Los comienzos del Art Nouveau
El advenimiento del Art Nouveau - literalmente "Arte Nuevo" - puede atribuirse a dos influencias distintas: la primera fue la introducción, alrededor de 1880, del movimiento británico Arts and Crafts, que, al igual que el Art Nouveau, fue una reacción contra el desordenado diseño y composiciones de arte decorativo de la época victoriana.
El segundo fue la moda actual del arte japonés, en particular los grabados en madera, que arrasaron con muchos artistas europeos en las décadas de 1880 y 1890, incluidos artistas como Gustav Klimt, Emile Gallé y James Abbott McNeill Whistler. Los grabados japoneses en bloques de madera, en particular, contenían formas florales y bulbosas, y curvas de "látigo", todos elementos clave de lo que eventualmente se convertiría en Art Nouveau.
Art Nouveau japonés - La Ola de Katsushika Hokusai
Es difícil señalar las primeras obras de arte que lanzaron oficialmente el Art Nouveau. Algunos argumentan que las líneas estampadas y fluidas y los fondos florales que se encuentran en las pinturas de Vincent van Gogh y Paul Gauguin representan el nacimiento del Art Nouveau, o quizás incluso las litografías decorativas de Henri de Toulouse-Lautrec, como Moulin Rouge: La Goulue (1891).
Sin embargo, la mayoría apunta a los orígenes de las artes decorativas y, en particular, a la sobrecubierta de un libro del arquitecto y diseñador inglés Arthur Heygate Mackmurdo para el volumen de 1883 Wren's City Churches.
Mackmurdo, Arthur: atribuido como la primera representación de Art Nouveau
El diseño del libro muestra tallos serpenteantes de flores que emanan de un bloc aplanado en la parte inferior de la página, que recuerda claramente a los grabados en madera de estilo japonés.
Exposiciones Art Nouveau
El Art Nouveau fue a menudo más conspicuo en las exposiciones internacionales durante su apogeo. El nuevo estilo disfrutó del escenario central en cinco ferias particulares: las Expositions Universelles de 1889 y 1900 en París; la Exposición de Tervueren de 1897 en Bruselas, donde se empleó en gran medida el Art Nouveau para mostrar las posibilidades de la artesanía con las maderas exóticas del Congo Belga; la Exposición Internacional de Artes Decorativas Modernas de Turín de 1902; y la Exposición Internacional de l'Est de la France de 1909 en Nantes.
En cada una de estas ferias, el estilo fue dominante en términos de las artes decorativas y la arquitectura expuestas, y en Turín en 1902, el Art Nouveau fue verdaderamente el estilo elegido por prácticamente todos los diseñadores y todas las naciones representadas, con exclusión de cualquier otro.
Poster Exposición Internacional del Arte Decorativo Moderno
El Art Nou
veau: una corriente de arte con mil nombres
Siegfried Bing, un comerciante alemán y conocedor del arte japonés residente en París, abrió una tienda llamada L'Art Nouveau en diciembre de 1895, que se convirtió en uno de los principales proveedores del estilo en muebles y artes decorativas. En poco tiempo, el nombre de la tienda se convirtió en sinónimo del estilo en Francia, Gran Bretaña y Estados Unidos. Sin embargo, la gran popularidad del Art Nouveau en Europa occidental y central significó que tuviera varios títulos diferentes. En los países de habla alemana, generalmente se le llamó Jugendstil (estilo juvenil), tomado de una revista de Munich llamada Jugend que lo popularizó. Mientras tanto, en Viena, hogar de Gustav Klimt , Otto Wagner, Josef Hoffmann y los demás fundadores de la Secesión de Viena, se conocía como Sezessionsstil (estilo de secesión).
También se conocía como Modernismo en español, Modernismo en catalán y Stile Floreale (estilo floral) o Stile Liberty en Italia, este último por la tienda de telas de Arthur Liberty en Londres, que ayudó a popularizar el estilo. En Francia se le llamó comúnmente Style Moderne y ocasionalmente Style Guimard en honor a su practicante más famoso allí, el arquitecto Hector Guimard, mientras en los Países Bajos se le suele llamar Nieuwe Kunst (Arte Nuevo).
