היסודות של היסטוריית האמנות מתוארכים לעשרות אלפי שנים עד כאשר תרבויות קדומות השתמשו בטכניקות ובאמצעים הזמינים לייצוג נושא משמעותי תרבותית. מהדוגמאות הראשונות הללו, הם עקבו אחר הרבה תנועות אמנותיות, שלכל אחת מהן סגנונות ומאפיינים שונים משלהם המשקפים את ההשפעות הפוליטיות והחברתיות של התקופה ממנה קמו.
מה המשמעות של Fauovism ומהו אמנות קונספטואלית? דיבורים על אמנות נראים כמו תחום בפני עצמו ואם אתה חדש בעולם האמנות, כנראה שיש לך שאלות רבות, במיוחד על כל תנועה באמנות וסוגים שונים של אמנות.
ז'אנרי האמנות המשפיעים, החל מהראנסאנס ועד הופעת המודרניזם, ללא ספק הותירו את חותמם בהיסטוריה.
לאחר שיש לנו את המושגים הברורים לגבי ההיסטוריה וחשיבותן של תנועותיה האמנותיות, תהיה לנו הבנה ברורה יותר כיצד אמנים מפורסמים כמו ואן גוך, פיקאסו וורהול חוללו מהפכה בעולם האמנות.
Kadros עשה רשימה של התנועות החשובות ביותר עבורך.
מס '1 רנסנס איטלקי (1400–1550)
כמה אקספוננטים: דלתות ג'יברטי, ברונלסקי, דונטלו, בוטיצ'לי, לאונרדו, מיגל אנגל, רפאל.
לקראת סוף המאה הארבע עשרה ד. ג., קומץ הוגים איטלקיים הצהירו שהם חיו בעידן חדש. ברברה, שלא מוארת "ימי הביניים" הסתיימה; החדש יהיה "Rinincità" ("רנסנס") של למידה וספרות, אמנות ותרבות. זו הייתה לידת התקופה המכונה כיום הרנסנס. במשך מאות שנים הסכימו חוקרים כי לידה מחדש איטלקית (מילה נוספת ל"לידה מחדש ") קרה בדיוק כך: שבין המאה הארבע עשרה לשבע עשרה, דרך חשיבה חדשה ומודרנית על העולם ומקום האדם של האדם בו בתוכו הוא החליף את הרעיונות הישנים. למעשה, רבים מההישגים המדעיים, האמנותיים והתרבותיים של הרנסנס שנקראו כל כך חולקים סוגיות נפוצות, ובמיוחד האמונה ההומניסטית שהאדם הוא מרכז היקום שלו.
הרנסנס האיטלקי בהקשר של איטליה של המאה החמש עשרה היה שונה מכל מקום אחר באירופה. זה חולק למדינות ערים עצמאיות, שלכל אחת מהן צורה שונה של ממשלה. פלורנס, שם החלה לידה מחדש האיטלקית, הייתה רפובליקה עצמאית. זה היה גם בנק ובון מסחרי, ואחרי לונדון וקונסטנטינופול, העיר השלישית בגודלה באירופה. הפלורנטינים העשירים התנפנפו בכספם וכדי להיות מסוגלים להפוך לפטרונים או תומכי אמנים ואנשי רוח. באופן זה, העיר הפכה למרכז התרבות של אירופה והרנסנס.
ניתן לומר כי הרנסנס חולק לשני חלקים:
במהלך לידה מחדש המוקדמת, אמנים החלו לדחות את הסגנון הביזנטי של הציור הדתי ונאבקו ליצור ריאליזם בייצוגם של צורתם ומרחב האנושי. מטרה זו לקראת ריאליזם החלה עם סימבה וג'וטו, והגיעה לשיאה באמנות אמנים "מושלמים", כמו אנדראה מנטגנה ופולו אוקלו. בעוד שדת הייתה מרכיב חשוב בחיי היומיום של האנשים שחיו במהלך הרנסנס, אנו רואים גם מסלול חדש פתוח להתנשמות: הנושא המיתולוגי. חוקרים רבים מציינים לידתו של ונוס של בוטיצ'לי כציור הפאנל הראשון של סצנה מיתולוגית.
התקופה המכונה לידה מחדש גבוהה מייצגת את שיא יעדי הלידה המוקדמת. האמנים הידועים ביותר בשלב זה הם לאונרדו דה וינצ'י, רפאל, טיזיאנו ומיגל אנגל. ציוריו וטרי הם בין יצירות האמנות הידועות ביותר. הארוחה האחרונה דה וינצ'י, בית הספר באתונה רפאל וציורי גג הקפלה הסיסטינית של מיגל אנגל הם יצירות המופת של תקופה זו ומגלמים את יסודות הרנסנס הגבוה.
קנו רבייה של ליסה מונה בחנות המקוונת של קדרוס
מס '2 ברוקו (1600–1750)
כמה אקספוננטים: ראובנס, רמברנדט, קרוואג'יו, ולזקז, פאלאציו דה ורסאי.
המונח הבארוק נובע בסופו של דבר מהמילה האיטלקית Barocco, בה השתמשו הפילוסופים בימי הביניים כדי לתאר מכשול בהיגיון הסכמטי. בהמשך, המילה הגיעה לציין כל רעיון או תהליך מחשבה מפותל המעורב. מקור אפשרי נוסף הוא המילה הפורטוגזית הבארוקית (Barrueco ספרדית), המשמשת לתיאור פנינה לא סדירה או לא מושלמת, ושימוש זה עדיין שורד במונח הפנינה הבארוק של התכשיט. הבארוק הוא תנועה באמנות ובארכיטקטורה שפותחה באירופה מתחילת המאה השבע -עשרה עד אמצע המאה ה -18. זה מדגיש את התנועה הדרמטית והגזומה ואת הפרטים הברורים והקל לפרש, שהוא רחוק מלהיות סוריאליזם, לייצר דרמה, מתח, שופעות וגדולות.
הביטויים הראשונים, שהתרחשו באיטליה, מתוארכים מהעשורים האחרונים של המאה ה -16, ואילו באזורים מסוימים, במיוחד בגרמניה ובדרום אמריקה הקולוניאלית, הישגים מסוימים שהגיעו לשיא של הבארוק לא התרחשו עד המאה ה -18.
