Art Deco er en populær designstil fra 1920'erne og 1930'erne, der er kendetegnet ved særligt elegante, geometriske eller stiliserede former og brugen af kunstige materialer.
Karakteristikaene ved Art Deco-stilen stammer fra Frankrig i midten og slutningen af 1910'erne, modnede under den Internationale Udstilling for Dekorative Kunster og Moderne Industrier, der blev afholdt i Paris i 1925, og blev en vigtig stil i Vesteuropa og USA i 1930'erne.
De karakteristiske træk ved Art Deco afspejler beundringen for maskinens modernitet og de designkvaliteter, der er iboende i maskinlavede objekter, såsom relativ enkelhed, planhed, symmetri og uforanderlig gentagelse af elementer. Art Deco-objekter udviser ofte enkle og rene former, generelt med et "stiliseret" udseende; geometrisk eller stiliseret ornamentik hentet fra figurative former som blomster, dyr og solstråler; og brug af kunstige stoffer, herunder plast, vitaminkrystalglas og armeret beton, ofte kombineret med naturlige materialer som jade, sølv, elfenben og krom.
Art Deco - plakat
Blandt de formative indflydelser på Art Deco findes Art Nouveau, Bauhaus, kubismen og Serge Diaghilevs Ballets Russes. Art Deco-praktikere fandt også inspiration i kilder fra de amerikanske indianere, egyptiske og tidlige klassiske kulturer samt fra naturen.
Ligesom Art Deco er art nouveau en ornamenteret stil, der anvendes på medier som arkitektur, indretningsdesign, smykker og illustration. Begge stilarter var populære i Europa og USA, men Art Nouveau blomstrede tidligere, mellem 1890 og 1910.
Art Deco nåede sin højdepunkt i slutningen af 1920'erne og begyndelsen af 1930'erne. Art Nouveau lagde vægt på naturen, og objekterne var især kendetegnet ved asymmetriske, svingende linjer, der ofte tog form af stilke og knopper fra blomster, vinranker, insektvinger og andre delikate naturlige objekter. Art Deco, derimod, fejrede den moderne maskine og fremmendede geometriske linjer og elegante former.
Dens hovedforskelle fra art nouveau er indflydelsen fra kubismen, der giver Art Deco-design en mere fragmenteret geometrisk karakter. Dog forblev billeder baseret på planteformer og svingende kurver i nogle Art Deco-designs, for eksempel den af Clarice Cliff i Storbritannien. Art Deco var meget varieret i sine påvirkninger, inspireret af gammel egyptisk kunst, aztekisk kunst og anden gammel mellemamerikansk kunst, samt designet af moderne skibe, tog og biler. Det blev også inspireret af moderne Bauhaus-arkitektur og design fra arkitekter som Le Corbusier og Mies van der Rohe.
Art Deco fik sit navn fra Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, der blev afholdt i Paris i 1925, hvor stilen blev præsenteret for første gang. Art Deco-design repræsenterede modernismen, der blev mode. Dens produkter omfattede både luksusartikler, der blev håndlavet individuelt, og masset producerede genstande, men i alle tilfælde var intentionen at skabe en elegant og antitraditionel æstetik, der symboliserede rigdom og sofistikering.
De fleste fremtrædende Art Deco-skabere designede håndlavede eller begrænsede udgaver. De inkluderede møbeldesignerne Jacques Ruhlmann og Maurice Dufrène; arkitekten Eliel Saarinen; guldsmeden Jean Puiforcat; smykkedesigneren og krystaldesigneren René Lalique; mode designeren Erté; kunstner-guldsmidne Raymond Templier, HG Murphy og Wiwen Nilsson; og den figurative skulptør Chiparus.
Art Deco - møbel af Jacques Ruhlmann
Art Deco af guldsmeden Jean Puiforcat
Begyndelserne af Art Deco
I slutningen af det 19. århundrede i Frankrig anerkendte mange af de bemærkelsesværdige kunstnere, arkitekter og designere, der havde spillet en vigtig rolle i udviklingen af Art Nouveau-stilen, at den var ved at blive stadig mere umoden. Ved afslutningen af et århundrede, der så den industrielle revolution befæste sig, blev det moderne liv meget anderledes end det var for få årtier siden. Det var tid til noget nyt, noget der udbrød "20. århundrede" fra de moderne og velsmagende tage.
