5 Donne Pittori Famosi

Come in molti altri campi, storicamente si è dissuaso le donne dal seguire una carriera nelle arti. Tuttavia, molte straordinarie artiste hanno ignorato le regole sociali e hanno perseverato.

Certo, queste donne probabilmente sarebbero infastidite di essere incluse in un elenco di pittrici, preferendo essere valorizzate come artiste al di fuori del loro genere. Sfortunatamente, mentre le donne continuano a lottare per l'uguaglianza in tutti i campi, queste artiste eccezionali vengono spesso menzionate in termini del loro genere.

Senza entrare in polemica, KUADROS ha voluto rendere omaggio a quel tocco femminile nella storia dell'arte, ricordando queste 5 virtuose dell'arte.

No. 1 Sofonisba Anguissola - 1532 – 1625

Sofonisba Anguissola, (nata verso il 1532, Cremona (Italia), deceduta nel novembre del 1625, Palermo), pittrice del Rinascimento. Nata in una famiglia nobile relativamente povera, suo padre si assicurò che lei e le sue sorelle avessero un'istruzione completa che incorporatesse le belle arti. Ciò includeva apprendistati con pittori locali rispettati.

Questo ha stabilito un precedente per future artiste femminili, che fino a quel momento generalmente apprendevano solo se un membro della famiglia possedeva uno studio.

Il talento di Anguissola attirò l'attenzione di Michelangelo, con cui ebbe una tutoraggio informale attraverso lo scambio di disegni. Sebbene, come artista donna, non le fosse permesso studiare anatomia o praticare il disegno da modelli a causa della sua percepita volgarità, riuscì comunque ad avere una carriera di successo.
Anguissola sperimentò nuovi stili di ritratti, stabilendo soggetti, spesso lei e la sua famiglia, in modo informale, il che era molto insolito. I suoi dipinti offrivano agli spettatori uno sguardo sulla vita quotidiana aristocratica.
Diventò conosciuta per questo stile e ricevette commissioni da tutta Italia.

Nel 1558, era una pittrice affermata e a 26 anni lasciò l'Italia dopo aver ricevuto un invito da Filippo II, re di Spagna, per unirsi alla corte spagnola. Servì a Madrid come pittrice di corte e dama d'onore della regina Isabella di Valois. Si guadagnò l'ammirazione della giovane regina e trascorse gli anni successivi a dipingere molti ritratti ufficiali della corte. Durante la sua residenza di 14 anni, guidò lo sviluppo artistico della regina Isabella e influenzò l'arte realizzata dalle figlie della regina. Una volta che la giovane regina morì nel 1568, Filippo II decise di organizzare il matrimonio di Anguissola.

Nel 1571, si sposò con il nobile siciliano Fabrizio Moncada Pignatelli, di cui si diceva supportsse la sua pittura.

In quello che sarebbe stato il suo centesimo compleanno, suo marito incise la sua tomba con un testo che include questa dedica: Sofonisba, mia moglie, che è registrata tra le donne illustri del mondo, eccezionale nel ritrarre le immagini dell'uomo. Orazio Lomellino, triste per la perdita del suo grande amore Orazio Lomellino, Iscrizione sulla tomba di Anguissola. Il femminismo della seconda ondata negli anni '70 ha visto riscoprire l'importanza di Anguissola.

Il suo successo ha aperto porte a donne come Lavinia Fontana e Artemisia Gentileschi per intraprendere carriere professionali come artiste.

I suoi dipinti sono conosciuti per catturare lo spirito e la vitalità dei suoi modelli e ora possono essere trovati in collezioni in tutto il mondo.
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No. 2 Artemisia Gentileschi - 1593 – 1654 o dopo

Artemisia Gentileschi, (nata l'8 luglio 1593, Roma, Stati Pontifici (Italia), deceduta nel 1652/53, Napoli, Regno di Napoli), pittrice italiana, figlia di Orazio Gentileschi, un grande sostenitore del pittore barocco rivoluzionario Caravaggio.

Essendo figlia di un pittore affermato, Artemisia Gentileschi ebbe accesso al mondo dell'arte in giovane età. Inizialmente era nello studio di suo padre a mescolare colori e lui sostenne la sua carriera quando notò che era eccezionalmente talentuosa. Come notevole pittrice del periodo barocco italiano, Artemisia Gentileschi non lasciò che il suo genere la fermasse nel suo tema. Dipinse opere bibliche e mitologiche su larga scala, proprio come i suoi omologhi maschili ed è stata la prima donna accettata nella prestigiosa Accademia di Belle Arti di Firenze.

