Los fundamentos de la historia del arte se remontan a decenas de miles de años, cuando las civilizaciones antiguas usaban las técnicas y los medios disponibles para representar temas culturalmente significativos. Desde estos primeros ejemplos, han surgido numerosos movimientos artísticos, cada uno con estilos y características distintivas que reflejan las influencias políticas y sociales de su época.
¿Qué significa el fauvismo y de qué trata el arte conceptual? Hablar de arte es una disciplina en sí misma, y si eres nuevo en este mundo, probablemente tengas muchas preguntas, especialmente sobre cada movimiento y los diferentes tipos de arte.
Los géneros de arte influyentes, desde el Renacimiento hasta el surgimiento del Modernismo, han dejado una huella indeleble en la historia.
Al tener claros los conceptos sobre la historia y la importancia de los movimientos artísticos, tendremos una comprensión más profunda de cómo artistas famosos como Van Gogh, Picasso y Warhol revolucionaron el mundo del arte.
Kuadros ha preparado para ti una lista de los movimientos más importantes.
No.1 Renacimiento Italiano (1400–1550)
Algunos exponentes: Puertas de Ghiberti, Brunelleschi, Donatello, Botticelli, Leonardo, Miguel Ángel, Rafael.
Hacia finales del siglo XIV, un grupo de pensadores italianos proclamó que vivían en una nueva era. La oscura y bárbara "Edad Media" había concluido; comenzaba una "rinascità" ("renacimiento") del aprendizaje, la literatura, el arte y la cultura. Este fue el nacimiento del período ahora conocido como el Renacimiento. Durante siglos, los estudiosos han acordado que el Renacimiento italiano sucedió de esta manera: entre los siglos XIV y XVII, una forma moderna de pensar sobre el mundo y el lugar del hombre en él reemplazó a las viejas ideas. Muchos de los logros científicos, artísticos y culturales de este período comparten temas comunes, especialmente la creencia humanista de que el hombre es el centro de su propio universo.
Italia en el siglo XV era diferente a cualquier otro lugar en Europa. Estaba dividida en ciudades-estado independientes, cada una con su propio gobierno. Florencia, donde comenzó el Renacimiento italiano, era una república independiente y un centro bancario y comercial. Los florentinos ricos mostraban su poder apoyando a artistas e intelectuales, convirtiendo la ciudad en el centro cultural de Europa y del Renacimiento.
El Renacimiento se divide en dos partes principales:
Durante el Renacimiento temprano, los artistas comenzaron a rechazar el estilo bizantino de la pintura religiosa y se esforzaron por crear realismo en la representación de la forma y el espacio humanos. Este objetivo comenzó con Cimabue y Giotto, y alcanzó su apogeo con artistas como Andrea Mantegna y Paolo Uccello. Aunque la religión seguía siendo importante en la vida cotidiana, también se abrió paso el tema mitológico. Muchos señalan El Nacimiento de Venus de Botticelli como la primera pintura en panel de una escena mitológica.
El período conocido como el Alto Renacimiento representa la culminación de los objetivos del Renacimiento temprano. Los artistas más destacados son Leonardo da Vinci, Rafael, Tiziano y Miguel Ángel. Sus pinturas y frescos son algunas de las obras más reconocidas del mundo, como La Última Cena, La Escuela de Atenas y las pinturas del techo de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel.
Compra una reproducción de La Mona Lisa en la tienda en línea de Kuadros
No.2 Barroco (1600–1750)
Algunos exponentes: Rubens, Rembrandt, Caravaggio, Velázquez, Palacio de Versalles.
El término barroco probablemente deriva del italiano "barocco", usado en la Edad Media para describir obstáculos lógicos. Posteriormente, llegó a significar ideas complejas o procesos de pensamiento retorcidos. Otra fuente posible es el portugués "barroco" (español "barrueco"), que describe una perla de forma irregular o imperfecta. El barroco es un movimiento en el arte y la arquitectura desarrollado en Europa desde principios del siglo XVII hasta mediados del XVIII. Enfatiza el movimiento dramático y exagerado y detalles claros para producir drama, tensión, exuberancia y grandeza.