Selskabet for Dekorative Kunstnere i Frankrig
Fra dette ønske om at bevæge sig mod det nye århundrede i takt med innovationen fremfor at blive bremset af nostalgi, dannede en gruppe franske kunstneriske innovatører en organisation kaldet Societé des Artistes Décorateurs (Selskabet for Dekorative Kunstnere). Gruppen bestod af anerkendte figurer som Art Nouveau-designeren og -gravøren Eugene Grasset og Art Nouveau-arkitekten Hector Guimard, sammen med fremadstormende dekorative kunstnere og designere som Pierre Chareau og Francis Jourdain. Den franske stat støttede og fremmede denne retning af kunstnerisk aktivitet.
Art Deco - Selskabet for Dekorative Kunstnere
Et af de vigtigste mål for den nye gruppe var at udfordre den hierarkiske struktur inden for visuelle kunstformer, der relegede dekorative kunstnere til en lavere status end de mere klassiske medier såsom maleri og skulptur. Jourdain er berømt citeret: "Derfor besluttede vi at genbringe den dekorative kunst, der blev behandlet som en Aske, eller en fattig slægtning, der fik lov til at spise sammen med tjenerne, tilbage til den vigtige, næsten dominerende plads, den havde i fortiden, til alle tider og i alle tider" i lande på kloden".
Planen for en stor udstilling, der skulle præsentere en ny type dekorativ kunst, blev oprindeligt tænkt for 1914, men måtte udsættes indtil efter Første Verdenskrig og blev derefter forsinket af forskellige årsager indtil 1925.
Udstillingen, der officielt lancerede Art Deco-bevægelsen
Den franske regering, der holdt udstillingen mellem plænen ved Les Invalides med sin gyldne kuppel og indgangene til Petit Palais og Grand Palais på hver side af Seinen, stræbte efter at vise den nye stil. Mere end 15.000 kunstnere, arkitekter og designere udstillede deres arbejde i udstillingen. I løbet af de syv måneder, udstillingen varede, besøgte mere end 16 millioner mennesker de mange individuelle udstillinger. Denne udstilling blev katalysatoren for bevægelsens begyndelse.
Art Nouveau og Art Déco
Art Deco var en direkte æstetisk og filosofisk respons på Art Nouveau-stilen og det bredere kulturelle fænomen af modernisme. Art Nouveau begyndte at falme i popularitet under Første Verdenskrig, da mange kritikere mente, at de gennemarbejdede detaljer, delikate designs, de ofte dyre materialer og produktionsmetoder i stilen ikke passede ind i en moderne verden, der var udfordrende, ustabil og stadig mere mekaniseret. Mens Art Nouveau-bevægelsen tog sine indviklede, stiliserede former fra naturen og hyldede de håndlavede dyder, lagde Art Deco-æstetikken vægt på aerodynamik og den elegante geometri fra maskinens æra.
Art Deco og Modernisme
Den Internationale Udstilling samlede ikke kun værker i Art Deco-stilen, men placerede også håndlavede genstande tæt på eksempler på avantgardemalerier og skulpturer i stilarter som kubismen, konstruktivismen, Bauhaus, De Stijl og futurismen. I 1920'erne var Art Deco et overflødighedshorn, men stort set konventionelt, i forhold til den mere cerebral æstetik fra Bauhaus og De Stijl. De tre delte en vægt på rene og stærke linjer som princippet for organiserende design. Praktiserende kunstnere i Art Deco tog imod teknologisk innovation, moderne materialer og mekanisering og forsøgte at fremhæve dem i den overordnede æstetik af stilen selv. Praktiserende kunstnere tog også lånt og lærte fra andre modernistiske bevægelser. Art Deco blev betragtet af beundrere, der var ajour med de fremadskuende perspektiver fra samtidens avantgardistiske bevægelser. Ironisk nok spillede modernistisk maleri og skulptur en sekundær rolle i udstillingen, med få undtagelser af den sovjetiske pavillon og Le Corbusiers Esprit Nouveau-pavillon.
Art Deco efter Den Store Depression
Begyndelsen af den anden fase af Art Deco faldt sammen med begyndelsen af Den Store Depression. Austeriteten kunne faktisk være den centrale æstetik både af pragmatiske og konceptuelle grunde for denne anden udvikling af Art Deco. Mens Art Deco-arkitektur, for eksempel, var orienteret vertikalt med skyskrabere, der strakte sig til store højder, symboliserede de efterfølgende Art Deco-bygninger, der primært havde nøgne facader, elegante kurver og horisontalt fokus, styrke, stille værdighed og modstandskraft. I de værste år af den økonomiske katastrofe, fra 1929 til 1931, gik amerikansk Art Deco fra at følge trends til at etablere dem.