האמנים המשיכו להחיות את אידיאלי היופי של הרנסנס, והחדירו ביצירות האמנות, המוזיקה והארכיטקטורה של התקופה שקריצה תחיה את הקלאסיציזם עוד יותר השתפר על ידי אקסטרווגנטיות ונטייה משופעות חדשות עבור הקישוטים. סגנון מעוטר מאוד זה נטבע כברוק ואופיין בטכניקות ובפרטים החדשניים שלו, והציע שפה חזותית חדשה ושופעת במה שהייתה תקופה מוחלטת יחסית לאמנות. הבארוק התפשט ברחבי אירופה, מופנה בעיקר על ידי האפיפיור ברומא והשליטים הקתוליים באיטליה, צרפת, ספרד ופלנדריה. זה התפשט עוד יותר על ידי פקודות דתיות עוצמתיות דרך רשת המנזרים והמכנות הנרחבת שלה. הסגנון התרחב במהירות לצרפת, צפון איטליה, ספרד ופורטוגל, ואז לאוסטריה ולדרום גרמניה.
סגנון הבארוק שהתפתח מתוכנית זו היה, באופן פרדוקסאלי, חושני ורוחני; בעוד שטיפול נטורליסטי גרם לתמונה הדתית להיות נגישה יותר לקהילה הממוצעת, נעשה שימוש בהשפעות דרמטיות ואשליות כדי לעורר אדיקות ומסירות ולהעביר רושם מהפאר של האלוהי. גגות הכנסיות הבארוקיות התמוססו בסצנות מצוירות שהציגו חזיונות עזים של האינסוף בפני הצופה והפנו את החושים לדאגות השמימיות.
בעוד שהנושא ואפילו הסגנון יכולים להשתנות בין ציורי הבארוק, לרוב יצירות התקופה הזו יש דבר משותף: דרמה. בעבודתם של ציירים המכונה קרוואג'יו וכן רמברנדט, עניין בדרמה מתממש כניגודים עזים בין אור קורן לצללים קרובים.
המורה הגדול של האזור הקתולי, שנשלט ברובו על ידי הספרדים, היה הצייר פיטר פול רובנס, אשר קומפוזיציות האלכסוניות הסוערות והדמויות הרחבות של דם שלם הם תמצית צבע הבארוק. הדיוקנאות האלגנטיים של אנתוני ואן דייק והיצירות הפיגורטיביות החזקות של ג'ייקוב ג'ורדנס חיקו את הדוגמא של רובנס. האמנות בהולנד הותנה על ידי הטעמים הריאליסטיים של דפוסי המעמד הבינוני הדומיננטי שלהם, ולכן, הן אינספור הז'אנר והן ציירי הנוף של אותה מדינה וגם המורים המרשימים כמו רמברנדט ופרנס הולס נותרו בלתי תלויים בסגנון בארוק בהיבטים חשובים ו עם זאת, לבארוק הייתה השפעה מדהימה על אנגליה, במיוחד בכנסיות ובארמונות שתוכננו, בהתאמה, על ידי סר כריסטופר ורן וסר ג'ון וונברוך.
בדומה לפסלי הרנסנס, כולל הדוד האייקוני של מיגל אנגל, לעתים קרובות נועדו לפסלי הבארוק לקשט מבנים מלכותיים. הם הוזמנו גם לתרחישים גדולים אחרים, כמו פנים של כנסיות מוזהבות וגנים אמיתיים.
הפריחה האחרונה בארוק הייתה ברובה הרומית הקתולית בדרום גרמניה ובאוסטריה, שם נפרדו אדריכלים ילידים מדגמי הבנייה האיטלקיים בשנות העשרים של המאה העשרים.
קנו רבייה של המנינות בחנות המקוונת של קדרוס
מס '3 ריאליזם (1848–1900)
כמה אקספוננטים: קורוט, בית משפט, דאומייר, דוחן.
ריאליזם, באומנויות, הייצוג המדויק, המפורט וללא קישוטים של טבע או חיים עכשוויים. הריאליזם דוחה את האידיאליזציה הדמיונית לטובת התבוננות מקרוב על הופעות חיצוניות. כיוון שכך, הריאליזם במובנו הרחב כיסה זרמים אמנותיים רבים בתרבויות שונות. באמנות חזותית, למשל, ניתן למצוא ריאליזם בפסלים היוונים ההלניסטיים העתיקים המציגים במדויק מתאגרפים ובתפקידים ישנים. עבודותיהם של ציירים של המאה ה -17 כמו קרוואג'יו, ציירי הז'אנר ההולנדי, הציירים הספרדים חוסה דה ריברה, דייגו ולזקז ופרנסיסקו דה זורבראן, והאחים לה נאן בצרפת הם גישה מציאותית. עבודותיהם של הסופרים האנגלים של המאה ה -18 דניאל דפו, הנרי פילדינג וטוביאס סמולט יכולים להיקרא גם הם מציאותיים.
ריאליזם התעורר בצרפת בשנות ה -50 של המאה העשרים. מיד לאחר המהפכה בשנת 1848, אירוע שקבע את "זכות העבודה" במדינה, הציגה התנועה את הרעיון של הממוצע, מעמד הפועלים, התרחישים העכשוויים, תרחישים עכשוויים וסצנות יומיומיות כנושאים אמנותיים הגונים.
הריאליזם התרחב ברחבי אירופה, מרוסיה של אלחנדרו השני ועד בריטניה הגדולה של המלכה ויקטוריה, מגרמניה של גילרמו הראשון לאיטליה של הריסורגימנטו, ומהאימפריה של ההסבורג לסקנדינביה ומדינות שמעבר. שנת 1855 הייתה משמעותית בהקמת הריאליזם באירופה.
גוסטב קובט לעתים קרובות זה נחשב לדמות העיקרית של הריאליזם. הוא הניח את היסודות לתנועה בשנות הארבעים של המאה העשרים, כשהחל להציג את האיכרים והעובדים. העובדה שקורבט לא האדיר אותם, אלא שהוא הציג אותם באומץ ויצר קשות תגובה אלימה בעולם האמנות.
הסגנון והעבודה של Courbet שהונפקו נבנו בשדה שכבר נשבר על ידי ציירי בית הספר ברביזון. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet ואחרים בתחילת שנות השלושים של המאה העשרים הוקמו בעיירה הצרפתית ברביזון במטרה לשחזר נאמנה את האופי המקומי של הנוף.
