Die Anfänge des Art Nouveau
Das Aufkommen des Art Nouveau - wörtlich "Neue Kunst" - kann zwei unterschiedlichen Einflüssen zugeschrieben werden: Der erste war die Einführung der britischen Arts and Crafts-Bewegung um 1880, die, wie der Art Nouveau, eine Reaktion auf das unordentliche Design und die Kompositionen der dekorativen Kunst der viktorianischen Ära war.
Der zweite war der aktuelle Trend der japanischen Kunst, insbesondere der Holzschnittkunst, die viele europäische Künstler in den 1880er und 1890er Jahren begeisterte, darunter Künstler wie Gustav Klimt, Emile Gallé und James Abbott McNeill Whistler. Die japanischen Holzschnittdrucke enthielten insbesondere blumige und knollige Formen sowie "Peitschen"-Kurven, alles Schlüsselmerkmale dessen, was schließlich zum Art Nouveau werden sollte.
Japanischer Art Nouveau - Die Welle von Katsushika Hokusai
Es ist schwierig, die ersten Kunstwerke zu benennen, die offiziell den Art Nouveau ins Leben riefen. Einige argumentieren, dass die geschwungenen und fließenden Linien sowie die blumigen Hintergründe in den Gemälden von Vincent van Gogh und Paul Gauguin die Geburt des Art Nouveau darstellen, oder vielleicht sogar die dekorativen Lithografien von Henri de Toulouse-Lautrec, wie Moulin Rouge: La Goulue (1891).
Dennoch weisen die meisten auf die Ursprünge der dekorativen Künste hin, insbesondere auf den Buchumschlag eines Buches des Architekten und engländischen Designers Arthur Heygate Mackmurdo für den Band von 1883 Wren's City Churches.
Mackmurdo, Arthur: als erste Darstellung des Art Nouveau angesehen
Das Design des Buches zeigt wuchernde Blütenstängel, die aus einem flachen Block am unteren Ende der Seite emaniert, was deutlich an die japanischen Holzschnitte erinnert.
Art Nouveau-Ausstellungen
Der Art Nouveau war in internationalen Ausstellungen während seiner Blütezeit oft präsenter. Der neue Stil genoss die zentrale Bühne auf fünf bestimmten Messen: den Expositions Universelles von 1889 und 1900 in Paris; der Tervuren-Ausstellung von 1897 in Brüssel, wo der Art Nouveau weitgehend verwendet wurde, um die Möglichkeiten der Handwerkskunst mit den exotischen Hölzern des Belgischen Kongo zu zeigen; der Internationalen Ausstellung für moderne dekorative Kunst in Turin von 1902; und der Internationalen Ausstellung von l'Est de la France 1909 in Nantes.
Bei jeder dieser Messen war der Stil dominant in Bezug auf die ausgestellten dekorativen Künste und die Architektur, und in Turin 1902 war der Art Nouveau tatsächlich der vorherrschende Stil, gewählt von nahezu allen Designern und allen repräsentierten Nationen, mit Ausnahme von jedem anderen.
Plakat Internationale Ausstellung für moderne dekorative Kunst
Der Art Nou
veau: eine Kunstströmung mit tausend Namen
Siegfried Bing, ein deutscher Händler und Kenner der japanischen Kunst, der in Paris lebte, eröffnete im Dezember 1895 ein Geschäft namens L'Art Nouveau, das zu einem der Hauptanbieter des Stils in Möbeln und dekorativen Künsten wurde. Schnell wurde der Name des Geschäfts zum Synonym für den Stil in Frankreich, Großbritannien und den Vereinigten Staaten. Die große Popularität des Art Nouveau in Westeuropa und Zentraleuropa führte jedoch dazu, dass er verschiedene Titel erhielt. In den deutschsprachigen Ländern wurde er allgemein Jugendstil (jugendlicher Stil) genannt, benannt nach einer Münchener Zeitschrift namens Jugend, die ihn populär machte. In Wien, dem Heimatort von Gustav Klimt, Otto Wagner, Josef Hoffmann und den anderen Gründern der Wiener Secession, wurde er als Sezessionsstil (Stil der Sezession) bezeichnet.
