Beschrijving
Giovanni Bellini en zijn atelier maakten de Bewening van de dode Christus tijdens de hoogrenaissance. Ze vervaardigden verschillende variaties op dit thema, maar dit werk is bijzonder betekenisvol vanwege de dramatische clair-obscurtechniek. Daardoor behoort het schilderij tot de hoogrenaissance en maakt het gebruik van de techniek die kunstenaars in deze periode bij voorkeur toepasten, onder wie Leonardo da Vinci. Letterlijk betekent clair-obscur licht en donker. Het contrast tussen donker en licht zorgt voor een dramatischer effect en ontstond tijdens de renaissance.
Je kunt zeggen dat renaissancekunst de heropleving van oude tradities is. Kunstenaars begonnen tradities uit de klassieke oudheid te combineren met nieuwe ideeën uit de artistieke ontwikkelingen in Noord-Europa. Er ontstond een humanistische stijl, die werd geïntegreerd in de kunst van die tijd. Andere kenmerken van deze periode waren lineair en atmosferisch perspectief, een verfijnde anatomie en evenwicht en symmetrie.
In dit schilderij keert Giovanni Bellini terug naar een thema dat hij tijdens zijn carrière vaak heeft behandeld: de Maagd Maria en de apostel Johannes zitten op de grond en ondersteunen het lichaam van Christus, dat van het kruis is gehaald. Rondom de centrale figuren zijn verschillende andere figuren afgebeeld, waarschijnlijk geschilderd met de hulp van een van Bellini’s medewerkers. Rechts staat een monnik, een anachronisme in het verhaal van Christus. Dit laat zien dat het schilderij eerder devotioneel dan verhalend van aard was en bedoeld was voor meditatie.
Het is een drukker samengestelde compositie dan de eerdere „imago pietatis”, waarin het isolement van de figuren zelf een scheidingswand vormt die de toeschouwer van het drama afschermt. Hier doorbreken de prominente knieën van Christus en zijn abrupte verkorting deze denkbeeldige muur echter krachtig, waardoor de heilige groep dichterbij komt en er dus een directere communicatie ontstaat met degenen die haar vereren.
De monochrome schildertechniek is bijzonder interessant: ze wekt de indruk van een voorbereidende studie en brengt sommige critici ertoe de mogelijkheid te overwegen dat het schilderij onvoltooid is. Volgens de 16e-eeuwse Venetiaanse geleerde Paolo Pino was Giovanni Bellini gewend zorgvuldig uitgewerkte voorbereidende studies te maken, waaraan hij later kleur toevoegde. Een andere interpretatie is dat het werk een model was dat in het atelier werd achtergelaten als voorbeeld voor andere schilderijen.
In Bellini’s schilderij zijn de figuren zo gerangschikt dat degenen die het dichtst bij de toeschouwer staan zich aan de linkerkant bevinden, terwijl de figuren rechts verder van de toeschouwer af staan. De grootste figuur links van Jezus helpt het beeld echter in evenwicht te brengen: op de voorgrond van de scène zijn de meest prominente figuren ook de grootste, en naarmate ze verder naar achteren staan, worden ze kleiner en lichter. Zo is de scène goed in balans, met Christus als middelpunt. Alle figuren rondom Christus zijn op hem gericht, met hun hoofden naar hem toe gekeerd, zodat de blik van de toeschouwer naar hem wordt getrokken. Ook het midden van het kunstwerk is lichter, op de plek waar het lichaam van Jezus ligt, terwijl de randen geleidelijk donkerder worden.
Geschilderd in grisaille en moet, ondanks de tegengestelde mening van sommige critici, als een voltooid werk worden beschouwd.