10 सबसे प्रसिद्ध अमूर्त चित्र

शीर्षक में - पहला सार वाटर कलर हम रंग का एक अच्छा फट पाते हैं, जैसा कि इसके अधिकांश चित्रों में पाया जाता है, लेकिन तेलों के बजाय वॉटरकलर्स का उपयोग एक अलग -अलग समाप्त हो जाता है जो इस काम को 1910 में इसके उत्पादन के लिए दिलचस्प और काफी अनोखा बनाता है। काम बारीकी से लगता है। जल्दी से पूरा हो गया, जो इस कला के रूप में विशिष्ट है क्योंकि पेंटिंग बहुत तेजी से सूख जाती है। वह भी स्पष्ट रूप से काम करता है, सटीकता के बारे में बहुत अधिक चिंता किए बिना, लेकिन रंगों की पसंद पर अधिक ध्यान केंद्रित करता है और विभिन्न आकृतियों और लाइनों के साथ कैनवास को भरता है। यह वास्तव में अमूर्त था और यह कुछ ऐसा था जो अधिक से अधिक दिखाई दिया क्योंकि वह अपने करियर में उन्नत हुआ, क्योंकि वह अपने द्वारा इस्तेमाल किए गए तरीकों से वास्तविकता से अधिक से अधिक दूर चला गया।

कैंडिंस्की ने तेलों में विशेषज्ञता हासिल की, लेकिन समय -समय पर वाटरकलर्स के साथ काम किया। मुझे काम करने के लिए यह आसान साधन मिला होगा और कुछ ऐसा है जो तेजी से अध्ययन के टुकड़ों के लिए अच्छी तरह से अनुकूलित किया गया था, जहां मैंने भविष्य के टुकड़े के लिए डिजाइन को समझने की कोशिश की थी। उन्होंने अन्य समयों में, विशेष रूप से अपने करियर के शुरुआती चरणों में, विशेष रूप से प्रयोगात्मक होने पर लिथोग्राफ, xylographs और नक़्क़ाशी का उपयोग किया।

वॉटरकलर्स के साथ काम करते हुए, कैंडिंस्की इस पेंटिंग को केवल तीन दिनों में पूरा कर सकता है। हालांकि, अपनी जल्दबाजी के बावजूद, कैंडिंस्की ने अंतिम रचना शुरू करने से पहले कला के इस काम के लिए कई अध्ययन किए। शीर्षक में जो गति की व्याख्या की जा सकती है, वह उसकी रंग पसंद थी, क्योंकि कैंडिंस्की ने वह जिस रंग को चुना था, वह जानता था कि वे उस समय अपनी भावनाओं का ईमानदारी से प्रतिनिधित्व करेंगे। इस पेंटिंग को देखने के लिए अनुभव किए जाने वाले अराजकता और तात्कालिकता को आकर्षित और जोर दिया गया था और जोर दिया गया था।

एब्स्ट्रेक्शन को भी स्पष्ट रूप से कला के इस काम के भीतर ढीले और अस्पष्ट लाइनों के माध्यम से दर्शाया गया है, जो उस समय कलात्मक भीड़ के बीच काफी रुचि पैदा करता है। कोई भी शीर्षक अमूर्त कला आंदोलन के एक महत्वपूर्ण भड़काने वाले के रूप में मौजूद नहीं है, क्योंकि यह पहली बार था कि उस समय कला के कार्यों के भीतर एक पर्याप्त विषय के रूप में कुछ दूर से अलग हो गया था और प्रतिबंधों के बिना कुछ अलग हो गया था। कोई शीर्षक नहीं इसने यूरोपीय कला के भीतर एक परिभाषित बिंदु को चिह्नित किया जैसे कि कला के पारंपरिक कार्यों की पारंपरिक कार्यों का प्रस्थान अधिक अमूर्त और कला के निर्जन टुकड़ों की ओर।

1910 और 1914 के बीच की अवधि को कैंडिंस्की के करियर का चरम और उनकी सबसे बड़ी कलात्मक उपलब्धियों का शिखर माना जाता था. इसलिए, शीर्षकहीन कला के पहले कार्यों में से एक के रूप में मौजूद था, जिसने बेशर्मी से पहचानने योग्य रूपों के सभी संदर्भों को त्याग दिया और पश्चिमी यूरोपीय चित्रकला के प्रतिनिधित्व की परंपराओं द्वारा उत्पन्न सीमाओं से उभरा.

