художников, организовав выставки для своих современников на протяжении всех своих лет как художника. За свою карьеру он создал более 600 произведений, модель 1913 года достигла рекордной цены на аукционе в 41,6 миллиона долларов в 2017 году. 

Несмотря на этот впечатляющий рекорд, возможно, его самое значительное произведение - это Композиция X. Последняя в его серии 'Композиции'. С ее помощью он стремился завершить свое исследование чистоты формы и выражения через эту работу. Используя черный цвет сдержанно на протяжении своей практики до этого момента, его было критиковано за то, что эта работа вызывает как космос, так и тьму предзнаменования, которая приближается к концу его жизни. 

Изначально создание Композиции X было вдохновлено биоморфными формами сюрреализма.

Тем не менее, Василий Кандинский позже использовал искусство органических форм в своих картинах. Это стиль, который он затем использовал на протяжении своих работ.

Стиль придавал его работам уникальность. Картины, созданные Василием Кандинским, было легко и почти невозможно не узнать, когда они выставлялись на выставках или в других местах.

Кроме того, Композиция X была создана во Франции. При близком рассмотрении картины заметно, что художник использовал черный фон. Основная причина использования черного фона заключалась в том, чтобы цвета на переднем плане были хорошо видны.

No. 7 Конвергенция - Джексон Поллок

Конвергенция —черно-белая картина, на которую Поллок бросил первичные цвета— отражает кризис Холодной войны. Это одно из его шедевров и, возможно, это самая известная картина экспрессиониста абстракта. В 1964 году Springbok Editions произвела пазл этой картины, который рекламировался как "самый сложный пазл в мире", и сотни тысяч американцев его купили.

В 1951 году Поллок сказал: “Мне кажется, что современный художник не может выразить свою эпоху, самолет, атомную бомбу, радио, в старых формах Ренессанса или любой другой прошлой культуре. Каждая эпоха находит свою технику.” Поллок нашел свою технику в живописи домов и каплях, и использовал её, чтобы выразить своё время.

С размером 237 x 394 сантиметров, Конвергенция является одним из самых амбициозных произведений Поллока. Она известна своей визуальной яркостью и тем, что вызывает глубокие эмоции у зрителя. Хотя работы Джексона по-прежнему трудно расшифровать даже для экспертов в искусстве, его картины считаются проявлениями свободы выражения. Конвергенция, которая является выдающимся примером в этом смысле, по-прежнему остается одним из его самых известных произведений.

No. 8 Элегия Испанской Республики - Роберт Мазервелл

Хотя Роберту Мазервеллу было всего 21 год, когда разгорелась Гражданская война в Испании, его зверства сильно затронули его в последующие годы. Это привело его к созданию серии более 200 картин в ответ на это. Серия 'Элегия Испанской Республики' служит множеством памятников человеческим страданиям, а также "абстрактными и поэтическими символами для неумолимого цикла жизни и смерти".

О Элегиях Мазервелл заявил, что, “после периода их написания, я открыл черный как одну из своих тем, и с черным, контрастирующий белый, чувство жизни и смерти, которое для меня довольно испанское. Они по сути черный испанский цвет смерти, контрастирующий с ослепляющим светом солнца, как у Матисса”.

Его Элегии являются длительной абстрактной медитацией о жизни и смерти. На протяжении всей серии горизонтальные белые холсты ритмично разделены двумя или тремя свободно нарисованными вертикальными полосами и периодически пунктированы овальными формами. Обычно картины полностью состоят из черного и белого - цветов траура и блеска, смерти и жизни. Мазервелл прокомментировал переплетение этих сил как метафору его понимания опыта быть живым.

Элегия Испанской Республики описывает великолепный переход от органичного к геометрическому, от случайного к преднамеренному. Как и другие абстракционисты-экспрессионисты, Мазервелл был привлечен к сюрреалистическому принципу автоматизма - методов, которые выходят за пределы сознательного намерения художника - а его мазок содержит эмоциональную нагрузку, но в общем строгом строе. На самом деле, Мазервелл рассматривал такие аккуратные элементы цвета и формы как сердце абстрактного искусства, которое, как он говорил, "раздевается от других вещей, чтобы усилить его, его ритмы, пространственные интервалы и структуру цвета".

