有名な抽象画10点

無題 - 最初の抽象水彩画では、彼のほとんどの絵画に見られる良い色の閃光が見られますが、油彩の代わりに水彩を使用したことにより、この作品は1910年の他の作品とは明らかに異なる仕上がりになっています。近くで見てみると、絵は早く完成したように見えますが、これはこの芸術形態の典型であり、絵の具は非常に早く乾くからです。 彼は表現力豊かに作業し、正確さについてあまり気にせず、色の選択を重視し、キャンバスにさまざまな形や線で埋め尽くしました。 本当に抽象的で、これはキャリアが進むにつれてますます現れ、彼が使用する形から現実からさらに離れていったことがわかります。

カンディンスキーは油彩に特化していましたが、時折水彩も使用していました。 この媒体が扱いやすいことを見出し、将来の作品のデザインを理解しようとする迅速なスタディーのピースに適していたことでしょう。 また、彼はキャリアの初期段階の特に実験的な時期に、リトグラフ、木版画、エッチングも使用しました。

水彩を使って作業することで、カンディンスキーはこの絵画をわずか3日で完成させました。しかし、急いでいたにもかかわらず、彼は最終的な構成を開始する前にこの作品のためにいくつかの研究を行いました。無題における速度を表す要因は、カンディンスキーがそのときの感情を忠実に表現できることを知って選んだ色の選択にありました。描かれた線や形も加わり、この絵画を見たときに経験する混沌とした緊急性を強調しています。

この作品においては、抽象性が表現されており、緩く曖昧に描かれた線によって、当時のアーティストたちの間でかなりの関心を呼び起こしました。無題は抽象芸術運動における重要な促進者として存在し、当時芸術作品の中で適切な主題として受け入れられた、遠く離れた無制限の何かを初めて表した作品でした。無題 は、伝統的な芸術作品からより抽象的で自由なアートピースへの欧州芸術の決定的なポイントを示しました。

1910年から1914年の間は、カンディンスキーのキャリアのピークと彼の最も重要な芸術的成果の頂点と見なされました。したがって、無題は、認識可能な形へのすべての言及を大胆に捨て去り、西洋絵画の表現の慣習から出発した最初の作品の一つとして存在しました。

完全な自由の概念は、この時期にカンディンスキーが制作したほとんどの作品において重要な位置を占めました。

No. 2 成人期 # 7 - ヒルマ・アフ・クリント

彼女の時代の多くの男性アーティストほど有名ではないものの、スウェーデンのアーティスト、ヒルマ・アフ・クリントは、その急進的な絵画が多くの男性同時代の作品に先立つ抽象アーティストの先駆者でした。彼女は、大部分が彼女の生涯の間に展示されなかった彼女の大作が、彼女の死後20年まで隠されることを求めました。

このコレクションは、子供時代、青春、成熟、老年を含む人生の段階を表しています。これらは、誕生と成長を示す認識可能な植物要素や有機的な物体を組み合わせています。

 成人期 No. 7のヒルマ・クリントは、高さ3メートル、幅2メートルの巨大なキャンバスで、スタジオの床に紙で描かれ、その後キャンバスに貼り付けられました。

アフ・クリントは、リラ色の背景に異なるサイズと色のさまざまな形を自由に流れるように描くことによって、満開の成人期を解釈しています。中央の黄色いシンボルは花のように見え、螺旋形や生物的形状は成長と肥沃さの象徴です。

No. 3 セネシオ - パウル・クレー

1922年に完成した絵画セネシオは、パウルのユーモアのセンスとアフリカ文化の表れです。シンプルな色と形を用い、オレンジ、赤、黄色のさまざまな色調を使って、高齢者の肖像を示しています。形を芸術的に用いたことで、一つの目が持ち上がっているような錯覚を与えます。左の眉は三角形で表され、もう一方は単純な曲線で形作られています。この肖像は「認知症の人の頭」とも呼ばれ、子供のアート作品を意図的に模倣し、曖昧な形状と最小限の顔の詳細を使用しています。

この人間の顔の適応は色で長方形に分けられています。平面の幾何学的な正方形は、仮面のような顔を表す円の中に留まっており、道化師の多彩な衣装を示しています。アーティストパフォーマーのセネシオの肖像は、アート、幻想、ドラマの世界との関係が変化していることの象徴と見なされます。この絵は、クレーのアートの原則を示しており、直線のグラフィック要素、色の平面、空間がアーティストの心のエネルギーによって動かされます。彼は、彼自身の言葉で「線を散歩させる」ことを楽しみました。