कुल स्वतंत्रता की यह धारणा इस अवधि के दौरान कैंडिंस्की द्वारा बनाए गए अधिकांश कार्यों में एक प्रमुख स्थान पर कब्जा करने के लिए आई थी.

नहीं. 2 वयस्क # 7 - हिल्मा एएफ क्लिंट

यद्यपि अपने समय के कई पुरुष कलाकारों के रूप में अच्छी तरह से नहीं जाना जाता है, स्वीडिश कलाकार हिल्मा अफ क्लिंट एक अग्रणी अमूर्त कलाकार थे जिनके कट्टरपंथी चित्र उनके कई पुरुष समकालीनों से पहले के हैं. उन्होंने अनुरोध किया कि उनके महान कार्य, जिनमें से अधिकांश को उनके जीवनकाल के दौरान कभी प्रदर्शित नहीं किया गया था, उनकी मृत्यु के 20 साल बाद तक छिपे रहे. 

संग्रह जीवन के चरणों का प्रतिनिधित्व करता है, जिसमें बचपन, युवा, परिपक्वता और बुढ़ापे शामिल हैं. वे वनस्पति तत्वों और पहचानने योग्य कार्बनिक वस्तुओं को जोड़ते हैं जो जन्म और विकास को संदर्भित करते हैं.

द हिलमा क्लिंट द्वारा आयु वयस्क नंबर 7 एक विशाल कैनवास है, 3 मीटर ऊंचा और 2 मीटर चौड़ा, कागज पर चित्रित किया गया था, स्टूडियो के फर्श पर, और फिर एक कैनवास पर चिपके हुए.

अफ क्लिंट पूरी तरह से खिलने वाली विभिन्न आकृतियों में वयस्कता की व्याख्या करता है जो एक बकाइन पृष्ठभूमि पर विभिन्न आकारों और रंगों में स्वतंत्र रूप से प्रवाहित होते हैं. केंद्रीय पीला प्रतीक एक फूल जैसा दिखता है, जबकि सर्पिल और बायोमॉर्फिक रूप विकास और प्रजनन क्षमता के प्रतीक हैं.

नहीं. 3 सेनेको - पॉल क्ले

1922 में पूरा हुआ, सेनेको पेंटिंग यह पॉल की हास्य की भावना और अफ्रीकी संस्कृति की अभिव्यक्ति है। सरल रंग और आकार, पॉल एक बूढ़े आदमी के चित्र को प्रकट करने के लिए नारंगी, लाल और पीले रंग के विभिन्न रंगों का उपयोग करता है। रूपों का कलात्मक उपयोग गलत धारणा देता है कि एक आंख उठाई जा रही है। उसकी बाईं भौं को एक त्रिकोण द्वारा दर्शाया गया है जबकि दूसरा एक साधारण घुमावदार रेखा द्वारा बनाया गया है। चित्र को हेड ऑफ ए मैन गोइंग सेनील भी कहा जाता है और जानबूझकर कम से कम चेहरे के विवरण के साथ अस्पष्ट आकृतियों और रूपों का उपयोग करके बच्चों की कलाकृति की नकल करता है।

मानव चेहरे का यह अनुकूलन रंग से आयतों में विभाजित है. फ्लैट ज्यामितीय वर्गों को एक नकाबपोश चेहरे का प्रतिनिधित्व करने वाले एक सर्कल के भीतर रखा जाता है और एक हार्लेक्विन की बहुरंगी पोशाक दिखाई जाती है. कलाकार सेनेकियो के चित्र को कला, भ्रम और नाटक की दुनिया के बीच बदलते संबंधों के प्रतीक के रूप में देखा जा सकता है. यह पेंटिंग क्ले की कला के सिद्धांतों को प्रदर्शित करती है, जिसमें कलाकार के दिमाग की ऊर्जा द्वारा लाइन, रंगीन विमानों और अंतरिक्ष के ग्राफिक तत्वों को गति में सेट किया जाता है. अपने कल्पनाशील स्क्रिबल्स में, उन्होंने अपने शब्दों में, "चलने की एक रेखा खींचना" पसंद किया".

