Historien bag de 10 mest berømte religiøse malerier af vestlig kunst

I løbet af århundreder har kristen kunst præsenteret mange forskellige typer maleri, udført i en lang række medier.

Religiøs kunst bruger religiøse spørgsmål og motiver, der generelt har en genkendelig moralsk fortælling eller forsøger at fremkalde stærke åndelige følelser i seeren. I den vestlige verden kan religiøs kunst defineres som ethvert kunstværk, der har et kristent tema. Det vestlige religiøse maleri domineres af scener fra Det Gamle Testamente og Jesu Kristi liv.

Blandt de mest repræsenterede temaer er repræsentationerne af Jomfru Maria med barnet Jesus og Kristus på korset. Mange af de mest berømte religiøse malerier blev skabt under renæssancen, en indflydelsesrig kulturel bevægelse, der stammer fra Italien.

De tre store mestre i renæssancen Leonardo da Vinci, Miguel ángel og Rafael vises flere gange på denne liste. Kadros bringer dig de 10 mest berømte religiøse malerier.

Nr. 1 Oprettelsen af ​​Adam - Miguel ángel (1512)

Den mest berømte del af taget af det sixtinske kapel er oprettelsen af ​​Adam af Miguel ángel. Denne scene ligger ved siden af ​​oprettelsen af ​​Eva, som er panelet i midten af ​​rummet, og menigheden af ​​farvande, der er tættere på alteret.

Arbejdet udført af Miguel ángel er en hjørnesten i renæssancekunst. Maleriet illustrerer den bibelske fortælling om skabelsen af ​​Genesis -bogen, hvor Gud ikke inderlige liv til Adam, den første mand.

Oprettelsen af ​​Adam adskiller sig fra de typiske skabelsesscener, der hidtil er malet. Her dominerer to figurer scenen: Gud til højre og Adam til venstre. Gud vises inden for en flydende tågeform sammensat af gardiner og andre figurer. Formen er baseret på engle, der flyver uden vinger, men hvis flyvning tydeligt ses af gardinerne, der spirer under dem. Gud er repræsenteret som en gammel mand, men muskuløs, med gråt hår og et langt skæg, der reagerer på den fremadgående bevægelse af flyvningen. Dette er langt fra de kejserlige billeder af Gud, der ellers havde skabt i vest og dateres tilbage til tidspunktet for sen antik. I stedet for at bruge ægte tøj og repræsenteret som en almægtig hersker, bruger han kun en let kappe, der efterlader meget af hans arme og ben udsat. Man kan sige, at det er et meget mere intimt portræt af Gud, fordi det er vist i en tilstand, der ikke er uberørt og væk fra mennesket, men tilgængeligt for ham.

I modsætning til Guds figur, der er udvidet og høj, er Adam repræsenteret som en doven figur, der reagerer ligeglad på det forestående strejf af Gud. Dette berøring giver ikke kun liv til Adam, men vil give liv til hele menneskeheden. Det er derfor fødslen af ​​den menneskelige race. Adams krop har en konkav form, der gentager formen af ​​Guds krop, som er i en konveks holdning inden for tågen og flydende form. Denne korrespondance på den ene måde med den anden ser ud til at understrege den bredere idé om, at mennesket svarer til Gud; Det vil sige, det ser ud til at afspejle ideen om, at mennesket er skabt i Guds billede og lighed, en idé, som Michelangelo måtte være bekendt med.

Malingen er blevet analyseret meget, og blandt andet er det blevet opdaget, at malingens kanter korrelerer med rillerne på den indre og ydre overflade af hjernen, hjernestammen, basilararterien, hypofysen og den Optisk chiasma. Guds hånd rører ikke Adam, men Adam er allerede i live, som om livets gnist blev overført gennem en synaptisk spalte. Under Guds højre arm er der en trist engel i et område af hjernen, der undertiden aktiveres i kæledyrsudforskninger (tomografier), når nogen oplever en trist tanke. Gud overlapper det limbiske system, det følelsesmæssige centrum af hjernen og muligvis den anatomiske modstykke til den menneskelige sjæl. Guds højre arm strækker sig til den prefrontale cortex, den mest kreative og unikke menneskelige hjerneområde; Det røde stof, der omgiver Gud, har formen på en menneskelig livmoder; Og det antages, at det grønne tørklæde er en nyskåret navlestreng. Adams skabelse er måske det bedst kendte maleri efter Mona Lisa; Og sammen med den sidste middag er det det mest replikerede religiøse maleri gennem tidene. Billedet af de næsten rørte hænder på Gud og Adam er blevet et ikon for menneskeheden og er blevet efterlignet og parodieret utallige tider.

Taget af det sixtinske kapel led de skadelige virkninger af århundreder af røg, der havde fået taget til at mørke betydeligt. Det var først i 1977, at rengøringen af ​​loftet begyndte. Rengøringen var fantastisk efter dens afslutning i 1989; Det, der tidligere var mørkt og monoton, er blevet levende. Ændringen i forudgående rengøring af efterfølgende rengøring var så stor, at nogle oprindeligt nægtede at tro, at Miguel ángel malede. I dag forstår vi Michelangelos farvede palet meget bedre og den verden, han malede, smukt fanget på taget af det sixtinske kapel.

Køb en gengivelse af oprettelsen af ​​Adam af Miguel ángel i online butikken i Kadros

 No.2 Den sidste aftensmad - Leonardo da Vinci (1495-1498)

Sidste aftensmad eller den italienske Cenacolo, et af de mest berømte kunstværker, malet af Leonardo da Vinci sandsynligvis mellem 1495 og 1498 for det Dominikanske kloster Santa Maria Delle Grazie i Milano.