Er wurde auch als Modernismo im Spanischen, Modernisme im Katalanischen und Stile Floreale (blumiger Stil) oder Stile Liberty in Italien bekannt, letzteres wegen des Stoffhandels von Arthur Liberty in London, der half, den Stil populär zu machen. In Frankreich wurde er allgemein als Style Moderne und gelegentlich Style Guimard zu Ehren seines bekanntesten Praktikers dort, dem Architekten Hector Guimard, bezeichnet, während er in den Niederlanden oft als Nieuwe Kunst (Neue Kunst) bekannt ist.
Es ist erwähnenswert, dass auch seine zahlreichen Kritiker ihm verschiedene abfällige Namen gaben: Style Nouille (Nudelstil) in Frankreich, Paling Stijl (Aalstil) in Belgien und Bandwurmstil (Bandwurmstil) in Deutschland, alles Namen, die sich verspielt auf die Tendenz des Art Nouveau bezogen, geschwungene und fließende Linien zu verwenden.
Der Art Nouveau: Konzepte, Stile und Trends
Die Ubiquitär des Art Nouveau gegen Ende des 19. Jahrhunderts lässt sich teilweise durch die Verwendung vieler Künstler populärer und leicht reproduzierbarer Formen erklären, die in den grafischen Künsten zu finden sind. In Deutschland druckten Jugendstil-Künstler wie Peter Behrens und Hermann Obrist ihre Arbeiten auf Buchcovern und Ausstellungskatalogen, Zeitschriftenanzeigen und Plakaten.
Aber diese Tendenz beschränkte sich keineswegs auf Deutschland. Der englische Illustrator Aubrey Beardsley, vielleicht die umstrittenste Figur des Art Nouveau wegen seiner Kombination aus Erotik und Makabrem, schuf in seiner kurzen Karriere eine Reihe von Plakaten, die geschwungene und rhythmische Linien verwendeten. Die hochdekorativen Drucke von Beardsley, wie The Peacock Skirt(1894), waren sowohl dekadent als auch einfach und stellen die direkteste Verbindung dar, die wir zwischen dem Art Nouveau und dem Japonismus / Ukiyo-e-Drucken identifizieren können.
Der Pfauenrock von Aubrey Beardsley - Art Nouveau
In Frankreich popularisierten die Plakate und die grafische Produktion von Jules Chéret, Henri de Toulouse-Lautrec, Pierre Bonnard, Victor Prouvé, Théophile Steinlen und einigen anderen den luxuriösen und dekadenten Lebensstil der belle époque, ungefähr in der Ära zwischen 1890-1914, die allgemein mit dem zwielichtigen Cabaret-Viertel Montmartre im Norden von Paris assoziiert wird.
Ihre grafischen Werke verwendeten neue chromatographische Techniken, um alles zu bewerben, von neuen Technologien wie Telefonen und elektrischen Lampen bis hin zu Bars, Restaurants, Nachtclubs und sogar einzelnen Künstlern, und evokierten die Energie und Vitalität des modernen Lebens. Dabei erhoben sie bald das Plakat von den Reihen der Fußgängerwerbung zur hohen Kunst.
Die modernistische Architektur des Art Nouveau
Jede ernsthafte Diskussion über Art Nouveau muss auch die Architektur und den großen Einfluss berücksichtigen, den sie auf die europäische Kultur hatte. In städtischen Zentren wie Paris, Brüssel, Glasgow, Turin, Barcelona, Antwerpen und Wien sowie in kleineren Städten wie Nancy und Darmstadt, zusammen mit Orten in Osteuropa wie Riga, Prag und Budapest, war die Architektur des Art Nouveau in großem Umfang sowohl in Größe als auch in Erscheinung verbreitet und ist noch heute sichtbar in so unterschiedlichen Strukturen wie kleinen Reihenhäusern bis hin zu großen institutionellen und kommerziellen Gebäuden. Besonders in der Architektur zeigte sich der Art Nouveau in einer Vielzahl von Ausdrucksformen.
