Molte delle opere nella lista qui di seguito sono state rubate.
Altre distrutte dall'uomo o dalla natura e, di altre semplicemente non si sa esattamente il destino finale. Le cause per cui si sono persi questi tesori sono diverse, ma in tutti i casi c'è un colpevole comune: l'essere umano.
No.1 Il Colosso di Rodi
Una delle Sette Meraviglie del Mondo Antico, Il Colosso di Rodi era una enorme statua di bronzo del dio sole, Helios, che svettava sulla città greca di Rodi. La statua si trovava vicino al porto della città dal 280 a.C., essendo uno dei porti commerciali più importanti del Mediterraneo antico.
Helios era discendente dei titani Ipérione e Teia. Un luogo in cui Helios era particolarmente adorato era Rodi, la maggiore delle isole del Dodecaneso a est del Mediterraneo. Rodi era una Polis, o città-stato, e generava molti soldi grazie al suo lucroso controllo del commercio. Non sembrava esserci un modo migliore per celebrarne il status commerciale che commissionare una statua massiccia in onore del dio della città, un'iniziativa che celebrava la libertà conquistata dall'isola.
La statua gigante originale misurava 33 metri di altezza e, secondo i resoconti dell'antichità, all'imbattibile scultore Chares di Lindos impiegò 12 anni completi per terminarla. Sebbene il Colosso possa aver rappresentato una vista incredibile per i visitatori del vivace porto della città, sfortunatamente, il gigante Helios rimase in piedi solo 56 anni.
Abbattuto da un terremoto nel 228 o 226 a.C., i suoi pezzi rotti riempirono i moli di Rodi per un millennio prima di sciogliersi in rottami a metà del VII secolo. Nessun disegno del Colosso di Rodi è sopravvissuto fino ad oggi, ma fonti antiche indicano che Helios era rappresentato in piedi con una torcia sostenuta nella mano tesa. Queste descrizioni servirono in seguito da ispirazione per il design della Statua della Libertà.
No.2 Lo Scudo di Medusa - Leonardo da Vinci
Lo Scudo di Medusa si è perso nel tempo, ma è uno di quei lavori misteriosi di Leonardo da Vinci con un alto livello di spirito e dibattito.
Secondo un racconto del 1550 dello storico dell'arte Giorgio Vasari, il viso fu dipinto su uno scudo di legno ricavato da fichi, come un favore per un suo amico contadino che progettò lo scudo. Leonardo, nel suo stile sperimentale, prese lo scudo e lo scaldò con il fuoco e lo ammorbidì.
Secondo il racconto, quando suo padre, Ser Piero, venne a vedere lo scudo e bussò alla porta, Leonardo gli disse di aspettare. Prese il dipinto e lo sistemò vicino a una finestra con la luce soffusa che si affacciava. Ser Piero entrò e gettò un'occhiata al dipinto e fece un passo indietro con un grido.
Leonardo allora disse: “Questo lavoro serve allo scopo per cui è stato creato; prendilo e portalo via, poiché questo è l'effetto che era destinato a produrre."
Il dipinto finì per essere così realistico che inizialmente terrorizzò il padre di Leonardo, che lo considerò un'opera maestra un po' macabra e la vendette segretamente a un gruppo di mercanti fiorentini.
Lo Scudo di Medusa era destinato a essere una di quelle storie della giovinezza di Leonardo, quindi potrebbe trovarsi a Vinci (in Toscana, dove nacque Leonardo), o potrebbe essere a Firenze.
Lo scudo è scomparso da molto tempo, e alcuni esperti moderni ora sostengono che la storia di Vasari possa essere stata poco più di un mito, una leggenda urbana della sua epoca.
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No.3 Gli Spaccapietre - Gustave Courbet
Realismo e pura realtà in una sola opera.
Se osserviamo da vicino il dipinto di Courbet, Gli Spaccapietre, la preoccupazione dell'artista per la difficile situazione dei poveri era evidente.
Gli Spaccapietre, dipinti nel 1849, rappresentano due lavoratori contadini comuni. Courbet dipinse senza alcun apparente sentimento; invece, lasciò che l'immagine dei due uomini, uno troppo giovane per i lavori forzati e l'altro troppo vecchio, esprimesse i sentimenti di difficoltà e di esaurimento che stava cercando di ritrarre. Courbet mostra simpatia per i lavoratori e disgusto verso la classe alta dipingendo questi uomini con dignità propria.
Ispirato da un incontro casuale con due lavoratori oppressi, Courbet si distaccò deliberatamente dalla convenzione del momento, catturando gli uomini con dettagli sabbiosi, dai loro muscoli tesi ai loro vestiti stracciati e sporchi.