הריאליזם הציורי מחוץ לצרפת היה אולי מיוצג טוב יותר במאה ה -19 בארצות הברית. שם, הציורים החזקים והביטוי של ווינסלו הומרוס בנושאים ודיוקנאות ימיים, סצינות ניווט ויצירות אחרות של תומאס אקינס הם רשומות גלויות, לא מושכות ומצפות מאוד של החיים העכשוויים. הריאליזם היה זרם שונה באומנות המאה העשרים ובדרך כלל נגזר מרצונם של האמנים להציג יותר כנים, כנים ובלי אידיאליזציה של השקפות על חיי היומיום או ניסיונותיהם להשתמש באמנות ככלי לביקורת על ביקורת חברתית ופוליטית ו
הסצנות המחוספסות, המתוארות, כמעט עיתונאיות של החיים העירוניים, עם תפר של קבוצת הציירים האמריקאים המכונים שמונה (8) נופלים בקטגוריה הראשונה. התנועה האמנותית הגרמנית המכונה Neue Sachlichkeit. ריאליזם סוציאליסטי, בחסות רשמית בברית המועצות, השתמש בטכניקות אידיאליזציה נטורליסטיות כדי ליצור דיוקנאות של עובדים ומהנדסים אינטרפידים שהיו דומים באופן מפתיע הן בפוזיטיביזם ההרואי שלהם והן בחוסר אמינותם האמיתית.
בנוסף, ריאליזם השראה ישירות תנועות חשובות של אמנות עכשווית, כמו פוטוריאליזם והיפר -ריאליזם. על בסיס הגישה המודרנית להפליא של הריאליזם, ז'אנרים אלה מדגימים את המורשת המתמשכת והאבולוציונית של התנועה החדשנית.
קנו רבייה של מרחיקים בחנות המקוונת של קדרוס
מס '4 אימפרסיוניזם (1865–1885)
כמה אקספוננטים: מונה, מאנה, רנואר, פיסארו, קאסאט, מוריסוט, דגאס.
האימפרסיוניזם הצרפתי הוא תנועה חשובה, תחילה בציור ואחר כך במוזיקה, שהתפתחה בעיקר בצרפת בסוף המאות ה -19 ותחילת המאה העשרים. המאפיין הבולט ביותר של האימפרסיוניזם בציור היה ניסיון להירשם באופן מדויק ואובייקטיבי לייצוגים ריאליסטיים של רשמים חולפים מסביבתם, שלעתים קרובות היו בחוץ. במוזיקה זה היה להעביר רעיון או אפקט באמצעות שטיפת קול במקום מבנה רשמי קפדני.
בסוף שנות ה -60 של המאה ה -19, האומנות של מאנה זה שיקף אסתטיקה חדשה, שאמורה להיות כוח מדריך ביצירה האימפרסיוניסטית, בה הופחתה חשיבות הנושא המסורתי והתשומת לב עברה למניפולציה של הצבע, הטון והמרקם של האמן. זה נגמר בפני עצמם.
בשנת 1874 קבוצת אמנים בשם הציירים, פסלים, מקליטים וכו '. הוא ארגן תערוכה בפריס ששיקה את התנועה בשם אימפרסיוניזם. חבריה המייסדים כללו בין היתר את קלוד מונה, אדגר דגאס וקמיל פיסארו. הקבוצה הציגה את המופע הראשון שלה, ללא תלות באולם הרשמי של האקדמיה הצרפתית, שדחה כל הזמן את מרבית עבודותיו. הציור של מונה הדפסת שמש עולה (1872) זיכה אותם בשמו הלעג בתחילה "אימפרסיוניסטים" של העיתונאי לואי לירוי שכתב במגזין הסאטירי לה צ'רשירי בשנת 1874. האמנים אימצו במהרה את השם כתיאור של כוונתם להעביר במדויק את "ההופעות החזותיות". בעוד מבקרי הקונסרבטיבי מתחו ביקורת על יצירתם על הופעתם והרישום הלא שלם שלהם, הסופרים המתקדמים ביותר שיבחו אותו על תיאורו של החיים המודרניים. אדמונד דוראנטי, למשל, במאמרו משנת 1876 נובל פינטור (הציור החדש), כתב על ייצוגו של הנושא העכשווי בסגנון חדשני כראוי כמהפכה בציור.
מאז תפיסתו, האימפרסיוניזם הוגדר על ידי קבוצה של מאפיינים. אלה כוללים: משיכות מכחול ציוריות, צבעים ייחודיים, ייצוגים של סוגיות נפוצות, התמקדות באור ויצירות בהשראת הצילום.
באמצע שנות ה -80 של המאה הקודמת, הקבוצה האימפרסיוניסטית החלה להתמוסס ככל שכל צייר רדף יותר ויותר את האינטרסים והעקרונות האסתטיים שלהם. עם זאת, בקיומה הקצר, היא השיגה מהפכה בתולדות האמנות, ומספקת נקודת התחלה טכנית לאמנים פוסט -אימפרסיוניסטים סזאן, של גז, פול גוגן, וינסנט ואן גוך וז'ורז 'סוראט ושחרר את כל הציור המערבי האחורי של טכניקות מסורתיות. וגישות לנושא.
ירושה ונוכחות של אימפרסיוניזם כיום
באופן טבעי, כנקודת מוצא של המודרניזם, האימפרסיוניזם השפיע על תנועות רבות שלאחר מכן. Postimpressionists אימצו את מכת המברשת הציורית שלהם; אקספרסיוניסטים מופשטים מצאו השראה בגישה הלא שגרתית לצורה של מונה; ואמנים עכשוויים רבים אפילו ממשיכים לעבוד בסגנון ניאו -אימפרסיוניסטי.
קנו רבייה של אישה עם מטריה בחנות המקוונת של קדרוס
מס '5 פוסט -אימפרסיוניזם (1885–1910)
כמה אקספוננטים: ואן גוך, גוגן, סזאן, סוראט
פוסט -אימפרסיוניזם הוא מונח המשמש לתיאור התגובה בשנות השמונים של המאה העשרים נגד אימפרסיוניזם. זה ביים על ידי פול סזאן, פול גוגן, וינסנט ואן גוך וג'ורז 'סוראט. פוסט -אימפרסיוניסטים דחו את הדאגה של האימפרסיוניזם ביחס לייצוג הספונטני והנטורליסטי של האור והצבע.
כל הציירים הללו, למעט ואן גוך, היו צרפתים, ורובם החלו כאימפרסיוניסטים; כל אחד מהם נטש את הסגנון, כדי ליצור אמנות אישית מאוד משלהם.
כמו האימפרסיוניסטים, הם הדגישו את המלאכותיות של הדימוי. פוסט -אימפרסיוניסטים האמין גם כי צבע יכול להיות בלתי תלוי בצורה ובקומפוזיציה כנושא משמעות רגשי ואסתטי. גם האימפרסיוניזם וגם הפוסט -אימפרסיוניזם כוללים כמה מיצירות האמנות המודרניות המפורסמות ביותר, כמו חבצלות מים של מונה, סדרה של נופים מימיים ו הלילה הכוכב מאת ואן גוך.