Viele Gebäude integrieren einen prodigierenden Einsatz von Terrakotta und bunten Fliesen. Der französische Keramiker Alexandre Bigot wurde beispielsweise vor allem durch die Produktion von Terrakottaverzierungen für die Fassaden und Kamine von Pariser Wohnhäusern und Mietskasernen bekannt. Andere Art-Nouveau-Strukturen, insbesondere in Frankreich und Belgien, in denen Hector Guimard und Victor Horta wichtige Praktiker waren, zeigen die technologischen Möglichkeiten mit Eisenkonstruktionen, die mit Glasplatten verbunden sind.
Casa Batlló – Barcelona - Art Nouveau
In vielen Regionen Europas zeichnete sich die Wohnarchitektur des Art Nouveau durch lokales Gestein aus, wie z.B. gelbe Kalkstein oder eine rustikale Ästhetik mit unregelmäßig geformten Holzverkleidungen. In mehreren Fällen wurde eine skulpturale Hülle aus weißem Putz verwendet, insbesondere in Art-Nouveau-Gebäuden, die für Ausstellungen genutzt wurden, wie den Pavillons der Weltausstellung in Paris von 1900 und dem Secession Building in Wien. Selbst in den Vereinigten Staaten gehören die pflanzlichen Formen, die die Wolkenkratzer von Louis Sullivan zieren, wie das Wainwright-Gebäude und die Chicagoer Börse, oft zu den besten Beispielen für den breiten architektonischen Einfluss des Art Nouveau.
Der Bogen, der von der Chicagoer Börse übrig geblieben ist - Art Nouveau
Art Nouveau-Möbel und Innendesign
Wie die viktorianischen stilistischen Wiedergeburten und die Arts and Crafts-Bewegung war der Art Nouveau eng mit der Innendekoration verbunden, ebenso wie auffällig in den Außenfassaden. Ebenso wie diese anderen Stile des 19. Jahrhunderts, bemühten sich auch die Art Nouveau-Interieurs, eine harmonische und kohärente Umgebung zu schaffen, die keine Oberfläche unberührt ließ. Das Möbeldesign nahm in dieser Hinsicht eine zentrale Rolle ein, insbesondere in der Produktion von geschnitztem Holz, das scharfe und unregelmäßige Konturen aufwies, oft von Hand gefertigt, aber gelegentlich maschinell hergestellt. Die Möbelhersteller produzierten Stücke für alle erdenklichen Verwendungszwecke: Betten, Sessel, Esszimmer- und Tischstühle, Schränke, Sideboards und Leuchter. Die geschwungenen Linien der Designs speisten sich oft aus der natürlichen Maserung des Holzes und wurden oft dauerhaft als Wandpaneele und Zierleisten installiert.
In Frankreich umfassten die Hauptdesigner des Art Nouveau Louis Majorelle, Emile Gallé und Eugène Vallin, die alle in Nancy ansässig waren, sowie Tony Selmersheim, Édouard Colonna und Eugène Gaillard, die in Paris arbeiteten, wobei die beiden Letzteren spezifisch für das Geschäft von Siegfried Bing namens L'Art Nouveau arbeiteten, wodurch der gesamten Bewegung ihr gebräuchlichster Name gegeben wurde.