Cabe resaltart que sus numerosos detractores también le dieron varios nombres despectivos: Style Nouille (estilo de fideos) en Francia, Paling Stijl (estilo de anguila) en Bélgica y Bandwurmstil (estilo de tenia) en Alemania, todos nombres que hacían una referencia lúdica a la tendencia del Art Nouveau a emplear líneas sinuosas y fluidas.
El Art Nouveau: conceptos, estilos y tendencias
La ubicuidad del Art Nouveau a fines del siglo XIX debe explicarse en parte por el uso que hacen muchos artistas de formas populares y fáciles de reproducir, que se encuentran en las artes gráficas. En Alemania, artistas de Jugendstil como Peter Behrens y Hermann Obrist imprimieron su trabajo en portadas de libros y catálogos de exposiciones, anuncios de revistas y carteles.
Pero esta tendencia no se limitó de ninguna manera a Alemania. El ilustrador inglés Aubrey Beardsley , quizás la figura del Art Nouveau más controvertida por su combinación de lo erótico y lo macabro, creó una serie de carteles en su breve carrera que empleaban líneas gráciles y rítmicas. Los estampados altamente decorativos de Beardsley, como The Peacock Skirt(1894), eran a la vez decadentes y simples, y representan el vínculo más directo que podemos identificar entre el Art Nouveau y el japonismo / grabados Ukiyo-e.
La falda del pavo real de Aubrey Beardsley - Art Nouveau
En Francia, los carteles y la producción gráfica de Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre Bonnard, Victor Prouvé, Théophile Steinlen y algunos otros popularizaron el estilo de vida lujoso y decadente de la belle époque, aproximadamente la era entre 1890-1914, generalmente asociado con el sórdido distrito de cabaret de Montmartre en el norte de París.
Sus obras gráficas utilizaron nuevas técnicas cromolitográficas para promover todo, desde nuevas tecnologías como teléfonos y luces eléctricas hasta bares, restaurantes, clubes nocturnos e incluso artistas individuales, evocando la energía y la vitalidad de la vida moderna. En el proceso, pronto elevaron el cartel de las filas del anuncio peatonal al arte elevado.
La arquitectura modernista del Art Nouveau
Además de las artes gráficas y visuales, cualquier discusión seria sobre Art Nouveau debe considerar la arquitectura y la gran influencia que tuvo en la cultura europea. En centros urbanos como París, Bruselas, Glasgow, Turín, Barcelona, Amberes y Viena, así como en ciudades más pequeñas como Nancy y Darmstadt, junto con lugares de Europa del Este como Riga, Praga y Budapest, la arquitectura Art Nouveau prevaleció en gran medida, tanto en tamaño como en apariencia, y todavía es visible hoy en día en estructuras tan variadas como pequeñas casas adosadas hasta grandes edificios institucionales y comerciales. Especialmente en arquitectura, el Art Nouveau se exhibió en una amplia variedad de lenguajes.
Muchos edificios incorporan un uso prodigioso de terracota y coloridos azulejos. El ceramista francés Alexandre Bigot, por ejemplo, se hizo famoso en gran parte a través de la producción de adornos de terracota para las fachadas y chimeneas de las residencias y edificios de apartamentos parisinos. Otras estructuras Art Nouveau, particularmente en Francia y Bélgica, en las que Héctor Guimard y Victor Horta fueron importantes practicantes, muestran las posibilidades tecnológicas con estructuras de hierro unida por paneles de vidrio.
Casa Batlló – Barcelona - Art Nouveau
En muchas áreas de Europa, la arquitectura residencial Art Nouveau se caracterizó por la piedra local, como la piedra caliza amarilla o una estética rural rocosa de curso aleatorio con molduras de madera. Y en varios casos se utilizó una escultural piel de estuco blanco, particularmente en edificios Art Nouveau utilizados para exposiciones, como los pabellones de la Exposición Universal de París de 1900 y el Secession Building de Viena. Incluso en los Estados Unidos, las formas vegetales que adornan los rascacielos de Louis Sullivan, como el edificio Wainwright y la Bolsa de Valores de Chicago, a menudo se cuentan entre los mejores ejemplos del amplio alcance arquitectónico del Art Nouveau.
