Il y a des causes mystérieuses pour lesquelles de grands chefs-d'œuvre ont inspiré des dizaines de théories du complot et de conjectures invraisemblables.
Parfois, les détails cachés dans ces tableaux célèbres sont extrêmement ingénieux, peut-être révolutionnaires.
Entrez maintenant dans ce monde fascinant de 10 grands chefs-d'œuvre de notre histoire qui cachent des secrets discrets entre la toile et l'observateur.
Secrets de La Cène - Léonard de Vinci
La Cène est l'interprétation visuelle de Léonard de Vinci d'un événement narré dans les quatre Évangiles (les livres du Nouveau Testament chrétien).
La nuit avant que le Christ ne soit trahi par l'un de ses disciples, le maître les a réunis pour manger ensemble, leur laver les pieds et leur annoncer ce qui allait se passer. Tout en mangeant et en buvant, le Christ donne aux disciples des instructions explicites sur la façon de manger et de boire à l'avenir, en sa mémoire. C'est là que naquit la première célébration de l'Eucharistie, un rituel qui demeure encore parmi les chrétiens.
La Cène décrit les moments après que le Christ a lâché une bombe, annonçant qu'un disciple le trahirait avant l'aube. Les douze apôtres réagissent à la nouvelle avec différents degrés de choc.
Léonard de Vinci n'avait jamais travaillé sur une peinture aussi grande et n'avait pas d'expérience dans le domaine des fresques murales. La peinture a été réalisée en utilisant des pigments expérimentaux directement sur le mur de plâtre sec et, contrairement aux fresques, où les pigments sont mélangés avec du plâtre humide, l'œuvre n'a pas bien résisté à l'épreuve du temps.
Même avant que le chef-d'œuvre ne soit terminé, la peinture se détachait du mur et Léonard dut la réparer. Au fil des ans, elle s'est effondrée, a également fait l'objet de vandalisme, a été bombardée et restaurée. Aujourd'hui, nous voyons probablement très peu de l'œuvre originale.
Si vous avez lu Le code Da Vinci de Dan Brown, vous saurez que cette fresque de Léonard de Vinci de la fin du XVe siècle a fait l'objet de beaucoup de spéculations.
Brown a proposé que le disciple à la droite de Jésus soit en réalité Marie Madeleine déguisée en Jean l'Apôtre. Il suggère également que la forme en "V" formée entre Jésus et "Jean" représente un utérus féminin, impliquant que Jésus et Marie Madeleine aient eu un enfant ensemble.
Les historiens de l'art, cependant, se montrent sceptiques à l'égard de cette conjecture, qui a à l'époque gagné de nombreux adeptes. Les critiques suggèrent que l'apparence de Jean est féminine simplement parce qu'il est souvent représenté ainsi.
Mais le musicien italien Giovanni Maria Pala a découvert un message secret beaucoup plus convaincant. Il affirme que Da Vinci a caché des notes musicales dans "La Cène" qui, lorsqu'elles sont lues de gauche à droite, correspondent à un hymne de 40 secondes qui sonne comme un requiem.
En 2007, Pala a créé une mélodie à partir des notes cachées dans la scène. Vous pouvez écouter cette supposée mélodie que Da Vinci a laissée cachée ici.
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Secrets de La Création d'Adam - Michel-Ange (Michellangelo)
"La Création d'Adam" est probablement le plus célèbre des neuf panneaux bibliques que Michel-Ange a peints au plafond de la Chapelle Sixtine. Mais saviez-vous que la scène pourrait contenir l'image d'un cerveau caché?
Michel-Ange était un expert en anatomie humaine. À 17 ans, le grand artiste de la Renaissance avait un emploi disséquant des cadavres au cimetière de l'église. Selon les experts en neuroanatomie Ian Suk et Rafael Tamargo, le peintre a placé certaines illustrations soigneusement cachées de certaines parties du corps au plafond de la Chapelle Sixtine.
Si l'on observe le suaire qui entoure Dieu dans "La création d'Adam", on voit que Michel-Ange pourrait reproduire une illustration anatomique du cerveau humain.
Suk et Tamargo croient que Michel-Ange voulait que le cerveau représente l'idée que Dieu dotait Adam non seulement de la vie, mais aussi de la connaissance et de la capacité de raisonner.
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Secrets de La Séparation de la Lumière et des Ténèbres - Michel-Ange
"La Création d'Adam" n'était pas le seul panneau de la Chapelle Sixtine où Michel-Ange cachait des illustrations anatomiques. Selon Suk et Tamargo, dans "La Séparation de la Lumière et des Ténèbres", on peut trouver une représentation de la moelle épinière humaine et du tronc cérébral au centre de la poitrine de Dieu, menant à sa gorge.
