10 הציורים המופשטים המפורסמים ביותר

בכותרת - צבעי מים מופשטים ראשונים אנו מוצאים פרץ צבע טוב, כפי שנמצא ברוב ציוריו, אך השימוש בצבעי מים במקום בשמנים משאיר גמר שונה בעליל, מה שהופך את העבודה הזו למעניינת וייחודית למדי לייצור שלה בשנת 1910. נראה כי היצירה מקרוב הושלם במהירות, האופייני לצורת אמנות זו שכן הציור מתייבש מהר מאוד. הוא גם עובד באופן מפורש, מבלי לדאוג יותר מדי לדיוק, אך מתמקד יותר בבחירת הצבעים וממלא את הבד בצורות וקווים שונים. זה היה ממש מופשט וזה היה משהו שנראה יותר ויותר ככל שהתקדם בקריירה שלו, כשהוא התרחק יותר ויותר מהמציאות בדרכים בהן השתמש.

קנדינסקי התמחה בשמנים אך עבד מדי פעם עם צבעי מים. הייתי מוצא את האמצעי הקל הזה לעבוד ומשהו שגם הוא התאים היטב ליצירות הלימוד המהירות, שם ביקשתי להבין את העיצוב ליצירה עתידית. הוא גם עשה שימוש בליטוגרפיות, קסילוגרפיות ותחריט בזמנים אחרים, במיוחד בשלבים הראשונים של הקריירה שלו כשהיה ניסיוני במיוחד.

בעבודה עם צבעי מים, קנדינסקי יכול היה להשלים את הציור הזה בשלושה ימים בלבד. עם זאת, למרות החיפזון שלו, קנדינסקי ערך מספר מחקרים ליצירת אמנות זו לפני שהחל את ההרכב הסופי. מה שהצטרף למהירות שניתן לפרש בתואר היה בחירת הצבע שלו, מכיוון שקנדינסקי הוא בחר בצבעים גאוניים שהוא יודע שהם ייצגו נאמנה את רגשותיו באותה תקופה. הקווים והצורות שנמשכו והדגישו גם והדגישו את הכאוס והדחיפות שנחווה לראות את הציור הזה.

הפשטה מודגמת בבירור גם בתוך יצירת אמנות זו באמצעות הקווים הרופפים והמעורפלים המיוצגים, שעוררו עניין ניכר בין הקהל האמנותי באותה תקופה. שום כותרת לא קיימת כמניעה חשובה של תנועת האמנות המופשטת, מכיוון שזו הייתה הפעם הראשונה שמשהו נפרד מרחוק וללא מגבלות התקבל כנושא הולם ביצירות האמנות באותה תקופה. ללא כותרת זה סימן נקודה מגדירה באמנות אירופאית כמו עזיבת יצירות אמנות מסורתיות לקראת יצירות אמנות מופשטות יותר וחסרות מעצורים.

התקופה שבין 1910 ל -1914 נחשבה לשיא הקריירה של קנדינסקי ופסגת הישגיו האמנותיים הגדולים ביותר. לפיכך, ללא תואר זה היה קיים כאחת מיצירות האמנות הראשונות שהשליכו באופן בוטה את כל ההתייחסויות לצורות מזוהות ויצאו מהמגבלות שמציב מוסכמות הייצוג של ציור מערב אירופה.

הרעיון הזה של חופש מוחלט המשיך לתפוס מקום בולט ברוב העבודות שיצר קנדינסקי בתקופה זו.

מספר 2 בגרות מס '7 - הילמה אפ קלינט

למרות שהיא לא ידועה כמו רבים מהאמנים הגברים בתקופתה, האמנית השוודית הילמה אפ קלינט הייתה אמנית חלוץ מופשטת שציוריה הרדיקליים הם לפני רבים מבני דורה הגברים. הוא ביקש כי עבודתו הגדולה, שרובם מעולם לא הוצגה במהלך חייו, תישאר מוסתרת עד 20 שנה לאחר מותו. 

האוסף מייצג את שלבי החיים, כולל ילדות, נוער, בגרות וגיל מבוגר. הם משלבים אלמנטים בוטניים ואובייקטים אורגניים מוכרים המתייחסים ללידה וצמיחה.

ה גיל מְבוּגָר מספר 7 של הילמה קלינט זהו בד ענק, בגובה 3 מטרים ורוחב 2 מטרים, נצבע על נייר, על רצפת הסטודיו ואז תקוע על בד.