Streamline Moderne
Streamline Moderne blev den amerikanske fortsættelse af den europæiske Art Deco-bevægelse. Udover de alvorlige økonomiske og filosofiske indflydelser, blev den æstetiske inspiration til de tidlige Streamline Moderne-strukturer bygget af fortalere for New Objectivity-bevægelsen i Tyskland, der kom fra en uformel gruppe af tyske arkitekter, designere og kunstnere, der blev dannet i begyndelsen af det 20. århundrede.
Art Deco - Streamline Moderne
Kunstnere og arkitekter fra New Objectivity blev inspireret af den samme slags sobert pragmatisme, der tvang fortalere for Streamline Moderne til at eliminere overdrevne elementer, herunder den følelsesmæssige karakter ved ekspressionismen. Arkitekterne fra New Objectivity fokuserede på at producere strukturer, der kunne anses for praktiske, som et spejl på de reelle livs krav. De foretrak, at deres designs tilpassede sig den virkelige verden i stedet for at få andre til at tilpasse sig til en upraktisk æstetik. Med dette formål var arkitekterne fra New Objectivity endda pionerer inden for præfabrikationsteknologi (hvilket hjalp med at hurtigt og effektivt huse de fattige i Tyskland).
Uden udsmykning præsenterede Streamline Moderne-arkitektur rene kurver, lange vandrette linjer (herunder vinduesbånd), glasblokke, porthole-vinduer og cylindriske, og til tider, nautiske former. Mere end nogensinde var der en vægt på aerodynamik og andre udtryk for moderne teknologi. De dyrere og ofte eksotiske materialer fra Art Deco blev erstattet med beton, glas og krom i Streamline Moderne. Farven blev anvendt sparsomt, idet bløde, beige og jordfarver erstattede de mere livlige farver fra Art Deco. Stilen blev først introduceret i arkitektur og derefter udvidet til andre genstande, på en måde der minder om den traditionelle Art Deco-stil.
Art Deco bliver retroaktivt navngivet
Oprindeligt blev termen "Art Deco" brugt nedladende af en berømt modstander, den modernistiske arkitekt Le Corbusier, i artikler, hvor han kritiserede stilen for dens dekorative elementer, en karakteristik han anså for overflødig i moderne arkitektur. Mens stilens fortalere hyldede den som en modernistisk og forsimplet respons på overdreven ornamentik, især i forhold til dens umiddelbare forgænger, Art Nouveau, da dekorationer generelt var overflødige for Le Corbusier. Det var ikke før slutningen af 1960'erne, da interessen for stilen blev genoplivet, at den britiske historiker og kunstkritiker Bevis Hillier brugte termen "Art Deco" positivt.
Art Deco i USA
I USA udviklede modtagelsen af Art Deco-bevægelsen sig på en anderledes bane. Herbert Hoover, den daværende Handelsminister i USA, bekendtgjorde, at amerikanske designere og arkitekter ikke kunne udstille deres arbejde ved den Internationale Udstilling, fordi han mente, at landet stadig skulle tænke på en klart amerikansk kunststil, der var tilfredsstillende "ny nok". Som et alternativ sendte han en delegation til Frankrig for at evaluere tilbudene i udstillingen og derefter anvende det, de så, til en samtidig amerikansk kunstnerisk og arkitektonisk stil. I den gruppe af æstetiske udsendinge sendt af Hoover var der fremtrædende skikkelser fra American Institute of Architecture, Metropolitan Museum of Art og The New York Times. Missionen inspirerede en næsten umiddelbar stigning i kunstnerisk innovation i USA.
Til 1926 rejste en mindre version af den franske messe, kaldet "En udvalgt samling af objekter fra den Internationale Udstilling for Moderne, Industielle og Dekorative Kunster", rundt i mange byer i USA som New York, Cleveland, Chicago, Detroit, St. Louis, Boston, Minneapolis og Philadelphia. De amerikanske verdensudstillinger i Chicago (1933) og New York City (1939) fremhævede Art Deco-designs, mens Hollywood tog æstetikken til sig og gjorde den glamorøs over hele landet. Selv amerikanske virksomheder som General Motors og Ford byggede pavilloner i Verdensudstillingen i New York.