No. 4 青い星 - ジョアン・ミロ

絵画青い星は、ミロが具象アートから抽象アートへ移行するものでした。

この絵は、ミロのキャリアにおいて最も重要な絵画の一つとして知られています。特に、使用された焼けるような青は、将来の多数の作品で見ることができ、マーク・ロスコやイヴ・クラインのような画家にも影響を与えました。

青い星は大きな絵であり、それは答えよりも質問の絵です。

ミロは多様なアイデアが氾濫する時代の大きな合成者であり、今のように多くのアイデアがあったが、その当時の芸術的アイデアは現在のものよりもずっと複雑でした。

この絵はファウヴィストの色、キュビストの形状、シュルレアリストの意図を組み合わせたもので、観客は視覚的に何度も探究することができます。それは多くのものの中に多くの質問が残り、その回答も夢のようなものであるといえます。

左上の青い形に注目すると、それはおそらく鳥です。しかし、どの鳥であるかは明確ではありません。しばらく見ていると、確かにそれはダイナミックな形であると言えるが、左または右、あるいは下やこちらに飛んでいると議論することも容易です。

下の中央にある大きな赤い部分。これは足でしょうか？確かに安定し、錨を下ろしているように見えます。青い部分がダイナミックであるのに対し。

この絵は愛好者にとっては宝物です。一見すると、少し揺れ動き、動いているように見えますが、しばらくして、その底右の弾力のある形に対しても動いています。

ミロは1893年にバルセロナで生まれたカタルーニャのアーティストであり、彼の夢のようなシュールレアリストの風景を1927年の絵画「ペインチュール（青い星）」と呼び、後の年に繰り返し使用するシンボルを取り入れ、焼けるような青は後の画家たち、特にマーク・ロスコやイヴ・クラインにも影響を與えました。

No. 5. コンポジション VII - ワシリー・カンディンスキー

ワシリー・カンディンスキーの絵画コンポジション VIIは、多くの抽象芸術愛好家によって、20世紀で最も重要な作品と見なされ、もしかすると今までに作成された最も重要な抽象絵画として見なされています。

この作品は、コンポジション Vと コンポジション VI の論理的な続きです。これら三つの絵は、黙示録のテーマで結ばれています。コンポジション VIの要素のような大洪水や復活は、この作品に見ることができます。主要なテーマは最後の審判ですが、それは災害としてではなく解放、物質世界から精神世界への移行として見られています。したがって、コンポジション VIIは、他のシリーズの作品とは異なり、明るい色合いとツヤのある対照的な線で特徴づけられます。

カンディンスキーは、観客がその画像に入ることができるように各コンポジションを構築しました。彼は構成の下部分を重くし、前方に押し出しましたが、上部は観客にとっては軽く距離を置いています。アーティストの主要な対照の一つである青と黄色は、内外にアクティブな動きの中央域を形成しています。

カンディンスキーは、コンポジション VIIの準備に多くの月を費やしましたが、描くのはわずか4日でした。彼はこの絵のために約30の研究を行いました。彼らの中には、カラヴァッジョやレオナルド・ダ・ヴィンチの詳細な布の折り目や、葉や人間の四肢の研究を思い出させるものがあります。このシリーズの中には、同じ曲線を繰り返し示す作品や、コンポジションの基本的な構造要素を概念的に示すもの、コンポジションの詳細な平面を含むものもあります。さらに、コンポジション VIIに関連する約15の異なる絵が存在します：それらは油絵や鉛筆、版画、水彩、ガラスペイントのスケッチです。

この絵が描かれた様子を目撃したガブリエル・ムンターは、1913年11月25日の彼女の日記に、コンポジション VIIのキャンバスが彼女の自宅に届けられ、カンディンスキーはその夜に作業を始めたと記しました。翌朝、彼は絵画の最初の写真を撮影し、昼食後に2枚目の写真を撮りました。ムンターの日記の11月28日のエントリーには、絵が完成したと書かれています。11月29日、彼は完成した作品の写真を撮影しました。このようにして、偉大な傑作の誕生が記録されました。