Dette berømte maleri repræsenterer den dramatiske scene, der er beskrevet i flere øjeblikke tæt beslægtet i evangelierne, herunder Matteus 26: 21-28, hvor Jesus erklærer, at en af ​​apostlene vil forråde ham og derefter indføre eukaristien. Ifølge Leonardos tro på, at position, gestus og udtryk skal manifestere "forestillinger om sindet", reagerer hver af de 12 disciple på en sådan måde, at Leonardo betragtede som tilstrækkelig til apostlenes personlighed. Resultatet er en kompleks undersøgelse af forskellige menneskelige følelser, udtrykt i en vildledende enkel sammensætning.

Leonardo havde ikke arbejdet i et så stort maleri og havde ingen erfaring med freskomaleriets standardmaleri. Malingen blev udført under anvendelse af eksperimentelle pigmenter direkte på den tørre gipsvæg, og i modsætning til freskomalerierne, hvor pigmenter blandes med den fugtige gips, har tiden ikke modstået godt. Allerede før den var færdig, var der problemer med damermaling af væggen, og Leonardo måtte reparere den. I årenes løb er det kollapset, det har været udsat for hærværk, bombarderet og gendannet. I dag ser vi sandsynligvis meget lidt af det originale maleri.

Temaet for den sidste aftensmad er den sidste fødevarer af Kristus med hans apostle, før Judas identificerer Kristus for de myndigheder, der arresterer ham. Den sidste aftensmad (det antages, at det svarer til sederen af ​​jødisk påske), det huskes for to begivenheder: Kristus siger til hans apostle "en af ​​jer vil forråde mig", og apostlene reagerer, hver efter deres personlighed. Under henvisning til evangelierne repræsenterer Leonardo Felipe, der spørger "Herre, er det mig?" Kristus svarer: "Den, der lægger sin hånd med mig på pladen, vil give mig" (Matt 26). Vi ser Kristus og Judas sprede sig samtidig mod en skål, der er blandt dem, selv når Judas går tilbage til forsvaret. Leonardo repræsenterer også samtidig Kristus velsigne brødet og fortæller apostlene ”tage, spise; Dette er min krop "og velsigne vinen og sige" at drikke det hele; Fordi dette er mit blod fra pagten, der udgydes for tilgivelse af synder ”(Matteus 26). Disse ord er det grundlæggende øjeblik for eukaristiens nadver (den mirakuløse transformation af brød og vin i Kristi legeme og blod).

Den afbalancerede sammensætning er forankret af en ligesidet trekant dannet af Kristi legeme. Han sidder under et buet pediment, der, hvis det er afsluttet, tegner en cirkel. Disse ideelle geometriske former henviser til renæssanceinteressen for neoplatonisme (et element i den humanistiske genfødsel, der forsoner aspekter af græsk filosofi med kristen teologi). I sin allegori, "La Cueva", understregede den græske filosof Platon ufuldkommenhed af det jordiske rige. Geometri, der bruges af grækerne til at udtrykke himmelsk perfektion, er blevet brugt af Leonardo til at fejre Kristus som inkarnationen af ​​himlen på jorden. Leonardo trak et grønt landskab ud over vinduerne. Ofte fortolket som et paradis, er det blevet antydet, at denne himmelske helligdom kun kan opnås gennem Kristus. De tolv apostle er arrangeret i fire grupper på tre, og der er også tre vinduer. Nummer tre er ofte en henvisning til den hellige treenighed i katolsk kunst. I modsætning hertil er nummer fire vigtig i den klassiske tradition (for eksempel Platons fire dyder).

Siden den sidste middag var afsluttet, da han blev erklæret et mesterværk, har vægmaleriet tjent ros for kunstnere som Rembrandt Van Rijn og Peter Paul Rubens og forfattere som Johann Wolfgang von Goethe og Mary Wollstonecraft Shelley. Han har også inspireret utallige reproduktioner, fortolkninger, konspirationsteorier og fiktion. Den delikate tilstand af den sidste middag har ikke reduceret maleriets attraktivitet; I stedet er det blevet en del af arven fra kunstværket. 

Køb en reproduktion af Leonardo da Vincis sidste middag i Kadros Online Store 

No.3 Return af den fortabte søn - Rembrandt (1669)

I lignelsen om den fortabte søn har en far to børn; Den yngste beder om hans arv, spildte sin formue og vendte hjem efter at have opholdt sig i elendighed. Han har til hensigt at bede sin far om at gøre ham til en af ​​sine tjenere, men faderen fejrer på den anden side sin tilbagevenden. Når hans ældste søn er imod, fortæller Faderen ham, at de fejrer, fordi hans bror, der var gået tabt, nu har genvundet mening.

Rembrandts sidste ord forekommer i hans monumentale maleri af tilbagevenden af ​​den fortabte søn. Her fortolker han den kristne idé om barmhjertighed med ekstraordinær højtidelighed, som om dette var hans åndelige vilje til verden. Det går ud over værkerne fra alle andre barokke kunstnere i evokation af religiøs humor og menneskelig sympati. Den ældre kunstners realisme falder ikke, men øges med psykologisk opfattelse og åndelig bevidsthed. Belysningen og den udtryksfulde farve og det magiske forslag om dens teknik sammen med en selektiv enkelhed i indstillingen hjælper os med at føle hele virkningen af ​​begivenheden.

Faderens og den fortabte søns hovedgruppe skiller sig ud i lyset mod en enorm mørk overflade. Særligt levende er Sønnens spredte kjole og den ældres ærmer, der er farvet oker med gylden oliven; Ocher -farven kombineret med en intens skarlagen rød i Faderens mantel danner en uforglemmelig farvekolorist harmoni. Observatøren vågner op til følelsen af ​​en ekstraordinær begivenhed. Sønnen, ødelagde og modbydelige, med et skaldet hoved og udseendet af en udstødt, vender tilbage til sin fars hus efter lange eventyr og mange omskiftelser. Han har spildt sin arv i fremmede lande og er sunket ned i Vagabunds tilstand.