Art Deco - Verdensudstillingen i New York
Blandt de mest kendte eksempler på amerikansk Art Deco-stil findes skyskrabere og andre store bygninger. Faktisk er den amerikanske iteration af Art Deco i bygge designs blevet kaldt Zigzag Modern på grund af sine kantede og geometriske mønstre som udsmykkede arkitektoniske facade. Dog er den amerikanske Art Deco generelt ofte mindre ornamenteret end sin europæiske forgænger. Udover de rene linjer og kraftige kurver, stiliserer den amerikanske version geometriske former, intense farver og til tider luksuriøs ornamentik, men versionen er mere ligetil. Efterhånden som vigtige indflydelser som New Objectivity og den Internationale Stil inden for arkitekturen, samt de alvorlige økonomiske tilbageslag i slutningen af 1920'erne og begyndelsen af 1930'erne, begyndte at påvirke Art Deco-æstetikken, blev stilen meget mindre luksuriøs.
Art Deco - Zig Zag Modern
Den amerikanske Art Deco-stil udviklede sig som en fejring af teknologiske fremskridt, herunder masseproduktion, og en genoprettet tro på social fremgang. I det væsentlige kan disse præstationer betragtes som et spejl af national stolthed. I 1930'erne under Roosevelts Works Progress Administration (WPA) blev mange af de værker, der blev skabt, Art Deco, fra kommunale strukturer som biblioteker og skoler til massive offentlige vægmalerier. WPA havde til hensigt at styrke den amerikanske økonomi efter krigen ved at skabe job inden for offentlige projekter og søgte at tjene samfundet ved at skabe job og indskrive amerikanske værdier inden for design. Brugen af amerikansk Art Deco bragte således en udtryksfuld demokrati gennem design. Nogle materialer, der ofte blev brugt til at skabe Art Deco, var dyre og derfor uden for rækkevidde for den gennemsnitlige mand. Men brugen af nye eller omkostningseffektive materialer gjorde det muligt at producere et bredt udvalg af overkommelige produkter og bragte derfor skønhed til den offentlige sfære på en ny måde.
Global vækst af Art Deco
Art Deco-stilen slog igennem i verdens hovedstæder så forskellige som Havana, Cuba, Mumbai og Jakarta. Havana har faktisk et helt kvarter bygget i Art Deco-stil. Londons undergrundssystem omfavner i høj grad stilen. Shanghais havn indeholder mere end halvtreds Art Deco-strukturer, hvoraf de fleste blev designet af den ungarske Laszlo Hudec. Fra krigsminder til hospitaler har byer så fjerne som Sydney og Melbourne i Australien også absorberet den fantastiske stil.
Art Deco - Laszlo Hudec
De vigtigste visuelle karakteristika ved Art Deco stammer fra den gentagne brug af lineære og geometriske former, der inkluderer triangulære, zigzag, trapezformede og chevron-mønstrede former. Ligesom sin forgænger, Art Nouveau, når objekter som blomster, dyr eller menneskelige figurer repræsenteres, bliver disse i høj grad stiliserede og forsimplede for at bevare den overordnede æstetik af Art Deco. Naturen og omfanget af stiliseringen og forenklingen varierer alt efter den regionale iteration af stilen. For eksempel er en figur som "Ildfuglen" (1922) af den franske designer René Lalique elegant slank og dæmpet, mens Atlas af Lee Lawrie (1937) uden for Rockefeller Center er solid og robust med en udtalt lineær muskulatur, selvom begge betragtes som gode repræsentationer af Deco-stilen.
Art Deco - Atlas af Lee Lawrie i Rockefeller-bygningen
I overensstemmelse med bevægelsens betoning af moderne teknologi udnyttede Art Deco-kunstnere og designere moderne materialer som plast, bakelit og rustfrit stål. Men når der var behov for et strejf af rigdom og raffinement, inkorporerede designerne mere eksotiske materialer som elfenben, horn og zebrahud. Ligesom med Art Nouveau-bevægelsen og Arts and Crafts blev Art Deco-stilen anvendt meget mindre på former for visuel kunst, der traditionelt betragtes som højere rangeret: maleri og skulptur.
Art Deco-design
Art Deco-stilen udøvede sin indflydelse på grafisk kunst på en måde, der afslører indflydelsen fra italiensk futurisme med sin kærlighed til hastighed og tilbedelse af maskinen. Futuristiske kunstnere brugte linjer til at angive bevægelse, kendt som "hastighedsantenner", der kom ud fra hjulene på biler og hurtigt bevægende tog. Dessuden benyttede praktikere af Art Deco parallelle linjer og koniske former, der antyder symmetri og aerodynamik. Typografien blev påvirket af den internationale indflydelse af Art Deco og skrifttyperne Bifur, Broadway og Peignot minder straks om stilen.