Tradizionalmente, un artista trascorreva la maggior parte del tempo sulle mani, sui volti e sui primi piani. Non era il caso di Courbet. Se si osserva attentamente, noterete che cerca di essere imparziale, prestando attenzione ai volti e alla roccia in egual misura, lasciando da parte il glamour che la maggior parte dei pittori francesi a quel tempo aggiungevano alle loro opere. Per questo motivo, Courbet divenne noto come il capofila del movimento realista.
Sebbene il dipinto aiutò a lanciare la carriera artistica di Courbet, "Gli Spaccapietre" alla fine fu condannato a diventare una delle molte vittime culturali della Seconda Guerra Mondiale. Nel 1945, il dipinto fu distrutto durante un bombardamento alleato vicino alla città di Dresda, in Germania.
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No.4 L'uomo all'incrocio - Diego Rivera
Diego Rivera dipinse molti murali e affreschi populisti, ma la sua opera più famosa potrebbe essere quella che non esiste più. Nel 1932, l'artista messicano fu commissionato da John D. Rockefeller per creare un murale destinato alle pareti del Rockefeller Center di New York.
All'artista fu dato il tema: "l'uomo all'incrocio che guarda con speranza e visione elevata per scegliere un futuro nuovo e migliore".
Rockefeller desiderava che il dipinto facesse fermare e riflettere la gente. A Rivera sarebbero stati pagati 21.000 dollari per il lavoro. Fu ufficialmente commissionato da Todd-Robertson-Todd Engineering, gli agenti di sviluppo dell'edificio. L'incarico completo prevedeva tre murali. L'uomo all'incrocio sarebbe stato al centro. Sarebbe stato affiancato da La frontiera dell'Evoluzione Etica e La Frontiera dello Sviluppo Materiale. La composizione centrale era destinata a contrapporre capitalismo e socialismo. Questa idea compositiva di base fu approvata da Rockefeller.
Il 24 aprile 1933, il quotidiano New York World-Telegram pubblicò un articolo che attaccava il murale come propaganda anti-capitalista. Alcuni giorni dopo, Rivera aggiunse il ritratto di Lenin all'opera. Il leader apparve in primo piano, a destra. Qui si vede Lenin tenere per mano un gruppo di lavoratori multirazziali.
I soldati e le macchine da guerra occupavano la parte superiore sinistra sopra le donne della società, e si vedeva una manifestazione russa del Primo Maggio con bandiere rosse a destra, sopra Lenin. Per Rivera, questo rappresentava visioni sociali contrastanti: i "benestanti depravati" osservati dai disoccupati mentre scoppia la guerra, mentre una utopia socialista veniva introdotta da Lenin.
Dei centinaia di personaggi in L'Uomo all'incrocio, Lenin fu quello che scatenò maggior dibattito. Un titolo del 24 aprile del New York World-Telegram dichiarava "Rivera perpetua scene di attività comunista per i muri della RCA e Rockefeller, Jr. paga il conto". Dieci giorni dopo, Nelson Rockefeller, mecenate di Rivera e membro di una famiglia famosa e ricca, chiese all'artista di rimuovere Lenin. Quando Rivera si rifiutò, fu pagato per il suo lavoro e licenziato. I murali furono coperti e poi distrutti, mentre i sostenitori di Rivera si unirono per salvare l'opera.
Preoccupato che Rockefeller avrebbe distrutto l'opera, Rivera aveva chiesto a un'assistente, Lucienne Bloch, di scattare fotografie del murale prima che venisse distrutto. Utilizzandole come riferimento, Rivera ridipinse il murale, anche se in scala ridotta, nel Palazzo delle Belle Arti di Città del Messico, dove venne chiamato Uomo, Controllore dell'Universo. La composizione era quasi identica, la principale differenza è che la figura centrale si spostò leggermente per allinearsi con il palo di supporto del telescopio cilindrico sopra di lui. La nuova versione includeva un ritratto di Leon Trotsky accanto a Karl Marx e Friedrich Engels a destra, e altri, incluso Charles Darwin, a sinistra e il padre di Nelson Rockefeller, John D. Rockefeller, Jr., un astemio di tutta la vita, che beveva in una discoteca con una donna. Sulle loro teste l'artista disponeva un piatto di batteri di sifilide.
No.5 Ritratto di Sir Winston Churchill - Graham Sutherland
Nel 1954, membri del Parlamento britannico commissionarono un ritratto dell'artista Graham Sutherland e lo presentarono a Winston Churchill come un regalo per il suo ottantesimo compleanno.
Graham continua a essere ricordato, soprattutto, come l'artista il cui ritratto di Sir Winston Churchill ha offeso tanto la venerabile figura che lo distrusse.
