描述
亨利·马蒂斯（Henri Matisse）创作的“混合花束”作品于1917年进行，尺寸为43x60 cm，是Matisse Matisse托管的色彩和构图的充满活力的表现。这座画布充满了死亡的精神，展示了一束郁郁葱葱的花束，以明显的自发性排列，但实际上，这表明了艺术家细致的美学意图。
仔细观察时，调色板是温暖和冷色调的爆炸，远离碰撞，在和谐而活泼的舞蹈中相互补充。黄色，红色和玫瑰与绿色和蓝色相结合，由于其柔软和同时大胆的应用程序，它创造了一种视觉效果，可以吸引外观，并将注意力从一个点转移到另一个画布。在光滑的桌布上，包含花朵的花瓶不仅是由其简单且响亮的形状而区别的，而且还因为其颜色，其颜色与背景突出以突出花卉含量。
组成中缺乏人物并不能保持对工作的动力。相反，花朵本身似乎还活着，每个花瓣都涂有微妙的阴影，暗示着音量和运动。值得突出显示马蒂斯的松散和流畅的笔触，这并没有详细说明，而是使用一种优先考虑一般印象和套装产生的感觉的技术。几乎可以说，分支的代表中有一种动力，它将油漆转化为无生命物体的简单表示。
这项工作将我们提到了马蒂斯工作的基本特征之一：使普通人成为非凡的能力。 “混合花的花束”不仅仅是死去的本性。这是对花朵的短暂美的庆祝，并扩大了生命本身。 Matisse设法捕获了颜色和形状的瞬间，使图像中的瞬变永生，这种瞬态会随着时间的流逝而持续。
在作者的历史和个人背景下找到这项工作很重要。 1917年，马蒂斯（Matisse）已经穿越了他的野牛舞台，其特征是大胆而非自然主义的颜色使用。尽管在这幅画中，它的调色板仍然是丰富而充满活力的，但还有一种改进和遏制，表明其风格向更成熟的优雅发展，而不会失去其作品始终定义的强度和激情。
可以将“混合花束”与Matisse死去的其他作品进行比较，例如“ Dahlias and White Book”（1923年）或“ Blue Still Life”（1932），其中颜色和构图同样至关重要。在所有这些中，他们的意图被认为是探索形式和颜色的限制，以创造超越现实复制的视觉体验。
总之，亨利·马蒂斯（Henri Matisse）的“混合花束”是一个精致的例子，说明教师如何将日常场景转变为充满活力的纯粹美感。这幅画不仅因其美学而脱颖而出，而且还因为Matisse设法灌输了每次中风的情感和生命的深度，使这项作品成为值得学习和钦佩的珠宝。