Las primeras manifestaciones ocurrieron en Italia en las últimas décadas del siglo XVI, mientras que en regiones como Alemania y América del Sur colonial, ciertos logros culminantes del barroco no ocurrieron hasta el siglo XVIII.
Los artistas revivieron los ideales de belleza del Renacimiento, infundiendo en las obras de arte, música y arquitectura una nueva extravagancia y ornamentación. Este estilo, conocido como barroco, se caracterizó por técnicas innovadoras y detalles elaborados, ofreciendo un lenguaje visual exuberante en un período relativamente moderado para el arte. El barroco se difundió por toda Europa, impulsado por el Papa en Roma y gobernantes católicos en Italia, Francia, España y Flandes. Se extendió aún más por órdenes religiosas a través de monasterios y conventos.
El estilo barroco que emergió fue tanto sensual como espiritual. Un tratamiento naturalista hizo que las imágenes religiosas fueran más accesibles, mientras que efectos dramáticos e ilusorios estimulaban la piedad y transmitían el esplendor divino. Los techos de las iglesias se disolvían en escenas pintadas que dirigían los sentidos hacia lo celestial.
Si bien el tema y el estilo pueden variar entre las pinturas barrocas, la mayoría comparte el drama como elemento común. En obras de artistas como Caravaggio y Rembrandt, el interés por el drama se manifiesta en intensos contrastes de luz y sombra.
El gran maestro de la región católica gobernada por los españoles fue el pintor Peter Paul Rubens, cuyas composiciones dinámicas y figuras vigorosas son el epítome de la pintura barroca. Los elegantes retratos de Anthony van Dyck y las sólidas obras de Jacob Jordaens siguieron su ejemplo. El arte en los Países Bajos estaba influenciado por los gustos realistas de la clase media, por lo que pintores como Rembrandt y Frans Hals se mantuvieron independientes del estilo barroco en aspectos importantes. Sin embargo, el barroco tuvo un impacto notable en Inglaterra, especialmente en las iglesias y palacios diseñados por Sir Christopher Wren y Sir John Vanbrugh.
Al igual que las estatuas del Renacimiento, como el icónico David de Miguel Ángel, las esculturas barrocas a menudo estaban destinadas a adornar edificios majestuosos y otros escenarios grandiosos, como interiores de iglesias y jardines reales.
La última floración del barroco ocurrió en el sur de Alemania y Austria, donde arquitectos nativos se alejaron de los modelos italianos en la década de 1720.
Compra una reproducción de Las Meninas en la tienda en línea de Kuadros
No.3 Realismo (1848–1900)
Algunos exponentes: Corot, Courbet, Daumier, Millet.
El realismo es la representación precisa, detallada y sin adornos de la naturaleza o de la vida contemporánea. Rechaza la idealización en favor de una observación cercana de las apariencias externas. Como tal, el realismo ha abarcado muchas corrientes artísticas en diferentes civilizaciones. En las artes visuales, por ejemplo, se puede encontrar en esculturas griegas helenísticas que retratan boxeadores y ancianas. Obras de pintores del siglo XVII como Caravaggio, los pintores de género holandés, los españoles José de Ribera, Diego Velázquez y Francisco de Zurbarán, y los hermanos Le Nain en Francia, tienen un enfoque realista. Las obras de novelistas ingleses del siglo XVIII como Daniel Defoe y Henry Fielding también pueden llamarse realistas.
El realismo surgió en Francia en la década de 1850, tras la Revolución de 1848, que estableció el "derecho al trabajo" en el país. Introdujo la idea de la gente común, escenarios contemporáneos y escenas cotidianas como temas artísticos dignos.