AF קלינט מפרש את הבגרות בציור הפריחה המלא ציור כמה צורות הזורמות בחופשיות בגדלים וצבעים שונים על רקע לילך. הסמל הצהוב המרכזי דומה לפרח, ואילו ספירלות וצורות ביומורפיות הן סמלים של צמיחה ופוריות.

מס '3 סנצ'יו - פול קליי

הושלם בשנת 1922, ציור סנצ'יו זהו ביטוי לתחושת ההומור והתרבות האפריקאית של פול. צבעים וצורות פשוטות, פול עושה שימוש בכמה גוונים של כתום, אדום וצהוב כדי לחשוף את דיוקנו של זקן. השימוש האמנותי בצורות מעניק רושם כוזב כי עין מורמת. הגבה השמאלית שלה מיוצגת על ידי משולש ואילו האחר נוצר על ידי קו מעוקל פשוט. הדיוקן נקרא גם ראש אדם שהולך סנילי ומחקה בכוונה את יצירות האמנות של ילדים באמצעות צורות וצורות דו משמעיות עם מינימום פרטי פנים.

התאמה זו של הפנים האנושיות מחולקת על ידי צבע במלבנים. הריבועים הגיאומטריים השטוחים נשמרים בתוך מעגל המייצג פנים רעולי פנים ומציג את החליפה הצבעונית של הרלקין. ניתן לראות בפורטרט של המבצע סנצ'יו אמן סמל למערכת היחסים המשתנה בין אמנות, אשליה ועולם הדרמה. ציור זה מדגים את עקרונות האמנות של קליי, שבהם מופעלים האלמנטים הגרפיים של תכניות קו, צבע וחלל על ידי אנרגיה ממוחו של האמן. בשריבויותיו הדמיוניות, הוא אהב, במילים שלו, "תוציא קו הליכה".

מס '4 בלאה אטיל - ג'ואן מירו

ציור אטויל בלו זה היה המעבר של מירו בין אמנות פיגורטיבית ומופשטת.

ציור זה ידוע בזכות היותו אחד הציורים החשובים ביותר בקריירה של מירו. בפרט, ניתן לראות את הכחול החרוך בכחול בכמה מיצירותיו העתידיות ואף השפיעו על ציירים כמו מארק רותקו ואיב קליין.

Etoile Bleue הוא ציור נהדר, אך זהו ציור של שאלות יותר מתשובות.

מירו היה הסינתיסייזר הגדול של עידן של רעיונות מגוונים רבים, משהו כמו בימינו, אבל הרעיונות האמנותיים של אז היו מורכבים בהרבה מהיום.

הציור משלב צבעי Fauvistas, צורות קוביסטיות וכוונות סוריאליסטיות ביצירה שהצופה יכול לחקור חזותית שוב ושוב. זה בין כל כך הרבה דברים שיש לך הרבה שאלות שתשובות שתשובות הן חלומות כמו התמונה.

אם הצורה הכחולה נצפתה בפינה השמאלית העליונה. זאת ציפור. סביר להניח שכן, אבל איזה ציפור לא ברור. כשמסתכלים על זה לזמן מה, זה בהחלט יכול לומר שזו צורה דינאמית, אך היא יכולה בקלות לטעון שהיא עפה שמאלה או ימינה או אפילו למטה ולפנינו.

היצירה האדומה הגדולה במרכז התחתון. האם זו רגל? זה בהחלט נתפס כיצב ומעוגן כמו היצירה הכחולה דינאמית.

ציור זה הוא תכשיט לאוהביכם. במבט ראשון זה מתנדנד מעט ונע, אבל רגע הוא נע נגד אותה דמות אלסטית בצד ימין התחתון.

מירו, אמן קטלוני שנולד בברצלונה בשנת 1893, שנקרא נוף החלום הסוריאליסטי שלו Peinture (étoile bleue) משנת 1927 תמונת מפתח, תוך שילוב סמלים שהוא ישתמש שוב ושוב בשנים מאוחרות יותר, ואפילו הצבע הכחול הצבעוני השפיע על ציירים מאוחרים יותר, כולל מארק רותקו ואיב. קליין

מס '5. קומפוזיציה VII - ווסילי קנדינסקי

ה קומפוזיציה ציור VII של ווסלי קנדינסקי נחשב על ידי מעריצים רבים של אמנות מופשטת, כיצירה החשובה ביותר של האמנות של המאה העשרים, אולי אפילו הציור המופשט החשוב ביותר שנוצר אי פעם.

