最も有名な10の抽象絵画

タイトル - 最初の抽象水彩 ほとんどの絵画に見られるように、私たちは色の良いバーストを見つけますが、オイルの代わりに水彩を使用すると、この作品が1910年の生産に面白くて非常にユニークな目に見えて異なる完成が残ります。すぐに完了しました。これは、絵画が非常に速く乾燥するため、この芸術形式の典型です。 彼はまた、精度についてあまり心配することなく表現的に働いていますが、色の選択にもっと焦点を合わせ、キャンバスをさまざまな形や線で満たします。 それは本当に抽象的であり、これは彼が彼が使用した方法でますます現実から離れたので、彼が彼のキャリアで前進するにつれてますます現れるものでした。

Kandinskyはオイルを専門としていましたが、時々水彩画を使用しました。 この簡単な手段と、将来の作品のデザインを理解しようとした速い研究作品にもうまく適応したものを見つけたでしょう。 彼はまた、特に彼が特に実験的だった彼のキャリアの初期段階で、リトグラフ、キシログラフ、エッチングを他の時に使用しました。

カンディンスキーは、水彩画を操作することで、わずか3日でこの絵を完成させることができました。しかし、急いでいるにもかかわらず、カンディンスキーは最終作曲を始める前にこの芸術作品のためにいくつかの研究を実施しました。タイトルで解釈できる速度に加わったのは、彼の色の選択でした。カンディンスキーは、彼がその時に自分の感情を忠実に表現することを知っていた色を巧みに選んだからです。また、この絵を見るために経験された混乱と緊急性を描き、強調し、強調した線と形状。

また、抽象化は、この芸術作品の中で、表現されたゆるい曖昧な線を通して明確に実証されており、当時の芸術的な群衆の間でかなりの関心を引き起こしました。抽象的な芸術運動の重要な扇動者としてのタイトルは存在しません。なぜなら、当時の芸術作品の中で適切なテーマとして何かをリモートで分離し、制限なしで認められたのは初めてだったからです。 タイトルなし それは、より抽象的で抑制されていない芸術作品への伝統的な芸術作品の逸脱など、ヨーロッパの芸術の中で決定的なポイントをマークしました。

1910 年から 1914 年までの期間は、カンディンスキーのキャリアのピークであり、彼の最大の芸術的業績の頂点と考えられていました。したがって、無題は、認識可能な形式への参照をすべて大胆にも捨て、西ヨーロッパ絵画の表現慣習によってもたらされる制限から出現した最初の芸術作品の 1 つとして存在しました。

この完全な自由の概念は、この時期にカンディンスキーによって作成されたほとんどの作品に顕著に現れるようになりました。

No.2 成人期 #7 – ヒルマ AF クリント

スウェーデンの芸術家ヒルマ アフ クリントは、同時代の男性芸術家の多くほど有名ではありませんでしたが、同時代の男性芸術家の多くよりも前から過激な絵画を描いていた先駆的な抽象芸術家でした。彼は、彼の偉大な作品のほとんどが生前に公開されることはなかったが、死後20年が経過するまで秘匿することを要求した。 

このコレクションは、子供時代、青年期、成熟期、老年期などの人生の段階を表しています。それらは植物の要素と、誕生と成長を表す認識可能な有機物を組み合わせています。

の 年 アダルト ヒルマ・クリントの第7番 高さ 3 メートル、幅 2 メートルの巨大なキャンバスで、スタジオの床で紙に描き、キャンバスに貼り付けました。

アフ・クリントは、ライラック色の背景にさまざまなサイズと色でさまざまな自由に流れる形を描くことで、満開の大人の時代を表現しています。中央の黄色のシンボルは花に似ており、らせんと生物形態は成長と豊穣の象徴です。

No.3 セネシオ - パウル・クレー

1922年に完成し、 セネシオの絵画 これはポールのユーモアのセンスとアフリカ文化の現れです。シンプルな色と形で、ポールはオレンジ、赤、黄色のさまざまな色合いを利用して老人の肖像画を浮かび上がらせています。芸術的な形状の使用により、片方の目が上がっているような誤った印象を与えます。彼の左の眉は三角形で表現され、もう一方の眉は単純な曲線で形成されています。この肖像画は「老衰する男の頭」とも呼ばれ、顔の詳細を最小限に抑えたあいまいな形や形式を使用することで、意図的に子供の芸術作品を模倣しています。