Bien qu'il soit possible que le spectateur soit surpris par la quantité de peau nue exposée au plafond et sur le mur, il y avait à l'origine beaucoup plus dans l'œuvre. Peu après la mort de Michel-Ange, le Pape Paul III ordonna que les organes génitaux des saints et des martyrs soient cachés. Plus de 40 modifications ont été apportées pour couvrir la nudité totale des figures féminines. L'artiste choisi (Daniele dal Volterra) serait connu pour toujours comme "Il Braghettone", le fabricant de sous-vêtements ou le peintre de sous-vêtements.
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Secrets de Café Terrasse au Clair de Lune - Vincent Van Gogh
À première vue, la peinture à l'huile de Vincent van Gogh de 1888 semble résumer ce que décrit le titre : une terrasse de café pittoresque dans une ville française colorée. Mais, en 2015, l'expert de Van Gogh, Jared Baxter, a proposé la théorie selon laquelle la peinture est en réalité la version de l'artiste de "La Cène".
Une étude détaillée montre une figure centrale avec de longs cheveux entourée de 12 individus, dont l'un semble glisser dans l'ombre comme Judas. Il y a aussi ce qui semble être de petits crucifix cachés dans toute la peinture, y compris un au-dessus de la figure centrale ressemblant à Jésus.
Une allusion religieuse ne serait pas trop hors de propos pour Van Gogh. Avant de se consacrer à la peinture, le célèbre artiste néerlandais avait voulu "prêcher l'évangile partout", et son père, Theodorus van Gogh, était pasteur d'une église réformée hollandaise. À l'époque où il travaillait sur Café Terrasse au Clair de Lune, van Gogh a écrit à son frère, Theo van Gogh, en lui expliquant qu'il avait un "besoin terrible de, dirais-je, de religion", en référence directe à la peinture.
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Secrets du Prophète Zacharie - Michel-Ange
Une partie du travail de Michel-Ange dans la Chapelle Sixtine pourrait avoir des secrets cachés assez controversés. "Le prophète Zacharie", par exemple, ressemble à une fresque du prophète homonyme lisant un livre tandis que deux chérubins regardent par-dessus son épaule.
Mais, si l'on regarde de près, il semble que l'un des anges soit en train de "faire un doigt", ce qui est quand on met le pouce entre le majeur et l'index. C'est essentiellement la version ancienne de montrer le doigt du milieu.
Le rabbin Benjamin Blech de l'Université Yeshiva a déclaré à ABC News : "C'est peut-être la clé pour comprendre le courage de Michel-Ange, les véritables sentiments de Michel-Ange envers le Pape et le fait que Michel-Ange n'a pas hésité à nous présenter des messages qui auraient pu être offensants".
Il y a aussi une sensation tangible que tout cela fait partie de la fantaisie de Zacharie. Dans une pièce pleine d'imaginaires, chaque occupant du plafond de la Chapelle Sixtine semble préoccupé par quelque chose, le pouvoir de la perspective assure que les messages de Zacharie atteignent plus loin.
Ce n'est pas seulement le fait qu'il soit au-dessus de la porte, lisant son propre travail, qui se sent comme un établissement de l'agenda de Dieu.
Zacharie est peut-être l'un des prophètes apocalyptiques les plus intéressants, qui a prévu la fin du monde ou, comme il préférait le dire, le jour du Seigneur. Michel-Ange fait en sorte que Zacharie captive le spectateur avec sa figure emblématique.
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La Joconde - Léonard de Vinci
Le chef-d'œuvre de Léonard de Vinci du XVe siècle est peut-être l'une des œuvres d'art les plus reconnues au monde, mais il y a beaucoup à observer dans ce sourire mystérieux.
Tout d'abord, on suppose que La Joconde est enceinte, étant donné la façon dont ses bras sont placés sur son ventre et le voile autour de ses épaules, que les femmes utilisaient souvent pendant la grossesse à la Renaissance italienne.
Mais les découvertes les plus récentes se trouvent dans ses yeux. En 2011, le chercheur italien Silvano Vinceti a affirmé avoir trouvé des lettres et des chiffres peints microscopiquement dans ceux-ci. Il a dit à l'Associated Press que le "L" sur son œil droit représente probablement le nom de l'artiste.
La signification de la lettre "S" que vous voyez dans son œil gauche et du nombre "72" sous le pont arquée à l'arrière-plan est moins claire. Vinceti pense que le "S" pourrait se référer à une femme de la dynastie Sforza qui a régné sur Milan, ce qui signifie que la femme dans la peinture pourrait ne pas être Lisa Gherardini, comme on l'a longtemps cru.