עבודה זו היא המשך הגיוני של קומפוזיציה V ו הרכב VI ו שלושת הציורים קשורים לנושא האפוקליפסה. אלמנטים כאלה של הרכב VI כיצד ניתן לייחס את השיטפון והתחייה בעבודה זו. הנושא העיקרי שלו הוא פסק הדין הסופי, אך הוא לא נתפס כאסון אלא כשחרור, המעבר מהעולם מהחומר לרוחני. לפיכך, קומפוזיציה VII שונה מהיצירות האחרות של הסדרה לצבעים הצלולים שלה וקווי הניגודיות המנצנצים שלה.

קנדינסקי בנה כל אחת מהיצירות שלו כך שהצופה יוכל להיכנס לתמונה כאילו פנה לתוכה. הוא הפך את הקצה התחתון של הקומפוזיציה לכבד יותר, דוחף אותו קדימה, ואילו החלק העליון נשאר קל יותר ומרוחק יותר עבור הצופה. אחד הניגודים העיקריים של האמן, כחול וצהוב מהווה את האזור המרכזי של התנועה הפעילה פנימה והחוצה.

קנדינסקי בילה חודשים רבים בהכנת הקומפוזיציה שלו VII, אך לקח רק ארבעה ימים לצייר אותה. האמן ערך כ -30 מחקרים בציור זה. חלקם זוכרים את קרוואג'יו או לאונרדו דה וינצ'י עם מחקריהם המפורטים על קפלי הבד, עלי העצים או הגפיים האנושיות. בסדרה זו כמה יצירות מציגות שוב ושוב את אותו קו מעוקל, אחרות מראות באופן סכמטי את האלמנטים המבניים הבסיסיים של הקומפוזיציה וחלקם מכילים מישור מפורט של הקומפוזיציה. בנוסף ישנם כ -15 ציורים שונים הקשורים לקומפוזיציה VII: אלה רישומי השמן או העיפרון, צבעי המים, זכוכית וציורים חרוטים.

גבריאלה מינטר, שהייתה עדה ליצירת ציור זה, כתבה בעיתון שלו ב- 25 בנובמבר 1913 כי הבד לקומפוזיציה VII הועבר בביתו במורנו, וקנדינסקי החל לעבוד באותו לילה. למחרת בבוקר הוא צילם את הצילום הראשון של הציור ואחרי ארוחת הצהריים הוא לקח את השני. הכניסה ל -28 בנובמבר בדיאריו דה מינטר אמרה כי הציור הושלם. ב- 29 בנובמבר הוא צילם את העבודה המוגמרת. כך נרשמה לידת יצירת מופת נהדרת.

הרכב VII תופס את העמדה מספר. 100 ברשימתנו של ציורים מפורסמים

קומפוזיציה מס '6 x - קנדינסקי

ווסלי קנדינסקי, שהובא כאחד האלופים הראשונים בציור המופשט, היה לא רק צייר רוסי, אלא גם תיאורטיקן אמנות. ההשפעה שהניעה והשארה בעולם האמנות ובהפשטה הייתה עצומה מאז קבוצת האמנות פלנקס וקבוצת האמנים החדשה מכאן ואילך, וארגנה תערוכות לבני דורם לאורך כל שנותיה כאמן. הוא הפיק יותר מ -600 יצירות לאורך הקריירה שלו, עם ציור משנת 1913 שהגיע למחיר השיא של מכירה פומבית של 41.6 מיליון דולר בשנת 2017. 

למרות השיא המרשים הזה, עבודתו המשמעותית ביותר הייתה אולי קומפוזיציה xו אחרון בחייו של 'קומפוזיציות'. איתו הוא ביקש להגיע לשיאו של מחקריו על טוהר הצורה והביטוי באמצעות יצירה זו. לאחר שהשתמש בצבע השחור במתינות בתרגולו עד לנקודה זו, הוא נמתח ביקורת כי יצירה זו מעוררת הן את הקוסמוס והן את חושך הסימן שמתקרב בסוף חייו. 

בתחילה, יצירת קומפוזיציה X הושפעה מהצורות הביומורפיות של הסוריאליזם.

עם זאת, ווסלי קנדינסקי השתמשה בהמשך באומנות השימוש בצורות אורגניות בציוריה. זהו סגנון בו השתמש בהמשך בכל ציוריו.

הסגנון העניק ליצירתו את הייחודיות. זה היה קל וכמעט בלתי אפשרי שלא לזהות את הציורים שיצרו ווסלי קנדינסקי כשהם הוצגו בתערוכות או במקומות אחרים.

בנוסף, קומפוזיציה X נוצרה בצרפת. לראות את הצבע מקרוב זה מראה שהצייר השתמש ברקע שחור. הסיבה העיקרית לשימוש ברקע השחור הייתה שהצבעים לקדמת הבמה ייראו בבירור.