Se extendió por Europa, desde la Rusia de Alejandro II hasta la Gran Bretaña de la reina Victoria, pasando por la Alemania de Guillermo I, la Italia del Risorgimento y más allá. El año 1855 fue significativo en el establecimiento del realismo en Europa.
Gustave Courbet es considerado la figura principal del realismo. Sentó las bases del movimiento en la década de 1840, al retratar a campesinos y trabajadores sin glorificarlos, presentándolos de manera audaz y severa, lo que generó controversia.
El estilo y tema de Courbet se basaron en el trabajo de pintores de la Escuela de Barbizon. Théodore Rousseau, Charles-François Daubigny, Jean-François Millet y otros se establecieron en la aldea francesa de Barbizon con el objetivo de reproducir fielmente el carácter local del paisaje.
El realismo pictórico fuera de Francia fue bien representado en el siglo XIX en Estados Unidos. Las poderosas y expresivas pinturas de Winslow Homer sobre temas marinos y las obras de Thomas Eakins son registros sinceros y muy observados de la vida contemporánea. El realismo fue una corriente distinta en el arte del siglo XX, derivada del deseo de los artistas de presentar visiones más sinceras y sin idealizar de la vida cotidiana o de utilizar el arte como vehículo para la crítica social y política.
Las escenas ásperas y casi periodísticas de la vida urbana del grupo conocido como The Eight (Los Ocho) caen en esta categoría. El movimiento alemán Neue Sachlichkeit (Nueva Objetividad) trabajó en un estilo realista para expresar el cinismo y la desilusión tras la Primera Guerra Mundial en Alemania. El realismo socialista en la Unión Soviética usaba técnicas de idealización naturalista para crear retratos de trabajadores e ingenieros intrépidos.
Además, el realismo inspiró directamente movimientos de arte contemporáneo como el fotorrealismo y el hiperrealismo, demostrando su legado duradero y evolutivo.
Compra una reproducción de Las Espigadoras en la tienda en línea de Kuadros
No.4 Impresionismo (1865–1885)
Algunos exponentes: Monet, Manet, Renoir, Pissarro, Cassatt, Morisot, Degas.
El impresionismo francés es un movimiento importante que se desarrolló principalmente en Francia a finales del siglo XIX y principios del XX. Su característica más notable fue el intento de registrar de manera precisa y objetiva la realidad visual en términos de efectos transitorios de luz y color. Los artistas impresionistas mostraron una nueva forma de observar y representar el mundo, renunciando a representaciones realistas en favor de impresiones fugaces de su entorno, a menudo al aire libre. En música, buscaba transmitir una idea o un efecto a través de un lavado de sonido en lugar de una estructura formal estricta.
A finales de la década de 1860, el arte de Manet reflejaba una nueva estética que sería una fuerza guía en el trabajo impresionista, donde la importancia del tema tradicional se redujo y la atención se desplazó a la manipulación del color, tono y textura.
En 1874, un grupo de artistas llamado Sociedad Anónima de Pintores, Escultores, Grabadores, etc., organizó una exposición en París que lanzó el movimiento llamado Impresionismo. Sus miembros fundadores incluyeron a Claude Monet, Edgar Degas y Camille Pissarro. La pintura de Monet Impresión, Sol Naciente (1872) les valió el nombre inicialmente burlón de "Impresionistas" por parte del periodista Louis Leroy. Los artistas pronto adoptaron el nombre como descriptivo de su intención de transmitir con precisión las "impresiones visuales". Mientras que los críticos conservadores criticaron su trabajo por su aspecto incompleto y abocetado, escritores más progresistas lo elogiaron por su descripción de la vida moderna.
Desde su concepción, el impresionismo ha sido definido por características como pinceladas sueltas, colores distintivos, representaciones de temas comunes, un enfoque en la luz y composiciones inspiradas en la fotografía.