פוסט -אימפרסיוניסטים שיתפו את עבודתם עם הציבור באמצעות תערוכות עצמאיות ברחבי פריז. בשנת 1910, מבקר האמנות הבולט, ההיסטוריון והאוצר רוג'ר פריי טבע את המונח "פוסט -אימפרסיוניזם" עם המופע שלו, מאנה ופוסט -אימפרסיוניסטים. בדומה לפוסט -אימפרסיוניסטים עצמם, פריי האמינו כי היופי של האמנות מושרש מטבעו בתפיסה. "אמנות היא ביטוי וגירוי לחיים דמיוניים במקום עותק של החיים האמיתיים", מסביר פריי במאמר באסתטיקה.
כפי שהסביר פריי, פוסט -אימפרסיוניסטים האמינו כי יצירת אמנות לא צריכה להסתובב סביב הסגנון, התהליך או הגישה האסתטית. במקום זאת, עליכם להדגיש את הסמליות, להעביר מסרים מתת המודע של האמן.
פוסט -אימפרסיוניסטים הציגו לעתים קרובות יחד, אך בניגוד לאימפרסיוניסטים, שהחלו כקבוצה מאוחדת ולבדית מאוד, צוירה בעיקר לבד. סזאן צייר בבידוד באיקס-אן-פרובנס בדרום צרפת; בדידותו הותאמה לזו של פול גוגן, שבשנת 1891 הותקן בטהיטי, ואן גוך, שצייר בשדה בארלס. גם גוגן וגם ואן גוך דחו את האובייקטיביות האדישה של האימפרסיוניזם לטובת ביטוי רוחני אישי יותר.
"איזה צבע עמוק ומסתורי!
בניגוד לאימפרסיוניסטים שנאבקו לתפוס את השפעת האור הטבעי על הגוון, פוסט -אימפרסיוניסטים השתמשו בכוונה פלטת צבע מלאכותית כדרך להציג את תפיסתם לגבי העולם שהקיף אותם. גוונים רוויים, צללים צבעוניים וטווחי צבע עשירים ניכרים ברוב הציורים הפוסט -ביטסיוניסטים, ומדגימים את הגישה החדשנית והדמיונית של אמנים לייצוג.
באופן כללי, הפוסט -אימפרסיוניזם התרחק מגישה נטורליסטית והלך לשתי התנועות העיקריות של אמנות המאה העשרים המוקדמת שהחליפו אותה: קוביזם ופוביזם, שביקשו לעורר רגשות דרך צבע וקו.
קנו רפרודוקציה של כוכב בחנות המקוונת של קדרוס
מס '6 פואוויזם ואקספרסיוניזם (1900–1935)
ציור שהוצב בצבעים עבים ויוצאים מהדף וטונים אנטי -טבעיים: פוביות ואקספרסיוניזם הם שתיים מהתנועות שהעניקו חיים למאפיינים אלה. אז מה ההבדל ביניהם, אם ניתן לתאר אותם באותה צורה? ראשית, נסביר בעצמכם את הפאוויזם והפרוסקספרסיוניזם.
Fauovism
כמה אקספוננטים: מאטיס, דרייין, סיגנאק
Fauvismo תפס את הסצינה האמנותית משנת 1905 עד 1910, פחות או יותר, ומאופיינת בצבע אינטנסיבי ומבריקות מכחול נועזות. בחלק מהמקרים, אמני התקופה הזו החלו צבע ישירות מהבקבוק. הצבעים לא היו חייבים להיות נאמנים לטבע, בהכרח. הם יכולים להשתנות כדי להראות רגש. הם בחרו בסוגיות פשוטות ובגלל זה, הציורים נראו כמעט מופשטים. מבקר האמנות לואי ווקסלס טבע את המונח לאחר שתיאר את יצירתם של אנרי מאטיס ואנדרה דרייין כמו "לס פאובס" או החיות במהלך תערוכה של 1905 בסלון הסלון ד'אאם אוטומט בפריס. היצירה בתערוכת מאטיס ודרייין הייתה מלאה באפשרויות צבע לא טבעיות ובכתמי צבע בר על הבד. זו תהיה תחילתו של הפואוויזם.
אמני פואוויזם התעניינו עמוקות בתיאוריה המדעית של צבע המאה התשע עשרה. באופן ספציפי, עם השימוש בצבעים משלימים, Fauvistas הבינו כיצד לגרום לצבעים להיראות בהירים ונועזים כדי לשלב תיאוריות אלה.
הציור של אנרי מאטיס "אישה עם כובע". זה נמתח ביקורת על ידי הצבעים האנטי -טבעיים על פניה של האישה. פול סיגנאק (1863-1935) מפורסם בזכות נקודתו. הוא גם היה מנטור של אנרי מאטיס. פונטיליסו היא טכניקה בה ממוקמים יחד נקודות קטנות של צבעי יסוד. כשאתה מתרחק, זה משולב בתמונה יחידה. ניתן להשוות את זה לפיקסלים במסך מחשב. כל פיקסל בודד הוא צבע אחר, אך כשרואים מרחק קל, הם יוצרים תמונה. הסגנון של ריל הנקודה הראה מה אמנים יכולים לעשות עם צבעי יסוד, וכיצד הם יכולים להשתמש באשליות אופטיות בעבודתם.
בנוסף למטיס ודריין, אמני פוביסטות חשובות אחרות כוללים את ז'ורז 'בראק, ראול דופי, ז'ורז' רואוט ומוריס דה וולמינק.
אקספרסיוניזם
כמה אקספוננטים: Munch, Carr, Kandinsky, Klee
אקספרסיוניזם הוא מונח כללי לכל יצירת אמנות המעוותת את המציאות לחפוף עם רגשות, השקפות או רעיונות של האמן. בקיצור, זו אמנות שמבטאת מציאות פנימית בעולם החיצון. זוהי הגדרה כללית למדי, אך ישנם כמה מאפיינים ייחודיים של אקספרסיוניזם. בפרט, הצבעים המשמשים באקספרסיוניזם יהיו אינטנסיביים ולעתים קרובות לא טבעיים, מה שאומר שניתן לצבוע את עורו של מישהו כחול במקום שזוף או חום. הצבע משמש לעתים קרובות בכמויות גדולות בסגנון האקספרסיוניסטי, שיוצר מרקם רב על הבד.