Sebbene affermasse di essere onorato dal gesto, Churchill non era un fan della reinterpretazione realista di Sutherland, che pensava lo avesse catturato in una posa poco lusinghiera. Infatti, il primo ministro detestava così tanto il ritratto che pensò di non partecipare alla cerimonia di presentazione, e scrisse persino a Sutherland una lettera esprimendo personalmente la sua delusione.
Non era che il ritratto fosse deliberatamente di stile "moderno", o anche mal eseguito. Piuttosto, fu un ritratto francamente onesto e diretto di un uomo che, dopo tutto, aveva poco più di 80 anni, era fragile e fisicamente esausto. Tuttavia, il ritratto era anche uno studio comprensivo che riuscì a trasmettere la gravità del modello, mentre rivelava la sua vulnerabilità. Tuttavia, questa realtà contrastava spettacolarmente con l'immagine che a Churchill piaceva proiettare di se stesso alla società britannica, quella dell'uomo d'azione, il leader senza pretese e indomabile in tempi di guerra.
Data la coraggiosa franchezza e onestà dell'immagine, la reazione di Churchill era forse inevitabile.
Churchill e sua moglie rifiutarono tutte le richieste di esporre pubblicamente il dipinto, e l'opera scomparve effettivamente dalla vista del pubblico per diversi anni. Dopo la morte del leader nel 1977, rivelò infine che Lady Churchill aveva strappato e bruciato personalmente il ritratto odiato meno di un anno dopo la sua presentazione.
Retrospettivamente, tutta la "controversia del ritratto di Churchill" si rivelò una lama a doppio taglio per Sutherland. Da un lato, era una testimonianza della potenza del suo ritratto. Ma d'altra parte, il dipinto gli portò una grande quantità di notorietà non desiderata e ingiustificata, specialmente nella stampa popolare. Questo fu particolarmente irritante per Sutherland, perché era un artista serio, profondamente impegnato nella sua professione.
No.6 I Budda di Bamiyan
Immagine dei Budda di Bamiyan prima della loro distruzione.
Costruiti in un momento del VI secolo, questo leggendario paio di Budda di pietra sono stati presenti per 1.500 anni prima di diventare vittime di una purga culturale da parte dei talebani. Le sculture alte 41 e 53 metri furono originariamente create direttamente da una scogliera di arenaria e servirono come il monumento più spettacolare di Bamiyan durante un periodo in cui la città fioriva come centro commerciale lungo la Via della Seta.
Prima della loro distruzione, erano visibili due sculture monumentali di Budda scolpite nella scogliera di fronte alla valle. La più grande delle due figure si trovava all'estremità occidentale. La storica dell'arte Susan Huntington ha sostenuto che rappresentava il Budda Vairochana. La più piccola delle due statue monumentali, situata a est, rappresentava il Budda Shakyamuni.
Così come molti dei grandi monumenti antichi del mondo, si sa poco su chi commissionò ai scultori di scolpire i budda. Tuttavia, la loro stessa esistenza sottolinea l'importanza della fede buddista e della valle di Bamiyan durante questo periodo.
La distruzione di Bamiyan è l'attacco più spettacolare contro il patrimonio storico e culturale dell'Afghanistan. Inoltre, la sua distruzione è unica per la mobilitazione globale che ha suscitato, anche se, sfortunatamente, non è l'unico danno inflitto ai resti archeologici di quel paese.
Pur resistendo per più di una dozzina di secoli, a vari attacchi di imperatori musulmani e persino a un'invasione di Gengis Khan, i Budda furono finalmente distrutti nel marzo 2001, quando i talebani e i loro alleati di Al Qaeda diedero ordine di condannare le immagini "idolatriche".
Ignorando gli appelli diffusi della comunità internazionale, i gruppi spararono alle statue con armi antiaeree prima di farle esplodere con dinamite.
Sebbene la distruzione dei Budda sia stata condannata come un crimine contro la cultura, una serie di disegni e testi di caverne precedentemente nascosti tra le macerie furono rinvenuti, e nel 2008 gli archeologi scavarono una terza statua di Budda, precedentemente non scoperta, vicino alle rovine, che divenne una sorta di vendetta della cultura contro il terrore.
No.7 Natività con San Francesco e San Lorenzo - Caravaggio
La Natività con San Francesco e San Lorenzo è l'unico lavoro noto associato al breve soggiorno di Caravaggio a Palermo ed è molto più tradizionale rispetto all'Adorazione di Messina, non solo perché il Bambino Gesù è solo sul pavimento mentre la Vergine è seduta su una panca bassa, ma anche a causa delle pose più convenzionali e degli abiti ben vestiti delle figure circostanti.