Quant au nombre "72", Vinceti soutient qu'il pourrait être dû à l'importance des nombres tant dans le christianisme que dans le judaïsme. Par exemple, le 7 fait référence à la création du monde, et le nombre 2 pourrait renvoyer à la dualité entre les hommes et les femmes.
D'autres secrets que La Joconde garde et qui ont été récemment découverts sous rayons X :
- Il y a une dentelle cachée dans la robe de La Joconde
- La transparence du voile montre que Da Vinci a d'abord peint un paysage et ensuite utilisé des techniques de transparence pour peindre le voile par-dessus.
- L'œuvre a subi un changement dans la position de l'index et du majeur de la main gauche.
- Le coude a été réparé après des dommages causés par une pierre lancée sur la peinture en 1956.
- La couverture qui cache les genoux de La Joconde couvre également son ventre.
- Le doigt gauche n'était pas complètement terminé.
- Une tache dans le coin de l'œil et sur le menton est due à des accidents de vernis, ce qui contredit les affirmations selon lesquelles La Joconde était malade.
- Et La Joconde a été peinte sur un panneau de peuplier non coupé, contrairement à d'autres spéculations.
Secrets du Portrait d'Arnolfini - Jan van Eyck
Lorsqu'on observe pour la première fois la peinture à l'huile de 1434 de Jan van Eyck, elle semble simplement représenter le marchand Giovanni di Nicolao Arnolfini et sa femme.
Mais si vous regardez de près le miroir au centre de la pièce, vous remarquerez qu'il y a deux figures entrant dans la pièce. On pense largement que l'une d'elles est le même Van Eyck. Vous pourrez également remarquer qu'il y a une inscription en latin avec une écriture très élaborée sur le mur au-dessus du miroir, qui se traduit par "Jan van Eyck était ici. 1434".
Le Portrait d'Arnolfini, comme le dit le titre, était révolutionnaire à son époque et la peinture continue de nous fasciner à ce jour. Toute l'image attire l'attention du spectateur sur des détails qui pourraient être un message important ou transmettre une signification cachée.
Au fil des siècles, l'œuvre a été interprétée comme un portrait de deux êtres récemment mariés, avec des symboles typiques d'un événement nuptial, commençant par le symbole de fertilité de la position de grossesse du corps de Costanza, qui, comme on le sait, n'était qu'un caprice de l'artiste. En effet, le couple n'a finalement pas eu d'enfants.
D'autres symboles de fertilité sont le lit et le tapis rouge. Les chaussures qui étaient sur le sol en bois avaient également une signification en tant que cadeau de mariage commun pour une mariée de son mari. Les oranges symbolisent la fertilité et l'amour.
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Secrets des Ambassadeurs - Hans Holbein Le Jeune
La peinture la plus emblématique de Hans Holbein Le Jeune échappe souvent à l'interprétation correcte. Jean de Dinteville et Georges de Selve (1533), également connus sous le nom des Ambassadeurs, ont été soumis à un examen minutieux par les historiens pendant des centaines d'années. Le portrait double, exhibé avec fierté à la National Gallery de Londres, reste une énigme fascinante dans laquelle chaque détail semble suggérer de multiples significations.
La peinture de l'artiste présente une illusion assez évidente dans sa partie inférieure. Si vous observez l'image tordue en bas de la peinture de droite à gauche, vous semblez voir un crâne anamorphique. Les chercheurs estiment que l'image est censée rappeler que la mort est toujours à portée de main. Lorsque le crâne est observé depuis la droite de l'image, la distorsion apparente de l'image est corrigée.
La peinture est une tradition montrant des hommes instruits avec des livres et des instruments de travail. Les objets sur l'étagère supérieure incluent un globe céleste, une horloge solaire portable et divers autres instruments utilisés pour comprendre les cieux et mesurer le temps. Parmi les objets de l'étagère inférieure, on trouve un luth, une boîte de flûtes, un livre de cantiques, un livre d'arithmétique et un globe terrestre.
Certains détails de l'œuvre pourraient être interprétés comme des références aux divisions religieuses contemporaines. La corde rompue du luth, par exemple, peut signifier un certain type de discorde religieuse, tandis que le livre de cantiques luthérien peut être une supplication pour l'harmonie chrétienne.
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Secrets de L'Ancien Guitariste - Pablo Picasso
La représentation troublante de Pablo Picasso d'un vieil homme tenant une guitare est l'une des œuvres les plus vénérées de son Période Bleue.
Cependant, en 1998, les chercheurs ont utilisé une caméra infrarouge et ont découvert qu'il y avait une autre peinture en dessous, montrant une femme. Maintenant que la peinture s'estompe, il est plus facile de voir le visage de la femme au-dessus du cou du vieil homme.