האקספרסיוניזם הגיע מ"הפנים ", בהיותו שיקוף של רגשותיו של האמן יותר מאשר ייצוג של סצנה. שני אמנים אקספרסיוניסטים בעלי השפעה היו אמילי קאר ו אדוארד מונק.
באשר לנושא, אמנות אקספרסיוניסטית נוטה להיות רגשית, ולפעמים, אפילו מיתית, בהנחה שהאקספרסיוניזם הוא הרחבה של הרומנטיקה. מכיוון שאקספרסיוניזם הוא מונח כה רחב, קל להתחיל לייחס אותו לאומנות בכל עת. ואז, לרוב, האקספרסיוניזם חל בדרך כלל על אמנות המאה העשרים. נאמר שזה התחיל ביצירתו של וינסנט ואן גוך ומשתרע לאמנות מודרנית כפי שאנו מכירים אותה כיום.
הנישומים העיקריים לתנועה האקספרסיוניסטית הם אמנים כמו מאטיס, רואו, אוסקר קוקושקה, פול קליי, מקס בקמן, פבלו פיקאסו, פרנסיס בייקון, ארנסט לודוויג קירשנר, גרהם סאת'רלנד, אדברד מונק ואחרים.
קנו רבייה של הזעקה בחנות המקוונת של קדרוס
ניתן לראות בפואוויזם תת -קבוצה של אקספרסיוניזם. האקספרסיוניזם יכול לכלול מגוון כה רחב של אמנות ותנועות, עד שכמעט בלתי אפשרי להפריד ביניהם להיות ממש שונה. הם משתמשים באותן טכניקות ומסווגים לפי אותם מאפיינים וההבדל האמיתי היחיד הוא האופי הספציפי של הפאוויזם בניגוד לאופי הכללי של האקספרסיוניזם.
משהו שניתן נחשב לפוביסטה יכול להיות גם חלק מתחום האקספרסיוניזם. אבל, משהו שנחשב לאקספרסיוניסט אינו בהכרח בסגנון Fauvista. Fauvism הוא קצת יותר פראי, אבל עם נושא פשטני יותר.
אז, פואוויזם לעומת אקספרסיוניזם אינו דבר אחד. הם לא מתחרים זה עם זה מכיוון שאחד הוא פשוט גרסה אחת של השנייה.
מס '7 קוביזם (1905–1920)
כמה אקספוננטים: פבלו פיקאסו, ז'ורז 'בראק
קוביזם, סגנון אמנות חזותי בעל השפעה רבה של המאה העשרים שנוצר בעיקר על ידי האמנים פבלו פיקאסו וז'ורז 'בראק בפריס בין השנים 1907 -1914. הסגנון הקוביסטי הדגיש את המשטח השטוח והשני -ממדי של מישור התמונה, דחה טכניקות מסורתיות ו של פרספקטיבה, סקורזו, דוגמנות וברור והפרקת התיאוריות העתיקות כי אמנות צריכה לחקות את הטבע. הקוביסטים האמינו כי המסורות של האמנות המערבית היו מותשות וכדי להחיות את יצירתם, הם נקטו באנרגיה האקספרסיבית של אמנותן של תרבויות אחרות, במיוחד אמנות אפריקאית.
הקוביזם שואב את שמו מההערות שהגיש המבקר לואי ווקסלס, שהפטר את עבודתו של בראק בשנת 1908 בתים בלסטאקה המורכבים מקוביות. בציורו של בראק, נפחי הבתים, צורות הגליליות של העצים והתכנית החומה והירוקה זוכרים את נופי פול סזאן, שהעניקו השראה לעומק הקוביסטים בשלב ההתפתחות הראשון שלהם (עד 1909). עם זאת, זה היה Les Demoiselles d'Avignon, שצויר על ידי פיקאסו בשנת 1907, שבישר את הסגנון החדש; בעבודה זו צורות של חמש עירומות נקבות הופכות לצורות זוויתיות ושבירות.
ניתן לראות כי הקוביזם התפתח בשני שלבים שונים: הקוביזם האנליטי הראשוני והנוח יותר, ושלב אחורי של הקוביזם המכונה קוביזם סינטטי. קוביזם אנליטי פותח בין השנים 1908–12. יצירות האמנות שלו נראות חמורות יותר ונוצרות על ידי שילוב של מטוסים וקווים בגוונים משחורים, גריי ואוצ'ר. הקוביזם הסינטטי הוא השלב האחורי של הקוביזם, בדרך כלל נחשב שהוא נמשך בין השנים 1912 עד 1914, ומאופיין בצורות פשוטות יותר וצבעים בהירים יותר. יצירות קוביסטיות סינתטיות כוללות בדרך כלל גם אלמנטים אמיתיים משולבים, כמו עיתונים. הכללתם של חפצים אמיתיים ישירות באמנות הייתה תחילתו של אחד הרעיונות החשובים ביותר של אמנות מודרנית.
בעוד שיצירת השפה החזותית החדשה הזו מיוחסת לפיקאסו ובראק, היא אומצה ופותחה על ידי ציירים רבים, כולל פרננד ליגר, רוברט וסוניה דלוניי, חואן גריס, רוג'ר דה לה פרזנאי, מרסל דושאן, אלברט גליז וג'ין מטזינגר. למרות שהוא קשור בעיקר לציור, הקוביזם הפעיל גם השפעה עמוקה על הפסל והארכיטקטורה של המאה העשרים. הפסלים העיקריים של הקוביסטים היו אלכסנדר ארכיפנקו, ריימונד דושאן-וילון וג'אק ליפצ'יץ. אימוץ האסתטיקה הקוביסטית על ידי האדריכל השוויצרי לה קורבוזייר בא לידי ביטוי בצורות הבתים שעיצב בשנות העשרים.
במהלך חורף 1912–13, פיקאסו הוצא להורג מספר גדול של קולות ניפירים. עם טכניקה חדשה זו של הדבקה של חתיכות של נייר צבעוני או מודפס ביצירותיהם, פיקאסו ובראק סחפו את השרידים האחרונים של מרחב שלושה ממדי (אשליה) שנשארו עדיין בעבודתם האנליטית "הגבוהה".
למושגים המשחררים הפורמליים שיזמה הקוביזם היו גם השלכות גבוהות על דאדא וסוריאליזם, כמו גם לכל האמנים העוסקים בהפשטה בגרמניה, הולנד, איטליה, אנגליה, ארצות הברית ורוסיה.