नहीं. 4 ईटोइल ब्ल्यू - जोन मिरो

पेंटिंग Etoile Bleue आलंकारिक और अमूर्त कला के बीच मिरो का संक्रमण था.

इस पेंटिंग को मिरो के करियर की सबसे महत्वपूर्ण पेंटिंग में से एक माना जाता है. विशेष रूप से, उपयोग किए जाने वाले धधकते नीले रंग को उनके भविष्य के कई कार्यों में देखा जा सकता है और यहां तक कि मार्क रोथको और यवेस क्लेन जैसे चित्रकारों को प्रभावित करने के लिए भी आया था.

Etoile Bleue एक बेहतरीन पेंटिंग है, लेकिन यह उत्तरों के बजाय प्रश्नों की पेंटिंग है.

मिरो कई विविध विचारों के युग का महान सिंथेसाइज़र था, आज की तरह कुछ, लेकिन उस समय के कलात्मक विचार आज की तुलना में बहुत अधिक जटिल थे.

पेंटिंग एक काम में fauvist रंग, क्यूबिस्ट रूपों और असली इरादों को जोड़ती है जिसे दर्शक बार-बार देख सकते हैं. यह बहुत सी चीजों के बीच है, जिनके कई सवाल हैं जिनके जवाब तस्वीर की तरह ही स्वप्निल हैं.

यदि आप ऊपरी बाएं कोने में नीले आकार को देखते हैं. यह एक पक्षी है. सबसे अधिक संभावना है, लेकिन कौन सा पक्षी अस्पष्ट है. इसे थोड़ी देर के लिए देखते हुए, आप निश्चित रूप से इसे एक गतिशील रूप कह सकते हैं, लेकिन आप आसानी से यह तर्क दे सकते हैं कि यह बाएं या दाएं या नीचे और हमारी ओर उड़ता है.

केंद्र तल में बड़ा लाल टुकड़ा. क्या यह एक पैर है? यह निश्चित रूप से स्थिर और लंगर के रूप में दिखता है क्योंकि नीला टुकड़ा गतिशील है.

यह पेंटिंग आपके प्रेमियों के लिए एक गहना है. पहली नज़र में, यह थोड़ा डगमगाता है और चलता है, लेकिन एक पल के लिए, यह निचले दाईं ओर उस लोचदार आकृति के खिलाफ चलता है.

1893 में बार्सिलोना में पैदा हुए एक कैटलन कलाकार मिरो ने 1927 के अपने अतियथार्थवादी स्वप्निल परिदृश्य Peinture (letoile Bleue) को एक महत्वपूर्ण छवि कहा, जिसमें वे बाद के वर्षों में बार-बार उपयोग करने वाले प्रतीकों को शामिल करते हैं, और यहां तक कि धधकते नीले रंग ने बाद के चित्रकारों को प्रभावित किया, जिसमें मार्क रोथको और यवेस शामिल थे. क्लेन.

नहीं. 5. रचना VII - वासिली कैंडिंस्की

द पेंटिंग रचना VII वासिली कैंडिंस्की द्वारा अमूर्त कला के कई प्रशंसकों द्वारा माना जाता है, बीसवीं शताब्दी की कला का सबसे महत्वपूर्ण काम है, शायद अब तक का सबसे महत्वपूर्ण अमूर्त चित्र भी.

यह कार्य संरचना V और संरचना VI की तार्किक निरंतरता है . तीन पेंटिंग सर्वनाश के विषय से जुड़ी हुई हैं. इस कार्य में बाढ़ और पुनरुत्थान के रूप में संरचना VI के ऐसे तत्वों का पता लगाया जा सकता है. इसका मुख्य विषय अंतिम निर्णय है, लेकिन इसे आपदा के रूप में नहीं बल्कि मुक्ति के रूप में देखा जाता है, जो भौतिक से आध्यात्मिक दुनिया में परिवर्तित होता है. इसलिए, रचना VII श्रृंखला में अन्य कार्यों से उनके हल्के रंगों और इसके विपरीत रेखाओं को अलग करता है.

कैंडिंस्की ने अपनी प्रत्येक रचना का निर्माण किया ताकि दर्शक छवि में प्रवेश कर सके जैसे कि उसके भीतर घूम रहा हो. इसने रचना के निचले किनारे को भारी बना दिया, इसे आगे बढ़ाया, जबकि ऊपरी हल्का और दर्शक के लिए अधिक दूर रहता है. कलाकार के मुख्य विरोधाभासों में से एक, नीला और पीला सक्रिय आंदोलन के केंद्रीय क्षेत्र को अंदर और बाहर बनाता है.