La gestione della pittura è anche molto più precisa e rifinita rispetto a molte delle ultime opere di Caravaggio. Tuttavia, la sua umiltà recentemente acquisita non è completamente andata persa, e la figura contadina di San Giuseppe a destra, con il suo cappello a larghe falde e le sue mani scure, sembra essere stata un prototipo per molte delle figure simili delle composizioni realistiche popolari nei due secoli successivi.
L'immagine fu, secondo Bellori, dipinta per l'Oratorio della Compagnia di San Lorenzo.
Dal suo furto nel 1969, la Natività di Caravaggio è stata considerata come uno dei dipinti rubati più notori nella storia del mondo dell'arte. L'opera non è stata vista da quando è stata portata via da una cappella a Palermo, Italia, anche se le evidenze indicano che la mafia siciliana potrebbe aver avuto un ruolo nel colpo.
Le speranze di risolvere uno dei peggiori crimini artistici della storia sono state ravvivate dopo che gli investigatori italiani hanno annunciato di aver ricevuto nuove informazioni.
Nel 1996, un informatore della mafia testimoniò di essere stato lui e altri uomini a rubare il dipinto da un acquirente privato, solo per distruggerlo accidentalmente mentre tagliavano la tela dal suo telaio. Più di un decennio dopo, un altro ex mafioso affermò che il dipinto era stato nascosto in un fienile per la sua custodia, ma che i ratti e i maiali l'avevano danneggiato irreparabilmente prima di bruciarlo. Il destino della natività rimane un mistero, ma se esiste ancora, il dipinto ora varrebbe almeno 40 milioni di dollari.
Il sindaco di Palermo, Leoluca Orlando, che ha aiutato a trasformare la capitale siciliana da una fortezza della mafia a una capitale europea della cultura, disse che il furto della pittura aveva inferto un colpo alla città in un momento in cui era dominata da mafiosi e padrini. "Oggi questa città è cambiata e sta esigendo che le venga restituito tutto ciò che la mafia le ha portato via".
"Anche il recupero di una piccola parte di essa sarebbe considerato una vittoria", concluse.
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No.8 La Sala di Ambra
Creata dallo scultore Andreas Schlüter e dal maestro artigiano d'ambra Gottfried Wolfram, questa camera impressionante ha preso la forma di 16 metri quadrati.
La stanza era coperta di eleganti pannelli dorati che brillavano d'oro e ambra: gemme brillanti e pietre preziose della resina di alberi fossilizzati con un ricco colore giallo-rossastro. L'ambra era supportata con coperture d'oro, specchi intagliati e incassati in bellissimi design, era abbagliante da vedere. La sala fu costruita per la prima volta nel 1701 e nel 1716 il re di Prussia, allora Federico Guglielmo I, la regalò a Pietro il Grande per aiutare a cementare un'alleanza tra Prussia e Russia. Spesso chiamata "L'ottava meraviglia del mondo", la camera ornata era considerata un capolavoro dell'arte barocca e varrebbe oggi più di 140 milioni di dollari.
Il destino della stanza che una volta simboleggiava la pace divenne tutto fuorché pacifico: i nazisti smontarono la camera e la portarono a Königsberg, in Germania, dove scomparve verso la fine della Seconda Guerra Mondiale. La maggior parte degli storici crede che sia stata distrutta in un bombardamento alleato del 1944, ma ci sono anche prove che suggeriscono che la stanza fosse stata imballata e rimossa dalla città. Da lì, alcune teorie suggeriscono, potrebbe essere stata caricata su una nave affondata nel Mar Baltico o semplicemente nascosta in una cantina o in un bunker.
L'ultima teoria afferma che i sovietici sapevano che la Sala di Ambra era stata distrutta dalle proprie truppe durante la propria invasione di Königsberg.
La storia della nuova Sala di Ambra, almeno, è certa. Si è fatto tutto il possibile per creare una riproduzione il più perfetta possibile, fino al punto di definire 350 tonalità diverse di ambra. La ricostruzione iniziò nel 1979 a Tsarskoye Selo e fu completata 25 anni dopo, con un costo di 11 milioni di dollari.
Dedicata dal presidente russo Vladimir Putin e dall'allora cancelliere tedesco Gerhard Schröder, la nuova sala segnò il 300° anniversario di San Pietroburgo in una cerimonia unificante che richiamava il sentimento pacifico evocato dalla stanza originale.
La replica della sala rimane esposta al pubblico nella Riserva del Museo Statale di Tsarskoye Selo, alla periferia di San Pietroburgo.
Tuttavia, i cercatori di tesori insistono che una favolosa camera dorata aspetti ancora di essere trovata nelle profondità di una caverna oscura e misteriosa.
KUADROS ©, un dipinto famoso nella tua parete.