A mediados de la década de 1885, el grupo impresionista comenzó a disolverse a medida que cada pintor perseguía sus propios intereses y principios estéticos. Sin embargo, lograron una revolución en la historia del arte, proporcionando un punto de partida técnico para artistas postimpresionistas como Cézanne, Degas, Gauguin, Van Gogh y Georges Seurat, liberando la pintura occidental de técnicas y enfoques tradicionales.
Herencia y presencia del impresionismo hoy
Como punto de partida del modernismo, el impresionismo influyó en muchos movimientos posteriores. Los postimpresionistas adoptaron su pincelada suelta; los expresionistas abstractos encontraron inspiración en el enfoque no convencional de Monet; y muchos artistas contemporáneos continúan trabajando en un estilo neoimpresionista.
Compra una reproducción de Mujer con Sombrilla en la tienda en línea de Kuadros
No.5 Postimpresionismo (1885–1910)
Algunos exponentes: Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Seurat.
El postimpresionismo es un término utilizado para describir la reacción en la década de 1880 contra el impresionismo. Fue liderado por Paul Cézanne, Paul Gauguin, Vincent van Gogh y Georges Seurat. Los postimpresionistas rechazaron la preocupación del impresionismo por la representación espontánea y naturalista de la luz y el color.
Estos pintores, excepto Van Gogh, eran franceses y la mayoría comenzaron como impresionistas; cada uno abandonó el estilo para formar su propio arte altamente personal.
Al igual que los impresionistas, enfatizaron la artificialidad de la imagen. Creían que el color podía ser independiente de la forma y la composición como portador emocional y estético de significado. Tanto el impresionismo como el postimpresionismo incluyen algunas de las obras de arte moderno más famosas, como los nenúfares de Monet y La Noche Estrellada de Van Gogh.
Compartieron su trabajo con el público a través de exposiciones independientes en París. En 1910, el crítico de arte Roger Fry acuñó el término "postimpresionismo" con su exposición "Manet y los postimpresionistas". Fry creía que la belleza del arte está arraigada en la percepción. "El arte es una expresión y un estímulo para la vida imaginativa en lugar de una copia de la vida real", explicó en "An Essay in Aesthetics".
Los postimpresionistas creían que una obra de arte no debía girar en torno al estilo, proceso o enfoque estético, sino enfatizar el simbolismo, comunicando mensajes desde el subconsciente del artista.
A menudo exhibían juntos, pero a diferencia de los impresionistas, que comenzaron como un grupo unido, pintaban principalmente solos. Cézanne pintó aislado en Aix-en-Provence; Gauguin se estableció en Tahití en 1891; y Van Gogh pintó en el campo en Arles. Tanto Gauguin como Van Gogh rechazaron la objetividad del impresionismo en favor de una expresión espiritual más personal.
"¡Color! Qué lenguaje tan profundo y misterioso, el lenguaje de los sueños." - Paul Gauguin
A diferencia de los impresionistas que buscaban capturar el efecto de la luz natural, los postimpresionistas emplearon una paleta de colores artificial para retratar sus percepciones del mundo. Tonos saturados y sombras multicolores son evidentes en sus pinturas, demostrando su enfoque innovador.
El postimpresionismo se alejó de un enfoque naturalista y se dirigió hacia movimientos como el cubismo y el fauvismo, que buscaban evocar emociones a través del color y la línea.
Compra una reproducción de La Noche Estrellada en la tienda en línea de Kuadros
No.6 Fauvismo y Expresionismo (1900–1935)
Pintura colocada en gruesos, colores que salen de la página y tonos antinaturales: el fauvismo y el expresionismo son dos de los movimientos que dieron vida a estas características. Entonces, ¿cuál es la diferencia entre ellos, si se pueden describir de la misma manera? Primero, explicaremos el fauvismo y el expresionismo por su cuenta.