El Arco que queda de la Bolsa de Valores de Chicago - Art Nouveau
El mobiliario de estilo Art Nouveau y el diseño de interiores
Al igual que los renacimientos estilísticos victorianos y el Movimiento de Artes y Oficios, el Art Nouveau estuvo íntimamente asociado con la decoración de interiores al menos tanto como conspicua en las fachadas exteriores. También como estos otros estilos del siglo siglo XIX, los interiores Art Nouveau también se esforzaron por crear un entorno armonioso y coherente que no dejara ninguna superficie intacta. El diseño de muebles ocupó un lugar central en este sentido, particularmente en la producción de madera tallada que presentaba contornos afilados e irregulares, a menudo hechos a mano pero en ocasiones fabricados con máquinas. Los fabricantes de muebles produjeron piezas para todos los usos imaginables: camas, sillones, mesas y sillas de comedor, armarios, aparadores y candelabros. Las curvas sinuosas de los diseños a menudo se alimentaban de la veta natural de la madera y, a menudo, se instalaban de forma permanente como paneles de pared y molduras.
En Francia, los principales diseñadores de Art Nouveau incluyeron a Louis Majorelle, Emile Gallé y Eugène Vallin, todos con sede en Nancy, y Tony Selmersheim, Édouard Colonna y Eugène Gaillard, que trabajaron en París, los dos últimos específicamente para la tienda de Siegfried Bing llamada L'Art Nouveau, luego dando a todo el movimiento su nombre más común.
Mueble del diseñador - Louis Majorelle Art Nouveau
En Bélgica, la línea de latigazo cervical y los contornos más angulares y reservados se pueden ver en los diseños de Gustave Serrurier-Bovy y Henry van de Velde, quienes admiraban las obras de los artistas ingleses de Arts & Crafts. Los italianos Alberto Bugatti y Augustino Lauro fueron muy conocidos por sus incursiones en el estilo allí. Muchos de estos diseñadores se movían libremente entre los medios, lo que a menudo los hacía difíciles de categorizar: Majorelle, por ejemplo, fabricó sus propios diseños de muebles de madera y abrió una fundición de herrería,
Alberto Bugatti Muebles Art Nouveau
La pintura Art Nouveau y las altas artes
Pocos estilos pueden afirmar estar representados en casi todas las formas de medios visuales y materiales de manera tan completa como el Art Nouveau. Además de quienes trabajaron principalmente en los gráficos, la arquitectura y el diseño, el Art Nouveau cuenta con algunos representantes destacados en la pintura, como el secesionista de Viena Gustav Klimt, conocido por Hope II y The Kiss (ambas de 1907-08), y Victor Prouvé en Francia.
La Esperanza II de Klimt - Art Nouveau
Pero los pintores de Art Nouveau eran pocos y distantes entre sí: Klimt prácticamente no contaba con estudiantes o seguidores ( Egon Schiele fue en la dirección del expresionismo), y Prouvé es igualmente conocido como escultor y diseñador de muebles. En cambio, se puede decir que el Art Nouveau fue responsable, más que cualquier otro estilo en la historia, en reducir la brecha entre las artes decorativas o aplicadas a los objetos utilitarios y las bellas artes o puramente ornamentales de la pintura, la escultura y la arquitectura, artes que tradicionalmente se habían considerado más importantes, expresiones más puras de talento y habilidades artísticas, siendo discutible si esa brecha fuese cerrada por completo.