Hans gamle far, klædt i rige tøj, som assistentfigurerne, har skyndt sig at modtage ham ved døren og modtager den mistede søn med den største faderlige kærlighed. Begivenheden er blottet for enhver øjeblikkelig voldelig følelse, men stiger til en højtidelig ro, der giver figurerne nogle af statuerne i statuerne og giver følelser en varig karakter, som ikke længere er underlagt ændringer i tid. Uforglemmelig er billedet af den omvendte synder, der er støttet af sin fars bryst og den gamle -modede far på sin søn. Faderens træk taler om en sublim og august godhed; Så gør deres udvidede hænder, ikke fri for stivheden i alderdom. Hele repræsenterer et symbol på ethvert tilbagevenden, af mørket i den menneskelige eksistens oplyst af ømhed, af den trætte og syndige menneskehed, der søger tilflugt i tilflugt for Guds nåde.

Det iboende budskab om, at dette berømte maleri transmitterer, er klart. Gud vil altid tilgive en omvendt synder, uanset hvad der sker.

Det religiøse Iconoclasia, der fandt sted efter frigivelsen af ​​Holland af det koloniale åg af Spanien og den katolske kirke, konverterede de calvinistiske kirker til bare skaller, dedikeret til tilbedelse, forkynnelse og bøn. Hollandske myndigheder havde ikke noget ønske om at dekorere deres tilbedelsessteder med altertavler, friske eller enhver anden type religiøs kunst at tale.

På den anden side blev Holland berømt for den hollandske realisme, en type maleri og småskala kønsportræt, detaljeret og meget realistisk, hvoraf mange indeholdt moralistiske budskaber af forskellige typer.

En tredje type kunst, hvor hollandske realistiske kunstnere stod ud, var maleriet af en død natur (især Vanitas -maleri), som også indeholdt et moralsk budskab, undertiden religiøs. Dette var det tætteste, som mange hollandske kom til den "protestantiske kunst."

Derfor er det endnu mere overraskende, at en hollandsk protestantisk maler som Rembrandt bliver sådan en indsigtsfuld tolk af bibelske scener.

Køb en gengivelse af tilbagevenden af ​​den fortabte søn - Rembrandt i online butikken i Kuadros

No.4 Bryllupperne i Cana - Paolo Veronese (1562-1563)

Temaet for dette berømte maleri er baseret på den bibelske historie, der blev fortalt i evangeliet til St. John (Johannes 2: 1-11), på et ægteskab, der blev afholdt i Cana, Galilea, deltaget af Maria, Jesus og hendes disciple. Mot slutningen af ​​bryllupsfesten, når vinen begynder at løbe tør, beder Jesus om, at stenkrukker bliver fyldt med vand, som læreren derefter bliver til vin. Denne episode, den første af de syv tegn på evangeliet om John, der attesterer den guddommelige tilstand af Jesus, er en forløber for eukaristien.

Canas bryllupper (eller Canas bryllupsbanket) af Paolo Veronese er en olie på lærred, der blev malet i 1563 til det benediktinske kloster i San Giorgio Maggiore i Venedig. Veronese transponerede den bibelske historie til den mest moderne fase af et typisk ekstravagant venetiansk bryllup.
Canas bryllup kombinerer elementer af flere forskellige stilarter, der tilpasser sig sammensætningen af ​​Dosege of the High Renaissance - eksemplificeret af værkerne fra Leonardo, Rafael og Miguel ángel. Til dette tilføjede en eller to egenskaber ved mannerisme såvel som en mængde allegoriske og symbolske træk.

Indholdet af maleriet består også af en kompleks blanding af det hellige og den vanhellige, religiøse og sekulære, teater og dagligdags, europæiske og østlige. Repræsenteret i den store stil med det moderne venetianske samfund finder banketten sted inde i en gårdhave flankeret af Doric og Korinthiske søjler og afgrænset af en lav balustrade. I det fjerne kan du se et portikeret tårn, designet af arkitekten født i Padua Andrea Palladio. I forgrunden berører en gruppe musikere flere lutes og strenginstrumenter. De musikalske figurer inkluderer de fire store malere af Venedig: Veronese selv (klædt i hvidt, spiller Viola da Gamba), Jacopo Bassano (i fløjte), Tintoretto (violin) og Tiziano (klædt rød og rører cello).

Spinnerne på brudebordet, der alle venter på dem, sammen med en foruroligende række royalty -medlemmer, ædle, embedsmænd, ansatte, tjenere og andre, der repræsenterer en repræsentativ prøve af det venetianske samfund og kjoler på forskellige måder med bibelsk, venetiansk eller orientalsk og pyntede kostumer pyntet med overdådige frisurer og artikler af juvelerens. Talrige historiske figurer vises i bryllupper af Cana, herunder: Kejser Carlos V, Leonor de Østrig, Francisco I fra Frankrig, María I fra England, Solimán de storslåede, Vittoria Colonna, Giulia Gonzaga, Cardenal Pole og Sokollu Mehmet Passes. I alt er der i dette berømte relidious maleri omkring 130 unikke figurer repræsenteret.

I værket er de religiøse symboler på lidenskab inkluderet sammen med luksuriøse sølvfartøjer i det 16. århundrede. Møblerne, den komfortable, kannen og glasglassene og vaserne afslører partiet i al sin pragt. Hver gæst til bordet har et individuelt sted, komplet med serviet, gaffel og kniv. I denne duplikering af mening slipper ingen detaljer på kunstnerens øje.
Maleren valgte dyre pigmenter importeret fra øst af venetianske købmænd: orange gul, intense røde og lapislázuli er vidt brugt i gardiner og i himlen. Disse farver spiller en vigtig rolle i læsbarheden af ​​maleri; De bidrager til deres kontraster til individualiseringen af ​​hver af figurerne.

Bemærk: Mens mange figurer i billedet interagerer med hinanden, taler ingen af ​​dem virkelig. Dette er for at imødekomme kodeksen for stilhed, der er observeret af alle benediktine munke i refektoren, hvor billedet skulle blive hængt.