Fauvismo
Algunos exponentes: Matisse, Derain, Signac
El fauvismo se apoderó de la escena artística de 1905 a 1910, caracterizado por colores intensos y pinceladas audaces. En algunos casos, los artistas aplicaron pintura directamente del tubo. Los colores no tenían que ser fieles a la naturaleza; podían alterarse para mostrar emoción. Eligieron temas simples y, debido a esto, las pinturas parecían casi abstractas. El crítico de arte Louis Vauxcelles acuñó el término después de describir el trabajo de Henri Matisse y André Derain como "les fauves" o "las bestias" durante una exposición en el Salon d’Automne en París en 1905. Su trabajo estaba lleno de colores antinaturales y manchas salvajes de pintura en el lienzo. Sería el comienzo del fauvismo.
Los artistas fauvistas estaban profundamente interesados en la teoría científica del color del siglo XIX. Específicamente, con el uso de colores complementarios, entendían cómo hacer que los colores parecieran más brillantes y audaces al incorporar estas teorías.
La pintura de Matisse "Mujer con sombrero" fue criticada por los colores antinaturales en el rostro de la mujer. Paul Signac es famoso por su puntillismo y fue mentor de Matisse. El puntillismo es una técnica donde se colocan pequeños puntos de colores primarios juntos; al alejarse, se combinan en una sola imagen. Esto se puede comparar con los píxeles en una pantalla de computadora.
Además de Matisse y Derain, otros artistas fauvistas importantes incluyen Georges Braque, Raoul Dufy, Georges Rouault y Maurice de Vlaminck.
Expresionismo
Algunos exponentes: Munch, Kandinsky, Klee
El expresionismo es un término general para cualquier obra de arte que distorsione la realidad para coincidir con los sentimientos internos, puntos de vista o ideas del artista. En resumen, es un arte que expresa realidades internas en el mundo exterior. Hay características distintivas del expresionismo: los colores intensos y no naturalistas, la pintura aplicada en grandes cantidades creando textura en el lienzo.
El expresionismo vino "desde adentro", siendo un reflejo de los sentimientos del artista más que una representación de una escena. Dos artistas expresionistas influyentes fueron Emil Nolde y Edvard Munch.
En cuanto al tema, el arte expresionista tiende a ser emocional y, a veces, incluso mítico. Dado que el expresionismo es un término tan amplio, es fácil atribuirlo al arte de cualquier época, pero generalmente se aplica al arte del siglo XX. Se dice que comenzó con el trabajo de Vincent van Gogh y se extiende al arte moderno tal como lo conocemos hoy.
Los principales contribuyentes al movimiento expresionista incluyen artistas como Wassily Kandinsky, Paul Klee, Max Beckmann, Ernst Ludwig Kirchner y otros.
Compra una reproducción de El Grito en la tienda en línea de Kuadros
El fauvismo puede verse como un subconjunto del expresionismo. Utilizan técnicas similares y se clasifican por las mismas características; la diferencia real es la naturaleza específica del fauvismo en contraste con la generalidad del expresionismo.
Algo que puede considerarse fauvista también podría ser parte del campo del expresionismo, pero no todo expresionismo es fauvismo. El fauvismo es un poco más salvaje, pero con un tema más simplista.
No.7 Cubismo (1905–1920)
Algunos exponentes: Pablo Picasso, Georges Braque
El cubismo es un estilo de artes visuales muy influyente del siglo XX, creado principalmente por Pablo Picasso y Georges Braque en París entre 1907 y 1914. El estilo cubista enfatizó la superficie plana y bidimensional del plano de la imagen, rechazando las técnicas tradicionales de perspectiva, escorzo, modelado y claroscuro, refutando las antiguas teorías de que el arte debe imitar a la naturaleza. Los cubistas creían que las tradiciones del arte occidental se habían agotado y, para revitalizar su trabajo, recurrieron a la energía expresiva del arte de otras culturas, particularmente el arte africano.