Möbel des Designers - Louis Majorelle Art Nouveau
In Belgien sind die geschwungenen Linien und die kantigeren, zurückhaltenden Konturen in den Designs von Gustave Serrurier-Bovy und Henry van de Velde zu sehen, die die Werke der englischen Arts & Crafts-Künstler bewunderten. Die Italiener Alberto Bugatti und Augustino Lauro waren für ihre Annäherungen an den Stil dort sehr bekannt. Viele dieser Designer bewegten sich frei zwischen den Medien, was sie oft schwer zu kategorisieren machte: Majorelle beispielsweise stellte seine eigenen Holzdesigns her und eröffnete eine Schmiede,
Alberto Bugatti Möbel Art Nouveau
Die Malerei des Art Nouveau und die hohen Künste
Wenige Stile können für sich beanspruchen, in fast allen Formen visueller Medien und Materialien so umfassend vertreten zu sein wie der Art Nouveau. Neben denjenigen, die hauptsächlich in Grafik, Architektur und Design arbeiteten, hat der Art Nouveau einige herausragende Vertreter in der Malerei, wie den Wiener Secessionisten Gustav Klimt, bekannt für Hope II und The Kiss (beide von 1907-08), und Victor Prouvé in Frankreich.
Die Hoffnung II von Klimt - Art Nouveau
Aber die Maler des Art Nouveau waren spärlich und weit auseinander: Klimt hatte praktisch keine Schüler oder Nachfolger (Egon Schiele ging in die Richtung des Expressionismus), und Prouvé ist ebenfalls bekannt als Bildhauer und Möbeldesigner. Im Gegenteil, man kann sagen, dass der Art Nouveau, mehr als jeder andere Stil in der Geschichte, dafür verantwortlich war, die Kluft zwischen dekorativen oder angewandten Künsten an Gebrauchsgütern und den schönen Künsten oder rein ornamentalen Bereichen der Malerei, Skulptur und Architektur zu verringern, Künste, die traditionell als wichtiger angesehen wurden, reinere Ausdrucksformen von Talent und künstlerischen Fähigkeiten, wobei es umstritten bleibt, ob diese Kluft vollständig geschlossen wurde.
Zeichnung von Victor Prouvé Art Nouveau
Die Schmuck- und Glaswaren des Art Nouveau
Der Ruf nach Luxus des Art Nouveau wurde auch durch die Nutzung prominenter Glaskünstler der Geschichte deutlich. Emile Gallé, die Brüder Daum, Tiffany und Jacques Gruber erlangten zunächst Ruhm, zumindest teilweise, durch ihr Art Nouveau-Glas und ihre Anwendungen in vielen nützlichen Formen. Die Firmen Gallé und Daum festigten ihren Ruf in der Gestaltung von Vasen und Kunstglas und waren Pioniere neuer Techniken in geätzten Stücken, deren geschwungene und gut geformte Oberflächen mühelos zwischen durchscheinenden Farbtönen fließen zu schienen.
Die Brüder Daum und Tiffany nutzten ebenfalls die künstlerischen Möglichkeiten von Glas für Nutzgegenstände, wie Lampenschirme und Bürobedarf. Sowohl Tiffany als auch Jacques Gruber, die in Nancy bei den Brüdern Daum in Schmuck ausgebildet worden waren, sowie René Lalique, Louis Comfort Tiffany und Marcel Wolfers schufen einige der wertvollsten Stücke des Jahrhundertwechsels, produzierten alles, von Ohrringen bis hin zu Halsketten, Armbändern und Broschen, und stellten so sicher, dass der Art Nouveau immer mit dem luxuriösen Stil des Jahrhundertwechsels verbunden sein würde, trotz der Hoffnung, dass seine Allgegenwart ihn universell zugänglich machen könnte.
Die Unternehmensidentität im Art Nouveau
Der Art Nouveau erlangte Berühmtheit gleichzeitig mit der Expansion des Einzelhandels, um ein wahrhaft massives Publikum anzusprechen. Er nahm eine prominente Stellung in vielen der wichtigsten städtischen Kaufhäuser ein, die Ende des 19. Jahrhunderts gegründet wurden, darunter La Samaritaine in Paris, Wertheim's in Berlin und Magasins Reunis in Nancy.