Il suo primo lavoro conosciuto è Susanna e i Vecchi (1610), un lavoro da lungo tempo attribuito a suo padre. Dipinse anche due versioni di una scena già provata da Caravaggio (ma mai tentata da suo padre), Giuditta che decapita Oloferne (c. 1612–13; c. 1620). Fu violentata da Tassi e, quando non mantenne la sua promessa di sposarla, Orazio Gentileschi nel 1612 lo portò in tribunale. Durante quell'evento, fu costretta a testimoniare sotto tortura.

Il suo lascito a volte è oscurato dalla sua biografia, con le sue rappresentazioni sanguinose di Giuditta e Oloferne spesso interpretate attraverso la lente della sua violazione. Tuttavia, il suo talento è innegabile e continua a essere riconosciuta per la sua rappresentazione realistica della forma femminile, la profondità dei suoi colori e il suo notevole uso di luce e ombra.

Artemisia è la pittrice più famosa del XVII secolo. Lavorò a Roma, Firenze, Venezia, Napoli e Londra, per i ceti sociali più alti dell'Europa, incluso il Gran Duca di Toscana e Filippo IV di Spagna.

A partire dal 1630 si stabilì a Napoli, dove diresse un'attività di successo fino alla sua morte. Visitò brevemente Londra nel 1639, forse per aiutare suo padre malato nella pittura del soffitto della Casa della Regina a Greenwich (ora a Marlborough House a Londra), ma tornò a Napoli l'anno successivo. La data esatta della sua morte è sconosciuta, ma un documento recentemente scoperto registra che era ancora viva a Napoli nell'agosto del 1654.
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No. 3 Judith Leyster - 1609 – 1660

Judith Leyster, (battezzata il 28 luglio 1609, Haarlem, Paesi Bassi - sepolta il 10 febbraio 1660, Heemstede, vicino ad Amsterdam), pittrice olandese, una delle poche artiste femminili dell'epoca che è emersa dall'oscurità e un personaggio di spicco durante l'Oro Olandese. Tipico degli artisti olandesi di questo periodo. Cominciò a dipingere quando era ancora molto giovane, e a 24 anni era diventata membro della gilda dei pittori di Haarlem. Il suo soggetto abbracciava una gamma più ampia rispetto al tipico dei pittori olandesi dell'epoca, ed è stata una delle prime a esplorare la scena del genere domestico.

Leyster si specializzò in pitture di genere, nature morte e ritratti. I dettagli riguardanti la sua formazione artistica non sono chiari.

In seguito diresse un laboratorio di successo con diversi apprendisti maschi ed era nota per la natura rilassata e informale dei suoi ritratti.

Podrebbe aver lavorato nell'atelier di Frans Hals o, secondo il poeta Samuel Ampzing, ha trascorso del tempo con il ritrattista Frans Pieterszoon de Grebber. Tuttavia, l'influenza di Hals nel suo lavoro è chiara. Era anche interessata allo stile tenebrista della scuola di Utrecht. Introduceva fonti di luce nei suoi dipinti. La maggior parte delle sue opere datate sono state dipinte tra il 1629 e il 1635. Nel 1636 si sposò con il pittore di genere Jan Miense Molenaer e si trasferì con lui ad Amsterdam.

Sebbene avesse ottenuto un notevole successo durante la sua vita, la sua reputazione ne risentì dopo la sua morte a causa di sfortunate circostanze. Tutte le sue opere furono attribuite al suo contemporaneo Frans Hals o a suo marito. In molti casi, la sua firma fu coperta da collezionisti che cercavano di trarne profitto a causa dell'alto valore di mercato del lavoro di Frans Hals. Solo alla fine del XIX secolo furono scoperti questi errori e gli accademici iniziarono a ottenere una rinnovata apprezzamento per l'abilità di Leyster come artista.
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No. 4 Elisabeth Vigée Le Brun - 1755 – 1842

Élisabeth Vigée-Lebrun, il cui nome completo è Marie-Louise-Élisabeth Vigée-Lebrun, Lebrun anche LeBrun o Le Brun, (nata il 16 aprile 1755, Parigi, Francia, morta il 30 marzo 1842, Parigi), pittrice francese, una delle artiste femminili più di successo (insolito per il suo tempo), particolarmente nota per i suoi ritratti di donne.

