설명
Paul Gauguin의 작품 "Ramo"(1884)는 19 세기 예술의 진화에서 중요한 단계를 특징 짓는 포스트 -인상주의 스타일의 주목할만한 예가되었습니다. 이 그림은 겉보기에 단순한 문제 (꽃 꽃다발)에 초점을 맞추고 있지만 Gauguin이 색상과 구성을 사용하여 자연의 표현을 다루는 방식의 많은 복잡성을 보여줍니다.
첫눈에, 가구신이 대체하는 생생한 색상 팔레트는 충격적입니다. 따뜻한 노란색과 깊은 바이올렛 사이에서 진동하는 톤의 강도는 그들이 전달할 수있는 상징에 깊은 반사를 초대합니다. 인상주의의 자연주의 적 접근과는 달리, Gauguin은 감정적이고 영적 의미를 주사하는 상징의 형태로 그들의 대상을 변화시키는 경향이 있습니다. 이런 의미에서, 더 이상적인 아름다움 엠블럼으로 해석 될 수있는 꽃은 아마도 우울하고 일시적인 느낌을 전달하며 아마도 삶 자체의 취약성을 언급합니다.
작품의 구성은 꽃병에 중점을 두며 꽃은 모양과 색상의 폭발적인 디스플레이로 분류됩니다. 꽃병 자체에는 꽃다발의 광도와 대조되는 단단한베이스와 어두운 톤이 제시됩니다. Gauguin 은이 자원을 사용하여 페인트의 윗부분을 향한 시청자의 시선을 끌어 들이기 때문에 이러한 대비는 의도적입니다. 꽃의 배열은 자연 논리를 따르지 않습니다. 오히려, 그들은 전통적인 표현의 한계를 극복하려는 작가의 검색을 반영하여 자유롭고 거의 추상적으로 흐르는 것처럼 보입니다.
"Ramo"에는 인간 캐릭터가 없으며, 이는 Gauguin의 생산과 관련하여 작품의 배지입니다. 기호와 색상 사용에 대한 그의 관심은 원시적과 이국적인 접근에 대한 그의 접근과 관련이 있으며, 그 후에는 인간의 인물을 특정 문화적 배경과 통합 할 수있는 관심사입니다. 이 작품에서, 인간의 부재는 그 웅장함에 고립 된 자연의 순수한 아름다움에 대한 묵상을 암시한다.
"분기"에서 색상을 사용하는 것은 예술가의 그림 언어의 진화의 일부로 이해 될 수 있습니다. Gauguin은 불투명도와 미묘함에서 멀어지게하는 범위를 선택함으로써 자연주의 색상의 논리에 도전하여 시각적 경험을 강화하는 가장 포화 된 톤을 대담하게 사용합니다. 이 선택은 색상을 통해 새로운 형태의 현실을 찾고자하는 욕구, 상징과 현대 미술에 대한 탐구의 기초가 될 원칙입니다.
이전에 그림에 헌신하기 전에 성공적인 주식 시장 에이전트였던 Gauguin은보다 진정한 예술적 존재를 찾아 유럽 전통을 떠나기 시작했습니다. 그의 작품 "Ramo"는 그의 시대의 인상파 트렌드와 최신 단계에서, 특히 타히티에 머무는 동안 상징주의와 영성에 대한 그의 미래의 탐구 사이의 다리로 볼 수 있습니다.
결론적으로, Paul Gauguin의 "Ramo"는 화려한 활기차고 직관적 인 구성을 통해 단순한 표현을 넘어서는 세상을 제안하는 작품입니다. 색과 모양의 탐구는 묵상을위한 공간을 확립하지만 인간 인물의 부재는 자연과의 친밀한 관계와 더 깊은 의미에 대한 탐색을 강조합니다. 이 작품은 Gauguin이 그의 경력 전반에 걸쳐 발전하기 시작한 예술적 원칙을 보여줄뿐만 아니라 인간의 경험에 내재 된 아름다움과 고뇌에 대한 시각적 진술로도 설립되었습니다.
KUADROS ©, 벽에 유명한 페인트.
전문 예술가의 품질과 독특한 인감과 함께 손으로 만든 유화 KUADROS ©.
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