Canas bryllupsfest indeholder en masse symbolik. Hele arbejdet symboliserer for eksempel samspillet mellem jordisk fornøjelse og jordisk dødelighed. Bag balustraden, på Jesu figur, ofres et dyr i hentydning til Jesu næste offer, såsom Guds Lam, en henvisning, der er afhængig af hunden, der tygger en knogle ved foden af ​​maleriet. I mellemtiden til venstre for Jesus, Jomfru Maria Ahueca hænderne for at repræsentere et glas, der vil indeholde den nye vin af menneskeheden, det vil sige Kristi blod. Derudover er der foran musikere et sandur, en standardhenvisning til forbigående af jordiske fornøjelser, herunder menneskelig forfængelighed.

Benediktinerne i klosteret i San Giorgio Maggiore de Venice bestilte dette enorme billede i 1562 til at dekorere deres nye refektor. Kontrakten, der begik Veronese i realiseringen af ​​bryllupsbanketten, var ekstremt præcis. Munkene insisterede på, at arbejdet skulle være monumentalt for at fylde hele væggen på. Hængt i en højde af 2,5 meter fra jorden var det designet til at skabe en illusion af udvidet plads. Dette arbejde på 70 m² besatte Veronese i 15 måneder, sandsynligvis ved hjælp af sin bror Benedetto Caliari. Kommissionen var et vendepunkt i Veroneses karriere; Efter samlingen af ​​maleriet ville andre religiøse samfund græde efter et lignende værk i deres egne klostre. På trods af sine ekstraordinære dimensioner blev maleriet konfiskeret, tilmeldt og sendt til Paris af Napoleons tropper i 1797.

Køb en reproduktion af bryllupper i Cana de Paolo Veronese i online butikken i Kadros

 No.5 The Athens School - Rafael (1509-1511)

Millioner af øjne har forundret sig over det evige møde med tidligere filosofer og matematikere, statsmænd og astronomer, som Rafel forestiller sig lyst i hans berømte fresko.

Især Rafaels fresko, Athens -skolen er kommet til at symbolisere Union of Art, Philosophy and Science, der var en karakteristisk segl for den italienske genfødelse. Malet mellem 1509 og 1511 er det placeret i den første af de fire værelser designet af Rafael, Stanza Della Segnatura. På det tidspunkt var en kommission af paven cusp i enhver kunstners karriere. For Rafel var det valideringen af ​​en allerede blomstrende karriere.

Rafael levede op til udfordringen og skabte et omfattende katalog over forberedende skitser til alle hans freskomalerier. Disse vil derefter blive udvidet til store cala -tegneserier for at hjælpe med at overføre designet til det våde gips. Arbejder på samme tid som Miguel ángel på taget af det sixtinske kapel, antages det, at dette hjalp med at øge og inspirere Rafael ved at stimulere hans konkurrencedygtige karakter.

Rafel bragte ideen til et helt nyt niveau med massesammensætninger, der reflekterede filosofi, teologi, litteratur og retspraksis. Læs som helhed overførte de straks pavens intellekt og ville have forårsaget en diskussion mellem uddannede sind, der var heldige nok til at komme ind i dette private rum. Athens -skolen var det tredje billede, som Rafael afsluttede efter tvist (som repræsenterer teologi) og Parnassus (som repræsenterer litteratur). Det er placeret mod tvist og symboliserer filosofi og etablerer en kontrast mellem religiøs og sekulær overbevisning.

Set i en enorm arkitektonisk illusion er Athens -skolen et mesterværk, der visuelt repræsenterer et intellektuelt koncept. I et maleri brugte Rafael grupper af figurer til at præsentere en kompleks lektion om filosofiens historie og de forskellige overbevisninger, der er udviklet af de store græske filosoffer. Rafael ville helt sikkert have været opmærksom på de private udstillinger af det sixtinske kapel i Progreso, der blev arrangeret af Bramante.

Hvem er tallene fra Athens -skolen?
De to tænkere af selve centret, Aristoteles, til højre og Platon, til venstre, der peger op, har været meget vigtige for vestlig tænkning generelt. På forskellige måder blev deres forskellige filosofier indarbejdet i kristendommen.

Til Platons venstre er Socrates genkendelig takket være sine karakteristiske træk. Det siges, at Raphael kunne bruge et gammelt busteportræt af filosofen som en guide. Han identificeres også ved gestus af sin hånd, som Giorgio Vasari påpeger i kunstnerens liv.

I forgrunden sidder Pythagoras med en bog og en Inkwell, også omgivet af studerende. Selvom Pythagoras er kendt for sine matematiske og videnskabelige opdagelser, troede det også fast på metempsychosis.
Når han afspejler Pythagoras position på den anden side, er Euclid tilbøjelig til at demonstrere noget med et kompas. Deres unge studerende prøver at fange de lektioner, de underviser.

Den store matematiker og astronom Ptolemy ligger lige ved siden af ​​Euclid med ryggen til seeren. Med en gul kappe holder han en landballon i hånden. Det antages, at den skæggede mand stoppede foran ham, der havde en himmelsk ballon, er Zoroastro -astronomen. Interessant nok er de unge, der står ved siden af ​​Zoroaster, der ser på seeren, ingen ringere end Raphael selv. Inkorporeringen af ​​denne type selvportræt er ikke noget uhørt på det tidspunkt, selvom det var en dristig bevægelse for kunstneren at inkorporere hans lighed med et værk af en sådan intellektuel kompleksitet.

Det er universelt accepteret, at den ældre herre, der ligger på trinnene, er diogener. Grundlægger af kynisk filosofi var en kontroversiel figur i sin tid, lever et simpelt liv og kritiserede kulturelle konventioner.
En af de mest slående figurer i kompositionen er en tankevækkende mand, der sidder i forgrunden, med hånden i hovedet i en klassisk position af "tænker."

Inden for filosofer er han Heraclitus, en pioner inden for selvtogt visdom. Han var en melankolsk karakter og nød ikke selskabets selskab, hvilket gjorde ham til en af ​​de få karakterer isoleret fra fresko.