Une recherche de l'Institut d'Art de Chicago et une exposition en 2001 au Musée d'Art de Cleveland ont cherché à déchiffrer les images entrelacées. Les caractéristiques les plus évidentes incluent la tête d'une femme regardant vers la gauche et un bras tendu avec une main ouverte vers la droite. Il est très probable que Picasso ait d'abord commencé à peindre un portrait d'une femme, qui semble possiblement assise et de mauvaise humeur ou préoccupée. On ne voit pas beaucoup de cette image, sauf son visage et ses jambes.
L'Ancien Guitariste est probablement la peinture la plus emblématique de la période bleue de Picasso alors qu'il vivait dans la pauvreté et la confusion émotionnelle. La présence fantomatique de l'image mystérieuse de la femme ajoute un élément de mystère à cette grande œuvre du XXe siècle.
Secrets de Madame X - John Singer Sargent
En 1884, John Singer Sargent a peint un portrait de la socialite riche de Paris Virginie Amélie Avegno Gautreau. Il a initialement représenté la bretelle ornée de bijoux de sa robe glissant sur son épaule, mais l'œuvre a scandalisé la société de la haute classe de l'époque.
L'artiste a été contraint de peindre les bretelles, de changer le titre de la peinture et de déménager à Londres pour éviter le mépris du public et des critiques.
La peinture, qui a initialement fait ses débuts avec ce doux mépris, mais qui est aujourd'hui chérie comme un chef-d'œuvre aimé dans l'histoire de l'art occidental, n'est qu'un exemple d'une œuvre d'art qui a progressivement évolué de la condamnation à la célébration.
Une grande partie de la réception initiale d'une œuvre dépend des goûts de la société, des normes de l'étiquette et des valeurs de l'époque, et à mesure que ces attitudes changent au fil du temps, le public peut commencer à voir des peintures anciennes sous un nouveau jour. Madame X de Sargent est peut-être un des exemples les plus dramatiques de cette tendance, non sans soulever des questions intrigantes sur ce qui définit réellement la popularité d'une œuvre d'art, son héritage et la renommée acquise.
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Secrets du Printemps - Sandro Botticelli
Les critiques questionnent le sens spécifique derrière Le Printemps, le chef-d'œuvre de Sandro Botticelli. Il est largement accepté qu'à un certain niveau, l'œuvre est une célébration de la saison des fleurs et de la fertilité que la saison apporte.
D'une part, la peinture de Botticelli a des délices secrètes pour les amateurs d'horticulture. Les botanistes ont identifié au moins 200 espèces différentes de plantes dans "Le Printemps" qui sont présentées avec des détails spécifiques.
La clé pour interpréter la composition de Le Printemps dans son ensemble pourrait résider dans les sources de la peinture, mais il n'y a pas de consensus sur lesquelles elles ont été. Certaines parties semblent provenir d'Ovide, qui a écrit sur Chloris et sa transformation, et de Lucrèce, qui dans son poème "De rerum natura" a touché certaines des images que l'on voit dans la peinture. Cela pourrait également avoir été inspiré par "Rusticus", un poème qui célèbre la vie à la campagne de Poliziano, un ami proche de la famille Medicis.
Heureusement, notre appréciation de la beauté de la peinture transcende nos difficultés à la comprendre. La récente déclaration du conservateur du Metropolitan Museum of Art Ian Alteveer sur le Drapeau Blanc de Jasper John pourrait facilement s'appliquer à Le Printemps de Botticelli : "Alors que je m'enthousiasmais pour cette œuvre, j'ai réalisé qu'une œuvre peut être insondable et qu'elle peut encore vous ravir".
En 1893, Aby Warburg, l'un des historiens les plus importants de l'art florentin, a publié son étude novatrice sur Le printemps de Botticelli. Dans son article Le Nascimento de Venus et Le Printemps de Sandro Botticelli, l'érudit a lié le sens de la peinture avec le Fasti d'Ovide, l'Énéide de Virgile et les textes de Lucrèce et de Poliziano. Selon Warburg, les trois figures à droite visualisent un passage de Fasti et montrent le moment où Zéphyr kidnappe la nymphe Chloris qui se transforme en Flora. Cette source, cependant, n'explique qu'une partie de l'image. Et le reste? En référence à l'Énéide, aux Odes d'Horace et aux écrits de Lucrèce et de Poliziano, Warburg a vu dans la peinture une représentation du Jardin de Vénus. Selon sa lecture, les figures de gauche à droite sont : Mercure, les Trois Grâces, Vénus avec Cupidon, Flora, Chloris et Zéphyr. La peinture, donc, représenterait le royaume de Vénus tel que décrit par Poliziano dans son Stanze per la Giostra :
Dans les vers de Poliziano, nous trouvons presque tous les protagonistes du tableau de Botticelli : Vénus, Cupidon, les Trois Grâces, Zéphyr et Flora.
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