מס '7 התכנסות - ג'קסון פולוק

הִתכַּנְסוּת "ציור שחור לבן עליו השליך פולוק צבעי יסוד", משקף את משבר המלחמה הקרה. זו אחת מיצירות המופת שלו, וזה יכול להיות גם הציור הידוע ביותר של אקספרסיוניסט מופשט. בשנת 1964, מהדורות ספרינגבוק הפיקו חידה של ציור, שהועלה כ"פאזל הקשה ביותר בעולם ", ומאות אלפי אמריקאים קנו אותו.

בשנת 1951 אמר פולוק: "נראה לי שהצייר המודרני לא יכול לבטא את זמנו, את המטוס, הפצצה האטומית, הרדיו, בצורות הישנות של הרנסנס או בכל תרבות אחרת בעבר. כל עידן מוצא טכניקה משלה. " פולוק מצא את הטכניקה שלו בציור בתים וטפטופים, והשתמש בה כדי לבטא את זמנו שלו.

עם גודל של 237 x 394 סנטימטרים, ההתכנסות היא אחת מהן הציורים השאפתניים ביותר של פולוק. הוא ידוע בזכות הברק החזותי שלו ומעורר רגשות עמוקים אצל הצופה. למרות שעבודותיו של ג'קסון עדיין קשה לפענח אפילו עבור מומחי אמנות, ציוריו נחשבים לביטויים של חופש הביטוי. ההתכנסות, שהיא דוגמא בולטת במובן זה, נותרה אחת מיצירות המופת המפורסמות ביותר שלה.

מס '8 אלגורי לרפובליקה הספרדית -רוברט Motherwell

למרות שרוברט ממוול היה רק ​​בן 21 כשפרצה מלחמת האזרחים בספרד, זוועותיו השפיעו עליו מאוד בשנים שלאחר מכן. זה הוביל אותו ליצור סדרה של יותר מ -200 ציורים בתגובה אליו. הסדרה 'שנבחרה לרפובליקה הספרדית' משמשת כריבוי של הנצחה של סבל אנושי, כמו גם "סמלים מופשטים ופואטיים למחזור החיים והמוות הבלתי ניתן להחלפה."

על האלגיות הצהירה Motherwell כי "אחרי תקופה של ציור אותם גיליתי את השחור כאחד הנושאים שלי, ועם לבן שחור, מנוגד, תחושת חיים ומוות שמבחינתי די ספרדית. הם בעצם המוות השחור הספרדי בניגוד לבוהק של אור שמש כמו מאטיס. "

האלגיות שלו מהוות מדיטציה מופשטת מורחבת על החיים והמוות. לאורך הסדרה, בדים לבנים אופקיים מחולקים בקצב על ידי שניים או שלושה סורגים אנכיים שנמשכו בחופשיות ומנוקדים בכמה מרווחים על ידי צורות ביציות. הציורים מורכבים בדרך כלל לחלוטין משחור לבן, צבעי האבל והזוהר, המוות והחיים. Motherwell הגיבה על הסתבכותם של כוחות אלה כמטאפורה להבנתם את החוויה של להיות בחיים.

הוא בחר ברפובליקה הספרדית מתאר מעבר מלכותי של האורגני והגיאומטרי, המקרי והמכוון. כמו אקספרסיוניסטים מופשטים אחרים, Motherwell נמשכה לעיקרון הסוריאליסטי של האוטומטיזם - של שיטות שנמלטו לכוונתו המודעת של האמן - ולמכה שלו יש נטל רגשי, אך בתוך מבנה כללי של חומרה מסוימת. למעשה, Motherwell ראתה את הסידורים הקפדניים של צבע וצורה כלב האמנות המופשטת, אשר "מופשטת מדברים אחרים כדי להעצים אותו, את המקצבים שלה, מרווחי החלל ומבנה הצבעים."

מס '9 איריס שחור - ג'ורג'יה אוקיף

ציור הפרחים המונומנטלי הזה הוא אחת מיצירות המופת הראשונות של אוקיף. על ידי הגדלת עלי הכותרת הרבה מעבר לפרופורציות של הגודל הטבעי, היא מאלצת את הצופה להתבונן בפרטים הקטנים שיכולים להתעלם ממנה. כאשר הוצגו לראשונה ציורי הקבוצה הזו בשנת 1924, אפילו אלפרד שטיגליץ, בעלה והסוחר, הופתע מהחוצפה שלה.