מס '8 דאדא וסוריאליזם (1917–1950)
דאדיסט
כמה אקספוננטים: הוגו בול, מרסל דושאן, אמי הנינגס, האנס ארפ, ראול האוסמן, חנה הוך, פרנסיס פיקאביה, ג'ורג 'גרוש
היקף בינלאומי והפקה אמנותית מגוונת, הן הנתונות והן הסוריאליזם היו תנועות אמנותיות, ספרותיות ואינטלקטואליות של ראשית המאה העשרים שהיו בסיסיים להגדרת המודרניזם. התנועה הנתונה, שהושקה בציריך בשנת 1916 על ידי משוררים ואמנים כמו טריסטן צארה והנס ארפ, הייתה תגובה ישירה לטבח, תעמולה וטירוף של מלחמת העולם הראשונה. קבוצות עצמאיות הקשורות לרעיונות משותפים הופיעו זמן קצר לאחר מכן בניו יורק. , ברלין, פריז ומקומות אחרים. קבוצות שונות אלה לא חלקו סגנון אוניברסאלי, אלא היו קשורות לדחייתן לאידיאליזם, מוסכמות אמנותיות ואינטלקטואליות מיושנות והחיבוק הבלתי מבוקר של החברה המודרנית ל"הרציונליזם "ו"התקדמות".
בהתחשב בעובדה שזו הייתה תנועה אומנותית אוונגרדית אירופית, עם מרכזים מוקדמים בציריך, שוויץ וניו יורק.
השם, שחולץ ממילון בציריך בשנת 1916, פירושו "סוס נדנדה" בצרפתית או "כן" ברומנית וברוסית. אבל מכיוון ששמו של תנועה באמת לא אומר כלום. נמאס לתרבות שהניבה את הקטל של מלחמת העולם הראשונה, בהתחשב בכך שאותגר את כל הפרות הקדושות, זורק את הביטוי והמחבר דרך החלון וחגג את הסיכוי והאבסורד.
שורשי דאדא נמצאים באוונגרד לפני המלחמה. המונח אנטי -ארטה, מבשר לדאדה, נטבע על ידי מרסל דושאן בסביבות שנת 1913 כדי לאפיין יצירות המאתגרות את מגבלות האמנות המקובלות.
התנועה הדאדיסטית כללה ישיבות ציבוריות, הפגנות ופרסום של מגזיני אמנות / ספרות; הסיקור הנלהב של אמנות, פוליטיקה ותרבות נדון לעתים קרובות במגוון אמצעי תקשורת.
התנועה השפיעה על סגנונות אחוריים כמו אוונגרד ותנועות מוזיקה מרכזיות, וקבוצות הכוללות סוריאליזם ואמנות פופ.
ואז, הסוריאליזם הגיע לנתב את האנרגיות האנטי -דדישיות של הדאדאסטים כמו מרסל דושאן בחזרה למוזיאון, שהפעילה תנועה מצליחה מאוד אך תזזיתית שהרסה את אירופה בין המלחמות וחיבקה מדיה רבים.
סוריאליזם
כמה אקספוננטים: מקס ארנסט, אנדרה מסון, סלבדור דאלי, רנה מגריט
אחת התנועות החשובות והחותבות ביותר של המאה העשרים, סוריאליזם פרח במיוחד בשנות העשרים והשלושים של המאה העשרים וסיפקה אלטרנטיבה רדיקלית לתכונות הרציונאליות והפורמליות של הקוביזם. תנועה ספרותית, פילוסופית ואמנותית של המאה העשרים שחקרו את תפקוד הנפש, הגנה על הלא הגיוני, הפואטי והמהפכני.
בניגוד לדאדה, ממנה התעוררה במובנים רבים, הדגיש את הדחייה החיובית, ולא את הפסימי של המסורות הקודמות.
המילה 'סוריאליסטית' (המציעה 'מעבר למציאות') נטלה על ידי המשורר האוונגרדי הצרפתי גיום אפולינר ביצירה שנכתבה בשנת 1903 והוצגה בשנת 1917. אבל זה היה אנדרה ברטון, מנהיג קבוצה חדשה של משוררים ואמנים חדשים בפריס, שבמניפסטו הסוריאליסטי (1924), הגדיר את הסוריאליזם כ: אוטומטיזם נפש טהור, דרכו מוצע לבטא, מילולית, בכתב או בכל דרך אחרת, את תפקוד המחשבה האמיתי. תכתיב המחשבה בהיעדר שליטה כלשהי המופעלת בגלל התבונה, מעבר לכל דאגה אסתטית ומוסרית.
ניתן להבדיל בין כמה חוטים שונים בביטוי הוויזואלי של הסוריאליזם. אמנים כמו מקס ארנסט ואנדרה מסון העדיפו את האוטומטיזם בו מודחקת שליטה מודעת והתת מודע מותר להשתלט. נהפוך הוא, סלבדור דאלי ורנה מגריט רדפו תחושה מדהימה של עליות בהן הסצינות המיוצגות אין שום חוש אמיתי. וריאציה שלישית הייתה סמיכות של יסודות לא קשורים, וביסס מציאות בלתי ניתנת לממש מחוץ לגבולות המציאות הרגילה. סוריאליזם מקורו במקור בפריס. השפעתו הורחבה באמצעות סדרה של כתבי עת ותערוכות בינלאומיים, בהיותה הדוגמאות החשובות ביותר לתערוכה הסוריאליסטית הבינלאומית האחרונה בברלינגטון החדשה, לונדון ופדה של אמנות פנטסטית, סוריאליזם במוזיאון לאמנות מודרנית ניו יורק, שניהם תוצרת 1936. עם פרוץ מלחמת העולם השנייה, הועבר מרכז הפעילות הסוריאליסטית לניו יורק ובסוף המלחמה התנועה איבדה את קוהרנטיותה. עם זאת, היא שמה השפעה עוצמתית, ניכרת בבירור בהיבטים של אקספרסיוניזם מופשט וביטויים אמנותיים אחרים של המחצית השנייה של המאה העשרים.
רבים טוענים כי הסוריאליזם, כתנועה תרבותית המאפשרת זיהוי, הסתיים במותו של ברטון בשנת 1966. אחרים מאמינים כי מדובר בכוח חיוני ורלוונטי כיום.