Darüber hinaus wurde er aggressiv von einigen der bekanntesten Designverkäufe der Zeit vermarktet, beginnend mit dem Geschäft L'Art Nouveau von Siegfried Bing in Paris, das bis zu seiner Schließung im Jahr 1905, kurz nach Bings Tod, eine Bastion der Verbreitung des Stils blieb. Es war bei weitem nicht das einzige Geschäft in der Stadt, das sich auf Art Nouveau-Interieurs und -Möbel spezialisierte.
In der Zwischenzeit war Liberty & Co. der Hauptvertreter der Objekte des Stils in Großbritannien und Italien, wo, als Folge davon, der Name Liberty fast zum Synonym für den Stil wurde.
Liberty & Co - Art Nouveau
Viele Art Nouveau-Designer wurden berühmt, weil sie ausschließlich für diese Einzelhändler arbeiteten, bevor sie sich in andere Richtungen bewegten. Der Architekt Peter Behrens entwarf beispielsweise praktisch alles, von Teekannen über Buchcover, Werbeplakate, Inneneinrichtungen von Ausstellungspavillons, Utensilien bis hin zu Möbeln, und wurde schließlich der erste Industriedesigner, als er 1907 für die gesamte Designarbeit für AEG, die deutsche General Electric, verantwortlich war.
Der Einfluss des Art Nouveau auf die Kultur: was danach kam
Wenn der Art Nouveau Europa in den letzten fünf Jahren des 19. Jahrhunderts schnell eroberte, verließen Künstler, Designer und Architekten ihn in der gleichen Schnelligkeit im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts.
Obwohl viele seiner Praktiker die Doktrin "Die Form muss der Funktion folgen" zum Mittelpunkt ihres Ethos gemacht hatten, neigten einige Designer dazu, luxuriös mit der Dekoration umzugehen, und der Stil wurde kritisiert, weil er zu aufwendig war. In gewisser Weise begann der Stil, als er reifte, zu denselben Gewohnheiten zurückzukehren, die ihn früher verachtet hatten, und eine wachsende Zahl von Gegnern begann zu behaupten, dass er, anstatt das Design zu erneuern, einfach das Alte durch etwas oberflächlich Neues ersetzt hatte. Selbst mit neuen Methoden der Massenproduktion verhinderte die intensive Handwerkskunst, die in einem Großteil des Designs des Art Nouveau beteiligt war, dass es tatsächlich für ein massives Publikum zugänglich wurde, wie es seine Verfechter ursprünglich erwartet hatten. In einigen Fällen, wie in Darmstadt, haben auch die laxen internationalen Urheberrechtsgesetze verhindert, dass Künstler finanziell von ihren Designs profitieren.
Die Assoziation des Art Nouveau mit Ausstellungen trug bald auch zu seinem Ruin bei. Zunächst waren die meisten Messegebäude temporäre Strukturen, die unmittelbar nach Schließung der Veranstaltung abgerissen wurden. Aber was noch wichtiger ist, die Ausstellungen selbst, obwohl sie mit dem Vorwand abgehalten wurden, Bildung, internationales Verständnis und Frieden zu fördern, neigten dazu, Rivalität und Wettbewerb zwischen den Nationen zu schüren aufgrund der immanenten Vergleichsnatur der Ausstellung. Viele Länder, darunter Frankreich und Belgien, betrachteten den Art Nouveau als potenziellen Kandidaten für den Titel "Nationalstil", gegenüber den Anschuldigungen von ausländischen Ursprüngen oder subversiven politischen Nuancen des Art Nouveau, zum Beispiel wurde er auf verschiedene Weise mit belgischen Designern und deutschen Händlern in Verbindung gebracht, und manchmal war es der Stil, der in sozialistischen Gebäuden verwendet wurde, was die öffentliche Meinung gegen ihn wendet. Mit einigen bemerkenswerten Ausnahmen, in denen er einen engagierten Zirkel lokaler Sponsoren hatte, war der Art Nouveau 1910 fast vollständig aus der europäischen Designlandschaft verschwunden.