No. 9 Черный Ирис – Джорджия О'Киф

Эта монументальная цветочная картина является одним из первых шедевров О'Киф. Увеличив лепестки гораздо больше, чем в натуральных пропорциях, она заставляет зрителя обратить внимание на мелкие детали, которые в противном случае могли бы быть упущены. Когда картины этой группы впервые были выставлены в 1924 году, даже Альфред Стеглиц, ее муж и торговец, был поражен ее смелостью.

Черный Ирис Джорджии О'Киф является примером одной из ее многих работ на тему цветов и в частности ириса, цветка, насыщенного символизмом. Однако в Черном Ирисе III задача О'Киф не заключалась в ссылке на этот символизм или добавлении его, а скорее побудить зрителя смотреть и видеть цветок и рассматривать различные способы, которыми люди видят. Она становится глубокой медитацией о искусстве взгляда, не только на искусство, но и на жизнь. В этой статье Singulart анализирует символизм, проецируемый в живописи О'Киф, а также ее собственные намерения при создании Черного Ирис III. 

Джорджия О'Киф долгое время интересовалась темой живописи ирисов, в частности черного ириса, который было труднее найти и который был доступен только на несколько недель в году в Нью-Йорке. Ирис является знакомым символом в западном мире: в греческой мифологии богиня Ирис олицетворяет радугу и связь между небом и землей; в христианстве ирис символизирует страсть к Христу и воскресение, а также страдания Марии. В свою очередь, Линда Ночлин, историк искусства, превратила ирисы О'Киф в женский символ, описывая их как "морфологическую метафору" женских половых органов, отражая "единство женского и естественного порядка". Описание Ночлин Черного Ирис III и других картин ирисов О'Киф привязало их к истории искусства и истории феминизма и феминистского искусства.

Тем не менее, О'Киф отвергла это описание, заявив, что: “Никто не видит цветок на самом деле, он такой маленький. У нас нет времени, а видеть требует времени так же, как иметь друга требует времени. Если бы я могла нарисовать цветок так, как я вижу, никто бы не увидел то, что вижу, потому что я бы нарисовала его маленьким, как он маленький. Итак, я сказала себе: я буду рисовать то, что вижу, то, что цветок для меня, но я нарисую его большим, и они будут поражены, взяв время, чтобы посмотреть на него, я сделаю так, что даже занятие ньюйоркцы будут тратить время, чтобы увидеть, что я вижу в цветах. Я плохого сделать так, чтобы вы взяли время, чтобы посмотреть, что я видела, и когда вы выделили время, чтобы действительно заметить мой цветок, вы вложили все свои ассоциации с цветами в мой цветок и написали о моем цветке, как будто я думаю и вижу, что вы думаете и видите. цветок, а я - нет.

No. 10 Обмен - Уильям де Кунинг

В 1955 году Уиллем де Кунинг завершил работу Обмен. Он сосредоточился на переработке эскизов фигур, в которые была вовлечена женщина, начиная с 1948 года. Эти работы были связаны с его персональной выставкой в 1953 году, картинами на тему женщины, которая открылась в Нью-Йорке в то время. Некоторые заголовки этих работ включают Женщина I , Женщина III и Женщина V, а также Две женщины с натюрмортом .

К 1955 году де Кунинг прекратил рисовать человеческие фигуры и продолжал использовать абстрактные представления архитектуры и сообществ города Нью-Йорка.

Уиллем де Кунинг использовал быстрые жестовые мазки на холсте. Изображение показывает женщину, сидящую на стуле, но женщины появляются только как масса клюва. Когда дело доходит до названий своих картин, он всегда предпочитал связывать их с окружающей местностью, где он жил. Обмен получил название от окрестностей, центра Нью-Йорка, места, где он жил в то время.

Первоначально картина была продана художником в 1955 году за 4000 долларов.

Позже она была продана Фондом Дэвида Геффена Кеннету С. Гриффину за 300 миллионов долларов в сентябре 2015 года, что поставило ее на второе место в списке самых дорогих картин, уступая лишь Salvator Mundi Леонардо да Винчи, который был продан за 450.3 миллиона долларов в ноябре 2017 года.

KUADROS ©, известная картина на вашей стене.