מס '9 אקספרסיוניזם מופשט (1940–1950)
כמה אקספוננטים: ג'קסון פולוק, קונינג וילם, פרנץ קלין
"האקספרסיוניזם המופשט" מעולם לא היה תווית אידיאלית לתנועה, אשר פותחה בניו יורק בשנות הארבעים והחמישים. בדרך כלשהי היא נועדה לכסות לא רק את יצירתם של הציירים שמילאו את הבדים שלהם בשדות עם שדות צבע וצורות מופשטות, אך גם אלה שתקפו את הבדים שלהם בביטוי מחווה נמרץ. כולם היו מחויבים לאמנות כביטויים של העצמי, שנולדו מרגשות עמוקים ונושאים אוניברסליים, ורובם נוצרו על ידי מורשת הסוריאליזם, תנועה שתורגמה לסגנון חדש שהסתגל למצב הרוח של החרדה והטראומה שלאחר המלחמה. בהצלחתם, ציירי ניו יורק אלה גנבו את פריז כמעטפתם כמנהיג האמנות המודרנית והכינו את הבמה לשליטת ארצות הברית בעולם האמנות הבינלאומית. אקספרסיוניזם מופשט סימן את תחילת השפעת העיר ניו יורק כמרכז עולם האמנות המערבית. עולמם של אמנים אקספרסיוניסטים מופשטים היה מושרש היטב במנהטן הנמוכה. טיול ברחוב 8 היה לוקח את זה מקפיטריה וולדורף, שם אמנים ללא כסף הכינו "מרק עגבניות" עם מים חמים וקטשופ בחינם; אחרי בית הספר לאמני פלסטיק של האנס הופמן שנוסד על ידי הצייר באותו שם; למועדון, לופט בו ועידות וטיעונים סוערים על אמנות נמשכו עד מאוחר בלילה. המחקר של ג'קסון פולוק היה ברחוב מזרח 8, קונינג ופיליפ גוסטון וילם היו במזרח 10, ולמרות שפרנץ קלין עברו למספר בתים ומחקרים באזור, מרבית הלילות מצאו אותו ורבים מבני דורו בבית המרזח ברחוב סידר בבית אתר אוניברסיטאי.
התנועה כללה סגנונות ציוריים רבים ושונים שהשתנו הן בטכניקה והן באיכות הביטוי. לעתים קרובות הם משתמשים בדרגות הפשטה; כלומר, הם מייצגים צורות לא מציאותיות או, בצורות הקיצוניות, צורות שאינן מופצות מהעולם הנראה לעין (לא -אובייקטיבי). הם מדגישים ביטוי רגשי חופשי, ספונטני ואישי, ומפעילים חופש ניכר של טכניקה וביצוע כדי להשיג מטרה זו, עם דגש מסוים המושם על ניצול האופי הפיזי המשתנה של הציור כדי לעורר תכונות אקספרסיביות (למשל, חושניות, דינמיות ). , אלימות, מסתורין, ליריות).
מרבית האמנים הקשורים לאקספרסיוניזם מופשט התבגר בשנות השלושים. הם הושפעו מהמדיניות השמאלית של אז והגיעו להעריך אמנות המבוססת על חוויה אישית. מעטים היו שומרים על השקפותיהם הפוליטיות הקיצוניות הקודמות, אך רבים המשיכו לאמץ את עמדתו של פרנק אוונגרד.
למרות המגוון של התנועה האקספרסיוניסטית המופשטת, ניתן להבחין בין שלוש גישות כלליות. האחד, ציור האקשן, מאופיין בטיפול רופף, מהיר, דינמי או אנרגטי של צבע בסריקה או בחיתוך מברשות ובטכניקות המוכתבות באופן חלקי במקרה, כמו טפטוף או שפיכת הצבע ישירות על הבד. אמנים: פולוק, קונינג.
המונח הממוצע בתוך אקספרסיוניזם מופשט מיוצג על ידי מספר סגנונות מגוונים, החל מצורות ליריות יותר, עדינות ונוזליות. אמנים: גוסטון, פרנקנטלר, Motherwell, Gottlieb.
הגישה השלישית הפחות אקספרסיבית הייתה של רותקו, ניומן וריינהרדט. ציירים אלה השתמשו באזורים גדולים, או בשדות, צבע שטוח ועדין ודיאפני כדי להשיג השפעות שקטות, עדינות וכמעט מדיטטיביות.
אף על פי שהתנועה מיוצגת ברובה לאורך כל התיעוד ההיסטורי כשייכת לאמן הגברי ההרואי המנוקד בציור, היו כמה אקספרסיוניסטים נשיים חשובים שחשובים שהופיעו מניו יורק וסן פרנסיסקו בשנות הארבעים והחמישים שזכו כעת לחברים יסודיים של חברי יסוד של יסודי העמלה.
מס '10 פופ ארט (1960)
כמה אקספוננטים: אנדי וורהול, רוי ליכטנשטיין, ג'יימס רוזנקיסט וקליס אולדנבורג
פופ ארט החל עם אמני ניו יורק אנדי וורהול, רוי ליכטנשטיין, ג'יימס רוזנקיסט וקליס אולדנבורג, שהיו בהשראת תמונות פופולריות ולמעשה היו חלק מתופעה בינלאומית.
זה היה מרד נגד הגישות הדומיננטיות של אמנות ותרבות ודעות מסורתיות לגבי אמנות צריכה להיות. אמנים צעירים הרגישו שמה שהם לימדו אותם בבית הספר לאמנות ומה שהם ראו במוזיאונים לא היה קשור לחייהם או לדברים שהם ראו סביבם כל יום. במקום זאת, מקורות כמו סרטי הוליווד, פרסום, אריזות מוצרים, מוזיקת פופ וקומיקס כדי להשיג את התמונות שלהם. לאחר הפופולריות של אקספרסיוניסטים מופשטים, החזרת תמונות שניתן לזהות על ידי POP (שחולצה מהתקשורת והתרבות הפופולרית) הייתה שינוי חשוב בכיוון המודרניזם.
בשנת 1957, אמן הפופ ריצ'רד המילטון רשם את 'מאפייני פופ ארט' במכתב לחבריו, האדריכלים פיטר ואליסון סמיתסון: פופ ארט הוא: פופולרי (מיועד לקהל המוני), חולף (פיתרון לטווח קצר), ניתן להשלכה (קל לשכוח), עלות נמוכה, המיוצר על ידי מסה, צעיר (מופנה לנוער), גאוני, סקסי, נקי, זוהר, עסקים גדולים. מבקרי המודרניסטים נחרדו מהשימוש באמני פופ של נושא 'נמוך' כזה ולמען הטיפול הקריטי שלהם ככל הנראה. למעשה, פופ הביא אמנות לאזורים נושאים חדשים ופיתח דרכים חדשות להציג אותה באמנות וניתן לראות בו אחד הביטויים הראשונים של הפוסט -מודרניזם.