El cubismo deriva su nombre de los comentarios del crítico Louis Vauxcelles, quien describió despectivamente el trabajo de Braque en 1908 como compuesto de cubos. En la pintura de Braque, los volúmenes de las casas, las formas cilíndricas de los árboles y el esquema de color recuerdan los paisajes de Paul Cézanne, quien inspiró profundamente a los cubistas en su primera etapa de desarrollo (hasta 1909). Sin embargo, fue Les Demoiselles d'Avignon, pintado por Picasso en 1907, el que presagiaba el nuevo estilo; en este trabajo, las formas de cinco desnudos femeninos se convierten en figuras angulosas y fracturadas.
El cubismo se desarrolló en dos fases distintas: el cubismo analítico y el cubismo sintético. El cubismo analítico (1908–1912) es más austero y se caracteriza por una combinación de planos y líneas en tonos apagados. El cubismo sintético (1912–1914) se caracteriza por formas más simples y colores más brillantes, incluyendo elementos reales combinados, como periódicos. La inclusión de objetos reales directamente en el arte fue el comienzo de una de las ideas más importantes del arte moderno.
Aunque se atribuye a Picasso y Braque la creación de este nuevo lenguaje visual, fue adoptado y desarrollado por muchos pintores, incluidos Fernand Léger, Robert y Sonia Delaunay, Juan Gris y otros. El cubismo también influyó profundamente en la escultura y la arquitectura del siglo XX.
Los conceptos formales liberadores iniciados por el cubismo tuvieron consecuencias de gran alcance para movimientos como el Dada y el surrealismo, así como para artistas que perseguían la abstracción en todo el mundo.
No.8 Dada y Surrealismo (1917–1950)
Dada
Algunos exponentes: Hugo Ball, Marcel Duchamp, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Francis Picabia, George Grosz
El Dada fue un movimiento artístico de vanguardia europea, con centros en Zúrich y Nueva York. Surgió como una reacción directa a la masacre, la propaganda y la locura de la Primera Guerra Mundial. Grupos independientes vinculados por ideas comunes surgieron en Berlín, París y otros lugares. No compartían un estilo universal, sino que estaban conectados por su rechazo al idealismo y las convenciones artísticas e intelectuales obsoletas.
El nombre "Dada", extraído al azar de un diccionario en 1916, significa "caballo mecedora" en francés o "sí sí" en rumano y ruso. Pero como nombre de un movimiento, realmente no significa nada. Cansados de la cultura que había producido la carnicería de la Primera Guerra Mundial, los dadaístas desafiaron todas las convenciones, celebrando el azar y el absurdo.
Las raíces del Dada se encuentran en la vanguardia anterior a la guerra. El término "antiarte", precursor del Dada, fue acuñado por Marcel Duchamp alrededor de 1913 para caracterizar obras que desafían las restricciones aceptadas del arte.
El movimiento Dada incluyó reuniones públicas, demostraciones y publicaciones de revistas de arte y literatura. El arte, la política y la cultura fueron temas frecuentemente discutidos en una variedad de medios.
Surrealismo
Algunos exponentes: Max Ernst, André Masson, Salvador Dalí, René Magritte
El surrealismo fue uno de los movimientos más importantes y subversivos del siglo XX. Surgió en la década de 1920 y proporcionó una alternativa radical a las cualidades racionales y formales del cubismo. Fue un movimiento literario, filosófico y artístico que exploró el funcionamiento de la mente, defendiendo lo irracional, lo poético y lo revolucionario.
A diferencia del Dada, del cual surgió en muchas maneras, enfatizó el rechazo positivo de las tradiciones anteriores. André Breton, líder de una nueva agrupación de poetas y artistas en París, definió el surrealismo en su "Manifiesto surrealista" (1924) como: "Automatismo psíquico puro, mediante el cual se propone expresar... el funcionamiento real del pensamiento".