人間の顔のこの適応は、色によって長方形に分割されます。平らな幾何学的な正方形が円の内側に配置され、仮面をかぶった顔と道化師の色とりどりの衣装が描かれています。舞台芸術家セネシオの肖像画であり、芸術、幻想、演劇の世界の間の変化する関係の象徴と見ることができます。この絵画は、線、色面、空間のグラフィック要素が芸術家の精神からのエネルギーによって動き出すという、クレーの芸術の原理を示しています。想像力豊かな落書きの中で、彼自身の言葉を借りれば、「散歩のために列を作る」のが好きでした。

第4位 エトワール・ブルー - ジョアン・ミロ

エトワールブルーの絵 それはミロの具象芸術と抽象芸術の間の移行でした。

この絵はミロのキャリアの中で最も重要な絵の一つとして知られています。特に、焼けつくようなブルー​​は彼の将来の作品のいくつかに見られ、マーク・ロスコやイヴ・クラインなどの画家にも影響を与えました。

「エトワール ブルー」は素晴らしい絵ですが、答えというよりも疑問を描いた絵です。

ミロは、今日のような多様なアイデアが溢れていた時代の偉大な総合者でしたが、当時の芸術的アイデアは今日のものよりもはるかに複雑でした。

この絵画は、フォービズムの色彩、キュビスムの形、シュールレアリスムの意図を組み合わせた作品であり、鑑賞者は何度も視覚的に探索することができます。非常に多くの事柄の中で、あなたには多くの疑問が残されますが、その答えは絵と同じくらい夢のようです。

左上隅に青い図形が表示されている場合。鳥です。おそらくそうですが、どの鳥かは不明です。しばらく見ていると、それがダイナミックな形状であることは間違いなくわかりますが、それが左右、あるいは下に向かって私たちに向かって飛んでいるとも簡単に主張できます。

中央下にある大きな赤い部分。足ですか？青い部分がダイナミックであるのと同じくらい安定して固定されているように見えます。

この絵は愛好家にとっての宝石です。一見、ぐらぐらと少し動いていますが、待てよ、右下の弾力のある図形に反して動きます。

1893年バルセロナ生まれのカタルーニャ人芸術家ミロは、1927年のシュルレアリスムの夢想風景ペインチュール（エトワール・ブルー）を重要なイメージと呼び、後年繰り返し使用することになるシンボルを組み込んでおり、焼けつくような青色さえもマーク・ロスコやマーク・ロスコなど後の画家たちに影響を与えた。イヴ。クライン。

No. 5. 作曲 VII - ワシリー・カンディンスキー

の 絵画 コンポジション VII ワシリー・カンディンスキーの『絵画』は、多くの抽象芸術ファンによって、20 世紀で最も重要な芸術作品、おそらくこれまでに制作された最も重要な抽象絵画であると考えられています。

この作品はコンポジション V の論理的な継続であり、 構成 VI 。 3 つの絵画は黙示録のテーマによって統一されています。洪水や復活などのコンポジション VI の要素は、この作品で追跡できます。その主なテーマは最後の審判ですが、それは災害としてではなく、解放、つまり物質的な世界から精神的な世界への移行として見られています。したがって、コンポジション VII は、その明るい色と輝くコントラストの線によって、シリーズの他の作品とは区別されます。

カンディンスキーは、鑑賞者が画像内で回転するかのように画像に入り込めるように、それぞれの作品を構築しました。彼は構図の下端を重くして前方に押し出しましたが、上端は軽く、見る人から遠く離れたままです。アーティストの主なコントラストの 1 つである青と黄色は、内外の活発な動きの中心ゾーンを形成します。

カンディンスキーはコンポジション VII の準備に何ヶ月も費やしましたが、それを描くのに要した時間はわずか 4 日でした。芸術家はこの絵を約 30 回研究しました。それらの中には、布地の折り目、木の葉、人間の四肢などを詳細に研究したカラヴァッジョやレオナルド・ダ・ヴィンチを彷彿とさせるものもあります。このシリーズには、同じ曲線を繰り返し表現する作品もあれば、構図の基本的な構成要素を模式的に示した作品もあれば、詳細な構図の計画が含まれている作品もあります。さらに、コンポジション VII に関連する約 15 点の異なる絵画が展示されています。これらは油彩または鉛筆のスケッチ、水彩画、ガラスに描かれた絵画、彫刻などです。