Art Deco - skrifttype Bifur
I billederne minder de enkle former og store områder med solid farve om japanske træsnit, der var blevet en vigtig kilde til indflydelse for vestlige kunstnere, især i Frankrig, efter afslutningen af den isolationsprægede Edo-periode i 1868. Den efterfølgende tilstrømning af japansk kunst til Europa havde en enorm indflydelse. Kunstnere fandt i den formelle enkelhed af træsnit en model til at skabe deres egne distinkt moderne stilarter, begyndende med impressionismen.
Art Deco-møbler
Indtil slutningen af 1920'erne bestod cutting-edge møbeldesign i Frankrig primært af variationer af Art Nouveau-stilen, men forenklet og mindre kurvet. Som årtiet skred frem, fremstod Émile-Jacques Ruhlmann som den primære møbeldesigner (Ruhlmann havde sin egen pavillon ved udstillingen i 1925). Selvom hans designs primært var inspireret af 18. århundredes stykker udført i den neoklassiske stil, eliminerede han meget af udsmykningen, mens han stadig brugte eksotiske materialer, som designere af Art Nouveau favoriserede, såsom mahogni, ebony, palisander, elfenben og skildpaddeskal. Selvfølgelig var hans stykker ofte for dyre for nogen at erhverve, bortset fra de rigeste.
I kontrast til Ruhlmanns luksuriøse designs, der syntes at stå mellem Art Nouveau og Art Deco stilarterne, var den mest defineret Art Deco-møbeldesigner i Frankrig Jules Leleu. Han havde været en traditionel designer, indtil den nye stil tog over fra Art Nouveau, og er kendt for designet af det store spiserum i Palais de l'Élysée i Paris og de luksuriøse kahytter i første klasse på det elegante dampskib Normandie.
Art Deco - møbel af Jules Leleu
I kontrast til Leleu og Ruhlmann, var Le Corbusier en fortaler for en meget reduceret og uden udsmykning version af Art Deco-stilen, ofte skabende møbler, der passede til de strenge indre i hans egne arkitektoniske strukturer. Hans hensigt var at designe prototyper, især til stole, der kunne produceres i masse og derfor være overkommelige for et bredere marked. Det skal også bemærkes, at Donald Deskeys indretning af den berømte seværdighed i New York City, Radio City Music Hall, er et fremragende eksempel på amerikansk Art Deco-møbel design, der stadig er intakt i sin oprindelige form i dag.
Art Deco - møbel af Le Corbusier
Art Deco-arkitektur
Art Deco-arkitekturen er kendetegnet ved hårde, ofte rigt udsmykkede designs, der er fremhævet af skinnende metal detaljer. Mange af disse bygninger har en vertikal vægt, bygget med hensigt at vække opmærksomhed opad. De rektangulære former, ofte i blokke, er geometrisk arrangeret, med tilføjelse af nåle i taget og/eller buede udsmykningselementer for at give en aerodynamisk effekt. Skyskraberne i New York og de pastelfarvede bygninger i Miami er blandt de mest kendte amerikanske eksempler, selvom stilen blev implementeret i en bred vifte af strukturer over hele verden.
I USA hjalp Works Progress Administration med at gøre Art Deco-arkitekturen almindelig. Interessant nok kaldes fusionen af Art Deco-klassicisme og Beaux-Arts, der ses i mange offentlige arbejder fra depressionsæraen, PWA Moderne eller Depression Moderne.
Art Deco PWA Moderne - Depression Moderne
Efterfølgende udviklinger: efter Art Deco
Art Deco faldt i unåde under Anden Verdenskrig i Europa og Nordamerika, hvor krigens austeritet fik stilen til at virke stadig mere prangende og dekadent. Metaller blev genvundet til brug i opbygningen af krigsmateriel fremfor til udsmykning af bygninger eller indendørs rum. Møbler blev ikke længere betragtet som statussymboler. Andre teknologiske fremskridt gjorde det muligt at producere basale forbrugsartikler billigere, hvilket eliminerede behovet for og populariteten af Art Deco-designere.
En bevægelse, der i mange henseender søgte at bryde med fortiden, er nu blevet et klassisk udtryk for ultimativ nostalgi og huskes med kærlighed. Siden 1960'erne har der været en konstant og vedvarende interesse for stilen. Man kan se ekkoer af Art Deco i mid-century moderne design, der viderefører Deco's aerodynamiske æstetik og genbesøger Bauhaus' rene enkelhed. Deco hjalp også med at inspirere Memphis-gruppen, en design- og arkitekturbaseret bevægelse i Milano i 1980'erne. Memphis byggede også på popkunst og kitsch som kilder til deres farverige og bevidst postmoderne designs.
KUADROS ©, en berømt maleri på din væg.