Se pueden distinguir varios hilos en la manifestación visual del surrealismo. Artistas como Max Ernst y André Masson favorecieron el automatismo, donde se suprime el control consciente y se permite que el subconsciente tome el control. Por el contrario, Salvador Dalí y René Magritte persiguieron un sentido alucinante de superrealidad en el que las escenas representadas no tienen ningún sentido real. Una tercera variación fue la yuxtaposición de elementos no relacionados, estableciendo una realidad fuera de los límites normales.
El surrealismo se originó en París, pero su influencia se extendió a través de revistas y exposiciones internacionales. Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, el centro de actividad surrealista se trasladó a Nueva York. Aunque como movimiento perdió coherencia después de la guerra, ha conservado una poderosa influencia en el arte contemporáneo.
No.9 Expresionismo Abstracto (1940–1950)
Algunos exponentes: Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline
El "expresionismo abstracto" fue un movimiento que se desarrolló en Nueva York en las décadas de 1940 y 1950. Aunque el término no era ideal, abarcó a artistas que llenaban sus lienzos con campos de color y formas abstractas, así como a aquellos que atacaban sus lienzos con expresionismo gestual vigoroso. Todos estaban comprometidos con el arte como expresión del yo, nacidos de emociones profundas y temas universales.
El movimiento comprendía muchos estilos pictóricos diferentes. Algunos artistas, como Jackson Pollock y Willem de Kooning, se caracterizaron por un manejo suelto y dinámico de la pintura. Otros, como Mark Rothko, usaron grandes áreas de color plano para lograr efectos sutiles y meditativos.
Aunque el movimiento se ha representado en gran parte como perteneciente a artistas masculinos, hubo varias expresionistas abstractas femeninas importantes que emergieron durante este período.
No.10 Pop Art (1960)
Algunos exponentes: Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist, Claes Oldenburg
El arte pop comenzó con artistas de Nueva York como Andy Warhol, Roy Lichtenstein, James Rosenquist y Claes Oldenburg, quienes se inspiraron en imágenes populares y formaron parte de un fenómeno internacional. Fue una revuelta contra los enfoques dominantes del arte y la cultura y las opiniones tradicionales sobre lo que debería ser el arte. Los artistas jóvenes sintieron que lo que les enseñaban en la escuela de arte y lo que veían en los museos no tenía nada que ver con sus vidas.
En 1957, el artista pop Richard Hamilton enumeró las características del arte pop en una carta: "El arte pop es: popular, transitorio, prescindible, de bajo costo, producido en masa, joven, ingenioso, sexy, truculento, glamoroso, gran negocio".
El pop llevó el arte a nuevas áreas temáticas y desarrolló nuevas formas de presentarlo, y puede verse como una de las primeras manifestaciones del posmodernismo.
No.11 Postmodernismo (1970–)
Algunos exponentes: Gerhard Richter, Cindy Sherman, Anselm Kiefer, Frank Gehry, Zaha Hadid
Marilyn en el Cielo de James Gill
El término "arte posmodernista" se refiere a una amplia categoría de arte contemporáneo creado desde aproximadamente 1970 en adelante. El sello distintivo es su rechazo de la estética en la que se basó su predecesor, el "arte moderno". Uno de los valores rechazados es la idea de que el "arte" es algo "especial" que debería estar separado del gusto popular.
Anti-autoritario por naturaleza, el posmodernismo se negó a reconocer la autoridad de cualquier estilo o definición de lo que debería ser el arte. Se derrumbó la distinción entre la alta cultura y la cultura popular, entre el arte y la vida cotidiana. Introdujo una nueva era de libertad y la sensación de que "todo vale".
A menudo mezclando diferentes estilos y medios, el arte posmodernista también puede tomar prestado o comentar irónicamente sobre estilos del pasado. Los posmodernos consideran su posición teórica como inclusiva y democrática.
En las décadas de 1980 y 1990, el posmodernismo se convirtió en la filosofía no oficial del movimiento de "política de identidad".
KUADROS ©, una pintura famosa en tu pared.