कैंडिंस्की ने अपनी रचना VII को तैयार करने में कई महीने बिताए, लेकिन इसे चित्रित करने में उन्हें केवल चार दिन लगे. कलाकार ने इस पेंटिंग के बारे में 30 अध्ययन किए. उनमें से कुछ कारवागियो या लियोनार्डो दा विंची के कपड़े, पेड़ों की पत्तियों या मानव अंगों के सिलवटों के अपने विस्तृत अध्ययन के साथ याद करते हैं. इस श्रृंखला में कुछ कार्य बार-बार एक ही घुमावदार रेखा को प्रस्तुत करते हैं, अन्य योजनाबद्ध रूप से रचना के बुनियादी संरचनात्मक तत्वों को दिखाते हैं और कुछ में रचना की एक विस्तृत योजना होती है. लगभग 15 अलग-अलग पेंटिंग भी हैं जो रचना VII से संबंधित हैं: वे तेल स्केच या पेंसिल, वॉटरकलर, ग्लास और प्रिंट पर पेंटिंग हैं.

इस पेंटिंग के निर्माण का गवाह बने गैब्रिएल मुंटर ने 25 नवंबर 1913 को अपनी डायरी में लिखा था कि रचना VII के लिए कैनवास को मुर्नौ में उनके घर पहुंचाया गया था, और कैंडिंस्की उसी रात काम पर गए. अगली सुबह उन्होंने पेंटिंग की पहली तस्वीर ली और दोपहर के भोजन के बाद उन्होंने दूसरा स्थान हासिल किया. मुंटर की डायरी में 28 नवंबर की प्रविष्टि ने कहा कि पेंटिंग पूरी हो गई थी. 29 नवंबर को उन्होंने तैयार काम की एक तस्वीर ली. इस प्रकार एक महान कृति का जन्म दर्ज किया गया.

रचना VII को स्थान नहीं दिया गया है। की हमारी सूची में 100 प्रसिद्ध पेंटिंग

नहीं. 6 रचना एक्स - कैंडिंस्की

अमूर्त पेंटिंग के पहले चैंपियन में से एक के रूप में उद्धृत, वासिली कैंडिंस्की न केवल एक रूसी चित्रकार था, बल्कि एक कला सिद्धांतकार भी था। कला की दुनिया में और अमूर्तता में जो प्रभाव उकसाया और छोड़ दिया गया, वह कला समूह फालानक्स और तब से कलाकारों के नए समूह के बाद से, एक कलाकार के रूप में अपने समकालीनों के लिए अपने समकालीनों के लिए प्रदर्शनियों का आयोजन करने के बाद से बहुत बड़ा था। उन्होंने अपने पूरे करियर में 600 से अधिक कार्यों का उत्पादन किया, 1913 की पेंटिंग के साथ जो 2017 में 41.6 मिलियन डॉलर की नीलामी की रिकॉर्ड मूल्य तक पहुंच गया। 

इस प्रभावशाली रिकॉर्ड के बावजूद, उनका सबसे महत्वपूर्ण काम संभवतः था रचना एक्स। 'रचनाओं' के अपने जीवन में अंतिम। इसके साथ उन्होंने इस काम के माध्यम से रूप और अभिव्यक्ति की शुद्धता पर अपने शोध को समाप्त करने की मांग की। इस बिंदु पर अपने अभ्यास में मॉडरेशन में काले रंग का उपयोग करने के बाद, यह आलोचना की गई है कि यह काम ब्रह्मांड और शगुन के अंधेरे दोनों को विकसित करता है जो अपने जीवन के अंत में आ रहा है। 

प्रारंभ में, रचना एक्स का निर्माण सरलीवाद के बायोमोर्फिक रूपों से प्रभावित था।

हालांकि, वासिली कैंडिंस्की ने बाद में अपने चित्रों में कार्बनिक रूपों का उपयोग करने की कला का उपयोग किया। यह एक ऐसी शैली है जिसे उन्होंने बाद में अपने पूरे चित्रों में इस्तेमाल किया।