Ved at afslutte Rafaels program sidder to store statuer i nicher på bagsiden af ​​skolen. Til Platons højre ser vi Apollo, mens til venstre for Aristoteles er Minerva. Minerva, gudinden for visdom og retfærdighed, er en passende repræsentant på siden af ​​den moralske filosofi om fresko. Interessant nok bringer dens position også det tættere på Rafaels fresko om retspraksis, der udvikler sig direkte til venstre.

Køb en afspilning fra Rafael Athens -skolen i Kuadros Online Store

No.6 Transfiguration - Rafael (1520)

 

In charge in 1517 by Cardinal Giulio de 'Medici (1478-1534) (of the Florentine Medici family), which would soon become Pope Clemente VII (1523-34), as an altarpiece of the French cathedral of Narbonne (in competition with competition Opstandelsen af ​​Lázaro fra Sebastiano del Piombo), hvoraf han var erkebiskop, dette berømte værk af religiøs kunst blev uafsluttet af Rafael til hans død i 1520 og blev afsluttet af hans assistenter Giulio Romano (1499-1546) og Giovanni Francesco Penni (1496 - 1536).

Når alt kommer til alt bevarede kardinal maleriet i Rom, og ved at få adgang til pavedømmet i 1523 gav han det til kirken San Pietro i Montorio, Rom. I 1774 bestilte den nye pave Pius VI (1775-99) en kopi i mosaik og installerede den i Basilica of San Pedro. Selve maleriet blev plyndret af Napoleon i 1797 og ført til Paris, hvorfra det blev repatrieret i 1815.

Dette arbejde fortæller to ikke -relaterede bibelske begivenheder. Ovenfor er historien om Kristi transfiguration. I den nederste del er historien om en ung mand, der er besat af en dæmon.

Jesus viser øverst på Mount Tabor (Israel) med en hvid kappe som den skinnende sne og ved siden af ​​ham profeterne Moses til højre og Elias til venstre. Skyerne bag Jesus er oplyst. Jesus løfter sine arme og ser mod Gud.

Under Jesus er tre af hans disciple, fra venstre mod højre, Santiago, Pedro og John. De dækker deres ansigt med deres hænder, fordi himlen er for lys for hans øjne. De to figurer til venstre er sandsynligvis Justus og Pastor. Dette er to kristne martyrer, som kirken er dedikeret, hvor maleriet oprindeligt var beregnet til at placere.

Nedenfor kan du se de ni disciple af Jesus, der ikke gik op til bjerget placeret på venstre side. De prøver at helbrede en ung mand, der er besat af en ond ånd. Figuren af ​​den blå tunika nederst til venstre er sandsynligvis Mateo. Se en bog, men find ikke løsningen til at helbrede den unge mand. Den unge discipel af gul tunika er Felipe. Til højre for Felipe, med den røde kappe, er der Andrés. Manden bag Andrés, der peger på det syge barn, er Judas Tadeo, og den ældste mand til venstre er Simon. Manden på ekstreme venstre er sandsynligvis Judas Iscariot. Disciplene kan ikke helbrede den unge mand. Dette kan forklare, hvorfor den røde discipel peger på Jesus på toppen af ​​bjerget. Den syge unge mand til højre har et blåt stof, der er viklet rundt om hans talje og ser meget bleg ud, mens han laver en vild gestus. Du kan se, at dine øjne ser i forskellige retninger. Manden bag ham med den grønne kappe er hans far, der holder ham, og ser på disciple med håb og frygt på samme tid. Foran den unge mand ser to kvinder på disciplene, mens de peger på den unge mand.

Begge historier er beskrevet i Matteus 17, Marcos 9 og Luke 9. Bibelhistorie beskriver, hvordan Jesus omdanner til en strålende herlighed, når han beder med tre af sine disciple i et bjerg. Jesus taler med Moses og Elias og lytter også til Guds stemme. Transfigurationsfesten fejres stadig i mange kirker, enten den 6. august eller 19. august.

Dimensionerne på transfigurationen er 403x276 cms. Rafael foretrak at male på lærred, men dette maleri blev lavet med olie -malerier på træ som valgte medier. Rafael viste faktisk avanceret mannerisme og teknikker i den barokke periode i dette maleri. De stiliserede og snoede positioner af figurerne fra den nedre halvdel indikerer mannerisme. Den dramatiske spænding inden for disse figurer og den liberale brug af lys til mørke eller kontraster af Chiaroscuro repræsenterer den barokke periode med overdrevet bevægelse for at producere drama, spænding, spredning eller belysning. Det Transfiguration Han gik videre til sin tid, ligesom Raphaels død kom for tidligt.

Det Transfiguration var ULasto Great Work of Rafael og et utvivlsomt mesterværk af alt -italiensk renæssance, er nu i den apostoliske Pinacoteca, et af Vatikanets museer. Som et resultat af en vigtig restaurering, der blev udført i 1977 af Vatikanets bevaringseksperter, er Rafael Renaissance Color Palette nu helt synlig, og maleriet har gendannet sin uberørte pragt. Restaureringen spredte også alle vedvarende spørgsmål om skaberen af ​​maleriet. Selvom dette store mesterværk var fuldstændigt produktet af Rafaels geni.

Køb en reproduktion Rafael Transfiguration i online butikken i Kadros

No.7 Den endelige dom - Miguel ángel (1475-1564)

 

Kuadros giver læseren et nærmere kig på historien om denne ikoniske fresko for bedre at forstå, hvordan den endelige dom har haft en varig indflydelse på verden af ​​religiøs kunst.

Vestlige profetiske religioner (det vil sige Zoroastrismo, jødedom, kristendom og islam) udviklede begreber om den endelige dom, der er rige på billeder.

"Det vil komme til at dømme levende og død" (fra apostlenes trosbekendelse, en af ​​de første udsagn om den kristne tro).