Vom Wiener Werkstätte zum Art Deco
Der Tod des Art Nouveau begann in Deutschland und Österreich, wo Designer wie Peter Behrens, Josef Hoffmann und Koloman Moser bereits 1903 begannen, eine nüchternere und strenger geometrische Ästhetik anzunehmen. In diesem Jahr gründeten viele Designer, die zuvor mit der Wiener Secession assoziiert waren, das Kollektiv bekannt als Wiener Werkstätte, dessen Vorliebe für stark winklige und gerade Formen an eine präzisere, industriell inspirierte Ästhetik erinnerte, die jegliche offene Bezugnahme auf die Natur ausschloss.
Diese Objektivierung der maschinell gestalteten Designeigenschaften wurde 1907 durch zwei Schlüsselereignisse unterstrichen: die Ernennung von Behrens zum Leiter des gesamten Corporate Designs von AEG, von Gebäuden bis hin zu Produkten und Werbung, wodurch er zum ersten Industriedesigner der Welt wurde; und die Gründung des deutschen Werkbundes, der formalen Allianz zwischen Industrie und Designern, die zunehmend versuchte, ein Produktsystem basierend auf Standardisierung zu definieren. Kombination mit einem neuen Respekt für den Klassizismus, inspiriert teilweise durch die Weltausstellung in Chicago 1893 und mit dem offiziellen Segen der City Beautiful-Bewegung in den Vereinigten Staaten, entwickelte sich diese maschineninspirierte Ästhetik schließlich nach dem Ersten Weltkrieg in den Stil, den wir jetzt nachträglich als Art Deco bezeichnen.
Ihr deutlich kommerzieller Charakter zeigte sich prägnant in der Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes in Paris 1925, der Veranstaltung, die in den 1960er Jahren dem Art Deco ihren Namen gab. Kombination mit einem neuen Respekt für den Klassizismus, inspiriert teilweise durch die Weltausstellung in Chicago 1893 und mit dem offiziellen Segen der City Beautiful-Bewegung in den Vereinigten Staaten, entwickelte sich diese maschineninspirierte Ästhetik schließlich nach dem Ersten Weltkrieg, in den Stil, den wir jetzt nachträglich als Art Deco bezeichnen.
Postmoderne Einflüsse des Art Nouveau
Trotz seiner kurzen Lebensdauer würde der Art Nouveau in den 1960er und 1970er Jahren für Designer einflussreich sein, die sich von der restriktiven, strengen, unpersönlichen und zunehmend minimalistischen Ästhetik befreien wollten, die in den grafischen Künsten vorherrschte. Die sich frei und ungebändigt bewegenden Linien des Art Nouveau wurden zur Inspiration für Künstler wie Peter Max, dessen Evokation einer alternativen, psychedelischen und träumerischen Erfahrung erinnert an die imaginative, flüchtige und ungebändigte ästhetische Welt des frühen Jahrhunderts.
Von Anfang an als wichtiger Schritt in der Entwicklung des Modernismus in sowohl Kunst als auch Architektur anerkannt, wird der Art Nouveau heute weniger als Übergangsbühne zwischen künstlerischen Perioden gesehen, sondern als Ausdruck des Stils, des Geistes und des intellektuellen Denkens eines bestimmten Zeitrahmens, das sich um den Jahrhundertwechsel 1900 gruppiert. In seinem Streben, eine wahrhaft moderne Ästhetik zu schaffen, wurde der Art Nouveau zur definierenden visuellen Sprache eines flüchtigen Moments der Zeit.
KUADROS ©, ein berühmtes Gemälde an Ihrer Wand.