शैली ने उनके काम को विलक्षणता दी। जब वे प्रदर्शनियों या अन्य स्थानों में दिखाए गए थे, तब वेसिली कैंडिंस्की द्वारा बनाई गई पेंटिंग को पहचानना आसान और लगभग असंभव था।

इसके अलावा, रचना एक्स फ्रांस में बनाई गई थी। पेंट को बारीकी से देखकर यह दर्शाता है कि चित्रकार ने एक काली पृष्ठभूमि का उपयोग किया था। काली पृष्ठभूमि का उपयोग करने का मुख्य कारण रंगों को अग्रभूमि के लिए स्पष्ट रूप से देखा जाना था।

नंबर 7 अभिसरण - जैक्सन पोलक

अभिसरण "एक काले और सफेद पेंटिंग जिस पर पोलक ने प्राथमिक रंगों को फेंक दिया," शीत युद्ध के संकट को दर्शाता है। यह उनकी उत्कृष्ट कृतियों में से एक है, और यह एक अमूर्त अभिव्यक्तिवादी की सबसे अच्छी ज्ञात पेंटिंग भी हो सकती है। 1964 में, स्प्रिंगबॉक संस्करणों ने पेंटिंग की एक पहेली का उत्पादन किया, जिसे "दुनिया में सबसे कठिन पहेली" के रूप में बढ़ावा दिया गया था, और सैकड़ों हजारों अमेरिकियों ने इसे खरीदा था।

1951 में, पोलक ने कहा: "यह मुझे लगता है कि आधुनिक चित्रकार अपना समय, विमान, परमाणु बम, रेडियो, पुनर्जागरण के पुराने रूपों या किसी अन्य अतीत की संस्कृति में व्यक्त नहीं कर सकता है। प्रत्येक युग को अपनी तकनीक मिलती है। ” पोलक ने घरों और ड्रिप की पेंटिंग में अपनी तकनीक पाई, और इसका इस्तेमाल अपना समय व्यक्त करने के लिए किया।

237 x 394 सेंटीमीटर के आकार के साथ, अभिसरण एक है सबसे महत्वाकांक्षी पेंटिंग पोलक की। वह अपनी दृश्य प्रतिभा और दर्शक में गहरी भावनाओं को उकसाने के लिए जाना जाता है। यद्यपि जैक्सन के कार्यों को कला विशेषज्ञों के लिए भी समझना मुश्किल है, लेकिन उनके चित्रों को अभिव्यक्ति की स्वतंत्रता की अभिव्यक्तियाँ माना जाता है। अभिसरण, जो उस अर्थ में एक प्रमुख उदाहरण है, इसकी सबसे प्रसिद्ध कृतियों में से एक है।

नंबर 8 स्पेनिश रिपब्लिक -रोबर्ट मदरवेल के लिए।

हालांकि रॉबर्ट मदरवेल केवल 21 साल का था जब स्पेनिश गृहयुद्ध छिड़ गया था, उसके अत्याचारों ने अगले वर्षों में उसे बहुत प्रभावित किया। इसने उन्हें उनके जवाब में 200 से अधिक चित्रों की एक श्रृंखला बनाने के लिए प्रेरित किया। श्रृंखला 'स्पेनिश गणराज्य के लिए चुनी गई' मानव पीड़ा के स्मरणोत्सव की बहुलता के रूप में कार्य करती है, साथ ही साथ "जीवन और मृत्यु के अटूट चक्र के लिए अमूर्त और काव्यात्मक प्रतीकों"।

एलगीज के बारे में, मदरवेल ने घोषणा की कि, "उन्हें पेंट करने की अवधि के बाद, मैंने अपने मुद्दों में से एक के रूप में काले रंग की खोज की, और काले, विपरीत सफेद, जीवन की भावना और मृत्यु के साथ जो मेरे लिए काफी स्पेनिश है। वे अनिवार्य रूप से स्पेनिश ब्लैक डेथ हैं जो मैटिस जैसी सूर्य के प्रकाश की चकाचौंध के साथ विपरीत हैं। ”