למרות שהם קיבלו השראה מנושאים דומים, פופ בריטי נתפס לעתים קרובות כפופ אמריקאי ייחודי. אמנות הפופ המוקדמת בבריטניה הונעה על ידי התרבות הפופולרית האמריקאית שנראתה מרחוק, ואילו אמנים אמריקאים קיבלו השראה ממה שהם ראו וחוו חיים בתרבות זו. בארצות הברית, סגנון הפופ היה חזרה לאמנות מייצגת (אמנות שייצגה את העולם הוויזואלי בצורה מזוהה) ולשימוש בקצוות קשים וצורות שונות לאחר הרפיון הציורי של האקספרסיוניזם המופשט. על ידי שימוש בתמונות לא אישיים ויומיומיות, אמני פופ גם רצו להתרחק מהדגש על רגשות אישיים וסמליות אישית שאפיינו אקספרסיוניזם מופשט. בבריטניה התנועה הייתה אקדמית יותר בגישה שלה. תוך כדי שימוש באירוניה ופרודיה, הוא התמקד יותר באילו תמונות פופולריות אמריקאיות וכוחן לתמרן את אורח החיים של אנשים. קבוצת האמנות של שנות ה -50, הקבוצה העצמאית (IG), נחשבת למבשר לתנועת הפופ האמנותית הבריטית. פופ ארט היה צאצא של דאדא.
מרבית אמני הפופ שאפו לגישה בלתי אישית ועירונית ביצירותיהם. עם זאת, כמה דוגמאות לפופ ארט שהביעו ביקורת חברתית בעדינות, למשל, חפציו שנפלו של אולדנבורג והחזרות המונוטוניות של וורהול מאותה דימוי בנאלי יש השפעה מטרידה ללא ספק, וחלקם, שכן הקאדרים המסתוריים והבודדים שהם הם אקספרסיסטים גלויים.
אולי בגלל שילוב תמונות מסחריות, הפופ ארט הפך לאחד הסגנונות המזוהים ביותר של אמנות מודרנית.
מס '11 פוסט -מודרניזם (1970–
כמה אקספוננטים: ג'רהרד ריכטר, סינדי שרמן, אנסלם קיפר, פרנק גרי, זאהה חדיד
מרילין בשמיים של ©ג'יימס גיל
זה שלא ניתן להגדיר את הפוסט -מודרניות הוא אמת. עם זאת, ניתן לתאר זאת כמערכת של פרקטיקות קריטיות, אסטרטגיות ורטוריות המשתמשות במושגים כמו הבדל, חזרה, עקבות, סימולציה והיפר -ריאליות כדי לערער מושגים אחרים כמו נוכחות, זהות, התקדמות היסטורית, אפיסטמיה של וודאות ואוניברסיטת משמעות של משמעות.
המונח "אמנות פוסט -מודרניסטית" מתייחס לקטגוריה רחבה של אמנות עכשווית שנוצרה משנת 1970 ואילך. החותם הייחודי של "האמנות הפוסט-מודרניסטית" הוא דחיית האסתטיקה שלה שעליה התבסס קודמתה, "אמנות מודרנית" (1870-1970). אחד הערכים שנדחו אלה הוא הרעיון ש"אמנות "היא משהו" מיוחד "שצריך להיות" גבוה מהטעם הפופולרי. במקביל לסדרה של פיתוחים טכנולוגיים חדשים, הפוסט -מודרניזם הוביל לכמעט חמישה עשורים של ניסויים אמנותיים עם מדיה חדשה וצורות אמנות חדשות, כולל "אמנות רעיונית", סוגים שונים של "אמנות ביצועים" ו"אמנות מיצוג ", וכן סייעו תנועות כמו דקונסטרוקטיביזם ואמנות הקרנה. בעזרת צורות חדשות אלה, אמנים פוסט -מודרניים הרחיבו את הגדרת האמנות עד כדי כך ש"הכל שווה ".
סגנון האמנות החשוב הראשון לאחר הרנסנס היה אמנות אקדמית, החומר הקלאסי שנלמד על ידי מורים באקדמיות. אמנות אקדמית היא המקבילה האמנותית ל"חליפה ועניבה "המסורתית. בשלב הבא, בסביבות 1870, מגיע "האמנות המודרנית". זהו המקבילה האמנותית של "החולצה והמכנסיים" או "ז'קט ומכנסיים". בשלב הבא, בסביבות 1970, מגיע "האמנות הפוסט -מודרנית", שהיא המקבילה האמנותית של "ג'ינס וחולצת T". באותו אופן בו קודי הבגדים הפכו פחות רשמיים ויותר "הכל שווה", האמנים של ימינו מתרשמים פחות מהרעיונות הישנים של מה האמנות צריכה להיות וממוקדת יותר ביצירת משהו (כל דבר) ממה שהוא שם לב.
פוסט-מודרניזם אנטי-סמכותי, פוסט-מודרניזם סירב להכיר בסמכותו של כל סגנון או הגדרה של איזה אמנות צריכה להיות. ההבחנה בין תרבות גבוהה לתרבות המונית קרסה בין אמנות לחיי היומיום. מכיוון שהפוסט -מודרניות שברו את הכללים שנקבעו על סגנון, הציג עידן חדש של חופש ואת התחושה ש"הכל שווה ". לעתים קרובות מצחיק, אירוני או מגוחך; זה יכול להיות מנוגד ושנוי במחלוקת, מאתגר את גבולות הטעם; אבל הדבר החשוב ביותר הוא שהוא משקף מודעות עצמית של הסגנון עצמו. לעתים קרובות, ערבוב סגנונות שונים ותקשורת אמנותית ופופולרית, אמנות פוסט -מודרניסטית יכולה גם ללוות במודע או במודע או באופן אירוני על מגוון סגנונות של פעם. לפיכך, אלה פוסט -מודרניים רואים כי עמדתם התיאורטית כוללת ודמוקרטית במיוחד, מכיוון שהיא מאפשרת להם להכיר בהגמוניה הבלתי הוגנת של שיח האיור בפרספקטיבות התקפות באותה מידה של הקבוצות הלא -אליטות.
בשנות השמונים והתשעים, מגינים אקדמיים בשם כמה קבוצות אתניות, תרבותיות, גזעיות ודתיות אימצו ביקורת פוסט -מודרנית על החברה המערבית העכשווית, ופוסט -מודרניזם הפך לפילוסופיה הלא רשמית של התנועה החדשה של "מדיניות זהות".
Kuadros ©, צבע מפורסם על הקיר שלך.