Den endelige dom var et af de første kunstværker, som Paul III bestilte til at blive valgt til pavedømmet i 1534. Kirken, han arvet, var i krise; Looting of Rom (1527) var stadig en nylig hukommelse. Paul forsøgte ikke kun at tackle de mange overgreb, der havde forårsaget den protestantiske reform, men bekræfter også legitimiteten af ​​den katolske kirke og ortodoksien i hans doktriner (inklusive pavedømmets institution). Den visuelle kunst ville spille en nøglerolle i deres dagsorden, startende med den meddelelse, han adresserede til sin intime cirkel, da han bestilte den endelige dom.

Malet, da Miguel ángel var helt i sin modne stil, havde kunstværket en øjeblikkelig indflydelse og forårsagede kontrovers. Mens denne endelige dom af menneskeheden ikke var et usædvanligt tema for en kunstner af renæssancen, gjorde Miguel ángel det udelukkende ved at bruge en stil, der blev værdsat og nedbrændt.

Denne nye mur i det sixtinske kapel ville have et specifikt tema: den endelige dom. Beskrivelsen af ​​Jesu Kristi anden komme og den endelige dom af Gud om menneskeheden var et populært tema i hele renæssancen. Miguel ángels vision om emnet er over tid blevet ikonisk. I freskoen ser vi mere end 300 figurer malet af eksperter til at udføre denne historie. Kristus sidder i midten, med hånden hævet for at dømme de dømte, der synker ned i helvede dybder. Med bølgende muskler er denne Kristus en imponerende figur. Til venstre sidder Jomfru Maria. Han har vedtaget en udgivet besiddelse og ser mod dem, der er blevet frelst. Umiddelbart omkring dette centrale par er der en gruppe vigtige hellige. San Pedro, der har himmelens nøgler, og Døberen St. Johannes, vises i samme skala som Kristus. Caronte og de dømte sjæle. Den generelle sammensætning drejer sig om en flydende bevægelse, med dem, der er reddet til venstre for Kristus på billedet, stiger fra deres grave, mens de dømte skubbes ind i helvede. I den nederste del af freskoen ser vi Caronte, en mytologisk figur. På græsk og romersk mytologi transporterede han sjæle til underverdenen. Her tager han dem direkte til helvede, som er fuld af makabre karakterer.

Som Dante i sit store episke digt, den guddommelige komedie, forsøgte Miguel ángel at skabe et episk maleri, værdig til øjeblikket. Han brugte metaforer og hentydninger til at dekorere sit emne. Hans uddannede publikum glædede sig over hans visuelle og litterære referencer. Oprindeligt beregnet til et begrænset publikum, spredte Fresco's reproduktive indgraveringer hurtigt overalt og placerede det i de animerede center -debatter om fordele og misbrug af religiøs kunst.

Mens nogle jublede dette berømte maleri som højdepunktet i kunstneriske resultater, mente andre det symbolet på alt, hvad der kunne gå galt med religiøs kunst og bad om deres ødelæggelse. I sidste ende blev der nået en forpligtelse. Kort efter kunstnerens død i 1564 blev Daniele da Volterra hyret til at dække nalgae og engelsk nøgen med stykker af gardiner og maset Santa Catalina de Alejandría igen, der oprindeligt blev portrætteret uden tøj, og San Blas, der svævede truende hende med hendes stålkamer (hvad vejer (hvad vejer !).

I modsætning til hans begrænsede publikum i det 16. århundrede ser nu tusinder af turister den endelige dom dagligt. Imidlertid bliver de pavelige konklaver endnu en gang en stærk påmindelse om Cardinal College på hans sted i frelsens historie, da de mødes for at vælge Kristi jordiske præst (den næste pave), den person, som han vil være ansvarlig for græsning de troende. I samfundet af de valgte.

Køb en reproduktion af Miguel ángels endelige dom i online butikken i Kadros

No.8 Tower of Babel - Pieter Bruegel El Viejo (1563)

I henhold til Det Gamle Testamente historie straffede Gud menneskeheden på tre måder.

Den første var udvisning af Adam og Eva fra Eden, efter den oprindelige synd. Så kom den store oversvømmelse, straffen for mangfoldigheden af ​​menneskelige misgerninger. Og den tredje var, da Gud, mistillid til stolthed og formodning for borgerne i den voldelige nye by Babylon, "forvirrede alle tale om alle og spredte dem gennem jordens brede ansigt."

Hvad havde babylonierne gøre så inflammatorisk? I Guds øjne havde de udfordret rækkefølgen af ​​tingene med deres erklærede ønske om at blive et "stort folk", repræsenteret ved opførelsen af ​​et enormt tårn, "med en cusp, der når himlen." Mennesker skulle stræbe efter så høje højder, hvad enten det er fysiske eller metaforiske. Den straf, som Gud valgte for dette, var at afslutte det fælles sprog, der plejede at forene alle folk, og skabe en mangfoldighed af forskellige sprog, "så de ikke kan forstås." Den resulterende forvirring betød, at "opførelsen af ​​byen sluttede." Ifølge Bibelen, "Derfor blev byen kaldet Babel" eller Babylon. Af alle kunstrepræsentationer i dette store tårn, der havde fornærmet Gud så meget, er det mest mindeværdige tårnet af Babel af Pieter Bruegel El Viejo (1563).

Dette berømte maleri, et af de mange malerier dedikeret til religiøs kunst, var det andet af tre versioner af Babel -tårnet malet af Pieter Bruegel. Den første version (nu tabt), var en elfenben-miniature, der var på lager af den italienske miniaturist født i Kroatien Giulio Clovio (1498-1578), med hvem Bruegel samarbejdede i Rom i 1553. Den tredje version var en olie, der var mindre malet på Wood, dateret i 1564, som nu er placeret på Boijmans Van Beuningen Museum i Rotterdam. Det antages generelt, at Rotterdams maleri stammer fra cirka et år efter Wiens image. Det "store" wiener tårn er næsten dobbelt stort end det "lille" Rotterdam -tårn og er kendetegnet ved en mere traditionel behandling af emnet. Baseret på 1 Før mangfoldigheden af ​​knælende arbejdstagere. Denne begivenhed nævnes ikke i Bibelen, men blev foreslået i antikviteter af jøderne i Flavio Josephus.