Dibujo de Victor Prouvé Art Nouveau
La joyería y cristalería Art Nouveau
La reputación de lujo del Art Nouveau también fue evidente por su explotación por parte de algunos de los artistas del vidrio más conocidos de la historia. Emile Gallé, los Daum Brothers, Tiffany y Jacques Gruber primero encontraron renombre, al menos en parte, a través de su vidrio Art Nouveau y sus aplicaciones en muchas formas utilitarias. Las firmas de Gallé y Daum establecieron su reputación en diseños de jarrones y arte en vidrio, siendo pioneras en nuevas técnicas en piezas grabadas al ácido cuyas superficies sinuosamente curvadas y bien formadas que parecían fluir entre tonos translúcidos sin esfuerzo.
Los hermanos Daum y Tiffany también explotaron las posibilidades artísticas del vidrio con fines utilitarios, como pantallas de lámparas y utensilios de escritorio. Tanto Tiffany como Jacques Gruber, que se habían formado en Nancy con los Daum Brothers en joyería, así como René Lalique, Louis Comfort Tiffany y Marcel Wolfers, crearon algunas de las piezas más preciadas del cambio de siglo, produciendo de todo, desde aretes hasta collares, pulseras y broches, asegurando así que el Art Nouveau siempre estaría asociado con fin- lujo de-siècle, a pesar de la esperanza de que su ubicuidad podría hacerlo universalmente accesible.
La identidad corporativa en el Art Nouveau
El Art Nouveau saltó a la fama al mismo tiempo que la venta al por menor se expandió para atraer a una audiencia verdaderamente masiva. Ocupó un lugar destacado en muchos de los principales grandes almacenes urbanos establecidos a finales del siglo XIX, incluidos La Samaritaine en París, Wertheim's en Berlín y Magasins Reunis en Nancy.
Además, fue comercializado agresivamente por algunos de los puntos de venta de diseño más famosos de la época, comenzando con la tienda L'Art Nouveau de Siegfried Bing en París, que siguió siendo un bastión de la difusión del estilo hasta su cierre en 1905 poco después de la muerte de Bing. La suya estaba lejos de ser la única tienda en la ciudad que se especializaba en interiores y muebles Art Nouveau.
Mientras tanto, Liberty & Co. era el principal distribuidor de los objetos del estilo en Gran Bretaña e Italia, donde, como resultado, el nombre de Liberty se convirtió casi en sinónimo del estilo.
Liberty & Co - Art Nouveau
Muchos diseñadores Art Nouveau se hicieron famosos trabajando exclusivamente para estos minoristas antes de moverse en otras direcciones. El arquitecto Peter Behrens, por ejemplo, diseñó prácticamente todo, desde teteras hasta portadas de libros, carteles publicitarios, interiores de pabellones de exhibición, utensilios y muebles, y finalmente se convirtió en el primer diseñador industrial cuando en 1907 estuvo a cargo de todo el trabajo de diseño para AEG, la General Electric alemana.
La influencia del Art Nouveau en la cultura: lo que vino después
Si el Art Nouveau rápidamente tomó por asalto a Europa en los últimos cinco años del siglo XIX, los artistas, diseñadores y arquitectos lo abandonaron con la misma rapidez en la primera década del siglo XX.
Aunque muchos de sus practicantes habían hecho de la doctrina "la forma debe seguir a la función" el centro de su ethos, algunos diseñadores tendían a ser lujosos en el uso de la decoración, y el estilo comenzó a ser criticado por ser demasiado elaborado. En cierto sentido, a medida que el estilo maduró, comenzó a volver a los mismos hábitos que había despreciado, y un número creciente de opositores comenzaron a afirmar que, en lugar de renovar el diseño, simplemente había cambiado lo viejo por lo superficialmente nuevo. Incluso utilizando nuevos métodos de producción en masa, la artesanía intensiva involucrada en gran parte del diseño Art Nouveau impidió que se volviera realmente accesible para una audiencia masiva, como sus exponentes habían esperado inicialmente que pudiera ser. En algunos casos, como en Darmstadt, las laxas leyes internacionales de derechos de autor también impidieron que los artistas se beneficiaran monetariamente de sus diseños.