コンポジション VIIは、私たちの有名な絵画のリストで100位にランクされています。

No. 6 コンポジション X - カンディンスキー

抽象絵画の最初の擁護者の一人と称されるワシリー・カンディンスキーは、ロシアの画家であるだけでなく、芸術理論家でもありました。彼が芸術界や抽象表現にもたらした影響は膨大で、彼はファランクスと新しいアーティストグループを共同設立し、その後、現代の芸術家のための展覧会を組織しました。彼はキャリアの中で600以上の作品を制作し、2017年には1913年のある絵が4160万ドルのオークション記録に達しました。

この印象的な記録にもかかわらず、彼の最も重要な作品はおそらくコンポジション Xでした。彼の「コンポジション」の生涯にわたるシリーズの中で最後のものであり、彼はこの作品を通じて形の純粋さと表現の探求を完結させようとしました。

当初、コンポジション Xの創作は、シュルレアリスムの生物形状に影響を受けていました。

しかし、ワシリー・カンディンスキーは後に彼の絵画に有機的形状を使用する芸術を取り入れました。このスタイルは、彼の絵画全体で使用されるスタイルです。

このスタイルは彼の作品に独自性を与えました。展覧会や他の場所で彼の絵画が展示されるときに、ワシリー・カンディンスキーによって作成された絵画を認識しないことはほとんど不可能でした。

また、コンポジション Xはフランスで制作されました。絵を近くで見ると、画家は黒い背景を使用したことがわかります。黒い背景を使用した主な理由は、前景の色がはっきりと見えるようにするためでした。

No. 7 コンヴェルジェンス - ジャクソン・ポロック

コンヴェルジェンス —白と黒の絵は、ポロックが原色を投げ入れたもので、冷戦の危機を反映しています。これは彼の傑作の一つであり、おそらく抽象表現主義者の最も知られた絵画です。1964年にスプリングボックエディションがこの絵画のパズルを製作し、「世界で最も難しいパズル」として宣伝され、数十万人のアメリカ人がそれを購入しました。

1951年、ポロックは「現代の画家は自分の時代、飛行機、原子爆弾、ラジオをルネサンスや他の過去の文化の古い形式で表現できないようだ。すべての時代は自分の技法を見つける」と言いました。 ポロックは家の塗装や滴下ペインティングで技法を見つけ、それを使って自分の時代を表現しました。

サイズが237 x 394センチメートルのコンヴェルジェンスは、ポロックの最も野心的な絵画の一つです。視覚的な明るさと、鑑賞者に深い感情を呼び起こさせることで知られています。ジャクソンの作品は、アートの専門家にとってさえ解読が難しいものですが、彼の絵画は表現の自由の具現化であると見なされています。コンヴェルジェンスは、その意味で著名な例であり、彼の最も有名な傑作の一つに数えられます。

No. 8 スペイン共和国への哀悼 - ロバート・マザーウェル

ロバート・マザーウェルは、スペイン内戦が勃発したとき21歳でしたが、その残虐行為はその後数年にわたって彼に大きな影響を与えました。これにより、彼はそれに応える形で200以上の絵画のシリーズを作ることになりました。『スペイン共和国への哀悼』シリーズは、人間の苦しみの追悼だけでなく、「生命と死という絶え間なく巡るサイクルに対する抽象的で詩的な象徴」として機能します。

マザーウェルは、エレジーについて「エレジーを描く期間の後、私は黒を自分のテーマの一つとして発見し、黒と対比する白により、私にとって非常にスペイン的な生命と死の感覚を持ちました。彼らは本質的に、マティスのような太陽の光のまぶしさに対比された、死のためのスペインの黒です」と述べました。

彼のエレジーは、生命と死に関する広範な抽象的瞑想を構成しています。シリーズ全体にわたり、白い水平キャンバスは、2、3本の自由に描かれた縦棒でリズミカルに分けられ、さまざまな間隔で卵形の形によって点が打たれています。絵画は通常、喪の色と輝き、死と生の色である白と黒で構成されています。マザーウェルは、これらの力の絡まりを生きる経験の理解のメタファーと見なしました。

スペイン共和国への哀悼は、有機的なものと幾何学的なもの、偶然のものと故意のものの壮大な通過を描写しています。他の抽象表現主義者と同様に、マザーウェルは意図的なアーティストの意識を超えた方法のシュルレアリストの原理に魅了され、彼の筆使いは感情的な負荷を持ちますが、全体的な構造の中にはある種の厳しさがあります。実際、マザーウェルは色と形の注意深い配置を抽象芸術の核心として見なしました。彼は「他のものを取り除くことで強化される、そのリズム、空間のインターバル、色の構造」と述べました。