उनकी एलगीज़ जीवन और मृत्यु पर एक विस्तारित अमूर्त ध्यान का गठन करती है। श्रृंखला के दौरान, क्षैतिज सफेद कैनवस को लयबद्ध रूप से दो या तीन ऊर्ध्वाधर सलाखों से विभाजित किया जाता है जो ओवॉइड आकृतियों द्वारा कई अंतरालों में स्वतंत्र रूप से खींची और पंचर किया जाता है। चित्र आमतौर पर पूरी तरह से काले और सफेद, शोक के रंग और चमक, मृत्यु और जीवन से बने होते हैं। मदरवेल ने इन बलों के उलझाव पर टिप्पणी की, जो जीवित होने के अनुभव की समझ के लिए एक रूपक के रूप में था।

उन्होंने स्पेनिश गणराज्य को चुना, जैविक और ज्यामितीय, आकस्मिक और जानबूझकर के राजसी मार्ग का वर्णन करता है। अन्य अमूर्त अभिव्यक्तियों की तरह, मदरवेल ऑटोमैटिज़्म के सर्रेलिस्ट सिद्धांत के लिए आकर्षित हुए - उन तरीकों से जो कलाकार के सचेत इरादे से बच गए - और उनके स्ट्रोक में एक भावनात्मक बोझ है, लेकिन एक निश्चित गंभीरता की एक सामान्य संरचना के भीतर। वास्तव में, मदरवेल ने रंग और रूप की सावधानीपूर्वक व्यवस्था को अमूर्त कला के दिल के रूप में देखा, जो, "इसे तेज करने के लिए अन्य चीजों से छीन लिया जाता है, इसकी लय, अंतरिक्ष अंतराल और रंग संरचना।"

नंबर 9 ब्लैक आइरिस - जॉर्जिया ओ'कीफे

यह स्मारकीय फूल पेंटिंग ओ'कीफे की पहली कृतियों में से एक है। प्राकृतिक आकार के अनुपात से परे पंखुड़ियों को बढ़ाकर, यह दर्शक को उन छोटे विवरणों का निरीक्षण करने के लिए मजबूर करता है जो अन्यथा अनदेखा कर सकते हैं। जब इस समूह की पेंटिंग को पहली बार 1924 में प्रदर्शित किया गया था, यहां तक ​​कि अल्फ्रेड स्टिग्लिट्ज़, उनके पति और व्यापारी, उनकी दुस्साहस से आश्चर्यचकित थे।

जॉर्जिया ओ'कीफे की ब्लैक आइरिस फूलों के विषय पर उनके कई कार्यों में से एक का एक उदाहरण है और विशेष रूप से आइरिस, प्रतीकवाद से समृद्ध एक फूल। हालांकि, ब्लैक आइरिस III में, ओ'कीफे का लक्ष्य इस प्रतीकवाद को संदर्भित करने या इसे जोड़ना नहीं था, बल्कि दर्शक को फूल को देखने और देखने के लिए प्रोत्साहित करता है और उन विभिन्न तरीकों पर विचार करता है जिनमें लोग देखते हैं। इस प्रकार यह न केवल कला के लिए बल्कि जीवन के लिए देखने की कला पर एक गहरा ध्यान बन जाता है। इस लेख में, सिंगुलर ने ओ'कीफ की पेंटिंग में अनुमानित प्रतीकवाद का विश्लेषण किया, साथ ही साथ ब्लैक आइरिस III बनाते समय अपने स्वयं के इरादों का भी विश्लेषण किया। 

जॉर्जिया ओ'कीफ़े कई वर्षों तक आईरिस पेंटिंग के मुद्दे के बारे में चिंतित थे, विशेष रूप से ब्लैक आइरिस, जो कि खोजने के लिए अधिक कठिन था और न्यूयॉर्क में साल में कुछ हफ्तों के लिए केवल उपलब्ध था। आइरिस पश्चिमी दुनिया में एक पारिवारिक प्रतीक है: ग्रीक पौराणिक कथाओं में, देवी आइरिस इंद्रधनुष और स्वर्ग और पृथ्वी के बीच संबंध को व्यक्त करती है; ईसाई धर्म में आइरिस मसीह और पुनरुत्थान के जुनून का प्रतीक है, साथ ही साथ मैरी की पीड़ा भी। अपने हिस्से के लिए, कला इतिहासकार, लिंडा नोचलिन ने ओ'कीफ़े के आइरिस को एक नारीवादी प्रतीक में बदल दिया, जब उन्हें महिला जननांगों के "रूपात्मक रूपक" के रूप में वर्णित किया, "स्त्री और प्राकृतिक क्रम की एकता को दर्शाते हुए।" ब्लैक आइरिस IIIY के ब्लैक IIIY का वर्णन ओ'कीफ़े के अन्य आइरिस पेंटिंग ने उन्हें कला के इतिहास और नारीवाद और नारीवादी कला के इतिहास में लंगर डाला।