La asociación del Art Nouveau con las exposiciones también contribuyó pronto a su ruina. Para empezar, la mayoría de los edificios de la feria eran estructuras temporales que fueron demolidas inmediatamente después del cierre del evento. Pero lo que es más importante, las exposiciones en sí mismas, aunque se celebraron con el pretexto de promover la educación, la comprensión internacional y la paz, tendieron a alimentar la rivalidad y la competencia entre las naciones debido a la naturaleza inherentemente comparativa de la exhibición. Muchos países, incluidos Francia y Bélgica, consideraron al Art Nouveau como candidatos potenciales para el título de "estilo nacional", ante las acusaciones de orígenes extranjeros o matices políticos subversivos del Art Nouveau, por ejemplo en Francia, se asoció de diversas formas con diseñadores belgas y comerciantes alemanes, y a veces era el estilo utilizado en los edificios socialistas, volviendo a la opinión pública en su contra. Con algunas excepciones notables en las que disfrutó de un círculo comprometido de patrocinadores locales dedicados, en 1910 el Art Nouveau había desaparecido del panorama del diseño europeo casi por completo.
Del Wiener Werkstätte al Art Deco
La muerte del Art Nouveau comenzó en Alemania y Austria, donde diseñadores como Peter Behrens, Josef Hoffmann y Koloman Moser comenzaron a adoptar una estética más sobria y más severamente geométrica ya en 1903. Ese año, muchos diseñadores anteriormente asociados con la Secesión de Viena fundaron el colectivo conocido como Wiener Werkstätte, cuya preferencia por las formas marcadamente angulares y rectilíneas recordaba una estética más precisa, de inspiración industrial, que omitió cualquier referencia abierta a la naturaleza.
Esta cosificación de las cualidades de diseño hechas a máquina fue subrayada en 1907 por dos eventos clave: la instalación de Behrens como jefe de todo el diseño corporativo de AEG, desde edificios hasta productos y publicidad, convirtiéndolo en el primer diseñador industrial del mundo; y la fundación del Werkbund alemán, la alianza formal entre industriales y diseñadores que intentaba cada vez más definir un sistema de tipos de productos basado en la estandarización. Combinado con un nuevo respeto por el clasicismo, e inspirado en parte por la Exposición Universal de Chicago en 1893 y con la bendición oficial del movimiento City Beautiful en los Estados Unidos, esta estética inspirada en las máquinas eventualmente se desarrollaría después de la Primera Guerra Mundial, en el estilo que ahora llamamos tardíamente Art Deco.
Su carácter netamente comercial se expresó de manera más sucinta en la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes en París en 1925, el evento que, en la década de 1960, le daría su nombre al Art Deco. Combinado con un nuevo respeto por el clasicismo, inspirado en parte por la Exposición Universal de Chicago en 1893 y con la bendición oficial del movimiento City Beautiful en los Estados Unidos, esta estética inspirada en las máquinas eventualmente se desarrollaría después de la Primera Guerra Mundial, en el estilo que ahora llamamos tardíamente Art Deco.
Influencias posmodernas del Art Nouveau
A pesar de su breve vida, el Art Nouveau sería influyente en las décadas de 1960 y 1970 para los diseñadores que deseaban liberarse de la estética restrictiva, austera, impersonal y cada vez más minimalista que prevalecía en las artes gráficas. Las cualidades lineales de flujo libre e incontroladas del Art Nouveau se convirtieron en una inspiración para artistas como Peter Max, cuya evocación de una experiencia alternativa psicodélica y de ensueño recuerda el mundo estético imaginativo, efímero y de flujo libre de principios de siglo.
Siempre reconocido desde el principio como un paso importante en el desarrollo del modernismo tanto en el arte como en la arquitectura, hoy en día el Art Nouveau se entiende menos como un puente de transición entre períodos artísticos y es una expresión del estilo, el espíritu y el pensamiento intelectual de un cierto marco de tiempo, centrado alrededor de la vuelta de siglo, en el 1900. En su búsqueda por establecer una estética verdaderamente moderna, el Art Nouveau se convirtió en el lenguaje visual definitorio de un momento fugaz de la época.
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