この絵画の制作に立ち会ったガブリエル・ムンターは、1913年11月25日の日記に、コンポジションVIIのキャンバスがムルナウの自宅に届けられ、カンディンスキーはその夜から制作を始めたと書いている。翌朝、彼はその絵の最初の写真を撮り、昼食後に2枚目の写真を撮りました。ムンターの日記の11月28日の記述には、絵が完成したと記されていた。 11月29日には完成した作品の写真を撮った。こうして大傑作の誕生が記録された。

コンポジション VII は第 1 位にランクされています。私たちのリストに100人いる 有名な絵画

第6位 コンポジションX - カンディンスキー

抽象絵画の最初のチャンピオンの一人として引用されたワシリー・カンディンスキーは、ロシアの画家であるだけでなく、芸術理論家でもありました。アートグループのファランクスとそれ以降の新しい芸術家グループが芸術家としての展示会を開催して以来、アートの世界と抽象化に扇動され、抽象化された影響は計り知れませんでした。彼は彼のキャリアを通じて600以上の作品を生産し、1913年の絵画は2017年に4160万ドルのオークションの記録的な価格に達しました。 

この印象的な記録にもかかわらず、彼の最も重要な仕事はおそらく 構成x。彼の「作曲」の人生で最後。それで彼は、この作品を通して形と表現の純粋さに関する彼の研究を頂点にしようとしました。この時点までの実践で適度に黒い色を使用していたので、この作品は、人生の終わりに近づいている宇宙と前兆の闇の両方を呼び起こすと批判されています。 

当初、組成Xの作成は、シュルレアリスムの生体形態の形態の影響を受けました。

しかし、Wassily Kandinskyは後に彼女の絵画で有機的な形を使用する芸術を使用しました。これは、彼が後に絵画全体で使用したスタイルです。

このスタイルは彼の作品に特異性を与えました。展示会や他の場所で展示されたときに、ワシリー・カンディンスキーによって作成された絵画を認識しないことは簡単でほとんど不可能でした。

さらに、構成Xはフランスで作成されました。塗料を密接に見ると、画家が黒い背景を使用したことが示されています。黒い背景を使用する主な理由は、フォアグラウンドの色がはっきりと見られることでした。

No. 7 Convergence -Jackson Pollock

収束 「ポロックが一次色を投げた白黒の絵画」は、冷戦の危機を反映しています。それは彼の傑作の1つであり、抽象表現主義者の最もよく知られている絵画でもあります。 1964年、Springbok Editionsは絵画のパズルを作成しました。これは「世界で最も困難なパズル」として宣伝され、数十万人のアメリカ人がそれを購入しました。

1951年、ポロックは次のように述べています。「現代の画家は、ルネッサンスの古い形態またはその他の過去の文化で、現代の画家は彼の時間、飛行機、原子爆弾、ラジオを表現することはできないようです。 それぞれの時代は独自のテクニックを見つけます。」 ポロックは、家や滴りの絵の中で彼のテクニックを見つけ、それを使って自分の時間を表現しました。

237 x 394センチメートルのサイズで、収束は ほとんどの野心的な絵画 ポロックの。彼は視覚的な輝きと視聴者の深い感情を呼び起こすことで知られています。ジャクソンの作品は芸術の専門家にとっても解読することは依然として困難ですが、彼の絵画は表現の自由の現れと考えられています。その意味での顕著な例である収束は、その最も有名な傑作の1つであり続けています。

スペイン共和国の第8エレガリー - ロバートマザーウェル

ロバート・マザーウェルはスペイン内戦が勃発したときにわずか21歳でしたが、彼の残虐行為は次の年で彼に大きな影響を与えました。これにより、彼は彼に応えて200を超える絵画を作成することになりました。 「スペイン共和国に選出された」シリーズは、人間の苦しみを記念する多様性と、「生と死の容赦ないサイクルのための抽象的で詩的なシンボル」として機能します。

エレジーについて、マザーウェルは次のように宣言しました。それらは本質的に、マティスのような日光のまぶしさとは対照的なスペインの黒人死です。」

彼のエレジーは、生と死に関する拡張抽象的な瞑想を構成しています。シリーズ全体を通して、水平の白いキャンバスは、自由に描かれた2つまたは3つの垂直バーでリズミカルに分割され、卵形の形状によっていくつかの間隔で区切られています。絵画は通常、黒と白、喪の色と輝き、死、生命で完全に構成されています。マザーウェルは、生きているという経験を理解するための比phorとして、これらの力の絡み合いについてコメントしました。