For Bruegel var det vigtigt, fordi han understregede synden af ​​stolthed og arrogance af kongen, der skulle fremhæve billedet.

Detaljeret realisme Tårnet i Babel præsenterer en stor mængde omhyggelige detaljer, der er relateret til opførelsen af ​​bygningen uden tvivl ved Bruegels indviklede viden om konstruktionsteknikker, erhvervet under udførelsen af ​​flere malerier, der illustrerer udgravningen af ​​Amberes-Buselas kanal. På højre side er der en enorm kran, der meget ligner den, der er synligt placeret på havnen i Grimani Breviary.

Myrer lignende arbejdstagere har travlt med at bære det med enorme stenplader, de har modtaget nedenfra, og vil passere til den øverste rampe, hvor andre er parate til at modtage dem. En arbejdstager går op ad en stige mod det afsnit, der omdannes fra rock til arkitektur struktureret af en række andre mennesker. Til venstre slutter en del af facaden allerede delvist; En kvinde kommer ind gennem en af ​​dørene, en stige vises gennem et af de øverste vinduer. Ovenfor arbejder en anden stor række arbejdere på taget osv. Til uendelighed.

Uanset hvad rimeligheden af ​​disse individuelle handlinger, og dette punkt, er endnu ikke blevet undersøgt fuldstændigt, føler tilskueren straks den groteske insufficiens af ingeniørmedier såvel som galskaben i hele byggefirmaet.

Som hårdtarbejdende disse 'myrer' er, står de over for desperate modgang, der er strålende demonstreret. Inden for det samme niveau er afslutningen af ​​den sidste detalje imod nøgen begyndelse med mellemstadier i midten, som antyder til et hektisk løb mod ubønnhørlig tid, mens den øverste del stadig invaderes af skyer.

Da vi kiggede på Bruegels maleri og forsøgte at fortolke det, er vi også nedsænket i en oversættelsesøvelse: Gav han simpelthen visuelt udtryk til bibelsk historie? Eller prøvede jeg at gøre noget bredere? Eller blot en kombination af begge dele?

Det skal ikke overraske os, at der i kunstverdenen ikke nødvendigvis er enighed om Bruegels intentioner. I stedet for at være åbent kontroversiel, har læreren indlejret sit arbejde med tegn og forlader os, hans trofaste tilskuere til at fortolke dem for os selv.

Køb en gengivelse af Torre de Babel af Pieter Bruegel El Viejo i online butikken i Kuadros

No.9 Virgen Del Jilguero - Rafael (1505-1506)

 

Virgen del Jilguero, et af Rafaels florentinske paneler, blev malet af Rafael til ægteskabet med hendes ven Lorenzo Nasi og Sandra Di Matteo di Giovanni Canigiani. Maleriet blev alvorligt beskadiget efter det delvise sammenbrud af Nasi -huset i 1547, som Vasari nævner. Derefter blev det sandsynligvis gendannet af Michele Di Ridolfo Del Ghirlandio (Michele Tosini), en co -arbejder i Ghirlandio -værkstedet, der var dybt påvirket af Rafael.

Barnet Jesus stryger kærligt en Jilguez -fugl, som baptistbarnet netop har givet ham. Et symbol på lidenskab (toppen, fordi det fodres mellem torner) kombineres således i en scene, der på et første meningsniveau simpelthen kan ses som børn, der spiller.

Rafael optog resultaterne af florentinsk kunst, der var på det tidspunkt i spidsen i Europa. Kunstneren var stærkt påvirket af figuren af ​​Leonardo. Indflydelsen af ​​den store kunstner-videnskabelige, manifesteres i den smukke Madonna del Jilguero ("Madonna del Cardellino") (1506), for nylig gendannet (2008) klogt og dygtig. Rafael accepterer den pyramidale sammensætningsmetode, de bløde effekter af svagt lys og følelsesmæssig dialog mellem figurerne og afslører elementerne i Leonardos maleri. På trods af det er det også klart, hvad Rafaels personlige stil vil være: ansigternes ekstreme sødme, især Madonnas, den mesterlige brug af farver, den realistiske gengivelse af landskabet og den dybe intimitet mellem figurerne.

Jomfru Maria er klædt i rødt og blåt. Rød er et symbol på Kristi og blå lidenskab er symbolet på kirken og Mary. Det var et af de dyreste pigmenter og derfor passende at bruge i en vigtig figur som Maria. Den europæiske Jilguero er forbundet med korsfæstelsen af ​​Jesus. I dette maleri overfører St. John fuglen til Jesus som en advarsel om hans voldelige død. Fra den bog, som Mary har, har eksperter identificeret ordene "Sedes Sapientiae". Dette er en af ​​de hengivne titler, der er givet til Mary og betyder "visdomssæde." Det understreger, at Maria fødte Jesus (som repræsenterer visdom). Når Mary er repræsenteret i rollen som "visdomssæde", vises han normalt på en trone med Jesus i hans skød. I dette tilfælde fungerer klippen, som Maria føler sig som en trone.

I maleriet kan du se flere blomster. Mens ikke alle blomster er blevet identificeret endeligt, mener mange, at blomsterne er: anemoner (som repræsenterer Maria's smerte af Jesu lidenskab), Margaritas (som repræsenterer barnets uskyld), bananer (som repræsenterer vejen til Følg Jesus) og violer. (som repræsenterer ydmyghed).

I europæisk kunst bruges toppen ofte som et symbol. Den europæiske Jilguero, Carduelis Carduelis, har et rødt ansigt og hoved i sort / hvid. Hundredvis af genfødelsesmalerier har repræsenteret Jilguero. Den europæiske Jilguero er ofte forbundet med opstandelsen, men også med sjæl, ofre og død. Legenden siger, at spilleren modtog den røde plet på hovedet under korsfæstelsen af ​​Jesus, da han ville rive en torn fra Jesu krone, og en dråbe blod af Jesus sprøjtede hovedet. Faktisk er det kendt, at spilleren spiser tistler og torner og derfor har været forbundet med kronen af ​​torner, som Jesus brugte i sin korsfæstelse.