הקשתית השחורה של ג'ורג'יה אוקיף היא דוגמא לאחת מיצירותיו הרבות בנושא הפרחים ובמיוחד בקשתית, פרח עשיר בסמליות. עם זאת, ב- IRIS השחור השלישי, מטרתו של אוקיף לא הייתה להתייחס לסמליות זו או להוסיף אותה, אלא לעודד את הצופה להסתכל ולראות את הפרח ולשקול את הדרכים השונות בהן אנשים רואים. לפיכך זה הופך למדיטציה עמוקה על אומנות המבט, לא רק לאמנות אלא לחיים. במאמר זה, SingularArt מנתח את הסמליות החזויה בציור של אוקיף, כמו גם כוונות משלו בעת יצירת איריס השלישי השחור. 

ג'ורג'יה אוקיף דאגה לסוגיית ציור איריס במשך שנים רבות, בפרט איריס השחורה, שהייתה קשה יותר למצוא והיתה זמינה רק כמה שבועות בשנה בניו יורק. איריס היא סמל משפחתי בעולם המערבי: במיתולוגיה היוונית, האלה איריס מאפיינת את הקשת ואת הקשר בין גן עדן לאדמה; בנצרות איריס מסמלת את תשוקתו של ישו ותחיית המתים, כמו גם את סבלה של מרי. לינדה נוחלין, היסטוריונית האמנות, הפכה את קשתו של אוקיף לסמל פמיניסטי כאשר מתארת ​​אותם כ"מטאפורה מורפולוגית "של איברי המין הנשיים, ומשקפת את" אחדות הנשי והסדר הטבעי ". התיאור של איריס איריס השלישי של שחור השלישי, ציורי הקשתית האחרים של אוקיף עגנו אותם בתולדות האמנות ובהיסטוריה של הפמיניזם והאמנות הפמיניסטית.

עם זאת, אוקיף דחה את התיאור הזה, וקבע כי: "אף אחד לא רואה פרח, באמת, כל כך קטן. אין לנו זמן ולראות זמן שיש חבר לוקח זמן. אם הייתי יכול לצבוע את הפרח בדיוק כפי שאני רואה אותו, אף אחד לא היה רואה את מה שאני רואה כי הייתי מצייר אותו קטן ככל שהפרח קטן. אז אמרתי לעצמי: אני אצייר את מה שאני רואה, מה הפרח בשבילי, אבל אני אצייר אותו בגדול ואפתיע כשתקדיש את הזמן להסתכל עליו, אני אביא אפילו את הניו יורקים הכבושים לקחת את הזמן לראות מה אני רואה על פרחים. גרמתי לך לקח את הזמן להסתכל על מה שראיתי וכשקחת את הזמן לשים לב באמת לפרח שלי, אתה שם את כל האסוציאציות שלך עם פרחים בפרח שלי וכתבת על הפרח שלי כאילו חשבתי ולראות מה אתה חושב ו ראה. הפרח, ואני לא.

מס '10 חילופי - ויליאם דה קונינג

בשנת 1955 השלים קונינג וילם את חילופי העבודה. הוא התמקד זמן רב כדי לעבד מחקרי דמויות שהיו מעורבים נשים שהחלו בשנת 1948. אלה היו קשורים לתערוכה האישית שלהם בשנת 1953, ציורים בנושא נשים, שנפתחו בעיר ניו יורק באותה תקופה. כמה כותרות של יצירות אלה כוללות נשים I, אישה III ונשים V, כמו גם שתי נשים בעלות אופי מת.

עד שנת 1955, מקונינג הוא הפסיק לצייר דמויות אנושיות והמשיך להשתמש בייצוגים מופשטים של אדריכלות וקהילות בעיר ניו יורק.

Kooning Willem השתמש בסימני מחווה מהירים על הבד. התמונה מציגה אישה שיושבת בכיסא, אך נשים מופיעות רק כמסה של שיא. כאשר מונה את ציוריו, הוא תמיד העדיף קישור לאזור בו חי. הבורסה השיגה את שם הסביבה, מרכז ניו יורק, המקום בו התגורר באותה תקופה.

במקור הציור נמכר על ידי האמן בשנת 1955 תמורת 4,000 דולר.

לאחר מכן הוא נמכר על ידי קרן דייוויד גפן לקנת ג. גריפין תמורת 300 מיליון דולר בספטמבר 2015, והציב אותה במקום השני ברשימת הציורים היקרים יותר, שעלה רק על ידי סלוור מונדי דה לאונרדו דה וינצ'י, שנמכר ב -450.3 מיליון דולר בנובמבר 2017.

Kuadros ©, צבע מפורסם על הקיר שלך.