No. 9 ブラックアイリス – ジョージア・オキーフ

この花の記念碑的な絵画は、オキーフの最初の傑作の一つです。花びらを自然な大きさをはるかに超えて拡大することで、観客は見逃しがちな小さな詳細にも目を向けざるを得ません。このグループの絵画が1924年に初めて展示されたとき、彼女の夫であり商人であるアルフレッド・スティーグリッツでさえ、その大胆さに驚きを隠せませんでした。

ジョージア・オキーフのブラックアイリスは、彼女の多くの花をテーマにした作品の一例であり、特にアイリスという象徴に富んだ花についての作品です。しかし、ブラックアイリス IIIにおいて、オキーフの目的はこの象徴やそれを加えることではなく、観客に花を見て、さまざまな人々がどのように見るかを考えさせることでした。それは、アートだけでなく、生活を見ることの深い瞑想に変わりました。この文章では、シングラートがオキーフの絵画に投影される象徴と、ブラックアイリス IIIを創作する際の彼女の意図を分析します。

ジョージア・オキーフは多くの年間、特に探しにくく、ニューヨークでは年に数週間しか手に入らない黒いアイリスのテーマに注意を払い続けました。アイリスは西洋世界では馴染み深い象徴です。ギリシャ神話では、女神アイリスは虹と天と地のつながりを具現化し、キリスト教ではアイリスはキリストの情熱と復活、またマリアの苦しみを象徴します。一方、アート史家リンダ・ノクリンは、オキーフのアイリスを女性器の「形態学的メタファー」として描写し、「女性性と自然の秩序の統一」を反映しているとしました。ノクリンのブラックアイリス IIIやオキーフの他のアイリスの絵画に関する記述は、アート史とフェミニズムの歴史においてそれらを固定しました。

しかし、オキーフはこの表現を拒み、「誰も本当に花を見ない、それはとても小さく、私たちには時間がありません。そして、本当に見るには時間がかかります。友人を持つのと同じくらい時間がかかります。もし私が花を正確に見えるように描けたら、誰も私が見えるものを見ることはできません。なぜなら、私はそれを小さく描くからです。だから私は考えました：私は私が見るもの、花が私にとって何であるかを描くことにしますが、それを大きく描き、彼らが驚くでしょう。忙しいニューヨーカーが、私が見ることのできる花を見るために時間を取るようにします。私は、あなたが私が見たものを見るために時間を取るようにしました。そして、本当に私の花を確認するために時間を取ったとき、あなたは私の花に自分の花への連想を加え、私の花について書きました。ちょうど私が花を見ると考える、または私が何を思っているかと思うように、見えませんでした。

No. 10 インターチェンジ - ウィレム・デ・クーニング

1955年、ウィレム・デ・クーニングは作品「インターチェンジ」を完成させました。彼は1948年に始まった女性を描いたフィギュアの研究を長い間再考していました。これらは、1953年にニューヨークで行われた女性をテーマにした個展に関連付けられていました。これらの作品のタイトルには、「女 I」、「女 III」、「女 V」や「静物の二人の女性」などがあります。

1955年までに、デ・クーニングは人間のフィギュアを描くことをやめ、ニューヨークの建築とコミュニティの抽象的な表現を使用し続けました。

ウィレム・デ・クーニングは、キャンバスに速いジェスチャーのマークを使用しました。この画像は椅子に座っている女性を描いていますが、女性は単なるピークの質量として現れます。彼は自分の作品の命名時に、常に住んでいたエリアにリンクすることを好みました。インターチェンジは、当時住んでいたニューヨークの中心部にちなんで名付けられました。

当初、この絵は1955年にアーティストによって4000ドルで販売されました。

その後、デビッド・ゲッフェン財団によってケネス・C・グリフィンに3億ドルで販売され、2015年9月に最も高価な絵画のリストで2位に位置しました。これは、2017年11月に4億5030万ドルで販売されたレオナルド・ダ・ヴィンチの「サルバトール・ムンディ」に次ぐものでした。

KUADROS ©、あなたの壁に有名な絵画。