हालांकि, ओ'कीफ ने इस विवरण को खारिज कर दिया, जिसमें कहा गया है कि: “कोई भी फूल नहीं देखता है, वास्तव में, इतना छोटा है। हमारे पास समय नहीं है, और एक दोस्त के समय में समय लगता है। अगर मैं फूल को ठीक से पेंट कर सकता हूं जैसा कि मैं इसे देखता हूं, तो कोई भी नहीं देखूंगा कि मैं क्या देखता हूं क्योंकि मैं इसे छोटा कर दूंगा क्योंकि फूल छोटा है। इसलिए मैंने खुद से कहा: मैं जो देख रहा हूं, मैं पेंट करूंगा, फूल मेरे लिए क्या है, लेकिन मैं इसे बड़ा पेंट करूंगा और आश्चर्यचकित हो जाएगा जब आप इसे देखने के लिए समय निकालेंगे, तो मैं यहां तक ​​कि कब्जे वाले न्यू यॉर्कर्स को समय ले लूंगा। यह देखने के लिए कि मैं फूलों के बारे में क्या देखता हूं। मैंने जो देखा, उसे देखने के लिए आपने समय लिया और जब आपने वास्तव में मेरे फूल को नोटिस करने के लिए समय लिया, तो आप अपने सभी जुड़ावों को मेरे फूल में फूलों के साथ डालते हैं और मेरे फूल के बारे में लिखा है जैसे कि मैंने सोचा था और देखते हैं कि आप क्या सोचते हैं और देखना । फूल, और मैं नहीं।

नहीं. 10 एक्सचेंज - विलियम डी कूनिंग

1955 में, कूनिंग विलेम ने वर्क एक्सचेंज पूरा किया। उन्होंने 1948 में शुरू हुई महिलाओं में शामिल आंकड़ों के अध्ययन के लिए एक लंबे समय तक ध्यान केंद्रित किया था। ये 1953 में उनकी व्यक्तिगत प्रदर्शनी से जुड़े थे, महिलाओं के विषय पर चित्र, जो उस समय न्यूयॉर्क शहर में खोले गए थे। इन कार्यों के कुछ खिताबों में महिला I, महिला III और महिला V, साथ ही एक मृत प्रकृति वाली दो महिलाएं शामिल हैं।

1955 तक, कूनिंग से उन्होंने मानव आकृतियों को चित्रित करना बंद कर दिया था और न्यूयॉर्क शहर में वास्तुकला और समुदायों के अमूर्त अभ्यावेदन का उपयोग करना जारी रखा था।

कूनिंग विलेम ने कैनवास पर तेजी से गर्भधारण के निशान का इस्तेमाल किया। छवि एक कुर्सी पर बैठी एक महिला को दिखाती है, लेकिन महिलाएं केवल शिखर के द्रव्यमान के रूप में दिखाई देती हैं। अपने चित्रों को नियुक्त करते समय, उन्होंने हमेशा उस क्षेत्र के लिए एक लिंक पसंद किया जहां वह रहते थे। एक्सचेंज ने परिवेश का नाम, न्यूयॉर्क का केंद्र, उस स्थान पर, जहां वह उस समय के दौरान रहता था।

मूल रूप से पेंटिंग को 1955 में कलाकार द्वारा $ 4,000 में बेचा गया था।

इसके बाद डेविड गेफेन फाउंडेशन द्वारा केनेथ सी। ग्रिफिन को सितंबर 2015 में $ 300 मिलियन में बेचा गया, इसे और अधिक महंगे चित्रों की सूची में दूसरे स्थान पर रखा, केवल सल्वेटर मुंडी डी लियोनार्डो दा विंसी द्वारा पार किया गया, जो 450.3 के लिए बेचा गया था। नवंबर 2017 में मिलियन डॉलर।

कुआड्रोस ©, आपकी दीवार पर एक प्रसिद्ध पेंट।