Landskabet, og især de arkitektoniske former, det indeholder, afspejler indflydelsen fra flamenco -kunst, skønt det stadig er struktureret i vejen for Umbrien. Denne indflydelse var lige så levende i Firenze som i Urbino i anden halvdel af Quattrocento. Måske er det mere synligt på skrå tag og høje nåle, usædvanlige elementer i et middelhavslandskab. Miguel ángels indflydelse er tydelig igen i den velstrukturerede figur af barnet Kristus.

Dette berømte billede led alvorlige skader i slutningen af ​​det 16. århundrede på grund af bygningens sammenbrud, hvor det var. Han led alvorlige skader, såsom de dybe og lange nedskæringer, der havde vanhæstet træpanelet. Mange restaureringer fulgte gennem århundreder, men kun takket være den sidste (lavet i 2008) vendte arbejdet tilbage til sin oprindelige pragt. Derfor kan Virgen del Jilguero blive elsket og beundret igen som et af de smukkeste eksempler på Rafaels store maler "Divine".

Køb en reproduktion af Virgen del Jilguero - Rafael i online butikken i Kadros

No.10 Kristus af San Juan de la Cruz - Salvador Dali (1951)

 Kristus af San Juan de la Cruz blev malet af den spanske surrealistiske maler Salvador Dalí i 1951 på et tidspunkt, hvor han kom ud af den stærke anti -religiøse ateisme fra sin ungdom og omfavnede den katolske tro igen.

Uden tvivl er Dalís mest kendte religiøse arbejde hans "Kristus af San Juan de la Cruz", hvis figur dominerer Port Lligat Bay. Maleriet blev inspireret af en tegning, bevaret i klosteret i inkarnationen i Ávila, Spanien, og lavet af San Juan de la Cruz selv efter at have set denne vision om Kristus under en ekstase.

I Dalis maleri stammer folk ved siden af ​​skibet fra et billede af Le Nain og en tegning af Diego Velázquez til Bredas overgivelse. I slutningen af ​​sine studier for Kristus skrev Dalí: "I første omgang, i 1950, havde jeg en 'kosmisk drøm', hvor jeg så dette farvebillede, og at i min drøm repræsenterede atomets kerne. Denne kerne Senere erhvervede en metafysisk forstand: Jeg overvejede i 'universets enhed' til Kristus! For det andet, da jeg takket være instruktionerne fra Fader Bruno, en karmelit, jeg så Kristus trukket af Saint John of the Cross, jeg arbejdede Geometrisk opsummerede en trekant og en cirkel, som æstetisk opsummerede alle mine tidligere eksperimenter og tilmeldte min Kristus i denne trekant. "

I portrættet brugte Salvador Dalí genialt to forskellige realistiske farver, der inkluderer blå og grøn til at fremstille det fantastiske landskab i havet, sandsynligvis en allegori til Galilæet. Maleren brugte en unik teknik til at male havet på niveauet for øjnene, mens Kristi legeme hænger i korsets luft. Bag korset brugte maleren sort olie -maling. Dette var for at gøre Kristi legeme til centrum for opmærksomheden.

Dalí var i stand til at fremstille Kristi muskler i en fin tone. Bortset fra det formåede han at male skygger, der skabte dybde. Derudover malede Salvador fjerne bjerge i højden af ​​øjnene. I bunden af ​​billedet kan du se en ensom mand stå på en dock med sin båd. Den berømte maler var i stand til at kombinere realistiske farver og et ordnet design for at skabe et imponerende surrealistisk portræt af den religiøse figur.

Det er blevet sagt, at den originale version fra det 16. århundrede skildrer et korsfik fra den vinkel, hvor en døende person ville se den, når han viser den at ære den.

Dalí får os til at se Kristus og korset direkte ovenfra og se ned i sættet af skyer under og jorden nedenunder. Det er faktisk et himmelsk perspektiv, Gud Faderen. Det er interessant, at Sønnen, Kristus, deler det samme perspektiv som Faderen: hans synspunkt følger og fortsætter til Faderens. Det fjerde evangelium understreger, at Sønnen kommer fra Faderen og er et med ham, ser og gør alt, hvad Faderen beder ham om at gøre. På en måde tilbyder Faderen også sønnen til verden for at redde ham.

I maleriet af Kristus af San Juan reflekteres Jesu hellige hjerte ikke eksternt, men er involveret i den kunstneriske indsættelse af en styrke, der overvinder korsets ignominy. Dalí maler os en sejrrig Kristus. Det viser, at Kristus af San Juan de la Cruz udløber ihjel for kærlighed.

I "Kristus af San Juan de la Cruz" fra Dalí har Jesus hængt fra korset afvæbnet kræfter og myndigheder og har gjort dem til et offentligt skue, der sejrede over dem med kraften i deres kærlighed på korset (oberst 2: 15).

Således er korset det sted, hvor godt udløber til det onde, hvor mørket besejres af lyset, hvor kvindens frø endelig knuser hovedet af slangen (1 Mos 3:15), hvor beskyldningerne mod verden er blevet ødelagt og spikret, når du krydser. Frem for alt er det her, kærlighed erobrer og alle former for ondskab.

Dette berømte Dalí -værk blev betragtet som banalt af en vigtig kunstkritiker, da det først blev udstillet i London. Flere år senere blev han imidlertid skåret af en fan, mens han blev hængt i Glasgow -museet, bevis for den fantastiske modsatte effekt på tilskuerne.

I maleriet er der flere perspektiver, et tegn på det fænomenale talent i Dalí.

Da Dalís værker endnu ikke er i det offentlige rum, laver Kadros ikke kopier af denne maler og holder ikke op med at beundre ham selvfølgelig. 

Kuadros ©, en berømt maling på din væg.