彼は、スペイン共和国が有機と幾何学、偶発的なものと意図的なものの雄大な通過について説明したことを選択しました。他の抽象表現主義者と同様に、マザーウェルは、芸術家の意識的な意図に逃れた方法のシュールなオートマチズムの原則に惹かれ、彼の脳卒中は感情的な負担を抱えていますが、特定の重大度の一般的な構造内にあります。実際、マザーウェルは、色と形の慎重な配置を抽象的な芸術の中心と見なしました。抽象的な芸術の中心は、「それを強化するために他のもの、そのリズム、空間間隔、色の構造を強化する」と考えていました。

No. 9 Black Iris -Georgia O'Keeffe

この記念碑的な花の絵は、オキーフの最初の傑作の1つです。自然なサイズの割合をはるかに超えて花びらを拡大することにより、視聴者は、そうでなければ見落とす可能性のある小さな詳細を観察するように強制します。このグループの絵画が1924年に初めて展示されたとき、彼女の夫であり商人であるアルフレッド・スティーグリッツでさえ、彼女の大胆さに驚いた。

ジョージア・オキーフの黒い虹彩は、花の主題、特に象徴的な花、象徴性が豊富な虹彩に関する彼の多くの作品の1つの例です。しかし、黒人アイリスIIIでは、オキーフの目標は、この象徴性を参照したり、追加することではなく、視聴者に花を見たり見たりして、人々が見るさまざまな方法を考慮することを奨励することでした。したがって、それは芸術だけでなく、人生に向けて、見ている芸術の深い瞑想になります。この記事では、Singularartは、O'Keeffeの絵画における予測される象徴性と、黒人Iris IIIを作成する際の独自の意図を分析しています。 

ジョージア・オキーフは、長年にわたってアイリスの絵画の問題、特にブラックアイリスの問題を心配していました。アイリスは西洋の世界の家族のシンボルです。ギリシャの神話では、女神アイリスは虹と天と地の間のつながりを擬人化しています。キリスト教では、アイリスはキリストと復活の情熱、そしてマリアの苦しみを象徴しています。彼の側では、美術史家のリンダ・ノクリンは、オキーフの虹彩をフェミニストのシンボルに変えました。女性の性器の「形態学的メタファー」として説明し、「女性と自然な秩序の統一」を反映しています。ブラックアイリスIIIYのブラックIIIIの説明オキーフの他の虹彩絵画は、芸術の歴史とフェミニズムとフェミニストアートの歴史にそれらを固定しました。

しかし、オキーフはこの説明を拒否し、次のように述べています。私たちには時間がありません、そして、友人が時間がかかるのを見る。私がそれを見るように花を正確に描くことができれば、花が小さくなるので私がそれを小さく塗るので、私が見ているものを誰も見ませんでした。だから私は自分自身に言いました：私は私が見るもの、私のために花が何であるかを描きますが、私はそれを大きく塗ります、そしてあなたがそれを見るのに時間をかけて驚くでしょう、私は私は占領されたニューヨーカーでさえ時間をかけるようにします花について私が見ているものを見るために。私はあなたが私が見たものを見るのに時間をかけました、そしてあなたが私の花に本当に気づくのに時間をかけたとき、あなたは私の花の花とあなた自身のすべての関係を私の花について書いて、私が考えてあなたがどう思うかを見て、私の花について書きました見る 。花、そして私はしません。

No.10 エクスチェンジ - ウィリアム・デ・クーニング

1955年、Kooning Willemは作業交換を完了しました。彼は、1948年に始まった女性を巻き込んだ人物の研究を作り直すために長い間焦点を当てていました。これらは、1953年の個々の展示に関連しており、当時ニューヨーク市で開かれた女性の主題に関する絵画に関連していました。これらの作品のいくつかのタイトルには、女性I、女性III、女性V、および死んだ自然を持つ2人の女性が含まれます。

1955年までに、彼は人間の姿を描くのをやめ、ニューヨーク市の建築とコミュニティの抽象的な表現を使い続けました。

Kooning Willemは、キャンバスで速いジェスチャーマークを使用しました。画像は椅子に座っている女性を示していますが、女性はピークの塊としてしか見えません。絵画を任命するとき、彼は常に彼が住んでいた地域へのリンクを好みました。交換は、周囲の名前、ニューヨークの中心、彼がその間に住んでいた場所を手に入れました。

もともと絵は1955年にアーティストによって4,000ドルで販売されました。

その後、2015年9月にデイビッドゲフェン財団によってケネスC.グリフィンに3億ドルで販売され、より高価な絵画のリストに2位になりました。 2017年11月の百万ドル。

クアドロス ©、あなたの壁に有名な絵の具。