Essendo figlia di un pittore, ricevette istruzioni precoci dal padre e stava già dipingendo ritratti professionalmente quando era un'adolescente. La sua grande opportunità professionale arrivò quando fu nominata ritrattista di Maria Antonietta. Le due donne divennero amiche, e negli anni successivi Vigée-Lebrun dipinse più di 20 ritratti di Maria Antonietta in una grande varietà di pose e costumi. Dipinse anche un gran numero di autoritratti, nello stile di vari artisti il cui lavoro ammirava. Nel 1783, a causa della sua amicizia con la regina, Vigée-Lebrun fu accettata a malincuore nell'Accademia Reale.

Quando scoppiò la Rivoluzione nel 1789, lasciò la Francia e per 12 anni visse all'estero, viaggiando a Roma, Napoli, Vienna, Berlino, San Pietroburgo e Mosca, dipingendo ritratti e giocando un ruolo di leadership nella società. Nel 1801 tornò a Parigi, ma, non amava la vita sociale parigina sotto Napoleone, partì presto per Londra, dove dipinse ritratti della corte e di Lord Byron. In seguito andò in Svizzera (e dipinse un ritratto di Mme de Staël) e poi di nuovo (intorno al 1810) a Parigi, dove continuò a dipingere fino alla sua morte. Vigée-Lebrun era una donna di grande ingegno e fascino, e le sue memorie, Souvenirs de ma vie, forniscono un racconto vivace della sua vita. Era una delle ritrattiste tecnicamente più abili della sua epoca, e le sue immagini si distinguono per freschezza, fascino e sensibilità di presentazione. Durante la sua carriera, secondo i suoi propri calcoli, dipinse 900 quadri, inclusi circa 600 ritratti e circa 200 paesaggi.

I suoi dipinti colmano il divario tra lo stile teatrale rococò e il periodo neoclassico più sobrio. Godette di un successo continuo nella sua carriera, anche in esilio dopo la Rivoluzione Francese, dato che era una pittrice preferita dall'aristocrazia in tutta Europa. Gli assistenti godevano della sua abilità nel tranquillizzarli, il che portava a ritratti che erano vivaci e privi di rigidità. Il modo naturale e rilassato dei suoi ritratti era considerato rivoluzionario in un momento in cui il ritratto spesso richiedeva rappresentazioni formali delle classi alte.
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No. 5 Frida Kahlo - 1907 – 1954

Questa è forse la pittrice femminile più famosa di tutte.
Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón (Coyoacán, 6 luglio 1907- Coyoacán, 13 luglio 1954)

L'artista messicana Frida Kahlo è ricordata per i suoi autoritratti, dolore e passione, e colori vivaci e audaci. È celebrata in Messico per la sua attenzione alla cultura messicana e indigena e dalle femministe per la sua descrizione dell'esperienza e della forma femminile.

Con il suo lavoro profondamente personale e simbolico, è diventata una delle artiste più famose del XX secolo. Per gran parte della sua carriera, fu spesso trascurata come semplice moglie di Diego Rivera, ma l'apprezzamento per i suoi dipinti è cresciuto solo a partire dagli anni '70 in poi. Feroce orgogliosa della sua identità messicana, incorporò spesso simboli precolombiani nei suoi dipinti ed è conosciuta per il suo colorato vestito messicano. Kahlo, che soffrì di problemi di salute per tutta la vita a causa di un incidente d'autobus nella sua gioventù, riportò molte fratture alla colonna vertebrale, clavicola e costole, un bacino distrutto, un piede rotto e una spalla lussata.

Iniziò a concentrarsi molto sulla pittura mentre si riprendeva con un gesso su tutto il corpo. Durante la sua vita, ha subito 30 operazioni. L'esperienza della vita è un tema comune nelle circa 200 opere, schizzi e disegni di Kahlo. Il suo dolore fisico ed emotivo è chiaramente visibile nelle tele, così come la sua turbolenta relazione con suo marito, l'artista Diego Rivera, con cui si sposò due volte. Delle sue 143 opere, 55 sono autoritratti. La devastazione del suo corpo a causa dell'incidente d'autobus è mostrata con grande dettaglio in La colonna rotta. Kahlo si rappresenta quasi nuda, divisa a metà, con la sua colonna vertebrale presentata come una colonna decorativa rotta. La sua pelle è spruzzata di chiodi. È inoltre dotata di un apparato chirurgico.

Ampliamente conosciuta per le sue inclinazioni di sinistra, Frida, insieme al marxista rivoluzionario Che Guevara e a un piccolo gruppo di figure contemporanee, è diventata un simbolo controculturale del XX secolo e ha creato un'eredità nella pittura che continua a ispirare l'immaginazione e la mente.
Vide la sua fiorente carriera interrotta a causa della sua prematura morte a 47 anni. Il suo lascito rimane vivo e continua a essere un'icona di molti movimenti femministi e politici.

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